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31 de diciembre de 2021

Jorge Lopez Ruiz - JLR interpreta a JLR (1966)

 


 Segundo álbum de Jorge López Ruiz, en el que toca sus propias composiciones al frente de un quinteto increíble, donde brillan las primeras figuras del jazz argentino de esos años. Grabado en 1966 y producido por Alfredo Radoszynski, director del sello Trova.
 
"Desde la portada nos sonríe un joven Jorge López Ruiz y, pequeño a la izquierda, se lo puede ver de perfil tocando su contrabajo. A los 31 años presentaba su segundo disco, y ya llevaba un tiempo pulsando las cuerdas de ese instrumento, luego de haber comenzado en el jazz como trompetista. El disco que grabó hace 55 años incluía sólo música escrita por él, lo que nos da una idea del perfil de este músico que pronto iba a descollar como arreglador y compositor de Sandro, quizás su rol más famoso en la industria de la música, aunque también cumplió trabajos similares para otros grandes números como Piero o Leonardo Favio, y compuso y grabó música para muchísimas películas argentinas y extranjeras a lo largo de varias décadas. También, sólo un año después, en 1967, publicaría El grito, una suite para big band que sería un impacto por su originalidad y que marcaría un nuevo camino que desembocaría en Bronca Buenos Aires, de 1970, con un claro perfil político.
Pero, volviendo a este, su segundo álbum con música propia, contiene en poco más de media hora ocho temas que ya son parte de la historia del jazz argentino. En el comienzo, el track más largo del disco, "Presencia", dedicado a la memoria del Bebe Eguía, legendario saxofonista ya muerto hace tiempo en 1966, comienza con una larga introducción de acordes tríada en el piano que ya nos hablan de un lenguaje alejado de la tonalidad tradicional. En efecto, cuando comienza el tema propiamente dicho notamos la fuerte influencia de Miles Davis y su Kind Of Blue en estas tierras. Pocos acordes y melodía claramente modal, lenguaje que se continúa en "Pablo", el track 2. Luego, la "Oda para mi niña" (track 3), mucho más dulce, juega con ambigüedad entre el 4/4 y la subdivisión ternaria, y "Línea para una película", frenética, algo bopera, cierra lo que en el vinilo original era el Lado A. El segundo lado inicia con "El día de la carrera" (track 5), donde se retoma el espíritu de los primeros dos tracks del disco y tiene un claro sabor davisiano de fines de los '50, comienzos de los '60, si eso fuera posible.
Más allá del análisis tema por tema, este álbum es una notable foto de lo que era el ambiente del jazz en la Argentina, o en Buenos Aires, mejor dicho, a mediados de esa convulsionada década del 60. Se escucha muy bien, la duración tiene que ver con la limitación del LP de vinilo, y la edición no trae bonus tracks (imposibles de conseguir, por otra parte). Leyendas del jazz local como el baterista Pichi Mazzei o el pianista Buby Lavecchia completan la base rítmica con López Ruiz. Los vientos los grabaron Rubén Barbieri (trompeta, hermano del mundialmente famoso Gato) y Marito Cosentino (saxo alto). Los cinco son legendarios, todos fueron además compositores y no sólo de jazz, y en el caso de Pichi Mazzei, por ejemplo, no es tan fácil conseguir grabaciones de él tocando, no con esta calidad por lo menos."
Fuente:clubdeldisco.com 
 
 

 
 Músicos:

Jorge López Ruiz: Contrabajo, composición, arreglos
Rubén Barbieri: Trompeta
Marito Cosentino: Saxo alto
Bubby Lavecchia: Piano
Pichi Mazzei: Batería 

Temas:

01- Presencia (Bebe Eguía In memoriam)
02- Pablo
03- Oda para mi niña
04- Línea para una película
05- El día de la carrera 
06- Jota Ese
07- Marieta
08- Amigo Bud
 
 
Formato: Mp3 - 320 Kbps
 

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24 de diciembre de 2021

Pippo Spera – A Buen Puerto (Uruguay - 1977)

 


Primer album solista del músico y compositor uruguayo Pippo Spera. Un disco que transita por sutiles melodías acústicas, inspiradas sobre un trasfondo de bossa nova y arregladas con suaves percusiones afrouruguayas. Ideal para escuchar contemplando una cautivante puesta de sol.
 
Nacido en Italia, Pipo Spera llega en 1956, con siete años de edad a Uruguay, donde se formó como músico. Cursó estudios con los maestros Abel Carlevaro y Atilio Rapat. Asimismo, recibió importantes influencias musicales de Eduardo Mateo, Horacio Buscaglia y Urbano Moraes, junto a quienes en 1965 participó en las "Musicasiones" en el Teatro el Galpón. Poco después integra entre 1966 y 1967 el grupo "The Knacks" y posteriormente "Cold Coffee" en el período 1971-1972.  Es además autor de la música de la canción "Pippo", con letra de Eduardo Mateo, que formó parte del repertorio del grupo El Kinto y que integra los álbumes Musicasión 4 ½ y Circa 1968.
Su primer larga duración, editado por Sondor en 1976, tuvo por título "A buen puerto". En él contó con la participación de importantes artistas uruguayos como Federico García Vigil, quien tocó el contrabajo y tuvo a su cargo el arreglo de varios temas, Alberto Magnone en piano y arreglos, José L. Sosa en batería, Jorge Trasante en percusión, Eduardo Marquez en bajo eléctrico y Pato Rovés en guitarra eléctrica. Por esta época, tiene lugar su primer viaje a Brasil en un velero francés llamado "Parergon 3". En el mismo pasa más de dos años recorriendo el mundo junto a los músicos Eduardo Marquez y Pato Rovés con quienes conformó el grupo llamado "Tacuabé". 
En 1981 formó parte del grupo "Barcarola", junto a Hugo y Osvaldo Fattoruso, María de Fátima, Susana Bosch y Eduardo Márquez. La banda grabó un álbum homónimo y se presentó en vivo en el Teatro Stella y en el estadio Luis Franzini. En este último show estuvo como invitado el brasileño Geraldo Azevedo, autor de algunos temas del repertorio de Barcarola.
 
 

 
Músicos que participan:
 
Pippo: Guitarra acústica, voz
Jorge Trasante: Percusión
Alberto Magnone: Piano, arreglos
Federico García Vigil: Bajo, arreglos
José Luis Sosa: Batería
Pato Rovés: Guitarra eléctrica
Eduardo Marquez: Bajo eléctrico

Temas:
 
01- A buen puerto
02- Fragmento de la Suite de Pescadores – Mejor me voy
03- Déjalo libre
04- Tu no tienes la culpa (ni la tengo yo)
05- Parábola
06- Antes que tú
07- El amor no espera
08- Al final es un momento
09- Niña malcriada
10- Columbande
11- Debes encontrarlo en ti
12- Puede ser que mañana
 
 
Formato: Mp3 - 320 Kbps
 

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17 de diciembre de 2021

Sacramento - Sacramento (FLAC - 1972)

 
 

Alfredo Toth y Ciro Fogliatta (ambos ex-Los Gatos) se unieron al baterista Roberto López (ex-Walkers y Mentales) y al bajista Ricardo Jelicie (ex-Engranaje) para formar Sacramento. Lanzaron este magnífico álbum a fines de 1972, que recuerda el sonido de Traffic y Grateful Dead (aunque sin el desarrollo instrumental de estos). Las referencias locales mas cercanas serían Huinca y Aquelarre. "Despiértate y cree en mí", contiene un soberbio sonido de Hammond, la excelente "Cruza el Monte" (también editada en single), "Reunidos en el cuarto", y el psycho-folk "Pedro vuela por los campos ", son algunos de los temas mas destacados. El disco recibió malas críticas (inmerecidas según mi opinión) y se vendió muy poco; pese a ello, también se publicó en Uruguay.
 
 La música de Sacramento estaba constituida por un rock melódico con muy buenas armonías vocales y representa el "eslabón perdido" entre el beat argentino de la primera época, tipificado por Los Gatos, y las variantes mas experimentales que nuestro rock iba a desarrollar a medida que avanzaba la década del 70.
Antes de su separación, Sacramento llegó a grabar en RCA un segundo álbum bajo el título de "Tirando la carreta", integrado en su totalidad con temas de Bocon Frascino, quien ingresa al grupo en 1973. Al parecer las cintas originales fueron borradas en la grabadora, luego de la separación del grupo, pero del trabajo quedaron cinco temas en poder de Ricardo Jelicie (ya fallecido), de las cuales entregó copias a Ciro Fogliatta. Estas cintas finalmente vieron la luz a principios del 2020. Fueron publicadas por el sello Viajero Inmovil bajo el título de Sacramento II. También pueden encontrarlas dentro del blog.
 
 
"Pelo: ¿Cómo grabaron el simple y como queda la banda definitivamente integrada?

Ciro Fogliatta: La propuesta de grabacion vino de parte de la RCA. Los temas del simple son: ¿Oh muchacha adónde vas?, y Cruza el monte. En el primer tema metemos un slide, una guitarra hawiana como la que tiene Starc. Referente al grupo queda conformado de la siguiente manera: Alfredo guitarra, Ricardo bajo, voz y guitarra acústica y yo en piano y órgano El grupo se llama Sacramento. Después del simple enseguida nos piden un L.P. el cual terminamos de grabar hace ya un mes.
 
Pelo: ¿Qué te pareció el LP a nivel de tu participación y la de el grupo?

Ciro: el álbum que lleva por nombre Sacramento, personalmente me satisfizo mucho a nivel grupal. En lo personal también porque logré el sonido que más me agradaba

Pelo: ¿Cómo definís la música del álbum?

Ciro: es en la línea folk, pero también hay temas que suenan más fuertes. La duración no excede de los cuatro minutos por banda. Lo que no da lugar a largos solos.
 
Pelo: ¿Cómo y cuándo seria la presentación del disco?

Ciro: Pensamos presentarlo a los críticos en algún boliche. Luego se haría la presentación en un programa de televisión donde posiblemente toque también Alma y Vida, quizás también presentando su L.P.

Pelo: ¿qué opina del actual movimiento de la música progresiva en el país, alguien que es partícipe desde los primeros tiempos?

Ciro: en realidad no veo nada concreto, veo si algo que nace y como todas las cosas y dados ciertos factores cumplirá su evolución lógica

Pelo: ¿Oué factores pueden influir?

Ciro: los técnicos por ejemplo, las posibilidades a ese nivel son casi nulas. Los equipos son carísimos y malos. Mirá, para ser más claro a pesar de que detesto las comparaciones, yo tengo el álbum Tarkus del grupo Emerson Lake and Palmer. Este grupo mata, pero yo o cualquier otro organista por más que tuviésemos el virtuosismo de Keith Emerson jamás lograríamos ese sonido, me entendés, es problema de los estudios de grabación también.

Pelo: ¿de aqui qué grupo te gusta?

Ciro: Mirá, no tuve oportunidad de escucharlos con detenimiento, pero de lo poco que oigo me gusta Aquelarre. Pero te repito no los escuché a los demás grupos y de Aquelarre no llegé a escuchar el disco completo, por eso no puedo dar una opinión definitiva."
 
Ciro Fogliatta - Revista Pelo (1972)
 
 

 
 Integrantes:

Alfredo Toth: Guitarra eléctrica, acústica, hawaiana, bajo, canto
Ciro Fogliatta: Organo, piano, percusión, canto
Ricardo Jelicie: Bajo, armónica, guitarras, canto
Roberto "Corre" López: Batería, percusión
Rubén Biscione: Guitarra eléctrica en "Algo Mas Brilla En El Sol"
 
Temas:

01- Despierta Y Cree En Mi
02- Cada Dia Nena
03- Algo Mas Brilla En El Sol
04- Mujer Por Siempre
05- Cruza El Monte
06- Reunidos En El Cuarto
07- Pedro Vuela Por Los Champos
08- Oh! Muchacha Donde Vas
09- Quiero Correr De Este Mundo
10- Cruza El Color
11- Voy Por Las Calles 


Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits


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10 de diciembre de 2021

Billy Bond and The Jets - Idem (FLAC - 1979)

 


Billy Bond durante 1978, ya radicado en Brasil, se reúne con los Serú Girán para producirles su primer disco. Durante los "descansos" de esa grabación, decide grabar un LP, esta vez secundado por los propios Serú (bautizados por cuestiones legales como "The Jets"). De aquellas sesiones de grabación surgió "Billy Bond and the jets". Poco difundido y escuchado en su tiempo, el álbum hoy es considerado una rara joya del rock argentino.
 
Billy Bond and the Jets (grabado en 1978 y publicado un año más tarde) cuenta con dos temas con letra y música de Charly García que serían posteriormente tocados en vivo por Serú Girán. El primero, "Discoshock", un tema que fue rechazado por el público por no entender que se trataba de una crítica irónica hacia la música disco. El segundo, "Loco, ¿No te sobra una moneda?", también fue tocado por Charly diez años después, en los shows despedida de la gira de Parte de la religión en marzo de 1988 en el Estadio Obras, y también el tema fue grabado por Billy Bond en 2018 en una versión nueva que fue lanzada por Youtube. El disco cuenta además con "Toda la gente" (con letra y música de David Lebón), un tema que había sido publicado en el primer disco de David como "Treinta y dos macetas". Aparte del propio Billy y los integrantes de Seru, participan otros músicos como Bernardo Baraj, Nacho, Pichacho, Rolando Castello Junior, Tico Terpins, Maytrea (Zé Brasil), Flavinho Pimenta y Walter Bailot.  

"Muchos, incluyendo a sus propios colegas músicos, cometieron el error de juzgar mal a Billy Bond. El equívoco resultó de la necesidad que todos tenemos —también nos incluimos— de racionalizar todo, y hasta de intelectualizarlo. Billy Bond, en ese sentido, fue un lúcido, supo darle a todo la dimensión exacta, sin caer en el facilismo de la introspección deliberada. Todos sus discos fueron, fundamentalmente, profundamente porteños y argentinos, con toda la carga de melancolía, excepticismo, ironía y hasta cierto dejo de cinismo que tenemos todos los habitantes de esta ciudad. Y así como hubo muchos que lo despreciaron, hubo quienes entendieron el mensaje, los que se dieron cuenta de la fugacidad e intangibilidad de esta realidad que cada día se parece más a la ficción. Su virtud más grande fue ésa: asumir la realidad sin creer nunca totalmetne en ella, sin tomar demasiado en serio lo que ocurría a su alrededor, única forma de no ser superado por la alienación y alucinación que transitamos cotidianamente.
Si algo fartaba para confirmar todo esto, Billy Bond nos acaba de dejar su mejor y más acabado álbum. Un disco que despertará ira y admiración, pero que honestamente es el mensaje más claro y contundente que se cantó en el rock de estos últimos años. Sin la más mínima concesión, Bond destruye todos los mitos, satiriza e historia toda la música de rock de este lado dei mundo. "Discoshock" es la introducción con una invectiva cargada de humor sobre la música disco. "Toda la gente" es un rock and roll muy fuerte de David Lebón, que aquí tiene un tempo más bluseado con dos buenos solos de guitarra y piano. "Judy disfrazada" es el rock de los '50. Es aquel Billy Bond adolescente y atrapado por la magia que llegaba de Menphis: Elvis. La introducción del clásico órgano Farfisa y los coros fortalecen una canción que navega entre la nostalgia y la parodia. "Toma Rock And Roll" representa una típica composición de rock pesado de comienzos de esta década. La letra es tan inteligible como lo era entonces. "No te sobra una moneda" es la clásica historia del pibe que quiere entrar al concierto de Pappo y no tiene un peso. Siente sobre sí el peso de su vida oscura, intrascendente, que sólo puede redimir el rock, él sólo quiere ver a su estrella favorita. Sutilmente, Bond susurra sus comentarios sociales, hábilmente enmascarados por efectos siseantes y altibajos de voluMen en la mezcla. "El Cha-cha-cha" tiene la introducción en acústicas que predominó en toda una época. El efecto de las guitarras (esta vez eléctricas, con Phase) se repite a lo largo del tema. "Sono lo" es una especie de homenaje a su pasado, a la época en que todos se derretían con los cantantes italianos, Si hay algo que Bond sabe hacer es imitar, su voz retrotrae toda una generación de cantantes como Nicola Paone o Bobby Solo. "La hija del coronel" es otra "remake", esta vez por parte doble. El homenaje al país donde actualmente reside y el sonido de un grupo de argentinos que también triunfó en Brasil: Secos & Molhados. La melodía cadenciosa y las voces de apoyo resaltan una canción muy lograda. 
Tapa: Muy buena, con imaginación. La imagen actual de Bond es la de un "cantante de la Nueva Ola"..., algo que él ya conoció. Síntesis: Un homenaje, un tributo a la música y a todos los que hicieron que esta historia continúe. Hay ironía y hasta una cierta crueldad que nace de la autocrítica descarnada. Billy Bond nunca fue complaciente, ni siquiera con él."
Revista Pelo -Reseña del álbum (1979)
 
 

 
Integrantes:

Billy Bond: Voces
Charly Garcia: Teclados, voces
David Lebon: Guitarra, voces
Pedro Aznar: Bajo, voces
Oscar Moro: Bateria, pecusión

Musicos invitados:

Hugo Fattoruso
Osvaldo Fatorusso
Bernardo Baraj
Pichacho
Rolando Castello Junior
Tico Terpin
Maytrea (Zé Brasil)
Flavinho Pimenta
Walter Bailot

Temas:

01- Discoshock (Charly García)
02- Toda la gente (David Lebón)
03- Judy disfrazada (J. Fred/A. Bernard versión castellano F. Villa)
04- Toma rock and roll (Billy Bond)
05- ¿No te sobra una moneda? (Charly García)
06- Variaciones sobre El Paso del Elefantito (Henry Mancini)
07- El cha-cha-cha (Billy Bond-Tico Terpins)
08- Sono io (Billy Bond)
09- La hija del coronel (Maytrea)


Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits
 

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3 de diciembre de 2021

Gorrión - El Rock De La Misa Criolla (FLAC - 1974)

 

 
 La idea de este grupo "fantasma" fué la de lanzar una versión rock de La Misa Criolla, la popular obra conceptual del folklore argentino. La alineación incluía a Félix Pando, Hiacho Lezica (ambos ex-La Joven Guardia), Quique Alvarado (ex-Los Mentales, ex-Fe) y Daniel Cash. El compositor de la obra, Ariel Ramírez suprervisó la grabación, y el intérprete de folklore Chango Farías Gómez tocó en este particular disco. El álbum no tuvo gran repercusión al momento de ser publicado, recibiendo una dura crítica de parte de la revista Pelo. Sin embargo, fue lanzado en Francia bajo el título "Misa Criolla in Rock" (Hexagone - 883001) con una portada diferente y en Japón en 1976.
 
"Estos pergeños de copar el rock con el folklore o el folklore con el rock, aparte de salir siempre mal, revelan una traición contenida hacia algunas de las partes. En este caso la obra de Ariel Ramírez ha sido tomada por este grupo evidentemente con la idea, partida de su producción, de convertirse en un buen negocio. Pero eso quedará para sus conciencias. El trabajo musical es ridículo a pesar de todo el empeño puesto por el grupo y por el marco de super-producción que pretendieron darle. Ariel Ramírez escribió esto para ser interpretado —como lo fué— por grupos folklóricos. Y se acabó. Sacarle más jugos es desvirtuar su esencia. Lo extraño —y triste desde el punto de vista creativo— es el aval de Ramírez para con este trabajo al que insiste en denominar "beat" y no "rock" como en realidad anuncia el titulo. La cosa hubiese sido distinta si Gorrión se hubiera preocupado por hacer su propia misa rock. En fin ustedes ya saben como es el asunto. O se lo imaginan. Así que para qué mas. 
Tapa: gran despliegue para superponer fundamentalmente la imagen de Jesús crucificado sobre un avión supersónico: será una imagen rockera esa? Síntesis: ni rock, ni folklore."  
Revista Pelo - Reseña del álbum (1974)
 
 


Integrantes:
 
Felix Pando: Teclados, voz
Quique Alvarado: Bajo, charango
Daniel Cash: Guitarra
Hiacho Lezica: Batería
Chango Farías Gomez: Guitarra, charango
Marian Farías Gomez: Coros
Ariel Ramirez: Composición  
 
Temas:
 
01- Kirie
02- Gloria
03- Credo
04- Sanctus
05- Agnus Dei 


Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits
 

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26 de noviembre de 2021

Días De Blues - Vinilo FLAC / 24 Bits (Uruguay-1973)

 

 
Único álbum, del que en mi opinión es el mejor grupo de blues-rock uruguayo. Fué grabado en noviembre de 1972 en los estudios ION de Buenos Aires y publicado ese mismo año por el sello De La Planta. El ripeo que comparto con ustedes corresponde a dicha edición de vinilo, digitalizado en formato FLAC con una profundidad de audio de 24 Bits.
 
Días de Blues fue una poderoso trío de blues, rock, y hard rock que nació en Montevideo, Uruguay en 1972. Los tres integrantes provenían del grupo Opus Alfa, con el cual habían ganado una merecida notoriedad dentro y fuera de fronteras y además grabado un disco; que en ese mismo momento estaba a punto de editarse. Desde el punto de vista musical el grupo se constituyó en el power trio más importante que había dado el Uruguay hasta ese momento; siendo además un importante antecedente en el nacimiento del hard rock en dicho país. Por otra parte la banda cuidó mucho e hizo especial hincapié en las letras; las cuales no sólo utilizan el mismo lenguaje de la gente sino que son directas y muy conscientes de lo que dicen.
 El disco debut de Días de Blues se grabó en noviembre de 1972 en los estudios ION de Buenos Aires por Carlos Píriz y fue editado a principios de 1973. La edición uruguaya tenía en la carátula una excelente ilustración del dibujante, caricaturista y viñetista uruguayo Celmar Poumé, la cual lamentablemente no fue tenida en cuenta en la edición argentina. Debido al deterioro de la situación política en el Uruguay de 1973, la cual desembocaría en un golpe de estado, Jorge Barral emigra a España y Daniel Bertolone hace lo mismo pero con destino a Australia. Jorge Graf siguió adelante con el grupo con diferentes músicos. En el bajo estuvieron Angel Armagno y Gustavo “Mamut” Muñoz, mientras que en la guitarra han hecho lo propio Freddy Ramos y Daniel Henestrosa. A mediados de los 70s, Jorge Graf emigra a Italia regresando al Uruguay ya en la década siguiente.
Con el paso de los años “Días de Blues” se ha convertido en grupo de culto y su primer disco profusamente reeditado en países como Alemania e Italia. Su influencia puede detectarse en ciertas canciones de grupos como La Banda de la Luna Azul, El conde de Saint Germain o el también power trio Incandescente Blues Band.  
 
 

 
 "Este grupo uruguayo, que sorprendió a tantos en el último festival B.A.ROCK, donde además fue catalogado como uno de los mejores grupos participantes, llega por primera vez a la Argentina en forma discográfica, siendo además su primer álbum. Tienen esa fuerza y garra característica de los uruguayos y algún resabio de candombe (sobre todo el excelente baterista Jorge Graf), pero la influencia más marcada (en muchos casos perniciosa) es un excesivo copamiento con Cream, no sólo en el trabajo del guitarrista Daniel Bertolone, si no en la estructura de los temas. De todos modos el grupo presenta una potencia admirable y pocas veces escuchada en grupos de este Sur. Jorge Barral es un bajista muy peculiar al que. al parecer, la función del bajo parece que lo comprimiera en sus ansiedades expresivas. El trio decae en las voces (ninguno de ellos canta bien) pero suelen superarlo cuando hay que emplear la fuerza, aunque a veces se les escapan "cremadas" tipo Jack Bruce. 
Tapa: Buen grabado antiguo al que no se le encuentra demasiado significado. En muchos casos la vanidad llena de fotos las carátulas; aqui no hay ninguna, no sabemos si por modestia, pero hubiera sido conveniente por lo menos para que sepan quiénes son, ya que no frecuentan estos lares.
Síntesis: Excelente grupo de blues con extraordinarias posibilidades técnicas y expresivas, pero tendrían que alejar ese copamiento (quizás tan sólo un excesivo amor) con Cream, porque ellos pueden hacer su música con más fundamento y creación. El álbum tiene una grabación muy floja, quizás por ser el debut. No obstante, es un buen comienzo y si el grupo viniera a Buenos Aires se ubicaría, con seguridad, en los primeros lugares de la atención popular." 
 
Revista Pelo - Reseña del disco (1973)
 
 


 Integrantes:

Daniel Bertolone: Guitarra eléctrica, slide, voz, armónica, pianola, anófel soprano
Jorge "Flaco" Barral: Bajo, voz, guitarra acústica, orrigontófono
Jorge Graf: Batería, percusión vocal, pianola

Temas:

01- Amasijando los blues
02- Dame tu sonrisa loco
03- No podrán conmigo
04- Cada hombre es un camino
05- Están desubicados
06- Esto es nuestro
07- Vuela
08- Toda tu vida
 
 
Muestra Gráfica De La Grabación Sin Pérdida De Audio Original
 
 
Ripeado De Vinilo
 
Formato: FLAC (Free Lossless Audio Codec) 48.000 Hz / 24 Bits 
 

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19 de noviembre de 2021

Aquelarre - En vivo Club Caja Popular (Tucuman 13-09-74) Bootleg

 

 
Grabación extraída del concierto brindado por Aquelarre en Tucuman en 1974, el cual se llevó a cabo cuando la agrupación presentaba su álbum "Brumas", publicado ese mismo año.  En esa fecha del 13 de Septiembre tocó como soporte de Aquelarre la banda local "Tricupa", cuya actuación también se encuentra publicada en el blog.
 
El año 1974 encontraba a Aquelarre con un nuevo disco bajo el brazo (Brumas) y excelente apoyo de público y crítica. Bajo estas circunstancias favorables el grupo salió a recorrer el país. Decía Emilio Del Guercio: "Estamos recorriendo el interior para llevar nuestra música a todo el país, pero también llevamos un pensamiento para contribuir a cambiar las estructuras enfermas". La Rvista Mordisco confirmaba el esfuerzo: "Muy pocos saben que Aquelarre tiene la finalidad de efectuar conciertos en el interior, corriendo el riesgo de sufrir enormes pérdidas economicas debido al alto costo del traslado de sus bagajes. En realidad es el único grupo que se lanza a las provincias bajo este tipo de condiciones, es decir, mediante su propio esfuerzo
economico."
Ese mismo año Aquelarre se llevó casi todos los primeros puestos de la encuesta que publicó la revista Pelo: mejor grupo nacional, mejor bajista, mejor baterista, segundo mejor guitarrista y tecladista.
 
"El crecimiento de Aquelarre quizás sea uno de los hechos más significativos sobre la posibilidad de evolución en la Argentina: nacido en un momento de confusión (fines del '71) este cuarteto trazó sus planes musicales y grupales con asentamiento y frialdad objetiva, elementos que nunca habían participado en las organizaciones de grupos. Sus objetivos aparentes eran evolución individual y grupal, respeto por el público brindándole música elaborada y ensayada, fijación de una temática contundente sin concesiones personalistas. Después de tres años, esos objetivos se están cumpliendo como fueron trazados. Sin avasallar, sin convertirse en el boom de tal o cual temporada, Aquelarre mantuve un ritmo progresivo que lo llevó a ser uno de los más grandes grupos del rock argentino, pero que, además, consiguió la atención respetuosa de otros sectores de público que no escucha exclusivamente esa música. Sus eventuales contactos con el jazz, una personalidad escénica definida y una postura vanguardista como artistas insertados en irreversible realidad de su tiempo, le posibilitaron un espectro de receptibilidad amplio y variado, y consigue agitarlo más y más con su música.
En sus recitales el grupo ha tenido siempre especial cuidado en presentar espectáculos de buen nivel además de la música: programas que tratan de salir de lo habitual, impecable nivel de sonido, inteligente organización. Pequeños elementos tal vez, pero que consecuentemente reiterados van dando la imagen de un conjunto. Aquelarre en vivo es una de las bandas más poderosamente equipadas del país, con columnas de amplificación con bocinas Altec Lansing, equipo de guitarra Acoustic, y un sin fin de aparatos de efectos. Para entrar en calor tocan su blues "Aventura en el árbol", lo hacen muy extenso con largas improvisaciones. Starc mete muchos fraseos de jazz, utilizando el sintetizador para guitarra (Mug-Tron), logrando sonidos espectrales. González Neira establece un diálogo con su sintetizador, y haciendo base con el piano eléctrico. Del Guercio establece férreas lineas rítmicas para la improvisación de los demás, siempre seguido en sus evoluciones por la batería de García. En estas zapadas, que nunca son delirios, sino que responden a les melodías fundamentales de cada canción logran climas muy altos. Starc y Del Guercio son los que más polenta transmiten en el escenario mientras Neira está reconcentrado y sumergido en su mar de teclados. A pesar de los complicados elementos de sofisticación con que cuentan consiguen un sonido muy puro y a la vez excitante."
  
Revista Pelo (1974)
 
 

 
Integrantes:

Hector Starc: Guitarras, voz
Emilio Del Guercio: Bajo, guitarra acústica, voz
Hugo Gonzales Neira: Teclados, voz
Rodolfo García: Batería, voz

Temas:

01 - Parte del Dìa
02 - Aventura en el Arbol
03 - Aves Rapaces
04 - Ceremonias para Disolver 
05 - Silencio Marginal
06 - Cantemos tu Nombre
07 - Aniñada
08 - Iluminen la Tierra
09 - Mirando Adentro 
10 - Violencia en el Parque
11 - Milagro de Pueblo
12 - Cruzando la Calle


Formato: Mp3 - 192 Kbps


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12 de noviembre de 2021

MIA - Cornostipicum (1978 - FLAC Remaster. Japón / 2011)

 

 
Tercer y último álbum en estudio de MIA, publicado en 1978 de forma independiente. Para este trabajo el grupo ideó un modo de producción sin antecedentes en esa época. El público financió la obra mediante el pago de "vales de producción" que equivalían al costo del disco por adelantado, que fue entregado en un concierto especial que realizaron para la ocasión.
 
Todo comenzo a mediados de 1975, cuando los adolescentes, Liliana y Lito Vitale se juntaron con Alberto Muñoz y formaron un trio con el que presentaron una obra llamada "Saturno". Mas tarde la formacion se amplio con el ingreso del Nono Belvis y Juan Del Barrio. Desde su base se operaciones en Villa Adelina, los padres de Lito y Liliana, Rubens Vitale y Esther Soto, decidieron dar forma a una experiencia inédita en nuestra música. Dijo Pipo Lernoud én el Expreso Imaginario, en diciembre de 1976: "M.I.A. (Músicos Independientes Asociados) es una cooperativa musical independiente que le ha abierto un camino al talento, evitando totalmente los circuitos comerciales de difusión. Compuesta en su mayor parte por jóvenes menores de 20 años, produce sus propios recitales, discos y casettes, y ha conseguido reunir un amplio espectro de seguidores sin hacer publicidad". El grupo se fue formando alrededor de esa casa en la cual Rubens daba sus clases de piano y Esther organizaba la contabilidad y la producción de su pequeño sello independiente, Ciclo 3. Para sacar su primer disco Rubens Vitale hipotecó su casa. La novedad fue que, en los recitales, hacían llenar una ficha al público para formar un mailing, a través del cual mantenían informados a sus seguidores, y vendían los discos por suscripción, antes de editarlos. El primer album, "Transparencias" (1976), mostró a músicos y compositores de diferentes estilos trabajando juntos. Entre ellos podía destacarse el trabajo de Lito Vitale, quien desde su adolescencia demostró ser uno de los músicos más promisorios de la escena local. Su ciclo de presentaciones exhibió diferentes combinaciones de integrantes. Paulatinamente, los conciertos fueron trascendiendo a mayor cantidad de público. "Mágicos juegos del tiempo", editado a mediados de 1977, continuó con la carrera discográfica del grupo que, simultáneamente, formó a alumnos y profesionales de diferentes instrumentos mediante originales métodos de enseñanza.
La asociación continuó brindando recitales, clínicas, exposiciones, clases y charlas y, a mediados de 1978, editó un nuevo disco que fue vendido también por correo de manera anticipada y que llevó por título "Cornostipicum" (1978). En su seno, M.I.A. albergó desde grandes músicos como Lito Vitale, Juan Del Barrio, Daniel Curto, Nono Belvis, hasta iluminadores, pedagogos y dibujantes. En 1979 editó un álbum triple, "Conciertos", grabado prácticamente en vivo, donde deja al descubierto las combinaciones posibles de integrantes. El diseño de este álbum, como el de todos los álbumes de M.I.A., corrió por cuenta del baterista y excelente dibujante Kike Sanzol. La cooperativa continuó haciendo escuela en el camino de la producción independiente y comenzó a trabajar en una obra llamada "La Compañía del Circo Mágico", que recién fue montada a fines de 1982. La obra contó con máscaras, ropas y escenografías imaginadas entre todos.
Ese mismo año fueron soportes del brasileño Egberto Gismonti. Entrados los 80, su propuesta se transformó en el C.E.C.I. (Centro de Cultura Independiente), un centro destinado a la búsqueda creativa.
  

"El tercer y último trabajo de M.I.A. es también su última obra maestra: "Cornonstipicum" es una de las mejores grabaciones progresivas de la historia del rock argentino. El aumento de la energía musical funciona como factor crucial para el impresionante calibre de este disco, aunque conserva gran parte del sabor bucólico que claramente había aparecido en los dos trabajos anteriores; es solo que el repertorio de este álbum llega a muchos más lugares. Mientras tanto, el papel de Lito Vitale en el teclado se vuelve más prominente en la mezcla. Eso significa que las múltiples fuentes sonoras que la banda combina tan majestuosamente en su estilo progresivo, reciben una intensidad extra, gracias al aumento de la sensación orquestal en muchos pasajes de " Cornonstipicum ". Los arreglos sinfónicos suenan más grandiosas que nunca, las secciones de jazz suenan más exuberantes que nunca y algunos pasajes reciben un aire de extravagancia mágica, haciendo de este álbum algo muy poderoso. 'La Coronación del Farre' es un tema soberbio que se extiende desde dos frentes: uno es la secuencia de acordes elaborados en guitarras acústicas duales y piano, mientras que el otro es la orquestación masiva de sintetizador y batería que ocasionalmente aporta un agradable tono de perturbación. También hay unas breves líneas de grabación que ayudan a realzar adecuadamente el aspecto bucólico de la pista. Esta pista puede recordarnos a la agrupación italiana Celeste, pero lo menciono como un punto de referencia, no como una implicación de que podría haber algún tipo de conexión estilística entre la música de M.I.A. y el progresivo italiano. Las cosas se ponen algo más relajadas con otro tema a base de guitarra acústica, 'Imagen III': la presencia del acordeón agrega un toque sutil de tango al tapiz sonoro que se muestra en esta hermosa pieza. El lado más jazzístico de la banda emerge por primera vez en pleno apogeo en la 'Crifana y Tamilstenes' de casi 8 minutos de duración, construida alrededor de un atractivo motivo principal. Los colores líricos de las líneas melódicas y sus variaciones para las secciones rápidas me recuerdan al sonido Canterbury, mientras que el lento interludio de guitarra acústica, sintetizador y coro trae una mezcla de ambientes espeluznantes y antigüedades del Renacimiento, creando de esta manera un muy fluido sentido del contraste. Esta es una de mis pistas favoritas de este álbum. El breve y delicioso burlesco 'Las Persianas No' aporta un delicado ejercicio de disonancia, en una especie de combinación entre la opereta barroca y el cabaret a la antigua. ¿Alguna vez se preguntó cómo la rareza y el lirismo pueden mezclarse perfectamente en un cóctel progresivo "agitado, no revuelto"? Escuche esta pista y descúbralo: solo le tomará 49 segundos de su precioso tiempo. Me ha pasado (más de una vez) que me encontré escuchando esta pista 4 o 5 veces seguidas solo por el placer de hacerlo. 'Piedras de Color' es un piano nocturno escrito por Vitale que sirve principalmente como prólogo de la suite del monstruo del mismo nombre. 'Cornonstipicum' tiene que ser una de las suites progresivas más brillantes fuera del área anglosajona. A lo largo de su lapso de tiempo de 17:45 minutos, encontrará una espléndida procesión de ideas musicales increíblemente diversas, hábilmente articuladas en un continuo desafiante: incluso las secciones más aparentemente caóticas ofrecen una estructura ordenada. Todo sobre la vida y el mundo está aquí: intensidad, calma, densidad, tranquilidad, locura, introspección, en un marco espectacular donde el jazz-rock y el prog sinfónico se unen. Hay algunas coincidencias casuales con ELP, Pink Floyd, Gentle Giant, Return to Forever; pero nuevamente, M.I.A. (como muchos otros grandes grupos latinoamericanos) lograron crear una tendencia progresiva propia. Como su máxima expresión, "Cornonstipicum" se destaca como una obra maestra progresiva en sus propios términos."
 
Cesar Inca - progarchives.com
 
 

 

Integrantes:
 
Lito Vitale: Piano, órgano, sintetizador, mellotron, acordeón, clavinet, celeste, percusión, voz
Liliana Vitale: Voces, batería, bajo, celeste, flauta dulce, percusión
Daniel Curto: Guitarras eléctrica y acústica, bajo, flauta, contrabajo, órgano, mellotron, percusión
Alberto Munoz: Guitarra eléctrica y acústica, bajo, voz,
Nono Belvis: Bajo, guitarra eléctrica, percusión
Emilio Rivoira: Saxo tenor, coros
Kike Sanzol: Batería

Temas:

01- La Coronacion Del Farre
02- Imagen III
03- Crifana Y Tamilstenes
04- Las Persianas No
05- Piedras De Color
06- Cornonstipicum

Bonus Tracks (Grabado en vivo en el teatro Santa Marta en 1978):

07- Melusina
08- Joe Pirata
09- Iridio Puro
10- La Caja Del Viento
11- Los Gatos De Zully
 
 
Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits
 

pass: naveargenta.blogspot
 

5 de noviembre de 2021

Crucis - En Vivo Enero 1977 (Bootleg)

 


Audios extraídos de la presentación de Crucis en el Luna Park de la ciudad de Buenos Aires, el 14 de enero de 1977. El bootleg contiene además dos bonus: El track 8, grabado en vivo en el Estadio General Paz de Córdoba en 1976 y el track 9, en vivo en el Teatro Olimpia de Buenos Aires en 1974. 
 Una grabación de alto valor histórico, que en esta caso se conjuga con una aceptable calidad de sonido.


"La sola presencia de Crucis sobre el escenario del Luna Park, bastó para que el público estallara en una gran ovación. A pesar de que el material era conocido en su mayoría, era mucha la expectativa que se había creado, ya que este recital hacia las veces de despedida del '76 pero también era la bienvenida y el comienzo de su temporada en el 77. La actuación de Crucis confirmó el carisma creciente que lo relaciona con un público cada vez más subyugado por los fraseos de Marrone o la solvencia de un Farrugia muy consustanciado con la música que ellos hacen. Precisamente ellos, junto a Montesano y Kerpel, se encargaron de ir manejando el creciente clima de euforia que predominaba entre los asistentes. Cada una de sus intervenciones demostró el ajuste con que suena el conjunto, causa que lo llevó a ser nominado como el grupo revelación del '76. La gente pedía más y ellos lo daban, seguros de que podían lograrlo. Las bases justas armadas por Kerpel apuntalaban las individualidades, tanto las musicales de Marrone como las vocales de Montesano. "No me separen de mi", uno de los pocos temas cantados, arrancó al público del piso y lo mantuvo en constante excitación mientras Montesano se encargaba de ir desgranando las letras. Otros ejemplos son también "Los delirios del mariscal" o "Mes", que, junto al resto dé los temas interpretados, mostraron un prolijo trabajo del guitarrista, a la vez que el temperamental Farrugia mantenía con su batería continuos diálogos ya fuera con la guitarra o con los teclados. En suma, Crucis logró un éxito tanto musical como de asistencia (6.000 personas) que hace esperar con mayor confianza sus próximos trabajos, sobre todo ahora que Estados Unidos parece ser la meta del cuarteto argentino." 

Revista Pelo - Reseña del concierto (1977)




Integrantes:
 
Pino Marrone: Guitarras
Gustavo Montesano: Bajo, voz
Anibal Kerpel: Teclados, sintetizador, piano
Gonzalo Farrugia: Batería, percusión
Daniel Frenkel: Batería en "Algunas tristezas del monje"

Temas:

01- No me separen de mí
02- Mes
03- La triste visión del entierro propio
04- Todo tiempo es posible
05- Pollo frito
06- Recluso artista
07- Abismo terrenal
 
Bonus Tracks:

08- Irónico ser (Cordoba-1976)
09- Algunas tristezas del monje (Teatro Olimpia-1974)


Formato: Mp3 - 192 Kbps


pass: naveargenta.blogspot