Montes - Cuando Brille El Tiempo (FLAC-1974) Remaster. 2019

 

Agrupación liderada por el virtuoso guitarrista Jorge Montes (ex Séptima Brigada). Grabó este único álbum en 1974, mas un disco simple, incluido en la publicación como bonus track. 

Edición remasterizada, tomada del vinilo original, publicada por el sello RGS.

 

Luego de la disolución de Séptima Brigada, el guitarrista Jorge Montes partió hacia Bolivia y allí, junto con dos músicos locales armó un trío llamado Mahatma. Como no tuvo suerte, Montes regresó al país en 1971 y después de algunas semanas comenzó a ensayar con nuevos músicos y bautizó el proyecto como Montes Mahatma. Después de presentarse por pequeños teatros y tras algunos cambios en su formación, ingresó en estudios a registrar su primer simple con los temas "Pájaro nocturno" y "Un viaje al mar". Pero tuvo problemas con el sello grabador y la edición se demoró. Entre tanto dio un concierto en el Teatro Sha, que marcaría la suerte del grupo en sus presentaciones capitalinas, porque (según las críticas de la época) pretendió imitar a Deep Purple, lo que motivó que el público se marchara mediando el espectáculo. El simple salió a las bateas a fines de 1973 y por problemas de contrato apareció como Montes. Por entonces, el grupo planeó la salida de su primer álbum, que se llamaría "Caminando despacio sobre el espacio" y que finalmente se editó como "Cuando brille el tiempo". La revista Pelo N° 49 dijo: "Montes es la prueba de que gente y música renovadoras están surgiendo en la Argentina. Sería importante prestarle atención, no sólo por este trabajo , que se lo merece, sino también por lo que representa como apertura." Los cambios en su formación no tardaron en llegar y Alberto Onetto reemplazó a Alex Suker y Carlos Salazar hizo lo mismo con Pitman. Para la primavera de ese 1974 el conjunto viajó a Bolivia para presentarse por diversos escenarios y posteriormente lo hizo por Ecuador, Venezuela y Colombia, y a mediados de 1975 se disolvió. Jorge Montes se incorporó a Pappo's Blues a los pocos meses. 

"Montes es un grupo que existe realmente pero que muy pocos argentinos han tenido oportunidad de ver o escuchar. Está esencialmente basado en la habilidosa guitarra de Jorge Montes. uno de los guitarristas más investigadores del país que, sin embargo, todavía no ha logrado el reconocimiento que su trabajo merece. Este primer álbum posiblemente salde esa deuda. En el Montes, básicamente un trío más un cantante con instrumentistas agregados para las grabaciones, ha logrado un álbum compacto y serio a pesar de las indefiniciones que, lógicamente siempre acarrea un primer trabajo. Su sonido tiene dos diferencias con lo que comunmente se piense de un grupo nuevo: en principio no responde a ninguna corriente definida internacionalmente (aunque obviamente tiene influencias), y, luego su personalidad musical es un esfuerzo por integrar una guitarra solista (evidentemente impetuosa) con una estructura de composición mucho más amplia, aunque todavía no del todo desarrollada.
Tapa: Un dibujo exótico y de colores valintes trata de sintetizar el título del álbum "Cuando brille el tiempo". La presentación en general es sobria en cuanto a las formas. Síntesis: Montes es la prueba de que gente y música renovadores están surgiendo en Argentina. Sería importante prestarle atención, no sólo por este trabajo (que se lo merece) sino también por lo que representa como apertura."

Revista Pelo-Reseña del disco (1974)

 

 

 

Integrantes:

Jorge Montes: Guitarra y coros
Alberto Onetto: Bajo
Sergio Goffan: Teclados
Juan Carlos Policastro: Voz
Carlos Salazar: Batería

Musicos invitados:

Alex Zucker: Bajo
Eduardo Pipman: Batería

Temas:

01- En el caminos de Dios hacia el sol
02- Arde Roma
03- El ascensor
04- Hoy
05- Arco iris
06- Fuera del sol
07- Epílogo de Crossville
08- Días después

Bonus - Simple / 1973:

09- Pajaro nocturno (Simple/A)
10- Un viaje al mar (Simple/B 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Malón (Juan Carlos Cáceres) - Rebelión (1971)

 

 

Juan Carlos Cáceres fue un músico y arreglador argentino, lamentablemente muy poco difundido en nuestro pais. A fines de la decada del 60 decide emigrar a Francia, epecificamente a la ciudad de Paris, donde forma parte del grupo de la “star” francesa Marie Laforet, que por entonces se hacia acompañar por músicos argentinos. Luego de esta experiencia formaria el grupo de jazz latino Malón, con el que grabaria dos discos: "Rebelión" (1971) y "El Camino-Dale Negro" (1972), en donde Cáceres estuvo a cargo de la autoría de los temas, fusionando latin jazz, ritmos folkloricos, rock y psicodelia.

 
Un 14 de septiembre de 1936, nacía en Buenos Aires Juan Carlos Cáceres. Estudió Bellas Artes en la escuela Manuel Belgrano, pero se inclinó a la música, siendo uno de los exponentes trombonistas de jazz de la época y protagonista en el mítico local bonaerense Cueva de Pasarotus donde, además de tocar música, era un sitio común de reuniones para los pensadores revolucionarios. Allí frecuentaban Tanguito y Miguel Abuelo, entre otros grandes iniciadores del rock. 

En mayo de 1968 se muda a París, donde se desempeña como músico, pintor y maestro. Allí demostró ser un experto de las músicas del Río de la Plata, incluyendo tango, milonga, candombe y murga, y ganó nombre no sólo como trombonista, sino también como pianista, cantante y compositor. Le aporta pizcas de candombe al tango, teniendo en cuenta que este ritmo tiene orígenes africanos.

En 1993 edita su primera producción, titulada “Solo”. Por otro lado funda e integra el París Gotán Trío, junto a Sedef  Ercetin en violonchelo y Sasha Rozhdestvensky en el violín. Incursiona además en el tango electrónico, creando el proyecto "Maquinal Tango". Su último álbum, “Noche de Carnaval”, fue editado en 2011.

Juan Carlos Cáceres fallece el 5 de abril de 2015 a los 78 años de edad, a causa del cáncer.

 

"Hace más de cuarenta años que empecé con esta historia. Mi primer álbum, “Rebelión”, lo grabé en París en el sello Phillips en 1971, en un grupo mítico que se llamó Malon, con el sonido de la época, de rock latino, tipo Santana. Y ya me interesaba por el candombe y la negritud. Siempre fui fiel a esa ideología, rescatar lo que es negado. Después, no necesitaba vivir de la música: tocaba por placer durante muchos años y vivía como profesor de arte. En esa época, pude dedicar un tiempo muy importante a la investigación y, aplicando la misma metodología del historiador, me puse a indagar, y me di cuenta de que la clave del asunto no estaba en la historia del tango, sino en la historia argentina." 

Juan Carlos Cáceres

 

 

 

Integrantes:

 

Juan Carlos Cáceres: Piano, flauta peruana, órgano, quena, percusión, trompeta, vocal

Daniel Leonard: Guitarra de 12 cuerdas, bajo, vocal

Alberto Canonico: Batería, percusión.
Didier Gras: Guitarra eléctrica, órgano, percusión.
Jean Paul Proix: Percusión.
 

Temas:

 

01- Macona

02- La villa (Le ville)

03- Rebelión (Rebellion)

04- Yo te daré (Je donnerai)

05- Huinca

06- Candombe

07- Vidala

08- Milonga

09- Malón

10- El fantasma (Le fantome)

11- La nueva 

 

 

Formato: Mp3 - 256 Kbps

 

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Seru Giran - No Llores Por Mi, Argentina (FLAC - 1982)

 

No llores por mí, Argentina es el primer álbum en vivo de Serú Girán, que se transformó, desde su edición en 1982, en un LP clave, no sólo de la carrera de esta banda sino también de la música popular argentina, debido a la impecable y brillante calidad artística y musical de los temas. 

 

El disco fue grabado mayormente en vivo durante las últimas presentaciones de Serú Girán el 6 de marzo de 1982 en el estadio del Club Obras Sanitarias y luego retocado en estudio. Este recital también sirvió como despedida para el bajista de la banda, Pedro Aznar. La decisión de Pedro de irse a Boston, Estados Unidos, a estudiar en la Berklee College of Music puso el futuro de la banda en un signo de interrogación. Se decidió que cada uno de los miembros grabaría un disco solista, para decidir el futuro de la banda luego de un año de impasse. Los 6 y 7 de marzo de 1982 se hicieron dos recitales para despedir a Pedro Aznar, sin saber que sería la despedida de Seru Giran hasta diez años después. Los emotivos recitales fueron grabados y el resultado fue el quinto disco de la banda No Llores Por Mí, Argentina.

El álbum permitió el estreno del tema que dio título a la despedida, en la que Charly propuso una respuesta irónica al “Don`t Cry for Me Argentina” que Andrew Lloyd Webber y Tim Rice compusieron para el musical “Evita”, creado dos años antes. Tambien contiene una festejada versión de "Popotitos" y se completó con una suerte de grandes éxitos que la banda había plasmado en sus anteriores cuatro placas: Serú Girán (1978), La grasa de las capitales (1979), Bicicleta (1980) y Peperina (1981). "En la vereda del sol", "Salir de la melancolía", "Esperando nacer", "Canción de Alicia en el país", "Cuánto tiempo más llevará", "Seminare", "Mientras miro las nuevas olas", "Encuentro con el diablo" y "Eiti Leda" completaron el recorrido capaz de exhibir la fuerza, el lirismo y el testimonio de una de las máximas expresiones de la historia del rock argentino.

 

 

"Por fin Seru Giran se decidió a editar un álbum en vivo, que además cobra un valor histórico ya que es el último con la formación original. Las tomas fueron registradas durante la serie de conciertos que el cuarteto realizó en marzo último en el estadio Obras. Con una cuidadosa producción "No llores por mi, Argentina" es un buen álbum en vivo, aunque no refleja toda la intensidad que tiene la banda cuando actúa. El tema que da titulo al disco es una de las dos composiciones inéditas que incluye el long play. Es un un rock'n'roll fuerte y bien marcado, pero es la canción más floja de todas porque no transmite la sensación de haber sido grabada en vivo. El otro tema es una versión de "Popotitos", un rock'n'roll muy viejo que tocaban los Teen Tops. Una buena versión y un homenaje válido a los precursores del rock en castellano.
"En la vereda del sol" y "Salir de la melancolía" aportan la cuota pop y el entretenimiento, mientras que "Cuanto tiempo más llevará" y "Mientras miro las nuevas olas" traen su caudal de energía. "Seminare" es, por concepto de lo que un álbum en vivo debe ser, lo mejor del disco, por el lirismo y el clímax alcanzado. Lebón vuelve a demostrar sus virtudes como cantante y guitarrista, mientras que García hace lo propio, mejorando incluso su actuación vocal. "No llores por mi, Argentina" es un buen long play, aunque se le puede objetar cierta pulcritud ex-cesiva que va en contra de la calentura que habitualmente tiene Seru Giran en vivo. Por supuesto, esto no será un obstáculo para que los seguidores del grupo se sientan satisfechos con este álbum." 

Revista Pelo - Reseña del disco (1982)

 

 

Integrantes:

 

Charly García: Piano, teclados, sintetizadores, voz principal
David Lebón: Guitarra eléctrica, guitarra acústica, voz principal
Pedro Aznar: Bajo, teclados, voz principal
Oscar Moro: Batería, percusión

Temas:

01- No llores por mí, Argentina
02- En la vereda del sol
03- Popotitos
04- Esperando Nacer
05- Canción de Alicia en el país
06- Cuánto tiempo más llevará
07- Seminare
08- Mientras miro las nuevas olas
09- Encuentro con el diablo
10- Eiti Leda

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Raíces - Empalme / Ey Bo Road (1994-1997)

La agrupación comandada por el gran Beto Satragni, grabó este material a mediados de los noventa, luego de un impasse de varios años, donde Beto participó en distinos proyectos. El regreso de Raíces se produjo con el álbum Empalme (1994), que incluyó la participación del tecladista Diego Rapoport en varios temas y de David Lebón en "Corralones viejos". En 1997 editaron un EP de cuatro temas, titulado Ey Bo Road, que contó con la participación de Andrés Calamaro en "Candombe de las esquinas". 

Dos muy buenos discos que pasaron desapercibidas en su momento, rescatados por La Nave. Enjoy!!

 

Raices fue formada en 1977 y liderada por Roberto Valencia y Beto Satragni. La banda comienza a tomar importancia en el '78, cuando Andrés Calamaro reemplazó a Valencia. Si bien es difícil catalogarla dentro de algún género concreto, por aquella época se la llamaba fusión candombe-rock, aunque algunos destellos del jazz también se pueden percibir sin demasiado esfuerzo.
Si bien lograron un importante éxito con la presentación del primer disco a fines de 1978, fue cuando telonearon a Serú Girán en Obras cuando se terminaron de imponer dentro de su estilo.
Leo Sujatovich reemplazó a Martín Ordúñez (quien había ingresado en lugar de Calamaro poco tiempo antes) y Juan Carlos Tordó ocupó el lugar de Cuadros. Con esta alineación registraron el segundo disco, "Los habitantes de la rutina", en 1980.
Otra tanda de reemplazos sobrevino ante la imposibilidad de grabar una tercera placa y esta inestabilidad, sumada a que Satragni comenzaba su dúo con el baterista Oscar Moro, llevaron a la disolución del grupo.
El regreso de la banda se produjo en 1994, con la edición de un álbum, titulado Empalme. Durante el 95 realizaron presentaciones en La Trastienda. Con David Lebón y Ricardo Mollo como guitarristas invitados, la formación que acompañó a Satragni fue: Enrique Sinesi en guitarra, Nora Sarmonía en teclados, Gustavo Liangot en piano, Daniel Colombres en batería y Jimi Santos y la Foca Machado en percusión.
En 1997 editaron un EP de cuatro temas, llamado "Ey Bo Road", que contó con la participación de Calamaro en el tema "Candombe de las esquinas". En 2008, al cumplirse los 30 años de su fundación, Satragni, Calamaro, Santos, Tordó y Bengolea se reunieron informalmente y grabaron Raíces, 30 años, editado por el sello de Litto Nebbia, Melopea. Beto Satragni falleció el 20 de septiembre de 2010.

 

 

 

Músicos / Empalme (1994):

 

Beto Satragni: Bajo, voz, tambores, piano, guitarras, teclados
Quique Sinesi: Guitarras
Diego Rapoport: Piano
Jimmy Santos: Tambores, tumbadoras
Juan Tordó: Batería

 

Músico Invitado:

 

David Lebón: Guitarra (solo), voz (En "Corralones viejos")

 

Temas / Empalme (1994):

 

01- Esto es candombe
02- Por la ventana
03- Belmiro
04- Candombe del empalme
05- Los orientales
06- Che-che
07- Espírutu burlón
08- Corralones viejos
09- Dedos 

Musicos / Ey bo Road (EP-1997):

 

Beto Satragni: Guitarra, voz

Foca Machado: Tumbadoras, tambores

Oscar Linero: Batería

Gustavo Liamgot: Bajo, coros

Rano Sarbach: Guitarra

Gustavo Vinitzca: Coros

 

Musico Invitado:

 

Andrés Calamaro: Teclados, voz (En "Candombe de las esquinas")

 

Temas / Ey bo Road (EP-1997):

 

01- Candombe de las esquinas 

02- Azabache

03- De tu risa

04- Candombe del empalme

 

Formato: Mp3 - 192 / 256 Kbps

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Luis Alberto Spinetta - A 18' del Sol (FLAC - 1977)

Editado en 1977, “A 18 minutos del sol” fue el tercer disco solista de Spinetta y el décimo de su carrera musical. A pesar de su escasa difusión, es una de las obras más sofisticadas y de mayor calidad del Flaco. Tratándose de su álbum más cercano al jazz fusion, en donde sobresale la impecable ejecución y el virtuosismo de Luis y sus músicos. La atmósfera del disco, algo alejada del rock, es delicada y suave.

 

A pocos meses de la separación de Invisible, Spinetta sorprendió al mundo musical componiendo un trabajo de estudio con nuevas orientaciones estilisticas: A 18' del sol. El álbum surgió principalmente de la influencia que tuvo sobre Spinetta el haber empezado a trabajar con Diego Rapoport, por mediación del ex Alma y Vida Gustavo Moretto. Rapaport le abre las puertas a las posibilidades musicales que ofrecía el jazz-rock de ese momento, sobre todo el que expresaba la Mahavishnu Orchestra de John McLaughlin. Para interpretar A 18' del sol, Spinetta organizó una banda con el propio Rapoport en teclados, Machi Rufino en el bajo (continuando la relación de Invisible) y Osvaldo Adrián López en batería. También contó con la participación de su hermano Gustavo y Marcelo Vidal en el tema "Viento del azur". Así comenzó lo que Spinetta llamaba su "proyecto jazzero", y a formarse la banda con la que Spinetta tocó en esos años finales de la década de 1970, conocida con el nombre de "Banda Spinetta".

El álbum contiene temas como "Canción para los días de la vida", tomado de la ópera inédita de la época de Almendra, "Toda la vida tiene música hoy" y temas instrumentales como "Telgopor" y "A dieciocho minutos del sol".

Este trabajo no fue bien recibido por el público (vinculado aún al sonido de Pescado Rabioso e Invisible) ni por la crítica, pero con el paso de los años y la revisión de la amplísima obra de Spinetta, A 18' del sol comenzó a ser considerado como uno de los grandes discos del flaco. Para Spinetta "esa fue la mejor grabación que hice en mi vida". Aquí comienza la relación musical de Spinetta cada vez más frecuente con músicos de jazz. Quien ha relacionado este período jazzístico con el nacimiento de su hijo, Dante.

A fines de 1977, la "Banda Spinetta" se fue ampliando por la convocatoria a nuevos músicos para profundizar este período de orientación al jazz de Spinetta, como Leo Sujatovich (teclados), Gustavo Bazterrica (guitarra), Rinaldo Rafanelli (bajo), por primera vez instrumentos de viento a cargo de Bernardo Baraj (saxo), Gustavo Moretto (trompeta), Ricardo Sanz (bajo), Eduardo Zvetelman (teclados) y Luis Ceravolo (batería). Alineación recordada principalmente por haber dado una serie de recitales en abril de 1978 presentando un repertorio conformado por temas que quedaron inéditos: "Tríptico del eterno verdor! (una extensa suite de más de 20 minutos), "Covadonga", "Las alas del grillo", "Tanino", "Tu destino es el de morir de amor", "Estrella gris", "El Turquito", "Bahiana split" y "Los espacios amados". Esta última, le daría nombre al álbum truncado que incluiría dicho repertorio. Se conservan, de todos modos, grabaciones en vivo de aquellos recitales.

A principios de 1979, la banda ya había sufrido otra modificación y habían adoptado el nombre de Experiencia Demente con el que dieron un recital en el mes de enero en Mar del Plata. Con Gustavo Bazterrica -que venía de La Máquina de Hacer Pájaros recientemente disuelta-, Luis Cerávolo en batería y Rinaldo Rafanelli -ex Polifemo- en bajo, presentaron canciones como "Pájaros de la fe", "El sueño de Chita", "Ondas y caderas" y "Viento celeste". Sin embargo, dicho proyecto se vio abortado por el viaje de Spinetta a Estados Unidos a grabar Only love can sustain, cuyos interludios titulados "Jade", darían a Spinetta la idea para el nombre de su próxima banda. Los sonidos de Luis ya mutaban hacia otra parte y lo instrumental se iba extinguiendo en aras de un formato más de canción que desarrollaría en Spinetta Jade, aún con sonido cercano al jazz rock.

 

 

Una de las varias formaciones de la "Banda Spinetta"

Músicos Que Participan:   

Luis Alberto Spinetta: Guitarra, voz.
Carlos Alberto Machi Rufino: Bajo
Diego Rapoport: Teclados.
Osvaldo Adrián López: Batería.
Marcelo Vidal: Bajo (en Viento del azur)
Gustavo Spinetta: Batería (en Viento del azur)

Temas:

01- Viento del azur
02- Telgopor
03- Viejas mascarillas
05- A dieciocho minutos del sol
06- Canción para los días de la vida
07- Toda la vida tiene música hoy
08- ¿Dónde está el topacio?
09- La eternidad imaginaria

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Astor Piazzolla - Libertango (Vinilo FLAC / 24 Bits - 1974)

 

Obra maestra de la música argentina, "Libertango" es uno de los discos mas descargados de La Nave desde que fuera publicado, hace ya seis años, en formato mp3. Ahora tendrán el privilegio de poder escucharlo en alta fidelidad con una profundidad de 24 bits, extraído de la primera tirada del vinilo original. El álbum, en su edición argentina, fue editado por el sello Trova en 1974, con número de serie XT-80083.

 

En Astor Piazzolla nos encontramos a uno de los grandes revolucionarios del tango argentino y a un excelente y prolífico compositor capaz de combinar con enorme eficacia lo clásico con lo contemporáneo y lo académico con lo popular. A pesar de esto e incluso a mas de 20 años  de su muerte, continúa siendo vilipendiado por los más ortodoxos "tangueros", convirtiéndolo sin duda en unos de los músicos malditos de la segunda mitad del siglo XX. Esto es por que rompió con las estructuras tradicionales del tango añadiéndole elementos de músicas populares como el Jazz o incluso el Rock y empleando recursos de la armonía impresionista y la libre atonalidad, llegando a una música cargada de sutiles y no tan sutiles disonancias que seguía sonando a tango rítmica y globalmente pero que difería considerablemente del sonido de la Guardia Vieja. En la presente grabación podemos apreciar claramente todas estas características en cada una de las canciones y en cada una de ellas de una manera particular. Todas las canciones poseen el lexema -tango (a excepción de "Adiós Nonino") en sus nombres, precedido de un prefijo que define la personalidad del tema, como ejemplos el tema que da nombre al álbum, cuya "libertad" tonal toma un papel protagonista o el "Tristango" que cierra el disco, caracterizado por la melancolía.
Por supuesto este no es un disco dirigido exclusivamente a los amantes del tango y la música argentina, debido al torbellino de influencias que lo colman, cualquier amante de la musica podrá encontrar algo de importancia en el.
"Libertango" no pasó desapercibido por adoradores ni detractores, con tintes progresivos, separatista a la vez que unionista, provocador, tanguero. Con una nueva versión de "Adiós Nonino" modernísima, con la energía de "Violentango" y con ese hit que abre el disco. Y con un Astor en pleno "éxtasis" creativo y virtuosísima ejecución. 

 

 

 

"Libertango fue creado por Piazzolla en una etapa de especial fertilidad del músico argentino quien, tras sufrir un infarto unos meses antes, se trasladó a Italia donde daría comienzo su época más experimental en la que iba a jugar con todas las influencias citadas (clásica y jazz) e incluso con algo de rock. Lo interesante de “Libertango”, al margen de su calidad intrínseca y de la difusión que alcanzaría la composición que presta su título al disco, fue el éxito que obtuvo a nivel internacional (es decir, fuera de Argentina). Esto hizo que buena parte de la crítica del país que le acusaba de hacer algo diferente del tango, un sucedáneo desvirtuado, se replantease esa posición y comenzase a mirar a Piazzolla con otros ojos.
Para grabar “Libertango”, el músico se rodeó de algunos de los mejores músicos de estudio del momento de la escena italiana (muchos procedentes del mundo del jazz). Sería lógico dudar de la idoneidad de estos para interpretar una música con una raíz tan sólida en un estilo folclórico procedente del otro lado del Atlántico pero si nos planteamos el disco como una fusión entre estilos diferentes, como un paso adelante en pos de una obra que trascienda las barreras de un género concreto, la elección de músicos ajenos a la tradición tanguista se revela como un gran acierto.
El legado de Astor Piazzolla es inmenso y lo convierte en uno de los músicos inmortales del pasado siglo XX con su música formando parte ya del repertorio clásico, cosa que muchos consideraban imposible por creer que su música “no existía si no la interpretaba él”. Su trascendencia seguramente hará que discos como este “Libertango” y, en general, toda su obra grabada, quede en segundo plano en el futuro en favor de la interpretación que otros hagan día a día de sus partituras pero eso, a nuestro juicio, no hace sino resaltar la importancia documental de estos registros, especialmente de los aparecidos a partir de su etapa en Italia por la gran calidad de las grabaciones en comparación con las anteriores. No es conveniente dejar pasar la oportunidad de hacerse con ellas si surge la oportunidad. Son verdaderas joyas".

                                                                              Fuente de información: vozdelosvientos.blogspot.com

 

 

Musicos:

Astor Piazzolla: Bandoneón, Dirección, Arreglos
Felice Da Viá: Piano
Felice Da Viá, Gianni Zilioli: Organo Hammond C3
Gianni Zilioli: Marimba
Marlene Kessik: Flauta grave en Sol
Hugo Heredia, Gianni Bedori: Flauta en Do
Giuseppe Prestipino (Pino Presti): Bajo Eléctrico
Tullio De Piscopo: Batería
Filippo Daccó: Guitarra y Guitarra Eléctrica
Andrea Poggi: Timbales
Tullio De Piscopo, Andrea Poggi: Percusión y efectos
Umberto Benedetti Michelangeli: Primer Violin
Elsa Parravicini: Primer Viola
Paolo Salvi: Primer Cello

Temas:

01- Libertango
02- Meditango
03- Undertango
04- Adiós Nonino
05- Violentango
06- Novitango
07- Amelitango
08- Tristango 

 

 

Muestra Gráfica De La Grabación Sin Perdida De Audio Original

Ripeado De Vinilo

Formato: FLAC (Free Lossless Audio Codec) 48.000 Hz - 24 Bits

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Billy Bond "El Rebelde" – Las Dos Caras de Billy Bond + Simples (1969)

Segundo álbum de la etapa beat de Billy Bond, apodado "El Rebelde" en aquellos años. El disco, al igual que el primero, contiene covers nacionales e internacionales cantados en castellano. Destacan los temas "Mal" (Hush) clásico de Joe South; la bossa nova "Ojos oscuros", de Hugo Fattoruso; la curiosa "El niño, la noche y yo" compuesta por Carlos Mellino y la risueña bossa-beat "La  gran rabona", también de Fattoruso, con letra de Florencio Escardó.

 

Giuliano Canterini, alias Billy Bond, fue uno de los protagonistas principales del rock argentino de principio de los 70. Antes, sin embargo, había integrado un grupo de rock and roll llamado Los Guantes Negros, que se movió mucho en la época del programa televisivo La Escala Musical, compartiendo cartel en los bailes de barrio con Los Dukes, donde cantaba Tanguito, y Sandro y Los de Fuego. Luego grabó un par de discos solistas: Yo, Billy Bond (1967) y Las Dos Caras de Billy Bond (1969), en los que zigzagueó entre canciones altamente comerciales y baladas inteligentes con letras de Florencio Escardó. Recaló en La Cueva de la avenida Pueyrredon, que en ese momento era un reducto de jazz. La alquilo y redecoro, invitando a Sandro a protagonizar noches de rock and roll. Allí se formo el núcleo original del rock nativo, pero Billy solo participo tangencialmente de esas primeras "divagatas" que compartían Moris, Javier Martinez, Miguel Abuelo, Litto Nebbia y Pajarito Zaguri. Más adelante, a fines de los 60, fundó la segunda encarnación de La Cueva, ubicada en la avenida Rivadavia, donde tocaron todos los músicos de la primera generación del rock. A mediados de los 70 forma la mítica Pesada del Rock And Roll. La Pesada aglutinaba todo tipo de proyectos y Billy Bond ejercía el cargo de "manager de grabación" en los estudios Phonalex, reservando cientos de horas que debían destinarse a algún tipo de disco, razón por la que accedió al vinilo mucha gente a quien le hubiera sido muy difícil llegar. La premisa era que Billy ponía los músicos, o sea los integrantes de La Pesada. Por ejemplo el disco "Buenos Aires Blus" con la cantante Donna Caroll, el debut del grupo Fe, los discos solistas y la serie de Billy Bond y La Pesada. 

 

"Billy Bond no es un novato, le llevó años imponer su estilo, brindándose con toda el alma por conseguirlo y a fe que lo ha logrado. Es de los pioneros, de los que debían jugarse en la calle, o ante el público de un teatro para imponer una nueva modalidad. Una modalidad que de ningún modo era rebeldía para con la sociedad, sino una forma de vivir, de sentir, de brindarse y realizarse por su propia determinación. Pero no nos pongamos serios que el motivo de esta nota es el de dar un pantallazo sobre sus actividades, tal como sus "fans" lo solicitan. Mucha televisión, Escala Musical en Canal 11, Galanterías en el 9, pero lo que demuestra su popularidad, es que en estos momentos en un teleteatro, (Con Venganza), también en Canal 9, Emilio Ariño encarna a Billy Bond e incluso canta uno de sus temas. Para el disco, su último hit, "Judy disfrazada en la calle" que indica su constante renovación, esta alcanza también a su acompañamiento que está compuesto ahora de ocho músicos, cuatro más que antes. El equipo amplificador, los micrófonos y parte del decorado con que actúa son suyos, montar su espectáculo cuesta en estos momentos alrededor de $ 1.500.000 lo que da una idea de la importancia de sus presentaciones. ¡Adelante Billy! Sigue así, que más que tus triunfos lo que te admiramos es la lealtad que tienes contigo".

                                                                                                               Revista JV (1967)

 

 

Temas:

01- Mal    
02- Ojos Oscuros    
03- Al Diablo Los Consejos De Ustedes    
04- Quiero Decírselo Cantando    
05- El Niño, La Noche Y Yo    
06- Cuando    
07- Yo Te Amo, Te Amo    
08- Trotamundo    
09- Vestía De Azul    
10- Botella De Vino    
11- La La La    
12- La Gran Rabona

Bonus Tracks:

 

13- Judy Disfrazada
14- Viva La Gente
15- Siempre
16- Abrazame Fuerte
17- Alza La Cabeza
18- Que Pusiste En El Café
19- Romance a Lolita
20- El Toro Campeon 

 

 

Sonido Mejorado

 

Formato: Mp3 - 192 Kbps

 

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