Luis Alberto Spinetta - Mondo Di Cromo (Vinilo FLAC / 24 bits ) 1983

 

 

 Mondo Di Cromo marca el comienzo de una renovación tecnológia en el sonido de Luis Alberto, acorde a los tiempos que corrían en materia musical en el mundo. La era digital se avecinaba y Luis comenzaba a experimentar aquí lo que luego profundizaría en futuros trabajos discográficos.

Charly García y Pedro Aznar venían incorporando a su sonido una caja de ritmos Roland TR-808. Sujatovich, por su parte, había incorporado un sintetizador Prophet 5, aportando toda una nueva sonoridad y una revolución en el papel de los teclados. 

 

El álbum fué grabado entre febrero y mayo de 1983, cuando la Argentina se preparaba para iniciar la campaña política hacia las elecciones generales de 1983, a través de la cual se recuperó la democracia en la Argentina, poniendo fin a la dictadura terrorista que gobernara entre 1976 y 1983. El disco se presentó apenas siete días antes de que asumiera la presidencia Raúl Alfonsín.
En esa coyuntura, Spinetta aparece optimista pero a la vez preocupado, por el choque entre el pasado y el futuro, en un contexto mundial de agudización de la Guerra Fría, riesgo de un holocausto nuclear y exacerbación de la tecnología y el consumismo.
Este disco vuelve al estilo eléctrico que no había tenido en Kamikaze, un álbum netamente acústico; y fue presentado en vivo junto con Bajo Belgrano, disco de la banda Spinetta Jade, editado ese mismo año. Spinetta cuenta en el libro Spinetta: crónica e iluminaciones, que los demos de las canciones de este disco fueron grabados en la casa de Spinetta con una "máquina de ritmos" que le había prestado Charly García. 

 "Mondo Di Cromo tiene el material acumulado durante el período de un año y medio, y que es diferente de la música de Jade, que ya está lista y se llama "Bajo Belgrano". Como era imposible mezclar esas canciones y hubiera sido un desperdicio no utilizarlas después del trabajo de elaboración realizado, decidí sacarlas de esta manera. "Mondo ..." fue elaborado de una manera totalmente diferente a cualquier álbum de Jade. Primero grabé yo la batería electrónica, las guitarras y los bajos de las bases, y después llamé a los músicos para que vinieran a tocar: Pomo regrabó las baterías, Hugo Villareal el bajo, David cantó y tocó también la batería y Leo los teclados. Esto es muy diferente de lo de Jade, donde el material se trata en una forma más grupal.
Una vez que el material está compuesto, yo puedo discernir cuál será utilizado para la banda y cuál para mí. Jade tiene como ciertas pautas musicales preestablecidas, en función del sonido y el concepto grupal. En cambio yo puedo intentar experiencias como la de que Machi toque el bajo y David la batería. Por ejemplo, en "Mondo ..." hay una preeminencia de guitarras en el sonido, mientras que en Jade son los teclados los que tienen el papel preponderante. La definición surge naturalmente de escuchar el tema, a medida que uno visualiza las posibilidades se hace más concreta la orientación que tiene, si va para el grupo o para mí."

Luis Alberto Spinetta (1983)

 

 

 

Con respecto al significado del título, Spinetta explicó que se trata de una metáfora relacionada con el proceso químico de cromación, proceso que él asociaba con la enajenación tecnológica en conflicto con la energía y la frescura que mostraba la juventud:

"Yo hace tiempo que vengo con la obsesión de gente que está cromada. Es como si la hubiesen sometido al proceso de cromación, que está provocado por la tecnología, el smog, todas las pálidas, en contraste con la gente que tiene toda la energía para dar que son los jóvenes, que están frescos, que no están cromados y que representan el futuro. Esa comparación, esa relación está dada en el concepto general del disco y en algunas letras. Inclusive hay un instrumental al final del disco que se llama «Tango cromado». Ahora, al ponerle el título, la palabra cromada no entraba con las otras cosas que quería poner. Entonces finalmente decidí ponerle Mondo di Cromo... No sé por qué, la verdad... Me resulta algo con un dejo de humor. Y concuerda con el material, concuerda con la tapa, con todo."

Luis Alberto Spinetta (entrevista de Juan Alberto Badía, en 1983)

 

 

"Poco es lo que puede agregarse ya sobre Luis Alberto Spinetta; la importancia que reviste su figura dentro de la música nacional (tanto por lo dilatado como por la calidad de su obra) se encuentran más allá de toda discusión posible. Ahora, y en tanto la edición de "Bajo Belgrano" continúa demorada, llega al público "Mondo di Cromo", un nuevo trabajo individual de Spinetta. Formado por trece temas (cinco de los cuales son instrumentales), "Mondo di Cromo" es el disco más logrado que Spinetta produjo en su carrera como solista. Sereno, un tanto melancólico, irónico a veces e invariablemente lúcido, "Mondo di Cromo" es una obra plena de madurez artística. El disco es por demás parejo y el resultado global más que interesante; sobresalen temas como "Yo quiero ver un tren", el instrumental "Simil Bahión", el sereno "Cuando vuelva del cielo" y "No te alejes tanto de mí", probablemente el punto más alto del disco.
La producción del álbum. estuvo a cargo del mismo Spinetta y merece ser remarcada como también el aporte de músicos invitados de la talla de Leo Sujatovich, Pomo, Da-id Lebón, Machi, Gustavo Pires y Hugo Villareal. La edición del disco está a la altura de su calidad, con un interesante despliegue de producción que incluye un sobre interior con las letras de las can-ciones. "Mondo di Cromo" es un disco notable dentro de la música nacional y, aún, de la carrera de un músico como Spinetta."

Revista Pelo-Reseña del disco (1983)

Músicos Que Participan:

Luis Alberto Spinetta: Guitarras, bajo, silbatos, voz, coros
David Lebón: Bajo, guitarra solista, guitarra rítmica, tumbadoras, batería, percusión, voces, coros
Héctor "Pomo" Lorenzo: Batería, timbaletas, percusión, platillos "voladores"
Carlos Alberto "Machi" Rufino: Bajo
Leo Sujatovich: Prophet-5 ,bajos, cuerdas OBX, bajo Multimoog
Gustavo Pires: Piano Fender
Hugo Villarreal: Bajo

Temas:

01- Paquidermo de luxe (Instrumental)
02- Yo quiero ver un tren
03- La rifa del viento
04- Herido por vivir
05- Simil bahion (Instrumental)
06- Cuando vuelva del cielo
07- Lo siento en mi corazón
08- Será que la canción llegó hasta el sol
09- Días de silencio
10- El bálsamo (Instrumental)
11- Para valen (Instrumental)
12- No te alejes tanto de mí
13- Tango cromado (Instrumental)

 

 

Muestra Gráfica De La Grabación

Ripeado De Vinilo

Formato: FLAC (Free Lossless Audio Codec) 48.000 Hz / 24 Bits

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Leo Antúnez - Un Tal Leo Antúnez (FLAC / Uruguay - 1972)

 

Leo Antúnez es un poeta uruguayo de la generación de los 70s. Hacia 1972 publicaba, luego de la edición de un single, el album "Un tal Leo Antúnez". Acompañado de ilustres músicos del medio local de la época, Antúnez brindaba un formato de canción no escuchado ni visto hasta ese momento. Una propuesta casi recitada, versos cantados, dichos con vehemencia, con ganas, con la palabra por delante de una música de corte "pesada", blusera, proto punk; un formato que Zitarrosa bautizaria como "Contracanción".

Visceral, atrevido y disidente, como características mas palpables, Leo Antúnez es considerado por muchos el primer "punk" de Uruguay, adelantado a toda una generación que ni siquiera estaba por gestarse. Revolcandose por distintos escenarios de festivales o shows, escupia su repudio a una sociedad blasfema.
En el año 72 los estudios Sondor fueron testigos de la grabación del único album que registrara Leo. En este larga duracion es acompañado por un poderoso grupo de apoyo: Jorge Barral en guitarras, Jorge Silva en bajo y Yamandú Pérez en bateria y percusion. Pero esta no fue la unica grabacion que nos dejara este artista. Un año antes en los mismo estudios registro el simple "La Jauría", con numero de catalogo 2002 y editado bajo un supuesto sello X, Leo nos dejaba 2 temas: "La Jauría" y "Padre Nuestro", los cuales venian con una tapa en la que aparecian perros comiendole las entrañas a un hombre desangrado en el piso.

"El menos acogido por el público de su tiempo y portador de una extraña avanzada desde el punto de vista musical y literario, fue Leo Antúnez. Incomprendido, denostado y olvidado, musicalmente se anticipó a la aparición de Patti Smith, el punk y el rap, y en su marcado escepticismo, llegó a describir a la sociedad uruguaya con más precisión que mucha prédica esperanzada en un futuro mejor."

“Lo de Leo fue impresionante”, asevera Fernando Peláez. “Parecia fuera de epoca y tanto su propuesta musical como su manera de actuar sobre el escenario o el tipo de letras que cantaba, eran cosas muy dificiles de entender por las audiencias de entonces. Sin embargo lo que hizo Leo Antúnez fue una cosa original, nueva, y no tenía referencias de haber visto algo igual y haber dicho ‘voy a hacer eso mismo’. Su idea de escribir algunos textos y acompañarse con un trio de rock que tocaban sus instrumentos siguiendo el recitado, era una onda que en aquella época provocaba repulsión.”

Fuentes de informacion: http://fotolog.com/warpigs
http://parasentarseaescuchar.blogspot
http://revistaarteycultura.webnode.com
Fernando Pelaez

 

 

Músicos:

Leo Antúnez: Voz (Autor de todos los textos)
Jorge "Flaco" Barral: Guitarras (Autor de todas las musicas)
Jorge Silva: Bajo
Yamandú Pérez: Bateria, percusion

Temas:

01- Epitafio
02- Adriana Rojo
03- Canción de cuna
04- Montevideo
05- Necesito
06- La muerte hermano
07- Dile que las calles estan danzando
08- Gris
09- Estatutos del consecuente
10- Mujer de pan
11- Natalia

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Serú Girán - Idem (FLAC - Remasterizado 2021)

 

 

Llega a la nave la versión remasterizada 2021 de este clasicazo del rock argento. Pedro Aznar junto a Ariel Lavigna y Gustavo Gauvri en la producción, lograron darle un renovado marco sonoro a estas grandes canciones, dotándolas de un brillo que las revitaliza y las coloca en una actualizada dimensión.

Disfruten navegantes. Y los que puedan compren el disco!!

 

"La misma tormenta perfecta detrás de la impecable e impactante reedición de Grasa de las Capitales repite el logro con Serú Girán. Una suma de voluntades aplicadas al auténtico rescate sonoro de obras capitales del rock argentino, con el conocimiento, la habilidad técnica, la experiencia para llevarlo a cabo. La recuperación del catálogo de Sicamericana (empresa propietaria de los sellos Music Hall, Sazam y TK) por parte del Instituto Nacional de la Música fue un primer e importantísimo paso, al que le siguió la entrega de esas canciones a sus legítimos dueños, los compositores.
En un caso cercano al milagro, en esa gestión virtuosa del organismo creado en 2012 se recuperaron cintas de respaldo de media pulgada: un soporte que habilitaba a un auténtico trabajo de remasterización para la edición en vinilo. Y dos personajes clave para llevarlo a cabo, Pedro Aznar y el ingeniero Ariel Lavigna, que realizaron el pasaje a audio de alta resolución y se aplicaron artesanalmente a la corrección de ruidos y fallas en la cinta, copia del master original. Gustavo Gauvry, de la Asociación Argentina de Técnicos e Ingenieros de Audio, y Diego Boris, presidente del Inamu, completaron junto al sello de edición y distribución digital Altafonte el equipo que produjo una nueva perla de Serú para atesorar.
Por eso hay que comenzar diciendo lo mismo que con Grasa: en un universo de reediciones de rock argentino que a menudo no pueden acceder a las cintas originales (simplemente porque ya no existen), la versión 2021 de Serú Girán logra sonar mejor que el original. Sobre todo teniendo en cuenta que, aún con el cuidado obsesivo del melómano, las copias originales no pueden sino reflejar el efecto de miles de escuchas.
Porque ahí está el corazón del asunto: estas canciones han sido escuchadas miles de veces, por la poderosa razón de su altísima inspiración artística y excelencia de performance. Serú Girán es el perfecto enlace entre la banda que produjo un terremoto en la escena local en solo cuatro años y La Máquina de Hacer Pájaros, aquel experimento de García siempre necesitado de un mayor reconocimiento. Es la explosión de ideas entre Charly y Lebon, y el perfecto entendimiento entre Pedro y Moro, y Billy Bond dándoles rienda suelta, a veces entrando en choque pero retirándose a tiempo porque lo que importaba era lo que estaba sonando.
¿Lo que estaba sonando? Si las primeras presentaciones en vivo de Serú se toparon con cierta resistencia de un público que no terminaba de digerir ciertas ironías musicales, un disco que arranca con algo como "Eiti Leda" no podía sino estar destinado a la historia. La ambición de los dos arranques de lado, ese inicio y "Serú Girán" -siete minutos de grandiosidad instrumental y de neolengua que intensifica el sentido de viaje onírico-, revelan la identidad del cuarteto en un contraste tan atractivo como el blanco y negro de las fotos inéditas incluidas en la lujosa edición, responsabilidad de José Luiz Pederneiras. Entre San Pablo y Los Angeles, la banda registró un debut autoconsciente de su grandeza. Tenía sus razones.
El rescate 2021 agrega disfrute al repasar las 8 estaciones del tren de la tapa. Aquí el bombo de Moro parece vibrar en las paredes de la habitación; las laburadísimas armonías vocales de García, Lebon y Aznar, esa influencia enriquecedora de The Beatles y Beach Boys, aparecen de modo cristalino; el entretejido elimina todo empaste y da espacio a las líneas de bajo de Aznar, entre el moño que siempre cierra perfecto y la nota gorda que apoya una explosión rockera. Sí, parece mucha preocupación por el audio en tiempos de archivos comprimidos sonando en parlantitos, pero es una obviedad apuntar que el público que espera este lanzamiento aun conserva la obsesión por ciertos ritos, sutilezas y hasta caprichos de disfrute.

Serú Girán es el album en el que Charly entrega un minuto y medio glorioso, preludio de los tiempos que vendrían bajo su único nombre, en "Separata". El disco que señala que "se está yendo todo el mundo" -hola, 1978- y trae a Serú esos giros latinos también existentes en La Máquina. "Autos, Jets, Aviones, Barcos" es también uno de esos momentos-Lebon que indicaban un balance que Charly nunca pudo conseguir con Gustavo Bazterrica, Carlos Cutaia y José Luis Fernández. El Ruso brilla allí y en "El mendigo en el andén" -el pueblo fantasma donde nunca pasa el tren- y en "Voy a mil", ese tema que comienza como un rockito cualquiera y se va zambullendo en toda clase de caminos alternativos.
Y claro, "Seminare", una de las canciones más perfectas del rock argentino. En esa cumbre del disco, la memoria emotiva traerá miles de recuerdos asociados a la vida sociopolítica y cultural de este país desde la aparición de Serú Girán. Porque Serú fue sus grandes, enormes canciones, y su ambición y su buen gusto, pero también banda de sonido de un país tan gris como ese vagón de tren, con un subsuelo de alimento cultural esperanzador. En tiempos en que la historia del rock de los '80 ya es material del Museo Malvinas y el Museo Histórico Nacional, la reedición de Serú Girán viene a dar la prueba más contundente de los por qué: esta es música sencillamente eterna. Y merecía sonar de esta manera.

Eduardo Fabregat (pagina12.com.ar)

 

 

 

Integrantes:

Charly García: Piano de cola, sintetizadores, guitarra acústica, voz
David Lebón: Guitarra eléctrica, guitarra acústica, voz
Oscar Moro: Batería, percusión
Pedro Aznar: Bajo eléctrico, bajo fretless, coros

Temas:

01- Eiti Leda
02- El mendigo en el anden
03- Separata
04- Autos, jets, aviones, barcos
05- Serú Girán
06- Seminare
07- Voy a mil
08- Cosmigonon 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Relax - Padre (FLAC - 1977)

 

 

Un álbum muy pedido a la nave el de esta enigmática agrupación. Relax está considerada como una banda "fantasma", ya que no se conoce oficialmente actividad artística alguna. Solo el importante legado de este único disco, aparentemente grabado en 1975 en el sello independiente "Vedette", y publicado en 1977.

 El estilo del grupo se enmarca dentro del hard-rock progresivo, con el predominio de riffs y fraseos a cargo de sus dos guitarristas, sin olvidar la sutileza de los arreglos en varios pasajes de las composiciones. 

 

"Relax es una de las bandas del rock argentino que ‘’no tiene historia’’, poco se sabe de ellos y de sus actividades en su época. Esta oculta banda argentina, de hard rock, estaba compuesta por Daniel A. Grasso en voz, flauta y guitarra rítmica, Ruben H. Campás en guitarra líder, Hector C. Grasso en bajo y Jorge R. Rodriguez en batería y percusión. Entre sus influencias se encontraban bandas como Led Zeppelin, Deep Purple, entre otras, de las cuales también interpretaban temas. Entre las argentinas podríamos compararlos con los primeros años de El Reloj o Plus, y la influencia de la escuela de los grandes guitarristas argentinos.

En 1977, entre algunos inconvenientes económicos, logran sacar su primer álbum, un trabajo muy interesante de rock pesado setentero. El sonido tiene su magia, sin duda se trata de una agrupación que es propia del under y por ende cuentan con su rusticidad, lo que no es más que un condimento más de su sonido cosmico y rockero. Las piezas se construyen en base al juego y dialogo que mantienen constantemente las dos guitarras, cuando una se encarga de las bases y otras de los solos, ambas son el fundamento del sonido, a puro riffs, arpegios y solos. Se trata de hard rock con guitarras crudas y buenas baladas pesadas y/o temas rock pesados, que se desarrolla hacia algunos arreglos que tímidamente tienden hacia lo progresivo sin necesariamente serlo. 

El condimento especial, como muchas bandas de la época, son las letras cósmicas y mágicas que llevaban adelante, y que hacen referencia a la unión de la humanidad, la paz, el encuentro con el cosmos y la erradicación del materialismo. Este concepto cósmico puede verse representado en la extensa introducción del tema ‘’Padre, un amigo que se fue’’, un auténtico sonido dentro de un ambiente cósmico y volátil.

No se trata de un disco emblemático pero por su carácter oculto, under, la poca información que existe de la banda y la dificultad de hallar una copia del disco original de la epoca, entonces la banda ha despertado cierto interés entre coleccionistas y conocedores del rock de la epoca.

Lamentablemente por la dificultad económica que existía para grabar un disco en esa época, para ellos que eran "Under", solo pudieron grabar un solo LP y un simple, aunque tenían más proyectos de su autoría, como por ejemplo una Opera-Rock basada en la vida de Cristo (como lo hizo Vox Dei con la Biblia) que nunca se pudo grabar y se perdió completamente."

Fuente: delicias-psicodelicas.blogspot

 

 

 

 Integrantes:

 

Daniel Grasso: Primera guitarra, primera voz, flauta dulce

Rubén Campas: Segunda guitarra 

Hector Grasso: Bajo, segunda voz

Jorge Raúl Rodríguez: Batería, percusión 

Temas:

01- Al umbral del futuro
02- Correr del tiempo
03- Padre un amigo que se fue
04- Ganar el sol
05- Fruto de un deseo
06- Esencia real

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Rodolfo Mederos y Generacion Cero - Fuera De Broma (FLAC - 1976)

 

Primer álbum del eximio bandoneonista Rodolfo Mederos al frente de la agrupación Generación Cero. Fué grabado en 1973, pero publicado recién en 1976. El disco cuenta, ademas de Mederos, con la participación de dos bandoneonista mas: Juan José Mosalini y Daniel Binelli. Tres bandoneonistas crecidos bajo la influencia del tango más renovador de Astor Piazzolla y Horacio Salgán, además de la música progresiva de la época y el jazz contemporáneo.

 

 "Me dijo una vez un amigo, refiriéndose a aquellos músicos que temen “contaminarse” con otras músicas: "Toda frontera que impide entrar, también impide salir". Lo recordé siempre.Mi campo operativo fue durante una época el Tango. Un día sentí como si tocara un límite.Me di cuenta que había llegado a un umbral y que a partir de allí me quedaría adentro o intentaría salir ampliándolo, creciendo. Recordé aquel asunto de las fronteras. Repasé entonces cuidadosamente mi relación con la música toda y comprendí que sin duda yo disfrutaba de alguna manera con ciertos aspectos del jazz, del rock, del soul, de la música “pop” y obviamente del tango en sus formas nuevas (Astor Piazzolla), y alguna tradicional (O. Pugliese, H. Salgán). Me puse a trabajar con alegría y sin preconceptos. Pensé luego en la agrupación que debería tocar esta música y así naturalmente surgió la idea del bloque de bandoneones y sección rítmica. Agregué luego el color del saxo y flauta, y estaba resuelto. Ensayamos, nos presentamos en vivo y grabamos el presente L.P. Comprobé que nos gustaba y nos divertíamos y comprendí de alguna manera que habíamos dado un paso más allá del famoso límite. “Generación Cero” no existe hoy como grupo constituido, pero deja este documento a consideración de aquellos que también sienten la necesidad de ampliar esos límites, sus propios límites."

Rodolfo Mederos (Escrito en la contratapa del álbum)

 

"Grabado en 1973 y publicado en 1976, este disco de Rodolfo Mederos y Generación Cero está más cerca de la música progresiva (como se llamaba entonces al movimiento del rock sinfónico) que del tango. Cuando esta grabación se editó comercialmente por primera vez, Generación Cero, una fuerte apuesta renovadora de Rodolfo Mederos, ya era historia. Porque este disco se grabó y se presentó en 1973, cuando su ideólogo, compositor y arreglador tenía ya 33 años. Pese a esto, en las notas del disco editado en enero de 1976, Astor Piazzolla lo nombra como uno "de los músicos jóvenes" que necesita la música de Buenos Aires. De aquí se puede extraer una conclusión más que obvia: la juventud no se lleva en la fecha de nacimiento sino en la mirada frente al mundo que se tiene. Piazzolla también era joven, entonces.

En las misma notas, concisas, arriesgadas y clarísimas que dejó Piazzolla sobre su asistencia a un recital en el Auditorio de SADAIC el 6 de julio de ese mítico 1973 dice que "Generación Cero tocó música beat o rock, o como se llame. No tocó tango." Así de difícil es definir géneros, porque esa música solo se podría haber pensado en el Río de la Plata. Y, pese a los intentos de despegarse, la influencia del propio Astor se ve, aún en las piezas con menos rítmica tanguera, como Shuata (track 3), en las progresiones armónicas inevitables. A continuación, Balada para Generación Cero (track 4) tiene también un inocultable sello piazzolliano.
Lo que más acerca al tango a esta música progresiva es la presencia de los tres bandoneones: Rodolfo Mederos, Juan José Mosalini y Daniel Binelli, nada menos. El bajo de Ricardo Salas bien adelante, la batería de Pocho Lapouble y el saxo (o flauta) de Arturo Schneider nos ponen en un plano más rockero o jazzero. Es un momento de mucha libertad en todo sentido, y esto se traduce a la música, claro. Si alguien quisiera saber por qué el joven Mederos dio tanto que hablar en los años '70, esta es la mejor explicacion."

Club del Disco

 

"En Argentina, a mediados de los ´70, el Rock Progresivo caló bien hondo en los huesos de una generación, y por supuesto tuvo algunos ejemplos también de Fusión. Estos casos fueron aislados y no contaron nunca con el apoyo masivo por parte del público como así también de la crítica. De todas maneras, más allá de que hoy por hoy a la distancia tampoco tengan una gran revalorización de su trabajo, existe un nicho de público tanto a nivel nacional y quizás aún mucho más extranjero que celebra esas bandas de “culto” que nuestro país a sabido albergar. Ejemplos de grupos y solistas que hayan “coqueteado” con el Jazz Rock y diversas variantes dentro de la Fusión hay de sobra pero no todos gozaron de gran reconocimiento. A saber, Alma y Vida, Alas, Bubu, Sanata y Clarificación, algunos discos de Nebbia y la lista sigue. De todas maneras, y volviendo unos párrafos más arriba, la Fusión podría ser alimentada de acuerdo al lugar de origen de donde es ejecutada y uno de los ejemplos que cae como anillo al dedo es el de Rodolfo Mederos.
Mederos es un bandoneonísta que entre otras cosas dentro de su extensa y aún vigente carrera musical, supo fusionar el Rock con el Tango. Vale aclarar que no hay que confundir el Tango Electrónico -caso Bajofondo, Gotan Project- con lo que hizo Mederos en los ´70 con su grupo Generación Cero.
Mederos estaba influenciado -al igual que muchos de su generación- por el trabajo, el legado y la revolución que introdujo Astor Piazzolla dentro del Tango. Más allá de haber sido participe de la orquesta de Piazzolla y de Osvaldo Pugliese y haber colaborado con algunos rockeros de la época -con Spinetta en Invisible-, Mederos quiso abrirse camino por sí solo y encontró en el grupo Generación Cero un refugio donde dejar volar su imaginación y gusto musical. Esta banda logró realizar una fusión de tres géneros musicales, el Rock, el Jazz y el Tango. Obteniendo con este último un sello personal, distintivo, nacional y por supuesto bien porteño.
Esta propuesta musical, más allá de tener un alto grado de influencia por sonidos típicos nacionales como es el Tango, no contó con el apoyo masivo en nuestro país. Incluso se valoró y valora mucho más estas obras dentro del mercado extranjero que suele buscar y coleccionar estos tipos de trabajo con pasión y fervor."

 

elaticodelrock.blogspot

 

 

 

Integrantes:

Rodolfo Mederos: Bandoneón, música, arreglos, dirección
Daniel Binelli: Bandoneón
Juan José Mosalini: Bandoneón
Arturo Schneider: Saxo, flauta
Ricardo Salas: Bajo
Jorge "Pocho" Lapouble: Batería

Temas:

 

01- Fuera de broma
02- Generación cero
03- Shuata
04- Balada para generación cero
05- Fuera de mí
06- Conspiración
07- Poco que perder
08- Al diablo con el diablo
09- Paula viene
10- Homo sapiens 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

pass: naveargenta.blogspot