El Desenchufazo - Las Grabaciones Recuperadas (En Vivo en Montevideo, 1972 / 2021) V.A. FLAC

 

 
El histórico sello uruguayo Ayuí ha recuperado y editado las cintas de un concierto ocurrido en 1972, que permanecieron guardadas casi 50 años. Se trata de “El Desenchufazo”, un concierto en Montevideo que presentaba una serie de intérpretes acústicos, y sería el equivalente para el rock uruguayo de lo que fue “El Acusticazo” para el rock argentino. Contiene grabaciones inéditas en vivo de Eduardo Darnauchauns, Yabor, Pájaro Canzani, Jorge Barral, Daniel Bertolone, Jesús Figueroa, Creación y Testimonio, Jorge Vallejo. Miguel López y Saúl Garber. La grabación estaba proyectada para editarse en vinilo al año siguiente, 1973, y quedó archivada por la llegada de la dictadura en Uruguay.

Truco Gallo

 

“Cuando la noche del martes 27 de marzo de 1973, guardé el máster de lo que pensábamos sería unos meses después el primer vinilo de los Conciertos Desenchufazo junto con las demás cintas grabadas en vivo por Henry Jasa, creía que, a pesar del momento que estaba viviendo el país, de la sombra déspota que crecía y presagiaba tiempos aún peores, llegaríamos a editarlo…” Así comienza relatando Esteban Leivas el periplo de casi medio siglo que llevan silenciadas estas grabaciones que hoy finalmente edita Ayuí, fiel a sus objetivos de rescatar la memoria musical del Uruguay. Leivas, junto a Hamlet Faux (periodistas y productores musicales de riquísima trayectoria) y Jorge Barral (destacado y legendario músico perteneciente a la oleada rockera uruguaya de los ’70) han sido los responsables de que este documento sonoro invalorable haya sobrevivido y se abra hoy como una ventanita por la que podemos asomarnos al espíritu de aquellos conciertos acústicos, en una Montevideo que se aprestaba a entrar en el largo túnel de la dictadura."

 

"Cuando faltaban décadas para inventar la palabra unplugged en el rock, un grupo de activistas culturales (con Flaco Barral, Hamlet Danny Faux y Esteban Leivas al frente) lo apostaron todo a organizar conciertos de autoafirmación musical uruguaya, tras quedar impactados por un “acusticazo” pocos meses antes en Buenos Aires, Argentina. Como escribe Faux, “habíamos escuchado a Bob Dylan y a The Byrds electrificar el rock, pero no conocíamos el proceso a la inversa”. El experimento se llamó Desenchufazo, toda una ironía en aquel tiempo dominado por los cortes constantes de fluido eléctrico en la capital americana.
Estas locuras suelen comenzar en bares; en concreto, en Bar Asencio, un garito que servía en los años setenta como punto de encuentro para los músicos, escritores y “paracaidistas” en la calle Ejido de Montevideo. El impulso inicial a este elepé cuajó a finales de 1972, cuando se celebraron dos conciertos alejados de aquellos voltios que ya empezaban a dominar el panorama musical por todo el orbe, al calor del heavy y otras hierbas.
El cartel diseñado para la ocasión especificaba: “Segunda experiencia totalmente acústica”, pocas semanas después del primer encuentro con el público de Montevideo; Las canciones seguían la estela sonora de Harry Belafonte, Phil Ochos, Peter, Paul and Mary o Joan Baez, pero en español y con textos de alta calidad.
La convocatoria congregó nombres de oro en Uruguay, como Yabor (dos canciones del disco), Miguel López (Mi partida), Eduardo Darnauchans, Jorge Vallejo (No Destrocen Mi canción), Creación y Testimonio (A los Niños y Sugerencia), Flaco Barral (Rincón de la Bolsa) o Daniel Bertolone (No es un Tema o El Tren se Llevó a mi Nena), entre otros. En total, trece cortes que se interpretaron en vivo los 7 de noviembre de 1972 y el 27 de diciembre del mismo año. Las colas de espectadores fueron de aúpa, en buena medida por la militancia rockera de varios promotores en sus programas de radio, un tanto a la manera Ordovás en los años gloriosos de Radio 3 y como las largas filas que se ven en la película de Scorsese ante el Winterland.
El contexto político marcó a sangre y fuego aquellos tiempos en el cono sur americano. El creciente apoyo popular que recibió el izquierdista Frente Amplio asustó a los poderes de la región y un golpe militar en 1973 ahogó en sangre toda expresión cultural o política hasta 1985. Esteban Leivas recuerda en un texto del álbum que guardó el máster con las grabaciones el 27 de marzo de 1973 y era “incapaz de imaginar la historia tremenda” de este vinilo nonato, porque esos primeros conciertos fueron también los últimos en ese formato y varios participantes iniciaron un éxodo que en algún caso les condujo a España de por vida. Esas actuaciones experimentales se transformaron así en un último vals tras el ominoso silencio de décadas en el país
El milagro revive inesperadamente cuando un grupo de supervivientes se embarca recientemente en la ingente labor de rescatar esos documentos sonoros y reparar los daños del tiempo sobre el material. En la labor artesanal de salvamento han participado varios conjurados. Flaco Barral se ha dedicado en cuerpo y alma a retocar cada instante de las grabaciones en su estudio La Morada del Colibrí, entre 2027 y 2020. “Se digitalizaron las cintas limpiando los cabezales de cada canción. Más tarde se limpiaron ruidos y se restauraron algunos pasajes”, siempre con la idea de no “alterar los registros originales”, señala. La trabajosa restauración ha llegado solo hasta cierto límite, porque los autores han querido respetar el momento recogido en las cintas y hay alguna canción (Madre del Mundo, el último corte) que aparece en el flamante disco con fallos de calidad, pero “se ha decidido mantenerlo en el mismo por su carácter testimonial”. 

Miguel López - www.dirtyrock.info

Intérpretes y Temas:

01- Yabor: Ver las cosas
02- Yabor: Escuche, mi General
03- Miguel López: Mi partida
04- Eduardo Darnauchans: Canción para un joven contemporáneo
05- Jorge Vallejo: No destrocen mi canción
06- Daniel Bertolone: No es un tema
07- Daniel Bertolone: El tren se llevó a mi nena
08- Jesús Figueroa: Susana se va
09- Jorge "Flaco" Barral: Rincón de la Bolsa
10- Carlos "Pájaro" Canzani: Los ciegos
11- Creación y testimonio: Sugerencia
12- Creación y testimonio: A los niños
13- Saúl Garber: Madre del mundo

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Merlín - Merlín (FLAC - 1980)

 

Merlín fue la particular unión de dos reconocidos musicos del rock argentino, provenientes de dos corrientes musicales bien distintas : Gustavo Montesano (lider de Crucis) y Alejandro De Michele (lider de Pastoral). En 1980 publicaron este unico album, que estilisticamente fusionaba el rock progresivo y el pop, donde es facil reconocer los estilos de Crucis y Pastoral en las composiciones. 

Otro disco muy pedido en la nave que ahora compartimos en formato FLAC.

 

En  1979, Alejandro De Michele ex Pastoral se une a Gustavo Montesano (ex integrante de Crucis) para darle forma a este grupo de estilo new wave. La banda grabó el primer álbum homónimo esw mismo año y lo presentaron en el teatro Astral, en marzo de 1980.

En agosto del 79, Alejandro se reúne con un músico que llegaba de Estados Unidos: Gustavo Montesano. «Cuando él llegó de Estados Unidos nos pusimos en conversaciones y pensamos en hacer algo juntos. Esto comenzó cuando decidí disolver a Capitán Fantasía. Las expectativas son muy similares. Hace unos años, Gustavo estaba haciendo una música que, para entonces, era virtuosa (me refiero a Crucis). A él lo conozco más musical que humanamente, pero coincidimos en hacer una música clara, entendible. No se trata de demostrar virtuosismo, nivel de composición o lo que sea. Cuándo charlé con Gustavo al principio, quedamos en que antes de decidir si formábamos o no el grupo, debíamos escuchar la música que estábamos componiendo individualmente. Si eran muy dispares, no podíamos hacer la chantada de formalizar un remiendo, porque nunca salen bien. Cuando escuché la música de Gustavo me pareció muy linda; no me saca de la frecuencia en la que yo estaba internamente. Estamos trabajando muy fuerte, cuidando de todos los detalles musicales, de no hacer injertos. Los temas son individuales, pero ponemos lo mejor de nosotros para que suenen como tienen que sonar, como nosotros queremos», declararía Alejandro en la Revista Pelo.

Así nació Merlín. «El nombre de la banda fue una sugerencia e idea de Alejandro que tanto a mi como a la compañía discográfica nos gustó y adoptamos inmediatamente«. Y mientras Gustavo aportó a un virtuoso tecladista que se trajo desde Estados Unidos, Roberto Villacé, Alejandro puso la base rítmica de Capitán Fantasía, con el dúo de Frank Ojstersek en bajo y Daniel Colombres en batería.

Pronto, muy pronto, la reunión se transformaría en disco, de Sazam Records, el cual produciría Oscar López y se comenzó a grabar apenas dos meses después de que Alejandro y Gustavo se decidieran a trabajar juntos. Y el resultado fue excelente; diez temas que se suceden con alternancias de ambos líderes, que combina lo sinfónico y progresivo, con una onda más folk, letras poéticas y la voz única y a toda potencia que aportaba Alejandro, toques clásicos de 4 x 4, una base potente, puntadas del incipiente new wave y virtuosismo con gran gusto.

Mientras se grababan los últimos temas del disco, el bajista Frank Ojstersek abandona la banda y es reemplazado por el entonces sesionista Gustavo Donés.

Con el disco bajo el brazo los shows comenzaron a aparecer. La presentación oficial se programó para el 21 de marzo de 1980 en el Teatro Astral. La imagen de los artistas, así como fue la del disco, reflejaba los primeros indicios del Pop. Pero no fue la primera presentación del grupo. Ya venían tocando. En febrero de ese año fueron convocados para lo que fue la serie de presentaciones organizadas por la propia compañía discográfica, «Parquerama 80«, en la Rural, con conciertos todos los viernes del mes. Allí tocarán, entre otros, Seru Giran, Raúl Porchetto, Nito Mestre, Miguel Ángel Erausquin, Pappos’s Blues, y obviamente, Merlín. La banda del Carpo y la de Alejandro y Gustavo serían los encargados de animar el primer show.

Pero un año después de aquel primer encuentro entre Alejandro y Gustavo, Merlín ya no existía más. El grupo nunca pudo consolidarse como tal y eso llevó a que las marcadas diferencias conceptuales de ambos líderes se acentuaran. Posteriormente Alejandro De Michele retornó con el dúo Pastoral hasta su trágica muerte ocurrida el 20 de mayo de 1983 a la edad 28 años. Gustavo Montesano viajó a Europa y trabajó como productor del grupo español Olé Olé.

 

"Casi simultáneamente con la aparición de este long play en las disquerías, Gustavo Montesano y Alejandro de Michele rompían estrepitosamente su corta relación musical. Este detalle importa en la medida que "Merlin" —mal que les pese a sus ex líderes- representa dos tendencias musicales. La de Gustavo Montesano se identifica con un rock elaborado, en el que los teclados traman densas orquestaciones sobre las que evolucionan los demas instrumentos. De Michele basa su estilo en el folk progresivo que caracterizó a Pastoral, con sus vocalizaciones agudas, y hasta obsesivas. En algunas canciones ambas líneas musicales convergen y el resultado es bastante interesante. "Té en París" es el número más fuerte del álbum, los coros de Montesano-De Michele consiguen un efecto intenso, de música metálica. "Demonios cuenta" y "Quería ser el mejor" son otros ejemplos de un rock duro, verdaderamente novedoso. Los textos adolecen de ciertos defectos en su armado, pero demuestran una marcada intención por decir cosas importantes. Merlín ya no existe más, y este álbum quedará como el epitafio musical de la banda. Con igual cantidad de aciertos y errores —tratándose de un primer disco—, es extraña la forma en que mucha gente vinculada al rock rechazó a este dúo y todo lo que de él saliera. ¿A quién le molestaba que Merlín triunfase?"

Revista Pelo - Reseña del disco (1980)

 

 

 

Integrantes:

Alejandro De Michele: Guitarra, voz
Gustavo Montesano: Guitarras, sintetizador, voz
Roberto Villace: Teclados
Francisco Ojsterzek: Bajo
Gustavo Dones: Bajo
Daniel Colombres: Batería

Temas:

01- Tragaluz de plata
02- Té en París
03- Payaso olvidado
04- Démonos cuenta
05- Malambus pomposo
06- Quería ser el mejor
07- Donde todo parece irreal
08- Un trozo de eternidad
09- Hurra por la nena
10- En vez de hablar del camino

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Pappo's Blues - Vol. 4 (FLAC -1973 / Remaster. 2005)

 

Este es un álbum un poco olvidado de Pappo's Blues, pero que contiene todos los elementos para hacer de el uno de sus trabajos mas encumbrados. Desde el inquieto riff de "Fiesta cervezal", pasando por la oscuridad de la blusera"Gato de la calle negra", el hard rock sabbathiano de "Abelardo el pollo", hasta el boogie frenetico de "Elvira". El Carpo confirma aqui, junto a sus tres primeros discos, el porqué es considerado el primer heroe de la guitarra del rock argentino.

 

"Confirmando otra vez su papel de semillero de otras bandas, la versión de Pappo’s Blues que toca en volumen 3 se disuelve a mediados de 1973 y Machi y Pomo pasan a integrar el nuevo proyecto de Luis Alberto Spinetta, Invisible, que debuta en noviembre de ese año en el Teatro Astral. Pappo no se detiene: Pappo’s Blues Vol. 4, será el producto de un seleccionado de músicos-amigos. David Lebón y Black Amaya –provenientes de Pescado Rabioso y que habían acompañado al Carpo en su primer álbum- y dos puntales de La Pesada: Alejandro Medina e Isa Portugheis. El propio líder de La Pesada, Billy Bond, hizo las veces de productor.
El material de Volumen 4 es fiel reflejo de su época, con el hedonismo etílico de ‘Fiesta Cervezal’, seguido por el riff sinuoso y recurrente de ‘Gato De La Calle Negra’, el cuento de un felino entrañable, solitario y vagabundo, una metáfora del típico rockero errante e idealista de esos días. ‘Abelardo El Pollo’ trae riffs contundentes y el encuentro con un personaje que no encuentra la salida a una situación de tristeza y aislamiento. ‘Con Elvira Es Otra Cosa’ completa el cuarteto de clásicos de este disco; un homenaje a una chica amante del sol que bien podría ser un sobrante de las sesiones del álbum previo, tomando en cuenta la presencia de la base rítmica Machi-Pomo. En Volúmen 4 hallamos pruebas, también, del amor de Pappo por el boogie “à la Canned Heat”, en temas como ‘Semilla De Sésamo’ y la extensa zapada que conforma ‘Sol De Armónica’." 

Cesar Tudela (masrock.cl)

 

"La cuarta entrega de la “saga” de Pappo’s Blues llegó a fin de 1973, y a diferencia de los trabajos anteriores, aquí hay más músicos que el simple trío con el que grabó anteriormente.
Volumen 4 significa un paso atrás en el nivel que Pappo venía mostrando. Aunque hay un par de temas de calidad, como “Con Elvira es otra cosa” (sobrante de las sesiones de Volumen 3), y sobre todo, el impecable “Gato de la calle negra” (el mejor tema del disco), hay otras cosas irregulares.
“Fiesta cervesal”, con su pegadizo riff, es un clásico fiestero que siempre es bienvenido en los recitales; los otros temas en cambio transitan por entre el interés inicial y la indiferencia posterior. Aun así, Volumen 4 se salvaría con respeto si no fuera por “Sol de armónica”, una extensa, extensísima zapada (casi 15 minutos, casi la mitad del disco), donde al Carpo se le da por usar la armónica mientras la base marca el ritmo. Podía haber sido un buen tema si se hubiera limitado a tres o cuatro minutos, y lo hubiera alternado con algún solo de guitarra. Pero no lo hizo, y “Sol de Armónica” termina aburriendo mucho, y le baja el puntaje a un LP que no era tan bueno como el anterior, pero podía pelearla.
De esta manera, Volumen 4 marca un punto bisagra entre los muy buenos primeros trabajos de Pappo’s Blues, y su posterior decadencia, o por lo menos, viaje a la intrascendencia previa a Riff."

elholocaustodepabloalekssander.wordpress

 

 

Integrantes:

Pappo: Guitarra, slide, voz
David Lebón: Guitarra rítmica, bajo de caja (En tema 7)
Alejandro Medina: Bajo eléctrico
Black Amaya: Batería
Isa Portugheis: Percusión

Músicos Invitados:

Machi: Bajo en "Con Elvira es otra cosa".
Pomo: Batería en "Con Elvira es otra cosa"

Temas:

01- Fiesta cervezal
02- Gato de la calle negra
03- Abelardo el pollo
04- Semilla de sésamo
05- Con Elvira es otra cosa
06- Sol de armónica
07- El palacio de la montaña en invierno

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Patricio Rey y Sus Redonditos De Ricota - Oktubre (FLAC-1986)

 

 Bueno...luego de insistentes pedidos y vehementes reclamos, aborda la nave unos de los grupos mas importantes del rock argentino, con el que seguramente sea su disco mas emblemático. Mucho se ha hablado, escrito y reseñado sobre este maravilloso Oktubre, agitado por Patricio Rey y Sus Redonditos De Ricota. Por lo tanto, solo me voy a tomar el atrevimiento de proponerles regresar a ese Oktubre; sin un estandarte de mi parte...te prefiero igual, internacional.

 

Oktubre es el segundo álbum de estudio de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Fue editado en octubre de 1986. Grabado a mediados de 1986, el álbum se caracteriza por un sonido que incorporó influencias del new wave y el post-punk (lo cual significó un cambio con respecto a su álbum anterior, Gulp!), y por su narrativa con elementos distópicos, inspirada por las revoluciones sociales históricas y el contexto bélico internacional de la Guerra Fría, así como también del escenario político de Argentina en el período de la vuelta a la democracia. El arte de tapa, diseñado por el artista plástico Rocambole, está inspirado en la Revolución rusa de 1917.
En 1986, unos meses después de haber lanzado su primer álbum Gulp!, la banda aprovechó el portaestudio de Gonzo Palacio, compuso nuevos temas y buceó en un nuevo sonido. Por entonces, a la hora de encarar la grabación definitiva, sus ahorros les permitieron ir a un estudio como Panda y ahí registrar Oktubre. Las grabaciones se realizaron en dos meses, entre agosto y septiembre de 1986. El sonido de la banda dio un cambio total con respecto al trabajo anterior. El resultado fue un estilo frío y crítico, utilizando un bajo eléctrico con influencia pop y una combinación muy creativa de sonidos y tonos menores, además de la colaboración de Daniel Melero (por entonces miembro de Los Encargados) en teclados y Claudio Fernández (de Don Cornelio y la Zona) en percusión.
El álbum salió a la venta el 4 de octubre y se presentó oficialmente los días 18 y 25 de octubre en Paladium ante 1200 personas. Para estos conciertos se sumó a la banda el tecladista Andrés Teocharidis. Durante el verano siguiente, en el momento que el grupo decide incorporarlo como miembro estable, Teocharidis muere en un accidente, y Skay y el Indio decidieron no reemplazarlo. Después de los shows de octubre en Paladium, de manera intempestiva Tito Fargo D'aviero y "Piojo" Ábalos se fueron de la banda. Al año siguiente, los acompañó Willy Crook. Pero la banda se repuso rápidamente y consiguió a Walter Sidotti (ex Los Argentinos) para la batería, y a Sergio Dawi para el saxofón, aunque deciden no reemplazar a Tito Fargo.

"Corría el año de 1986 y la agrupación aún se encontraba en el underground, su crecimiento era por sus actuaciones en vivo y por ir de boca en boca, no había propaganda publicitaria ni coberturas de disqueras o medios, era el conjunto contra el mundo. La banda no perdió tiempo después de la publicación de su álbum debut llamado Glup! y comenzó los trabajos de composición del siguiente álbum, las bases se registraron en un portaestudio de Gonzo Palacios, quien había servido anteriormente como saxofonista. Con sus propios medios, la banda pudo entrar a los afamados estudios Panda, donde se han grabado decenas de álbumes de gran importancia, y entre agosto y septiembre fueron registrados los nueve temas de Oktubre, un disco que dio un impulso mayor a Patricio Rey y Sus Redonditos de Ricota y les sirvió para consolidar su sonido y su discurso.

El giro que dio Patricio Rey y Sus Redonditos de Ricota entre Glup! y Oktubre fue interesante. La agrupación subió el nivel de complejidad y se permitió hacer desplantes llenos de talento entre el new wave, el rock más puro que se podía respirar en los ochenta e incluso algunos coqueteos con el post punk, quizás la única banda que en paralelo se le podía tener como referente era Sumo, proyecto del cual eran cercanos los integrantes.

El sonido de este álbum es bastante oscuro y frío, se percibe áspero y rudo. Sobre todo tiene un sentido de combate, sus ritmos son desafiantes y Los Redondos no buscaba encajar con las tendencias de aquellos años, se jugaba a su suerte. La banda conformada por Indio Solari, Skay Beilinson, Tito Fargo D'aviero, Semilla Bucciarelli, Willy Crook y Piojo Ábalos era todo menos un conjunto de "roqueros educaditos". El ensamble no tenía interés por alinearse a las letras y sonidos amigables y coloridos, y entonces Oktubre surge como una especie de antítesis de lo que era el rock argentino, algo que sin duda ayudó a enriquecer lo ya conocido. Solos de guitarra y de saxofón bastante bien ordenados acompañados de baterías y bajos que saben medir la intensidad son la base constante de este álbum nutrido principalmente por progresiones menores. Se suma el aporte de Daniel Melero en teclados y Claudio Fernández en percusión. La interpretación del Indio Solari es brutal, ya que la forma de hacer notas altas transmite un montón.

Oktubre tiene momentos bastante densos musicalmente hablando, puede ser el caso de "Semen-Up", al mismo tiempo aparecen otras pistas que son más fluidas y tienen momentos musicales para apreciar y bailar, puede ser el caso de "Preso en mi Ciudad", "Música para Pastillas", "Motor Psico" y "Canción para Naufragios". Por otra parte, este álbum tiene pistas para reventar estadios como puede ser "Divina T.V. Fürer", "Ya Nadie va a Escuchar Tu Remera" y por supuesto "Ji Ji Ji", esto gracias a su intensidad, así como letras memorables y una instrumentación alucinante para ponerse a saltar y perder la cabeza.

Mucho se puede hablar de la gran poética en las letras de Los Redondos, y lo que es un hecho es que la banda tiene a una gran hinchada que desde siempre le ha dado diversos lugares a las narrativas, es prácticamente imposible tener cien por ciento claro el contexto de las canciones, pero lo que si es un hecho es que Oktubre está enfocado en las grandes peleas sociales y en la gente que finalmente vive el miedo, el dolor y al mismo tiempo la furia que queda como estrado de guerras, dictaduras y accidentes nucleares. El siglo XX fue por demás complicado para todo el mundo, las guerras, las tensiones, las muertes, el sida y todas las enfermedades que golpearon a nuestros antecesores dejaron un fuerte trauma, incluso los buenos tiempos tienen cosas malas, y nadie está totalmente en paz. Oktubre refleja de forma brutal este mar de sensaciones, y da referencias a diversos hechos históricos que pueden ir desde la revolución rusa de 1917 (de hecho, la portada está inspirada en aquel evento), la segunda guerra mundial, la guerra fría, el fin de la dictadura en Argentina y una suerte de sed de venganza, la catástrofe de Chernobyl vivida un año antes y muchas otras batallas que ha tenido que sufrir la gente que solo quería estar en paz.

Entonces el álbum te sumerge por muchos momentos en tensión, se puede empatizar con el coraje sufrido por la gente que estuvo antes que nosotros y que nos enseñó que solo en colectivo podemos mover el mundo. Esta placa tiene mucha belleza en eso, en el atrevimiento de intentar retratar aquellos momentos complicados y de contagiar a la gente de esa energía, porque nunca hemos tenido tiempos de gratitud por culpa de unos cuantos. Por otra parte, también se pueden interpretar muchas otras sensaciones de la humanidad que son fruto del consumo de drogas y de la forma en que podemos encontrarnos con el amor en un mundo tan frívolo. 

Rubén Ortega - www.indierocks.mx

 

 

Afiche de presentación del disco en el mítico Paladium (1986)

 

Integrantes:

Indio Solari: Voz
Skay Beilinson: Guitarra
Tito "Fargo" Daviero: Guitarra
Willy Crook: Saxo
Semilla Bucciarelli: Bajo
Piojo Ábalos: Batería

Músicos Invitados:

Daniel Melero: Teclados

Claudio Cornelio: Percusión

 

Temas:

 

01- Fuegos de octubre
02- Preso en mi ciudad
03- Música para pastillas
04- Semen-Up
05- Divina Tv. Führer
06- Motor psico
07- Jijiji
08- Canción para naufragios
09- Ya nadie va a escuchar tu remera 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Trio Galleta - I Am So Happy (FLAC/Estéreo) 1971

 

 

 

Un exclusivo de la nave, por primera vez publicado. Se trata del segundo álbum del Trio Galleta, que originalmente en Argentina  fuera lanzado como "Galleta Soul", y que en Brasil (país donde Galleta gozaba de gran poularidad), fué publicado bajo el título de "I Am So Happy". La diferencia de esta edición con la argentina es que los temas fueron procesados a formato estereo, con el agregado de que el disco, además, está ripeado en formato FLAC.

Ahora podremos disfrutar del Trio Galleta con gran calidad de sonido gracias a la generosidad del navegante Hector Antonio, residente en Brasil, quien envió este material para compartirlo en la nave. Muchísimas gracias Hector!!

 

El Trío Galleta fue una banda de soul-rock compuesta por Carlos Iturbide (guitarra, voz) Juan Carlos Saporiti "Juancho" (batería) y Aníbal Conte (bajo). Otro de sus miembros, cuando el baterista viajó a Brasil fue Daniel Pozas (quien tocaba en vivo)
En 1970, cuando la costumbre de cantar en inglés ya tenía poca aceptación, lanzaron su primer álbum de covers en inglés, llamado "Estoy Herido", por el sello Odeon Records. Los temas iban desde la canción que daba título al álbum ("I've Been Hurt", de Bill Deal and the Rhondels) hasta "Río Verde" (Green River, de Creedence Clearwater Revival) y "Enciende Mi Fuego" (Light My Fire, de The Doors), con un estilo que se conoce como Rock-Soul. Iturbide tenía una voz ronca, que fue un sello distintivo de la banda.
En 1971 lanzaron un álbum llamado "Galleta" Soul" (publicado en el blog). Sus influencias fueron Otis Redding, James Brown, Ray Charles, Stax, Wilson Pickett, Johnny Taylor, Motown, Jeff Beck Group, Bill Deal & The Rhondels, Steve Crooper, Creedence, Southern Soul, Small Faces. Pero ahora no sólo eran covers. Ocho de las doce canciones estában escritas por Iturbide y Conte (quien se encargaba de las letras). En la contraportada dicia que sus letras iban desde el LSD a los problemas raciales.
En ese momento la banda logra un gran éxito internacional, especialmente en Brasil, consiguiendo un contrato con la Rede Globo, y ocupando durante 14 semanas el primer puesto en las listas de ventas, con el astro brasileño Roberto Carlos en el segundo puesto. En 1972, la canción "Estoy tan feliz" (I Am So Happy), de Iturbide y Conte, es ubicada en el puesto 37 entre las 100 canciones más escuchadas en Brasil. (Muchos años después, en 1986, esta canción aparecerá en la colección brasileña "14 Discos de Ouro" (14 Discos de Oro), publicada por el sello EMI-Odeon
Como un último intento, en 1975, Iturbide tiene la intención de continuar con el proyecto y decide formar de nuevo su banda, un cuarteto que incluía a Eduardo Sanz, como guitarrista, Lito Olmos, en el bajo, y José María, en la batería. "Galleta" sale a la venta en 1975. El "soul" sigue siendo la razón principal del estilo de la banda, pero ahora incluyen covers de hard rock de bandas británicas como Ten Years After. Eran tiempos turbulentos en América Latina, por lo que el álbum no tuvo la receptividad esperada, lo que provoco la separacion de la banda.
En Brasil, Carlos Iturbide es considerado uno de los ídolos del rock procedentes de la Argentina. La musica del Trio Galleta ha sido influencia de varias bandas de rock brasileñas como "The Fevers". 

 

 

 

Integrantes:

Carlos Iturbide: Guitarra, Voz
Aníbal Conte: Bajo
Juan Carlos Saporiti: Batería

 

Temas:

 

01- I'll See You In The Corner
02- Running Miles
03- I'm Lost
04- I Can't Believe It
05- My Sorrow Is Ended
06- I See Your Face In The Window
07- I Am So Happy
08- Come Me To Softly
09- Take It
10- Rock In The Jail
11- Georgia On My Mind
12- Going Back To Indiana

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

 pass: naveargenta.blogspot