Javier Martínez - Sol Del Sur (FLAC -1983)

 

Luego de la reunión de Manal en 1980, Javier Martínez emprende su carrera solista y graba su primer álbum titulado "Sol del sur", publicado en 1983. Con una formación en trío, Javier desarrolla su personalidad compositiva en temas que abarcan el rock, el blues, el jazz y la música rioplatense. El disco se editó en un momento donde nuevas corrientes musicales comenzaban a surgir y ganar convocatoria. Este hecho, sumado a algunas críticas negativas que recibió, hicieron que el álbum no tuviera mayor repercusión. Un disco olvidado rescatado por la nave, ahora en formato FLAC.

"Volví al país en lo 80 para la reunión de Manal, y en 1981 hicimos un álbum para CBS que se llamó "Reunión". Yo daba por seguro que Manal ahí se iba a consolidar, que iba a seguir para siempre, pero hubo desinteligencias entre nosotros y nos separamos. Ese momento fue muy traumático para mi, pero de las grandes crisis salen buenas cosas. Tenia unos cuantos temas compuestos; alguno incluso llegamos a tocarlos con Manal, como "Sol del sur", otros los había escrito en Europa. Y bueno, yo vivía en un departamento en el centro pero me mudé a Belgrano, me arme una sala de ensayo y me contacte con "El Mono" Fernández y con Cristian García y arme un power trio -mi formula de siempre- y empece a ensayar toda esa temática nueva.
El productor de "Sol del sur" fue Anibal Gruart, un tipo que en una época fue mánager de Almendra, con quienes tuvimos muy buena química. Lo grabamos en Moebio, por eso el disco suena bien. Teníamos dos maquinas de 16 canales con un sincro, o sea 32 pistas, que para la época era una locura.
Con Cristian García y El Mono Fernández, todo bárbaro, por que fuimos al estudio con mucho ensayo previo. Estábamos muy afiatados. El Mono grabo el bajo y después lo grabo encima otra vez. Y Cristian tiene un trabajo de guitarra muy lindo en todo el disco. A veces hay hasta ocho guitarras superpuestas; hay mucho arreglo. La batería suena muy swinguera y también esta doblada; una batería hace ritmo en todo el disco y encima hay otra que hace las frases, los fills, las aperturas y los cierres. Es como si hubiera dos bateristas. Si tuviera que definir al grupo diría que es un power trio con un concepto orquestal.
"Sol del sur" me pone muy contento, porque lo veo como un disco "bien Javier Martínez". Tiene mi sello característico, pero también mi eclecticismo: hay ocho temas y los ocho tienen estilos distintos. Esta el elemento rioplatense, el jazzistico...Lo que no hay es un típico blues de Chicago, y eso le da, también, un detalle curioso. La verdad es que tiene swing y tiene onda. Y lo que mas me gusta es que es argentino, es particularmente nuestro".

Javier Martínez (Entrevista de Alfredo Rosso-2004)

 

 

 

Integrantes:

Javier Martínez: Percusión, voz
Cristian García: Guitarra
Raul "Mono" Fernandez: Bajo

Temas:

01- Sol del sur
02- Algo ya sé
03- Ya no persigo ser feliz
04- Lo tengo claro
05- Quiero todo para hoy
06- No creo en palabras
07- Sabemos todo, sabemos nada
08- Mujer del viento

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Gato Barbieri - Chapter One: Latin America (FLAC - 1973)

 

 

Una cuenta pendiente que tenía con los navegantes amantes del jazz, la del legendario saxofonista Gato Barbieri. Uno de los músicos argentinos mas reconocidos en el mundo. Entre los años 1973 y 1975, Gato grabó una serie de cuatro álbumes conceptuales conocidos como los "Chapters". Esta tetralogía fusionó el free jazz con el folclore, el tango y los ritmos tradicionales de América Latina. Este volumen que les presento aquí es el primero de esta serie, que luego iré completando en futuras publicaciones.

"Leandro “Gato” Barbieri es uno de los jazzistas argentinos más reconocidos en el mundo y llegó a ser uno de los saxofonistas más importantes de su tiempo. Colaboró con músicos como Carla Bley, Don Cherry, Charlie Haden, sin embargo, Gato nunca dejó de mirar hacia sus raíces y buscó incansablemente un sonido propio que no se conformara con imitar y reproducir lo que se hacía en la escena internacional.
«Quiero que la música hable de lo que pasa en Sudamérica» decía Barbieri, quien como resultado de su concientización política creó la serie Latin America, formada por cuatro discos a modo de capítulos (Chapter One: Latin America, Chapter Two: Hasta Siempre, Chapter Three: Viva Emiliano Zapata, Chapter Four: Alive in New York), donde posicionó al folclore latinoamericano dentro del jazz vanguardista de la época, dotando a este último de un lenguaje nuevo en clave sudamericana.
Chapter One, grabado en Buenos Aires y Río de Janeiro, toma elementos de free jazz y los fusiona con ritmos brasileños, argentinos, bolivianos y peruanos. Para conseguirlo, incorpora a instrumentistas no jazzísticos y percusionistas dentro de la escuela de samba que aportan sonidos folclóricos del acervo sudamericano. El disco está formado por cuatro temas compuestos por Gato y una relectura de la guarania “India”, de José Asunción Flores y Manuel Ortiz Guerrero. Dentro de sus composiciones originales encontramos la dramática y cruda suite de cuatro partes “La China Leoncia Arreo la Correntinada Trajo Entre la Muchachada la Flor de la Juventud” y el tango “Nunca más” con Dino Saluzzi notable al bandoneón. Además, “Encuentros” de gran intensidad y donde se muestra la fuerza expresiva de Gato al saxofón, y el último tema “To Be Continued” donde lúdicamente presenta algunos instrumentos y que sirve como introducción a su Chapter Two.
Si bien Barbieri encontró un sonido único, su mayor aporte radica en las posibilidades que abrió para expresar una identidad regional a través del jazz, creando algo completamente nuevo que denominó jazz del Tercer Mundo".

 

Iraí GH (600discoslatam.com)

 

"En "Chapter One" la característica voz del saxofonista y la música nos van narrando un presunto viaje por la América Latina en el cual Barbieri va recogiendo a músicos de todas las tierras por las que va pasando. De esta forma nos pretende explicar la impresionante variedad de la música y del folklore latino.
Con un tono claramente didáctico, Gato incluso se permite mostrarnos uno por uno como suenan los instrumentos que va introduciendo para que nos familiaricemos con su nombres. Al final del disco, Barbieri "llega a Rio de Janeiro" y nos presenta su siguiente trabajo, "Chapter Two" del que nos encargaremos más adelante.
A vecés adorable, otras dificil de digerir pero siempre muy excitante, "Chapter One: Latin America" es un trabajo que se encuentra siempre al límite, utilizando elementos del free jazz que Gato había practicado pocos años atrás y fundiéndolos con ritmos brasileños, argentinos, bolivianos o peruanos, consiguiendo como resultado un larga duración que nos parece unos de los grandes discos de fusion de todos los tiempos además de una obra de obligada audición, especialmente para los amantes de la música latina y del jazz que dispongan de un par de buenos oidos sin complejos".

jazzfunkbossaok.blogspot.com

Músicos Que Participan:

Gato Barbieri: Saxo tenor

Osvaldo Berlingieri: Piano
Lee Ritenour: Guitarra eléctrica
Ricardo Lew: Guitarra eléctrica
Dino Saluzzi: Bandoneón
John Pisano: Guitarra clásica
Bob Zimitti: Batería
Mayuto Correa: Percusión, conga, triángulo
Antonio Pantoja: Percusión, sikus, erkencho, quena
Adalberto Cevasco: Bajo
Domingo Cura: Bombo
Isoca Fumero: Guitarra de 10 cuerdas, charango
Raúl Mercado: Flauta, quena
Amadeo Monges: Arpa, arpa India
Jorge Padín: Percusión
Novelli: Bajo
Quelo Palacios: Guitarra clásica, charango
Eduardo Zurdo Roizner: Percusión, batería
Paulinho Braga: Percusión, batería
Helio Delmiro: Guitarra
Jim Hughart: Bajo

Temas:

01- Encuentros
02- India
03- La China Leoncia Arreo La Correntinada Trajo Entre La Muchachada La Flor De La Juventud
04- Nunca Más
05- To Be Continued

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Gustavo Santaolalla - GAS (FLAC - 1995) Remaster. 2020

 

 

Segundo álbum solista de Gustavo Santaolalla, considerado su disco "grunge", dada la impronta de varias de sus canciones, impregnadas del sonido que dominaba la década del 90. El disco también incluye exquisitas baladas y medios tiempos como "Rio Ventura", "La mirada total" o "Vecinos".
Un muy recomendable disco de Santaolalla, ahora en la nave en formato FLAC, con una remasterización supervisada por Aníbal Kerpel.

Gustavo Santaolalla lidero Arco Iris entre 1968 y 1975, grupo pionero en fusionar rock con elementos folklóricos. También fue el creador de Soluna, con los que grabo un excelente album y de Wet Pic Nic, ya en el exilio. Este último un grupo de new wave tocaba en pubs de Los Angeles con singular repercusión. Regresó a la Argentina en 1982 y editó uno de los primeros discos locales con sonido de los '80s ("Santaolalla"), grabado junto a Willy Iturry (batería), Alfredo Toth (bajo) y Alejandro Lerner (teclados). La placa anticipó los ritmos bailables que se consolidarían con "Clics Modernos" (1983) de Charly García y posteriormente con Soda Stereo. Luego se radicó en Los Angeles, aunque retornó al país entre 1984 y 1986 para producir el ambicioso proyecto de León Gieco "De Ushuaia a La Quiaca" y el segundo álbum de GIT. Desde Estados Unidos produjo varios discos, entre ellos de Divididos, Café Tacuba, Juanes y Maldita Vecindad.
En 1995 nuevamente en nuestro país registra el rockero "GAS", su segundo LP solista. El corte de difusión, "Todo vale", fue muy bien recibido por las radios y por los canales de video-clips. En los últimos años se ha convertido en uno de los productores más importantes del rock latinoamericano. Apodado "El Gurú", Santaolalla ha ganado diversos y prestigiosos premios internacionales, como por ejemplo el Oscar 2006 por la banda sonora de la película de Ang Lee "Brokeback mountain" ("Secreto en la montaña") y al año siguiente, por "Babel". Junto a Juan Campodónico y Luciano Supervielle encaró Bajofondo, un proyecto de tango electrónico. En 2014 presentó "Camino" su primer disco solista en muchos años: totalmente instrumental. "Raconto" (2017) repasa toda su carrera, desde Arco Iris hasta su carrera solista, grabado en vivo en diciembre '16 en el Teatro Colón y en el CCK, con producción del propio Santaolalla y de Aníbal Kerpel. El material formó parte de la gira "Desandando el camino", para la cual armó su agrupacion con Barbarita Palacios, Javier Casalla, Nicolás Rainone, Pablo Gonzalez y Andrés Beeuwsaert.

"En 1995 y luego de pasar tiempo en Los Angeles, Santaolalla editó su segundo material como solista. Como en el primer álbum, el título no se caracteriza en la inspiración ya que GAS son las siglas de su nombre. “Los tiempos no están cambiando” marca el inicio del disco, con lo que podría ser un deseo del compositor de no dejar que la entrada en la nueva década modifique su capacidad. “Te puedo encontrar” sigue con un ritmo optimista, característico también del primer disco, mientras que “La mirada total” baja un poco el tono hasta llegar a “Un poquito de tu amor”, que es casi como un susurro. “Cuerpo extraño”, con un interesante ritmo, se despliega como una de las más notorias, al igual que “El Necio” que recuerda mucho al estilo de Los Fabulosos Cadillacs".

persimusic.com

 

“Que hubiera un tipo como Neil Young que se acercara al grunge y a artistas como Pearl Jam fue inspirador. Me sentí identificado y me quise sumar dentro de toda la sonoridad de ese momento, a partir de eso tan simple que es la canción. Siento que tiene temas que aún hoy son muy representativos de quien soy y mi visión del mundo".

 

Gustavo Santailalla 

Músicos Que Paticipan:

Gustavo Santaolalla: Todos los instrumentos, voces
Aníbal Kerpel: Instrumentos varios, voces

Músicos Invitados:

Javier Casalla: Violín en “Un Poquito de tu Amor
Quique Rangel: Contrabajo en ‘Vecinos”

Temas:

 

01- Los Tiempos No Están Cambiando    
02- Te Puedo Encontrar    
03- La Mirada Total    
04- Río Ventura    
05- Un Poquito De Tu Amor    
06- Cuerpo Extraño    
07- Todo Vale    
08- El Necio    
09- A Solas    
10- Vecinos    
11- Empujando Tinta    
12- Un Color    
13- Boomerang

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Pablo "El Enterrador" - Idem (FLAC - 1983)

 

 

Pablo "El Enterrador" es una mítica agrupación de rock progresivo y sinfónico nacida en la ciudad de Rosario a principios de la década de 1970. Es considerada una verdadera leyenda de culto dentro del rock nacional, destacada por su altísima calidad musical y por mantener viva la esencia sinfónica durante los años 80. Este es su primer álbum, grabado principalmente en 1979 pero publicado recién en 1983. Esta edición contiene además cuatro bonus tracks, grabados en vivo en Rosario en 1985.

 

El grupo nace en la ciudad de Rosario entre los años 1971 y 1973, su formación inicial incluía a Jorge "Turco" Antún, Carlos"Koki" Andon Brandolini, Juan Carlos Savia, Rubén Goldín y Lalo de los Santos. Cultores del rock sinfónico con elementos folk, su debut se produce durante 1973 en la segunda fecha de la Organización Independiente Rosarina de Rock. Pasado un tiempo, la banda se reorganiza incorporándose José Maria Blanc en voz líder, guitarra y bajo, en lugar de Lalo de los Santos que se va a vivir a Bs.As., Omar López en teclados, Marcelo Sali en Batería, y queda desde los comienzos Jorge Antun en teclados. Estabilizada su formación la banda registra su primer álbum, grabado en 1979 pero editado finalmente en 1983, pero el escaso apoyo recibido por el sello grabador decide los decide a resscindir el contrato.
Entre 1995/97, trabajan en su segundo disco, "2" (también conocido como "Sentido de lucha") el mayor logro del grupo, dónde varía su estilo a Progresivo Melódico, con toques de folklore contemporáneo, manteniendo la estructura de sus composiciones en piano, voz y una sólida base de batería.
En el año 2001 se produjo la reunión del grupo sin la presencia del tecladista Omar López, que abandonó la banda por cuestiones laborales, Pablo... quedó entonces convertido en trío, conservando sus integrantes originales y efectúa varias presentaciones en el Gran Buenos Aires y Rosario. El 2/11/2005 fallece Jorge Antún, un tiempo antes la banda había terminado de grabar "Threephonic" este hecho haría que la edición del disco se retrase considerablemente. Durante marzo de 2007 la banda se presenta en el colmado Anfiteatro del Parque Urquiza - Santa Fe - y con un show impecable homenajean al desaparecido Jorge Antún
Finalmente en 2016 y mediante el sello Viajero Inmóvil se edita "Threephonic", el disco cuenta con Jorge Antún en teclados y bajo, José Blanc en Guitarras y Marcelo Salí en Batería y como músicos Invitados a: Nahuel Antuña en Bajo, Pablo López en Guitarra y Bautista Campisciano. El 5 de marzo de 2018 fallece el tecladista Omar López.

"La pieza que abre el disco, ‘Carrousell de la Vieja Idiotez’, de entrada queda como un manifiesto abiertamente decidido de la onda musical practicada por la banda: los numeros 2, 3, 6 y 7 siguen fielmente esta linea de creacion y trabajo. Una mencion especial debe ir para el tema 3, ‘Quien Gira y Quien Sueña’, el cual probablemente sea el mas intensamente emotivo del disco, y es, personalmente, mi favorito de los temas cantados. Los ornamentos flotantes de sintetizador, los magicos acordes de piano y, finalmente, el etereo solo de guitarra que se extiende hasta el fade-out dibujan un paisaje sonoro a la vez introspectivo y fastuoso, sin llegar a lo pomposo – Pablo “El Enterrador” se mantiene fiel a su linea de elegancia musical. Con todo, EMHO, es en los instrumentales donde Pablo luce mejor sus virtudes artisticas: ‘Ilusion en Siete Octavos’ y ‘La Herencia de Pablo’ son sendas manifestaciones sonoras de energia creativa y solidez performativa, incluyendo algunos de los momentos mas explosivos del disco. El unico tema que parece desentonar en el repertorio oficial del disco es ‘Accionista’, una pieza construida sobre una ideologia frontalmente AOR, algo asi como una cruza entre Survivor y Foreigner. Parece como si hubieran escrito este tema con el formato de single en la mira (incluso dura 3’15”, muy convenientemente): no hay nada errado en ello en el caso de otros disco grabado por algun otro grupo, pero simplemente parece un poco fuera de lugar aqui. Mas esta objecion minima no debe llevarnos a pasar por alto el excelente nivel artistico vertido en los delineamientos generales de “Pablo “El Enterrador””.
El sello distribuidor argentino Viajero Inmovil, en una iniciativa realmente loable, ha editado a inicios del 2005 una version especial de esta joya ochentera, incluyendo cuatro bonus tracks grabados en vivo en 1985, cuando la banda habia pasado por una ligera modificacion en su formacion. Estas piezas suelen ser menos extensas y complejas que las del disco de estudio, pero siguen portando esa atractiva huella peculiar del grupo. El instrumental ‘Celeste Cielo’ es tan etereo como su titulo sugiere, basado en una expansion sobre una breve secuencia de acordes marcada por el piano. De ‘Se Tu Payaso’ destaco su candidez evocativa, y de ‘Los Juegos del Hombre’, la ambientacion sombria - delicadamente armada - que acompaña al retrato apocaliptico relatado en las letras. 

En suma, tenemos aqui un clasico del prog sinfonico argentino: Pablo “ El Enterrador” es un grupo que no deberia estar ausente en una coleccion progresiva que se precie de ser digna". 

 

Cesar Mandoza (Reseña del álbum)

 

 

 

Integrantes:
 
José María Blanc: Guitarras, bajo, voz
Omar A. López: Teclados
Jorge Antún: Teclados
Marcelo Sali: Batería

Temas:

01- Carrusel de la vieja idiotez
02- Elefantes de papel
03- Quién gira y quién sueña
04- Ilusión en siete octavos
05- Accionista
06- Dentro del corral
07- Espíritu esfumado
08- La herencia de Pablo

Bonus Tracks (En vivo Rosario 1985):

09- Celeste Cielo (Inédito en vivo)
10- Bananas (Inédito en vivo)
11- Sé tu payaso (Inédito en vivo)
12- Los juegos del hombre (Inédito en vivo) 

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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V8 - Sede Chacarita Jrs, Villa Martelli, Bs. As. (Bootleg / 06-03-1982)

 

Nuestro experto metalero, el gran "DFR Metal Rec", nos comparte esta joyita histórica de V8, que según sus propias palabras: "Fué uno de los primeros recitales de V8 como trío, sin Zamarbide, Rowek y Civile. La calidad es bastante audible como archivo historico (bootleg). Lo tengo hace 20 años, no es ripeado de YouTube. La foto (incluída en esta publicación) es con el baterista anterior a la grabacion, no encontré fotos con Alejandro Pesadilla Colantonio, que es el que toca en este registro".
Gracias maestro por este material exclusivo, en nombre de todos los navegantes!!

En el mes de julio del año 1980 se produce la primera presentación en vivo de V8 en el club Sahores de Villa del Parque, Capital Federal; Ricardo Moreno en guitarra, Ricardo Iorio en bajo y voz, y Gerardo Osemberg en batería. Tocaron junto a Hermes (organizadores del concierto) y Orions para un escaso número de personas. Allí sonaron por primera vez «Muy cansado estoy» y «Voy a enloquecer». La gente los escuchaba con respeto y sin entender demasiado la propuesta, ya que nunca habían escuchado una banda nacional sonar de esa manera. En la primavera de 1980 dan otro show en Villa Martelli, convocado nuevamente por Orions. En un abrir y cerrar de ojos ya se habían ganado el odio de los dueños de los lugares, debido a su aspecto de pelos largos y vestimenta rota, y la "herejía" de Iorio de usar una gorra de policía con el logo de V8 en vez del escudo nacional.
En 1981 V8 se presenta en el club "Pinocho" de Villa Urquiza; esto se logra por la relación sostenida con Horacio Cristofanetti, coautor de la canción «Si puedes vencer al temor». También en octubre logran presentarse en la sede del Racing Club de Villa del Parque en un show organizado por Hermes, y junto a otras bandas como Sidecar y H.R.D. Este fue el último show de Gerardo Osemberg, quien es sustituido por Alejandro "Pesadilla" Colantonio. El nuevo baterista introdujo a la banda el doble bombo.
En 1982 por amigos en común toman contacto con Alberto Zamarbide, y ambos organizan un concierto en la sede del Club Atlético Chacarita Jrs., ubicada en Av. Álvarez Thomas y Federico Lacroze, en Buenos Aires. Participaron del show los grupos La Máquina Infernal, Manila Express, Ácido Nítrico, WC (donde cantaba Zamarbide y Gustavo Rowek tocaba la batería), y el propio V8.
En el mes de abril, Alejandro Merenzón organiza un concierto en el "Auditorio Bs. As.", del cual participan V8 y WC. Poco después de este show, Alberto Zamarbide abandona WC y se reúne con Iorio, que estaba buscando cantante, y de esta forma queda incorporado a V8. En la banda se produce un importante cambio: Ricardo "Chofa" Moreno decide dejar V8 ya que su estado de salud no era óptimo por padecer asma crónica y problemas hepáticos.7​ El mismo "Chofa" se encarga de traer un reemplazo, llegando al ensayo junto a Osvaldo Civile, que provenía del grupo Té de Brujas.8​ Civile ya era conocido por Iorio y Moreno al haber sido probado, aunque sin éxito, para un grupo anterior de los mismos. Al mismo tiempo se aleja Colantonio, quien se radicó en España, sin demoras se incorpora Gustavo Rowek de WC por medio de Zamarbide. De este modo en mayo de 1982 queda armada la formación clásica de V8: Iorio-Zamarbide-Civile-Rowek.

 

 

V8 en 1981

 

Integrantes:

Ricardo "Chofa" Moreno: Guitarra
Ricardo Iorio: Bajo, voz
Alejandro "Pesadilla" Colantonio: Batería

Temas:

01- Con este ardor (Voy a enloquecer)
02- Inalcanzable
03- Cianuro espumoso
04- Dígame
05- Asqueroso cansancio (Muy cansado estoy)
06- Tarzán el piadoso
07- Maligno
08- Solo heavy metal

Formato: Mp3 - 192 Kbps

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Espíritu - Espíritu III / En Movimiento (FLAC - 1982 _1983)

 

 

 

Luego de su separación, en 1976, la icónica agrupación de rock sinfónico progresivo regresaba brevemente a la actividad entre 1982 y 1983, con algunos cambios en su formación original. Durante ese período registran estos dos álbumes. "Espíritu III"(1982), fué reeditado recién en 2004, mientras que "En Movimiento"(1983) no tuvo hasta ahora reedición oficial, lo que lo convierte en un material dificil de conseguir. Difruten de estas dos perlitas, ahora publicadas en formato FLAC.

"A fines de 1981 Bergé y Favrot reciben la propuesta de la Productora Francis Smith (a través de su ingeniero de grabación Alejandro Franco) para la realización de un nuevo álbum del grupo. Luego de una serie de tratativas llegan a un acuerdo y Bergé-Favrot firman contrato con dicha productora el día 20 de diciembre de 1981. Por intermedio de un amigo los dos fundadores de Espíritu mantienen una entrevista con un trío ya formado que estaba integrado por Rodolfo Messina en batería, Claudio Cicerchia en bajo y Angel Mahler en teclados.
Formalmente los ensayos comenzaron en diciembre de 1981 y la grabación de Espíritu III empezó en el verano de 1982. Al mismo tiempo se contrataba el Estadio de Obras Sanitarias con 6 meses de anticipación para la presentación que se haría efectiva el 12 de junio de 1982.
La grabación se realizó en 16 canales analógicos empleando aproximadamente 100 horas de estudio. Se utilizó el Vocoder para apoyar los coros del tema Lento Juego de Luces y se dio particular atención al piano Yamaha CP70 y a las guitarras acústicas. Luego de finalizada la grabación Espíritu emprende una fuerte campaña de promoción que incluyó presentaciones en varios canales de TV, reportajes radiales y prensa.
Todo estaba perfectamente previsto y ensayado menos la posibilidad de que Argentina entrara en guerra con Inglaterra por las Islas Malvinas. Este hecho causó gran conmoción en el país y entre los integrantes del grupo quienes estuvieron al borde de la suspensión del concierto cosa que no pudieron hacer por la exigencia del cumplimiento de los contratos ya efectuados, sobre todo con el estadio. A pesar de la situación que vivía el país (hasta el día anterior al concierto se hablaba de la suspensión de todos los espectáculos públicos por la visita del Papa) el grupo se presenta en Obras con una presencia de público inferior al esperado pero que alcanzó a las 2800 personas.
Mas allá de las buenas críticas el grupo fue atacado por varios medios de prensa porque consideraban que el rock sinfónico estaba muerto y que el grupo no había vuelto para mostrar algo nuevo. En un comentario sobre el nuevo álbum se dijo: "resulta de interés para aquellos que quieren escuchar al único grupo sinfónico ortodoxo que queda en el planeta".
Desde el punto de vista musical este comentario más que una crítica resultaba un elogio, pero el público estaba más con las nuevas corrientes musicales y no apoyó la nueva etapa de la banda en la medida de lo esperado. A pesar de esto Espíritu siguió presentándose en vivo hasta que Bergé anuncia el inicio de una etapa como cantante solista y se retira del grupo.
A partir de ahí el Espíritu sigue un año más con Favrot en el rol de guitarrista y cantante con una propuesta musical diferente. Participan en el festival Barock en Noviembre de 1982 y en 1983 graban para el sello RCA el último álbum denominado "En Movimiento", producido por Ricardo Kleinman y Floro Oria Cantilo. A pesar de proponer un sonido más pop, alejado del rock sinfónico habitual del grupo, el álbum pasó prácticamente desapercibido para el público y la crítica local, lo que llevaría a la agrupación a una nueva ruptura ese mismo año".

"El alejamiento del cantante Fernando Bergé, sumado a la escasa trascendencia de la reunión del grupo, forzaron a Espíritu a replantear sus ideas. "En movimiento" es el primer producto de la nueva etapa del cuarteto liderado por Osvaldo Favrot, y en este trabajo se advierte una clara y saludable intención de romper las barreras del tiempo -que tanto ataron al grupo en algún momento— y acercarse a un propuesta más directa, simple y contemporánea. "De lado a lado" es el tema apertura del disco y la primer demostración de que Espíritu cambió: un rockanroll clásico con una temática realista y un lenguaje cotidiano. El resto del material también muestra sensibles variantes con el estilo conocido de Espíritu aunque hay ciertas referencias en algunos de los arreglos, sobre todo en los de los temas lentos. La parte compositiva del grupo fue asumida, tras la deserción de Bergé, íntegramente por el guitarrista Osvaldo Favrot, a excepción de dos temas que son del tecladista Angel Mahler. Favrot es en gran parte el responsable del cambio experimentado por la banda y además es ahora el cantante del grupo. En esta función se desempeña aceptablemente, destacándose en las canciones calmas, las que por otra parte parecen ser la veta más fértil del cuarteto". 

Revista Pelo - Reseña de "En Movimiento" (1983)

 

 

 
Integrantes:

Fernando Bergé: Voz (En "Espíritu III")
Osvaldo Favrot: Voz (En "En Movimiento"), guitarras, coros
Angel Mahler: Teclados
Claudio Cicerchia: Bajo, coros
Rodolfo "Fito" Messina: Bateria 

Temas - Espíritu III (1982):

01- Antes tal vez
02- Policolor
03- Nacer
04- Lento juego de luces
05- Toma un tiempo
06- Elemental
07- Un viaje por los recuerdos
08- Guardianes en pie

09- La casa de la mente (Vivo Obras '82)
10- Soy la noche (Vivo Obras '82)
11- Imágenes tenues y transparentes (Vivo Obras '82) 

Temas - En Movimiento (1983):

01- De lado a lado
02- Ella de visita
03- La carta de cada día
04- Solo poder vivir
05- En movimiento
06- Un hombre más
07- Septiembre, hoy
08- Yo estoy bien así
09- Déjate llevar por el tiempo

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Riff - Contenidos (FLAC - 1982)

 

 

El tercer trabajo discográfico de Riff inicialmente se había pensado para que sea un registro en vivo. Finalmente terminó siendo un disco de estudio, con diez composiciones nuevas, que consolidaría al grupo como el mayor exponente del hard rock dentro de nuestro país (y uno de los mas populares de los 80). "Contenidos" incluye canciones que se han convertido en clásicos del rock argentino; temas como "Susy Cadillac", "Mal romance", "Pantalla del mundo nuevo" o "Héroes del asfalto", forman parte del álbum mas sólido de esta primera etapa de Riff.

 

"El tercer álbum de Riff, que llega a fines de 1982, termina de ponerlos en la cima. Un año definitivamente conflictivo para Argentina (Malvinas), y que tuvo muchas repercusiones: la retirada de la dictadura con el llamado a elecciones, un panorama social cada vez más conflictivo, y de yapa, mayor difusión radial y televisiva para los músicos de rock. Dentro de este panorama, Contenidos llega con mucho rock y bastante contundencia. Riff ya no podía ser ignorado, y en la encuesta de Pelo, tanto la banda como su LP terminaron como mejor grupo y disco del año. Y razones no faltaban. El estilo hard y la imagen de Riff pegaban con los tiempos que se vivían. Una cuestión que a la larga se volvería contra la propia banda. Pero eso sería un año después (¡sólo un año!).

A diferencia de Macadam, Contenidos refleja musicalmente un regreso al rock más simple, solo que no era elemental sino que estaba debidamente procesado. En cambio las letras eran más directas, y se permitían imágenes poco frecuentadas, ¿post apocalípticas? (“Pantalla del mundo nuevo”), chicas de armas tomar (“Susy Cadillac”, “Mal Romance”), o reflexiones sobre la sociedad con las que un adolescente podía identificarse (“Hoy No Hago Nada”, “Me Tienen Cansado”, “Lo Que Quieras Hacer”). En este álbum tanto la composición como la voz líder estaba más repartida, y esto también era una manifestación de madurez. En lo personal, me quedo con “Héroes del asfalto” como mejor tema, aunque el disco no tiene sobrantes de ningún tipo.

Contenidos fue el mejor álbum de Riff, y a su vez, su clímax. Paradójicamente, cuanto mejor, peor. Muchas cosas sucederían durante el 83, que llevarían al grupo a separarse por primera vez a principios de 1984. Pero quedó este LP cuya influencia tampoco puede ignorarse, más allá de figurar retrasado o no figurar directamente en las listas de los medios “especializados”, siempre proclives a mencionar a los artistas (y amigos) de siempre".

 

elholocaustodepabloalekssander.wordpress 

 

Sus majestades los reyes del metal pesado: Riff. Ellos son los únicos, los verdaderos líderes del rock pesado. Y por si alguien lo dudaba este álbum vuelve a demostrarlo. Densos, pesados, góticos por momentos, los Riff recrean su sonido de guitarras chirriantes y ritmos reiterativos hasta la exasperación.

Contenidos muestra un notorio avance de Pappo y su pandilla, una saludable evolución que, curiosamente, tiene su punto más alto en las letras. Todas exhiben una modesta, pero concreta preocupación por abordar temas candentes, sin dejar de lado la ficción con trasfondo social como en ‘Pantalla del mundo nuevo’. El tema tiene un riff atrapante y la letra tiene imaginación y ácidos comentarios sociales. La canción descubre a un potencial compositor en Michael Peyronel. Tiene un riff bluseado sobre el que declaman los penetrantes y fantásticos comentarios de la letra. Susy Cadillac’ es un tema súper veloz de una chica ‘junkie’, todo a mil. ‘Héroes del asfalto’ tiene un ritmo atrapante, una buena combinación de reggae y hard rock.

Contenidos es muy buen álbum de rock metálico que no solo va a gustar a los seguidores de Pappo. Sus habilidades como guitarrista quedan a salvo, aunque debería tratar de aportar nuevas variantes sonoras en sus solos, técnicamente irreprochables. Este disco marca un notorio avance de Riff en la música y las letras, y una sabia apertura del espectro de la banda, ya sea cantando o componiendo. Es muy importante que los líderes del rock pesado sigan tocando bien, pero bien fuerte, y también se hagan escuchar para decir cosas importantes.

 

Revista Pelo - Reseña del disco (1982)

 

 

 

Integrantes:

Pappo: Guitarra, voz, coros
Boff: Guitarra rítmica
Vitico: Bajo, voz, coros
Michel Peyronel: Batería, voz, coros

Temas:

01- Susy Cadillac
02- Mal romance
03- Hoy no hago nada
04- Lo que quieras hacer
05- Pantalla del mundo nuevo
06- Me tienen cansado
07- Héroes del asfalto
08- Duro invierno
09- Maquinación
10- Tiempo distante

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Colección Simples De Mandioca - V.A. (FLAC / 1968 - 1970)

 

 

Edición no oficial que compila todos los simples publicados por Mandioca entre 1968 y 1970. Incluye el único EP del sello de Rubén Reches, sin fecha de edición confirmada. Debajo de este encabezado, la historia de como se realizó, de forma independiente, esta incunable recopilación, que ahora tendremos la posibilidad de disfrutar en formato FLAC.

 

"Increíble hallazgo encontrado por un antiguo vendedor de CDs del Parque Centenario, a quién un cliente hace mucho tiempo atrás, le trajo los 23 simples juntos de Mandioca para que se los grabará en formato CD. Así pués este vendedor del parque, digitalizó cuidadosamente cada uno de los simples de vinilo, directamente sin compresión, ni equalización ni filtro y los paso a CD. Digitalizó además cada tapa original, y este es el resultado. 

Estos simples nunca se editaron en CD, salvo un puñado de ellos en el LP "Los Solistas De Mandioca" del año 1985, y su posterior reedición en CD del año 1993, que incluye 15 canciones de Miguel Abuelo, Tanguito, Poldo Zieher, Moris y Pappo's Blues. Cabe destacar que el simple de Poldo Zieher "Hasta Dónde" / "Basta De Infiernos" -que aquí aparece como bonus track-, es una grabación inédita que nunca salió en disco simple físico de vinilo por Mandioca, sino que aparece recién por primera vez, en la edición en LP/CD de "Los Solistas De Mandioca" (1985) del sello Talent / Microfón.

Esta grabación digital a flac es de muy buena calidad de sonido ya que el rippeado se realizó directamente a WAV de cada uno de simples de vinilo originales, sin tocar nada".

Mandioca fue un sello discográfico argentino que editó discos entre 1968 y 1970. Fue dirigido por Jorge Álvarez, Pedro Pujó, Rafael López Sánchez y Javier Arroyuelo y desempeñó un importante papel en la promoción y difusión del rock en español en la Argentina. En 1966, Jorge Álvarez, un editor de libros políticos, históricos y culturales comprometidos, se relacionó con tres jóvenes estudiantes secundarios Javier Arroyuelo, Silvio Ramaglia y Pedro Pujó, interesados en los nuevos movimientos juveniles y los mecanismos de difusión.
El nombre «Mandioca» fue elegido por tratarse de un vegetal originario de América, como símbolo de identidad cultural, a la vez que eligieron el color morado del interior de la mandioca, como fondo de las etiquetas de los discos.
Mandioca comenzó produciendo tres sencillos de artistas desconocidos: uno del trío Manal ("Qué pena me dás" y "Para ser un hombre más"), otro de Cristina Platé ("Paz en la playa" y "Para dártelo todo") y un tercero de Miguel Abuelo ("Oye niño" y "¿Nunca te miró una vaca de frente?"), que fueron lanzados simultáneamente el 12 de noviembre de 1968, con una presentación en la sala Apolo, de la avenida Corrientes de Buenos Aires. En esa ocasión tocaron los dos solistas y Manal.
El sello Mandioca impulsó y difundió músicos de rock y creaciones artísticas que resultaron fundamentales en los orígenes del rock argentino, destacándose Manal y Vox Dei. De ésta última banda, Mandioca promovió la creación y realizó toda la grabación de la ópera-rock La Biblia, aunque finalmente no realizó el lanzamiento debido a la quiebra, razón por la cual fue la empresa grabadora, TNT, la que efectuó la publicación (con graves defectos) para cobrarse la deuda pendiente. También fueron importantes las grabaciones que Tanguito realizó en Mandioca, que finalmente fueron publicadas por otro sello.
Salvo "No pibe" los discos de Mandioca tuvieron escaso éxito comercial. Sin embargo, entre ellos se encuentran clásicos permanentes del rock nacional, como "No Pibe", "Jugo de tomate frío" y "Avenida Rivadavia" de Manal, "Presente (El momento en que estás)" de Vox Dei y "El oso" de Moris. El álbum Manal (llamado también La Bomba) ha sido considerado como uno de los mejores álbumes de la historia del rock argentino, al igual que La Biblia de Vox Dei, que aunque no fue lanzado por Mandioca, fue inspirado e íntegramente grabado por el sello.

 

Intérpretes y Temas × 2 (CD-1):

01- Manal
Para ser un hombre más / Qué pena me das
02- Cristina Plate
Paz en la playa (Cantarles nomás) / Para dártelo todo
03- Miguel Abuelo
Oye niño / Nunca te miró una vaca de frente?
04- Hielo
Monsieur Ducau / Buscando ese lugar
05- Samantha Summers
You / Te iluminaré
06- Piel Tierna
Candy / Memorias de primavera
07- Manal
No pibe / Necesito un amor
08- Moris
El oso / Escúchame
09- Vox Dei
Azúcar amarga / Quiero ser
10- Brujos
Ese dinero / Un lugar elegido
11- Analisis
Tendré que luchar / Flotando
12- Xawks
El tiempo / Alguien me está esperando
13- Pot Zenda
Vuelvo a sonreir / Basta de llorar

Intérpretes y Temas × 2 (CD-2):

14- Manal
Avenida Rivadavia / Jugo de tomate
15- Vox Dei
Presente / Doctor Jekill
16- Miguel Abuelo
Mariposas de madera / Hoy seremos campesinos
17- Brujos
Pasan muchas cosas / Desesperación
18- Them
Tiempos cambiantes / Quiero estar en paz
19- Vox Dei
Total qué / Canción para una mujer
20- Alma y Vida
Niño color cariño / He comprendido
21- Tanguito
La balsa / Amor de primavera
22- Ruben Reches
Lavar los platos / Un rey de la biblia / Cuando por primera vez / Los viejos y el fuego (×4)
23- Armagedon
Se viene el Armagedón / Mi vida no existe sin ti
24- Poldo Zieher  
Hasta dónde / Basta de infiernos (Bonus Tracks)

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Síntesis - Síntesis (FLAC - 1976) Remaster. 2016

 

Síntesis fue una agrupación gestada en Rosario que fusionaba rock progresivo con claras influencias de jazz y blues, donde destacaban los arreglos de vientos y cuerdas. En 1976 editan este único álbum que contenía seis temas, convirtiendose en el primer disco de una banda rosarina dentro de ese genero. El disco original, una preciada pieza valorada por coleccionistas, tuvo su primera reedición en cd en 2016, que ahora comparto con ustedes en formato FLAC.

Integrado por Jorge Migoya en guitarra, Juan C. Ricci en batería, Julio Cusmai en batería, con la colaboraciones de Sergio Polizzi en violín, Mariano Zarich y Cachi Ferreyra en sexos, Santiago Aldana en clarinete, Oscar Tissera en flauta. Provenientes de la ciudad de Rosario, despliegan un rock progresivo con muchos ingredientes de jazz y blues y apenas alguna aproximación sinfónica. Las composiciones son íntegramente instrumentales y se destaca el liderazgo de la guitarra con atinados arreglos de cuerdas y vientos. Como curiosidad, este recomendable álbum se registró en dos días, el primero de ellos coincidente con el golpe militar que instalo una de las más sangrientas dictaduras que asoló a la Argentina. Los seis temas no llegan a ocupar media hora de registro. Aún así el álbum es totalmente recomendable.


 Entrevista a Jorge Migoya (Compositor y guitarrista de Síntesis):

-¿Qué recordás de ese 24 de marzo, día del golpe militar, cuando entraron a grabar el disco en Buenos Aires?-

-No tengo un recuerdo muy preciso de los minutos y las horas que transcurrieron ese día. Habíamos comenzado a grabar desde la mañana y fue durante una pausa, en un bar de los alrededores, comiendo y viendo la tele al mismo tiempo, que vemos tanques por la calles, y las noticias nos hablan de golpe de estado. Es una situación extraña y surrealista a la vez, nosotros, jóvenes músicos rosarinos, grabando por primera vez en Buenos Aires y con la energía y el deseo de vivir plenamente ese momento, cuando por otro lado, en el mismo instante, una realidad política y militar que se implanta. Como si esa realidad nos estaba empañando nuestro propio sueño. Por supuesto, volvimos al estudio, continuamos a grabar, el día siguiente también; eran épocas donde el alquiler de un estudio de grabación costaba caro y la grabación de Síntesis hubo que hacerla en solo dos días (grabado y mezclado, por favor), gracias Da Silva! De esto hace 40 años, e inclusive hay detalles que personalmente no recordaba pero que Juan Ricci me los rememoró. Por ejemplo que el segundo día Litto Nebbia pasó por el estudio mientras grabábamos, trayendo equipos, ya que luego sería su turno para grabar.

-¿Por qué el disco -en rigor, el vinilo- se volvió un incunable?-

-Hay varias razones por la cual un disco puede devenir incunable, la primera y la más simple, es que se hayan tirado pocas placas (si se tiran 30 discos, serán incunables al mes), otra, más probable, es la relación que ya en la época constituía el grupo con su auditorio; en los años 70 la relación juventud y música era muy fuerte, eran años de movida musical nacional e internacional, casi como si el arte y la música en particular podían cambiar el mundo. Toda nuestra vida está puntuada de momentos pilares que construyen nuestro ser y sobre todo esos momentos de juventud, que han sido asociados a una película, una pieza de baile o a una música. Síntesis no escapa a esta regla, la vida y la historia musical se encargan del resto, el vinilo poco a poco desaparece para dar lugar a otros soportes. ¿Sería un paso a la incunabilidad? Era ya incunable en vinilo, entonces todo eso se transforma en un juego, el que lo tiene y el que no (como las figuritas de football en el álbum), lo incunable es algo precioso. Hoy hay jóvenes que no conocieron Síntesis, que inclusive nacieron mucho años después de la aparición del disco y sin embargo lo escuchan —a través de Internet- como una música actual; ellos ni siquiera tienen la relación al pasado, a lo vivido con esa música, no la escuchan por nostalgia, la escuchan al presente y eso sí es lo interesante, cuando lo incunable se suma a la vigencia. Esa es quizás la razón fundamental de su resurgimiento.

Integrantes:

Jorge Alberto Migoya: Guitarra, arreglos
Juan Carlos Ricci: Bajo
Julio Alberto Cusmai: Batería

Musicos Invitados:

Cachi Ferreyra: Saxo alto (03,05,06)
Mariano Zarich: Saxo tenor (03,05)
Oscar Tissera: Flauta (02,06)
Santiago Aldana: Clarinete (06)
Sergio Polizzi: Violin (02)

Temas:

01- Lo obvio según yo
02- Sin nada
03- La necesidad de amar... a veces
04- Algunas maneras de expresarme
05- Todo lo necesario para lo necesario
06- El final
07- Reminiscencias (Bonus Track) 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Astor Piazzolla y Horacio Ferrer - María De Buenos Aires (FLAC - 1968)

 

 

Una de las obras mas ambiciosas de Astor Piazzolla y de la música contemporánea argentina. Vanguardista en lo musical y multidireccional en su poética, María de Buenos Aires, "la operita", significó una gran influencia para los músicos de aquel naciente rock argentino, a fines de la década del 60. El maestro Piazzolla en la música, Horacio Ferrer en las palabras, en una realización conceptual que aún continua conmoviendo. Un relato urbano mitológico y surrealista sobre el Buenos Aires de los suburbios, que no podía estar ausente en el archivo navegante.

 

 "En un viaje a Río de Janeiro el bandoneonista Ástor Piazzolla quedó fascinado por el espectáculo Zum Zum de Vinicius de Moraes, donde se mezclaba música y poesía. La idea de un espectáculo que combinara sus composiciones con un montaje escénico le venía dando vueltas en la cabeza desde que había visto West Side Story en Nueva York. Estaba en crisis. Se había separado de su mujer Dedé Wolff, la mujer con la que compartió 26 años y con la que tuvo a sus hijos Diana y Daniel. Se sentía atraído por la cantante Egle Martín, que estaba en pareja con Lalo Palacios y con la que había trabajado para la banda de sonido de una película. El músico, arreglador y compositor no encontraba el rumbo de su vida y la manera de salir de una etapa de bloqueo creativo.

Durante un programa de televisión el popular astrólogo Horangel le vaticinó que su mala racha terminaría meses después cuando alguien golpeara imprevistamente a su puerta. El 1 de diciembre de 1967 el poeta uruguayo Horacio Ferrer llegó de Montevideo y fue a visitar a su amigo Ástor Piazzolla (habían forjado amistad durante el verano de 1955 en Mar del Plata) a su departamento de la Avenida del Libertador 1088. "Como el timbre no funcionaba, golpeó la puerta. Piazzolla lo recibió con ojos de alucinado, como si su llegada fuera providencial", relatan María Susana Azzi y Simon Collier en la biografía Astor Piazzolla, su vida y su música. Fue un encuentro cósmico. Ese día, también, estaba Egle Martin, la que sería la musa inspiradora y la generadora de la idea de la operita María de Buenos Aires. 

Piazzolla y Ferrer trabajaron durante meses en Buenos Aires y Montevideo. Para terminar el libreto Horacio Ferrer se mudó al departamento de Ástor. A fines del 67 la obra, una de las más significativas y más representadas en el mundo del binomio creativo Piazzolla- Ferrer, estaba lista. Quedó bautizada como María de Buenos Aires y contaba en clave surrealista la muerte y resurrección de un personaje que Ferrer imaginó como símbolo femenino de Buenos Aires. El musical se dividía en dos actos y estaba compuesto por ocho canciones, entre las que se destacaban piezas clásicas con el tiempo como "Fuga y misterio".
Originalmente Egle Martin y Héctor Rozas serían los protagonistas. Piazzolla tocaría con su quinteto integrado en esa época por Antonio Agri en violín, Cacho Tirao en guitarra, Jaime Gosis en piano y Kicho Díaz en contrabajo, además de las cuerdas de Hugo Baralis en segundo violín, Néstor Panik en viola y Víctor Pontino en cello, la flauta de Arturo Schneider y los percusionistas José Corriale y Tito Bissio (vibráfono y xilofón). El estreno fue el 8 de mayo de 1968 en el Teatro Planeta. Finalmente la protagonista no fue Egle Martin, quien dejó el proyecto tras un encuentro en la casa de Piazzolla que terminó en un escándalo mediático. La reemplazante fue Amelita Baltar, la musa definitiva de la obra y de la dupla Piazzolla-Ferrer que un año después estrenaría el clásico Balada para un loco".

Gabriel Plaza

"En agosto de 1968, apenas cuatro meses después del estreno en el Teatro Planeta, el Estudio ION de Buenos Aires fue el escenario de la primera grabación discográfica del binomio Piazzolla-Ferrer. El proyecto, definido por sus autores como una “operita”, está concebido en dos actos y dieciséis secciones, donde música y poesía se entrelazan en la figura alegórica de María, símbolo del tango, de Buenos Aires y de su gente. Sobre ella se proyecta la lírica exuberante y florida de Horacio Ferrer, sostenida por el andamiaje musical y rupturista de Astor Piazzolla.
La instrumentación convoca a once músicos, un recitante y dos cantantes, con un tratamiento orquestal que dialoga con la tradición al tiempo que la desplaza hacia territorios inéditos. En ese marco se produce un hecho decisivo: el ingreso de Amelita Baltar al universo piazzolliano. Su voz no solo dará vida a esta creación, sino que abrirá el camino a una sociedad artística que, entre 1969 y 1974, alumbrará piezas emblemáticas como Balada para un loco y Chiquilín de Bachín.
El álbum, publicado por el sello Trova a finales de 1968, representa un nuevo eslabón en la incesante búsqueda estética de Piazzolla. La obra combina momentos de honda inspiración con pasajes más irregulares, y entrega un clásico indiscutible como “Fuga y misterio”, que aún hoy conserva intacta su fuerza. En conjunto, «María de Buenos Aires» marca un punto de inflexión en la trayectoria del compositor y expande las fronteras del tango, integrándolo con la teatralidad y la lírica surrealista".

Pablo4U

 

 

Piazzolla y Ferrer junto a los cantantes principales de la obra: Amelita Baltar y Hector De Rosas

 

Músicos que participan:

Astor Piazzolla: Bandoneón, arreglos, dirección y música
Horacio Ferrer: Recitados y letras
Amelita Baltar: Voz
Héctor De Rosas: Voz
Antonio Agri: Violín
Hugo Baralis: Violín
Cacho Tirao: Guitarra
Jaime Gosis: Piano
Víctor Pontino: Violoncello
Arturo Schneider: Flauta
Néstor Panik: Viola
Kicho Díaz: Contrabajo
José Corriale: Percusión
Tito Bisio: Vibráfono, campanas, xilófono

Temas / Disco 1:

01- Alevare
02- Tema de María
03- Balada para un organito loco
04- Milonga carrieguera
05- Fuga y misterio (Instrumental)
06- Poema valseado
07- Tocatta rea
08- Miserere canyengue

Temas / Disco 2:

09- Contramilonga a la funerala
10- Tangata del alba
11- Carta a los arboles y a las chimeneas
12- Aria de los analistas
13- Romanza del duende
14- Allegro tangabile
15- Milonga de la anunciación
16- Tangus Dei

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Tribemol - Demos (Mar Del Plata / 1981-1983)

 

Tribemol es una histórica agrupación de Mar Del Plata de jazz-rock y rock progresivo, fundada en marzo de 1981. Liderada por el bajista, compositor y productor Fabián Spampinato, el grupo se destacó por su participación en el festival B.A. Rock IV en 1982. En aquella década no llegaron a grabar oficialmente ningún álbum, pero queda el testimonio de esta grabación demo que demuestra la excelencia de su música con categórica personalidad marplatense.

 

Tribemol fue una banda de jazz-rock progresivo de Mar del Plata que se formó en 1981. Estuvieron activos dos años, tocando asiduamente en el circuito de Mar del Plata y la zona, viajando en tres ocasiones a Capital Federal. Su participación en el B.A. Rock IV en noviembre de 1982 ante 15.000 personas, junto a Riff, Gieco, Spinetta y otros popes de la época fue un espaldarazo grande en épocas de cambio en la política socio-económica argentina. Con el gobierno militar a punto de caer, el contrato para editar su primer álbum no llegaba. Tanto es asi que Joey Cedrón, el guitarrista, regresó a USA y el grupo se disolvió, pero no la amistad. En el 2000, Joey regresó por unas semanas y se reunieron a zapar en fm d-rock! de Mar del Plata. En el 2006, con la producción del álbum triple "Al Flaco...dale gracias" (Homenaje a Spinetta), se reunieron virtualmente para grabar "La Herida de París". Joey, desde USA, Luis Morello afincado en Mallorca, el resto en Mar del Plata y con el invitado Guillermo Cides en Barcelona, fueron enviando los tracks para la versión final, editada en febrero del 2007. 

 

 

 

Integrantes:

Joey Cedrón: Guitarras, voz (desde 1982)
Luis Morello: Piano, Rhodes, sintetizadores
Fabián Spampinato: Bajo
Fernando Romairone: Batería
Mario Orbe: Guitarra (en 1981)

Músicos Invitados:

Carlos Rizzo (Voz 1982 y 1983)
Walter Silva (Voz 1981)

Temas:

01- Aire de la Mañana
02- Leve Mejoría
03- Dando ese Paso
04- Lo que Más Quiero
05- Antes de Volver
06- Aire de la Mañana (2º versión)
07- Ya No Podés Mirar al Cielo
08- La Lucilla (pt 1)
09- El Mensaje de tus Ojos (La Lucilla, pt 2)
10- Aire de la Mañana (3º versión)

Bonus Tracks:

11- Gin Tónic (en vivo en 1981)
12- Lapislázuli (en vivo en 1982)

Formato: Mp3 - 160 Kbps

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Gustavo Montesano - Homenaje (FLAC - 1977)

 

 

Luego de la disolución de Crucis, en 1977, Gustavo Montesano comenzó la grabación de su primer disco en solitario: "Homenaje'', donde contó con la colaboración de los músicos más importantes del rock argentino de entonces. Montesano ha considerado este registro como un virtual "tercer disco" de Crucis, puesto que los músicos de este grupo tocaron en casi todas los temas, junto a otros destacados instrumentistas como Pedro Aznar, José Luis Fernández, Charly García, Nito Mestre y Alfredo Toth, entre otros.
Esta publicacion contiene dos bonus tracks de Crucis pertenecientes a un simple que nunca llegó a editarse.

 

"Homenaje fue una especie de experimento musical donde pude realizar mis composiciones, y asi lo hice con la inestimable ayuda de todos los musicos que en el participaron, especialmente Pino, Gonzalo y Anibal, mis compañeros de Crucis y de mi productor Jorge Alvarez, quien me dio la libertad de grabar el disco de la forma que a mi me pareciera. Hoy casi veinte años despues, lo escucho y no puedo creer la tecnica, frescura y libertad con la que grababamos en aquella epoca.

El LP se llama así ya que es precisamente una especie de homenaje a todo el período pasado de Crucis. Toqué yo naturalmente, tambien Pedro Aznar, los chicos de Crucis, Charly García, Nito, María Rosa Yorio, Alfredo Toth y un cuarteto de cuerdas. Creo que hay varias cosas que dejan ver bastante la línea musical de Crucis. Pero tambien hay muchas cosas mas libres que yo tenía ganas de hacer, algo tirando mas al folk o al rock and roll... Son siete temas totalmente libres, que no tienen gran conexión uno con otro, hay temas totalmente intelectuales. Todas las letras tienen un poco de continuidad, un tema. El tema es la introspección mental. Una especie de qué pasa conmigo, que pasa con nosotros. Las letras tratan problemas que de pronto tengo yo y veo que tambien tiene la gente".

Gustavo Montesano

 

"El album comienza con "Sinfonia Lunatica", un tema instrumental de bello entramado melodico que remite (y mucho) a Crucis. El segundo tema llamado "Cuando la duda se hace grande aldrededor" es la primera pieza cantada del disco. Otro tema buenisimo en especial por alguna influencia casi "yesera" que tiene en el principio. Ademas, el final recuerda bastante a algunas cosas del mejor periodo melodico del Santana de los '70. Por su parte, "Desde que te pude ver" es una delicada balada que cuenta con la participacion de un cuarteto de cuerdas, mas el acompaniamiento de piano y teclado. Suena bien, aunque la vocalizacion de Montesano no sea de las mejores.
Con respecto a "La ultima barrera", Montesano declaraba en un reportaje que le hacia la (desaparecida) revista "Roll" (en octubre del '77): "Este tema se llama "La Ultima Barrera" porque el grupo (Crucis) se estaba destruyendo, porque se ponia barreras. Creo que las barreras tienen que desaparecer, porque nos estan frenando. Este tema habla, justamente, de como hay que hacer para matar ese fantasma, esos fantasmas que uno tiene adentro y que son como unos jueces, porque nos dicen que es lo que tenemos que hacer y que no." En si, lo que nosotros podemos decir acerca de "La Ultima Barrera" es que es un tema mas simple y medio folk. Cercano, incluso, a la veta iniciada por el supergrupo Porsuigiego o incluso Los Desconocidos de Siempre (grupo de Nito Mestre). Otra historia es "Marginado en el tiempo" otro muy buen instrumental progresivo de neta influencia "cruci-genesiana" en lo melodico. Por su parte, "Primer triunfo" es una potente pagina musical que recuerda al mejor Crucis, con varios cambios ritmicos y buenisimos contrapuntos instrumentales. El disco se cierra con "Homenaje Color Naranja", el homenaje de Montesano hacia su etapa pasada en Crucis. Creado solo con un sintetizador, este tema repasa varios de los motivos melodicos de la desaparecida banda unidos por un par de efectos sonoros disparados desde el propio sinte. Se podria decir que es una simpatica improvisacion y no mucho mas que eso.
Los dos bonus tracks son dos temas de Crucis que se quedaron afuera de sus dos albumes. El primero se llama "Balance", un buen tema pero un poco por debajo del nivel de los temas clasicos de la banda. Sin embargo, se destaca aqui la elegancia casi jazzera de Pino Marrone en la guitarra. Por su parte, "Exentos de Dios" es otra historia. Una extrania pieza media jazzera-progresiva con varios cambios ritmicos y climaticos. Igual esta muy bien. Como casi todo este album de Gustavo Montesano. Un disco al que recomiendo sin lugar a dudas". 

E. Acevedo (La Caja de Música)

 

 

 

Músicos:

Gustavo Montesano: Bajo, teclados, voz
Pino Marrone: Guitarras
Aníbal Kerpel: Teclados

Gonzalo Farrugia: Batería

Músicos Invitados:

Charly Garcia: Piano
Pedro Aznar: Bajo, flauta, sintetizador
Horacio Malvicino: Arreglo de cuerdas
Maria Rosa Yorio: Voces
Nito Mestre: Voces
Alfredo Toth: Bajo
Jose Luis Fernandez: Guitarra acustica  

Temas:

01- Sinfonía lunática
02- Cuando la duda se hace grande aldrededor
03- Desde que te pude ver
04- La última barrera
05- Marginado en el tiempo
06- Primer triunfo
07- Homenaje color naranja
08- Balance (Bonus Track - Crucis)
09- Exentos de Dios (Bonus Track - Crucis) 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Los Abuelos De La Nada - Vasos y Besos (FLAC - 1983)

 

 

Si el primer álbum significó el despegue, este "Vasos y Besos" trajo consigo la consagración de Los Abuelos de La Nada como uno de los grupos mas importantes y populares de los ochenta. Profundizando su personal cruce de estilos, fusionando pop, funk, reggae, rítmos latinos y jazz rock, el disco contiene clásicos imperecederos como "No se desesperen", "Chala man", "Así es el calor", Yo soy tu bandera" y el inefable "Mil horas".

 

"A diferencia del disco debut, producido por Charly García, este trabajo fue producido por la propia banda. Los choques de egos entre García y Abuelo habían llegado a un punto de no retorno: cuentan que Miguel discutía todos los aportes de Charly, llegando incluso -según las distintas versiones- a una trompada o un cachetazo. Además, Miguel acusó a Charly de «robarle» los músicos para grabar «Piano bar».
Así que para la grabación de «Vasos y besos» decidieron encargarse de la producción los Abuelos mismos. También se encargarían, ellos, todos, de componer y tocar el nuevo material.
Pero a pesar del ego de Miguel Abuelo, nunca dudó en darle el espacio necesario a sus músicos. Su lugar en el escenario era cedido sin problemas a sus compañeros, permitiendo el crecimiento de los demás. Así, Calamaro se embarcaría pronto en una carrera solista, Melingo se iría para sumarse definitivamente a Los Twist y López comenzaría a dedicarse a la producción de otros artistas no solo en la Argentina, sino en diferentes puntos de América Latina.
Volviendo a «Vasos y besos», el álbum abre con el ritmo de «No se desesperen», una creación de Bazterrica que se transformaría en uno de los hits radiales del disco. Luego aparece «Así es el calor», un tema que Calamaro había compuesto con su amigo Gringui Herrera para la Elmer’s Band. Con el tiempo, Herrera terminaría remplazando a Bazterrica en la banda.
«Yo soy tu bandera», escrita por Miguel Abuelo y Cachorro López, es una balada pop con un novedoso saxo a cargo de Daniel Melingo. «Sintonía americana», con los mismos compositores, tiene arreglos novedosos que anticipan lo que vendría después. «Espía de Dios», con música de Bazterrica y letra de Abuelo, precede al cierre del lado 1 con «Cucarachón de tribunal», compuesta por Bazterrica y cantada por el propio autor y Miguel Abuelo.
«Vamos al ruedo», compuesta por la dupla Calamaro-López, da inicio al lado 2. Entonces llega «Mil horas», escrita por Calamaro con su amigo Cuino Scornik y con la voz del primero, transformada en el gran éxito del disco. La canción ha sido reversionada infinidad de veces, por artistas tan dispares como Los Tipitos, Alex Ubago, Rubén Rada, Los Enanitos Verdes, Sindicato Argentino del Hip-Hop y La Sonora Santanera, entre muchos otros.
Sigue «Hermana Teresa», del tándem Abuelo-López, y luego la gran creación de Daniel Melingo: «Chalaman». Es otro de los momentos inmortales del disco, reversionada por Diego Torres para abrir su álbum debut de 1992. El cierre de «Vasos y besos», «Mundos in mundos», es una vieja canción de Miguel rescatada para este proyecto.
Como «La dicha en movimiento» de Los Twist, aunque tal vez con menos desenfado, «Vasos y besos» es un testimonio del momento que se vivía en la Argentina a pocos días del regreso de la democracia. Sin dudas es una joya que acreciente su valor con el paso de los años. La trilogía de discos de estudio con la formación que incluía a Miguel Abuelo, Calamaro, Cachorro López, Bazterrica y Polo Corbella se cerraría un año después con «Himno de mi corazón». Quedaría un registro en vivo y «Cosas mías, de 1986, con una alineación que solo mantendría a Miguel Abuelo y Corbella".

http://crock.com.ar

 

 

 

 Integrantes:

 

Miguel Abuelo: Voz, coros, congas, timbales, percusión

Gustavo Bazterrica: Guitarras, voz, coros, percusión

Andrés Calamaro: Teclados, voz, coros, percusión

Daniel Melingo: Saxo alto, clarinete, voz, percusión

Cachorro López: Bajo, coros, cuica, percusión

Polo Corbella: Batería, coros, percusión

Temas:

01- No se Desesperen
02- Asi es el calor
03- Yo Soy tu Bandera
04- Sintonía Americana
05- Espía de Dios
06- Cucarachón de Tribunal
07- Vamos al Ruedo
08- Mil horas
09- Hermana Teresa
10- Chalamán
11- Mundos in Mundos

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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