Plus - Escuela de Rock 'n' Roll (FLAC - 1981)

 

 

Con la incorporación del guitarrista León Vanella (ex-miembro de la Blues Banda) en lugar de Julio Saez, y una gira por tierras colombianas, Plus cambia de sello discográfico en 1981 y edita "Escuela de Rock 'n' Roll". Tercer y último álbum de la banda.

 

Luego de la grabación del segundo álbum de Plus, el guitarrista Julio Saenz abandona el grupo, dejando su lugar a Leon "el blusero" Vanella, ex miembro de la Blues Banda. El grupo emprendió asi una exitosa gira por Colombia, que le permitió consolidarse. Al regresar le fue propuesto que se presentara en el estadio Obras teloneando a Riff. El 9 de julio de 1981 estuvo presente en la "catedral del rock" donde brindó un concierto que obtuvo muy buenas críticas. Semanas después entrarían al estudio para registrar su tercer y último LP "Escuela de Rock and Roll", editado en 1981, donde se percibe un cambio hacia el rhythm and blues. Antes de presentarlo en vivo convocaron a Anibal Oviezka (ex Moby Dick), para encargarse de la segunda guitarra. Al poco tiempo, con la partida de Leon, Oviezka tomo el papel de primer guitarrista. Lamentablemente el grupo no terminaba de integrarse,  por lo cual deciden separarse.
Julio Saez, el bajista Hugo Racca y el baterista Cacho D'arias se integraron más tarde al efímero grupo "Dr. Silva" del tenista Guillermo Vilas, que admiraba el sonido de Plus. Aunque, de todos los integrantes, el que realmente obtuvo posterior notoriedad fue Saul Blanch, que se convirtió en el cantante con el que Rata Blanca grabó su primer disco homónimo, de 1988. Hugo Racca falleció en 1998, mientras que Julio Saez se convirtió, tras la separación de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, en manager y guitarrista del Indio Solari. En el 2016 falleció el baterista Cacho Darias.

 

"Hugo Racca: Cuando llegamos de Colombia nos ofrecieron realizar un concierto en el estadio Obras junto a Riff. La grabadora que los tenia contratados a ellos buscaba a otro grupo de rock para su staff y nos llamaron a nosotros. Empezamos a grabar "Escuela del rock and roll" despues del Obras.
Cacho Darías: "Escuela..." es un disco completamente diferente a los dos anteriores que grabamos. Yo diría que éste es otro grupo. Además el ingreso de León le dio otro matiz a la música, porque tiene un estilo diferente al de Julio (Sáenz).
Saúl Blanch: El nuevo album es el mejor que grabamos hasta hoy, la musica es superior . Hay un Rock mas limpio, mas universal.Yo pienso que nuestra musica actual puede gustar en cualquier parte del mundo.

Hugo Racca: Sin duda, la gira por Colombia nos modificó, nos trazó una guía, pero no influyó a nivel consciente sobre nuestra música.
Saúl Blanch: El tomar contacto con otros públicos nos dio un montón de nuevas experiencias, nos cambió todo; desde la forma de tocar hasta la de pensar, y por eso el disco es un poco como cualquier parte del mundo. Nosotros comprendimos que lo que hacíamos antes era bueno, pero que a la gente que no le gusta el rock pesado, le molesta. En cambio, nuestra musica actual le puede gustar a cualquiera porque es mucho mas abierta. Y eso no fue algo deliberado sino que nos salió naturalmente.
León: La musica actual de Plus tiende hacia el Rhythm & Blues. Con respecto a mis temas, yo siempre tiré para el lado del blues en todos los grupos que toqué en mi carrera. Con Plus se dio una mezcla, porque ellos venian de tocar rock netamente pesado y yo tenia muchas influencias bluseras. Pienso que esa fusión de estilos fue positiva para todos.
Hugo Racca: La musica sigue siendo pesada pero esta tocada en una forma mucho mas prolija. Además, es muy variada. El tema que da titulo al disco tiene una onda a los ´50 hasta en la letra, y eso fue lo que buscamos. Tambien hay blues, rock, temas sueves...
Saúl Blanch: Además, por primera vez incluimos armónica en algunos temas. Eso lo hicimos porque los temas se prestaban bien y el sonido de la armónica les daba un toque nostalgico. En vivo tambien la vamos a utilizar."

 

Plus (Entrevista Revista Pelo 1982)

Integrantes:

 

Saúl Blanch: Voz

León "Blusero" Vanella: Guitarra, voz 

Hugo Racca: Bajo, voz

Cacho D´arías: Batería

Temas:

01- Escuela de rock and roll
02- Toma una guitarra
03- Un cantante mas de blues
04- Banda de sordos
05- Ella quiere rock and roll
06- Un lugar mágico
07- No quiero ser errante
08- Ya no nos dejes
09- Nacido para vagar

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Almendra - Almendra (Vinilo FLAC / 24 Bits -1970)

 

Tantas veces pedido en La Nave a través de los años, llega por fin, este disco fundacional e imprescindible del rock argentino y sudamericano. Digitalizado en formato de alta calidad, con una profundidad de 24 Bits. Considero que así debe escucharse una obra de arte de estas características. Acercándose lo mas fielmente posible al sonido en que fuera publicado originalmente, allá por enero de 1970. Esto significa que el ripeo incluye la calidad y calidez del formato de vinilo, como así también sus imperfecciones. Disfruten navegantes, de esta creación irrepetible. Y si les gusta, los invito a que agradezcan.

 

"Escuchar el debut de Almendra 50 años después de su lanzamiento es como acceder a una especie de manual del rock nacional. El LP homónimo contiene nueve canciones y cada una de ellas funciona como puerta de entrada a alguna de las vertientes del rock que se desarrollarían años más tarde en el país. Pocos discos en la historia de la música han dejado semejante legado, y menos aún en el rock argentino.
El lado A abre con Muchacha (Ojos De Papel), la canción de amor que el Flaco le dedicó a su novia de la adolescencia, Cristina Bustamante. Es una balada austera, interpretada sólo con guitarra acústica, al estilo de Yesterday de The Beatles. A diferencia de la grabación producida por George Martin, en vez de arreglos de cuerdas tiene los coros de García, Molinari y Del Guercio que le dan un toque pastoral de una belleza insuperable. Fue un éxito instantáneo, aunque veinte años más tarde Spinetta, en un texto que tituló Muchacha ojos de papel: desintegración abstracta de la defoliación analizaría la letra con sumo detalle para concluir que su propia composición tiene un sesgo machista que en el fondo esconde el deseo del hombre por dominar a la mujer: “Quedarse hasta el alba, que sólo el guía ve, representa a las claras una orden impartida (que subyace en cualquier pedido) y refleja la prosecución de una finalidad de parte del que pide”, explica el Flaco en ese artículo.
El álbum continúa con Color Humano, de Molinari, que con sus nueve minutos se posiciona en ese breve período de transición entre la psicodelia y el rock progresivo. Es una prueba de la audacia de Almendra, ya que luego de editar simples con un sonido más “beat” y de iniciar el LP con una balada folk como es Muchacha (Ojos De Papel), la banda vira hacia un rock duro y lisérgico.
Figuración, que empieza con una flauta interpretada por Emilio del Guercio, marca el aire barroco que subyace en todo el disco. Pese a su instrumentación acústica, se trata de un tema complejo con cambios abruptos en su estructura que remiten al surrealismo figurativo. Spinetta había cursado el primer año de Bellas Artes y quiso transpolar los conceptos de artistas como Salvador Dalí a la música. Pappo, que había pasado a saludar por el estudio, grabó los coros.
Ana No Duerme, otro de los clásicos de Almendra, retorna al rock más distorsionado, ése que inauguraron The Beatles con Helter Skelter y The Kinks con You Really Got Me. En varias entrevistas el Flaco dijo que estaba inspirada en su hermana, pero también otras veces lo rectificó. En Crónicas e Iluminaciones, el libro que coescribió con el periodista Eduardo Berti, explica: “Ana no es solamente mi hermana sino todas las Anas que no duermen. Es ese ser que siempre está esperando, esa muchacha que espera ser amada, que espera un poco de amistad, de comprensión, que quiere salir de su mundo vulgar de mujer, que quiere ocupar otro lugar”.
Fermín, con una melodía melancólica construida sobre una base de piano, abre el lado B. Está basada en un vecino de Luis que padecía síndrome de Down y que era maltratado por sus padres. Es una canción que reivindica a los marginados y maltratados.
El aura letárgica continúa en Plegaria Para Un Niño Dormido, que llamó la atención por el uso de la diástole, una licencia poética que permite cambiar la acentuación de las palabras para que encajen mejor en las estrofas (como “plegariá”, “niñó” y “dejenló”). La balada tiene un aire de canción de cuna que el Flaco canta con mucha dulzura, tal vez porque es una de sus composiciones más antiguas. La escribió en 1965 cuando tenía 15 años y, tal como explica el músico en Crónicas e Iluminaciones, “De algún modo es un tema contestatario. Hay una crítica a la sociedad y a la injusticia del mundo”.
A Esos Hombres Tristes es la prueba de que la propuesta musical de Almendra era profundamente artística, lejos de las pretensiones comerciales del sello discográfico. Luego de una breve introducción donde sobresalen el bajo y la batería, el tema va construyendo una arquitectura intrincada que muta en un jazz que a su vez coquetea con el folklore y le hace un guiño al tango de Piazzolla. Son seis minutos que hubieran dado envidia al Lennon de la etapa del Álbum Blanco, trabajo que junto a Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band influenció mucho a la banda. Hasta ese momento, ningún grupo argentino había compuesto un tema tan complejo y fue obra de un grupo de chicos que no llegaban a los 20 años.
Emilio del Guercio aportó Que El Viento Borró Tus Manos, una canción de estirpe jazzera con una flauta que recuerda al primer Jethro Tull y al folk psicodélico de The Incredible String Band.
Almendra tiene un cierre de antología con Laura Va, inspirada en She’s Living Home de The Beatles, incluida en Sgt. Pepper. “Después de escuchar esa canción, no quise privarme de componer algo que se pudiera orquestar de esa forma”, declaró Spinetta en una entrevista radial en 1984.
El grupo convocó a Rodolfo Alchourrón, un respetado arreglador de música clásica y jazz, para que haga la orquestación. El músico había participado en la grabación del primer simple de Almendra y había acudido por el llamado del productor Ricardo Kleinman, una pieza fundamental en el éxito de la banda al haber conseguido el contrato con el sello RCA y haber sido el primero en darle difusión a sus canciones en la radio. Kleinman era el productor del programa Modart En La Noche que conducía Pedro Aníbal Mansilla en Radio Excélsior.
Alchourrón hizo los arreglos de Laura Va con una instrumentación poco convencional que incluyó un clarón (también llamado clarinete bajo), un arpa y un fliscorno, que es una especie de trompeta con un sonido más dulce. También se sumó el bandoneón de Rodolfo Mederos, el más rockero de los tangueros, en lo que fue el primer acercamiento entre dos géneros que cuando surgió el rock estaban en veredas opuestas. Mederos volvería a colaborar con Spinetta en Las Golondrinas De Plaza De Mayo, que cierra el último álbum de Invisible, El Jardín De Los Presentes (1976).
El día planeado para el lanzamiento del LP era el 29 de noviembre de 1969, tal como figura en los registros, pero se retrasó y terminó saliendo el 15 de enero de 1970, una de las peores fechas para editar un disco. ¿El motivo? La portada del álbum. En esa época los sellos consideraban más rentable que la carátula sea una foto del grupo, pero Almendra, en consonancia con lo que sucedía en Europa y los Estados Unidos, creía que el arte de tapa también hacía al concepto del álbum y por eso le presentaron a RCA el célebre dibujo del payaso triste con la sopapa en la cabeza que había hecho Spinetta. Hoy es un ícono del rock nacional, pero para la discográfica en su momento una portada así era inconcebible.
Además, en vez de los nombres de las canciones, Luis quería poner en la contraportada unos símbolos que las representaran. La lágrima del payaso se refería a las canciones más tristes (Muchacha, Figuración, Plegaria Para Un Niño Dormido y Que El Viento Borró Tus Manos), el ojo a las más complejas (Color Humano y A Estos Hombres Tristes) y la sopapa a las composiciones con nombres propios (Ana No Duerme, Fermín y Laura Va).
El atraso en la edición del LP se debió a que el departamento de arte de RCA habría perdido el dibujo original del payaso. Según cuenta Rodolfo García en Ruido De Magia, la biografía del Flaco que escribió Sergio Marchi recientemente, el sello especulaba con que, ante la necesidad de que el lanzamiento se concretara antes de las fiestas, la banda iba a ceder con la cuestión de la portada. Sin embargo, no estuvieron dispuestos a resignar su idea y Spinetta presentó un nuevo dibujo, casi idéntico al original, y el sello no tuvo más remedio que aceptarlo.
Mientras parte del país estaba de vacaciones, Almendra llegó a las bateas y hubiera pasado desapercibido para el público ajeno al rock si no fuera porque pocos meses más tarde Muchacha (Ojos De Papel) sería utilizado en una publicidad de telas y le daría a la banda una proyección nacional.
Tras un profundo desgaste debido al éxito repentino, la banda se separó a fines de 1970 luego de editar un segundo LP doble y, citando a Edelmiro Molinari, se multiplicó en diversos proyectos musicales. 

El álbum debut de Almendra es uno de esos trabajos que marcan un quiebre en la historia. Si Los Gatos en 1967 habían sentado las bases para hacer rock en castellano, el cuarteto liderado por Luis Alberto Spinetta demostró que era posible llevarlo a límites insospechados y en los propios términos de la música rioplatense.
Almendra no es simplemente un disco, es una obra conceptual que hace medio siglo pateó el tablero y se convirtió en el hito fundacional de una nutrida tradición rockera que floreció en la Argentina y se expandió por toda Latinoamérica. Son tan solo nueve canciones, pero cada una constituye un universo que, de 1970 para acá, ha estado en constante expansión."

Daniel Bajarlía - 2019

 

 

 

 "Alejado de cualquier onda del momento, lejano de los circuitos del underground como La Cueva, la Perla del Once y otros lugares de reunión, Almendra era un típico grupo de barrio (Belgrano). Quizás por eso mismo, incontaminado, libre de influencias y clichés. Desde el primer momento este grupo fue algo especial. Hubo una especie de misterio en su surgimiento. Las primeras informaciones que se vertieron sobre ellos fueron dadas de a gotas, tratando de mantener el secreto de algo especial. Sorprendidos por el nuevo sonido que traía, por el "ángel" de sus integrantes fueron muchos los que vieron en ellos un poderoso grupo nacional a nivel de los Beatles internacionalmente. Sin embargo, Almendra significó la fractura de una conspiración en marcha para absorber cualquier tipo de creatividad independiente de los centros de poder y difusión. Almendra dijo no y grabó lo que quiso a riesgo de no vender en la forma esperada. Su primer simple "Tema de Pototo" no fue un éxito comparado con cualquier simple de Los Gatos. El manijón del comienzo que todos habían dado, entre secretos y medias voces no se vio correspondido en ventas. Allí comienza la leyenda: un grupo del que todos hablaban pero que prácticamente no existía. Almendra, Manal, no tenían la posibilidad de imponerse rápidamente, aunque solo fuera en niveles underground: los recitales eran escasos y, los pocos que se gestaban eran organizados por ellos mismos en salas pequeñas. Almendra creció en la imaginación de los avisados, los ansiosos y los que se iluminaron al verlos tan diferentes sobre un escenario. Hoy pocos saben que cuando el grupo salía en sus primeros tiempos a presentarse en shows en los clubes porteños, era silbado, abucheado y muchas veces tuvo que hacer su música entre monedazos. El primer álbum de Almendra, corrió la misma suerte, no fue un éxito de ventas (sin embargo hoy muchos lo consideran el mejor álbum del rock nacional). Cada reportaje, cada nota que aparecía de Almendra en la prensa complaciente era siempre una sorpresa: ellos negaban todo lo que parecía válido. Esa fue la fractura. Una implementación ideológica para evitar que cercenaran o condicionaran sus propuestas. El frente se amplió con la aparición de Manal. Pero si Los Gatos hacían rock y Manal, blues, nadie se atrevía a definir esa primera música de Almendra. La devoción mística crece después de la separación. Los músicos de Almendra se habían convertido en una especie de semidioses del nuevo y aún despreciado sonido. La posterior veneración y contemplación estática de sus temas unió a todos con ellos misteriosamente, aunque ya no existieran mas como grupo. Cominza la leyenda, y la devoción mística comienza a crecer en los que aún después quieren conectarse de alguna forma con ellos."

Revista Algún Día - 1971

 

 

 

Temas:

01- Muchacha (Ojos de papel)

02- Color Humano

03- Figuración

04- Ana No Duerme

05- Fermín

06- Plegaria Para Un Niño Dormido

07- A Estos Hombres Tristes

08- Que El Viento Borró Tus Manos

09- Laura Va

 Integrantes:

Luis Alberto Spinetta: Guitarra, guitarra rítmica, armónica, coro, voz
Emilio del Guercio: Bajo, flauta, coro, voz
Edelmiro Molinari: Guitarra, bajo, órgano, coro
Rodolfo García: Batería, pandereta, cascabeles, percusión, piano, silbido, coro

Músicos Invitados:

Pappo, Sam y demás cirqueros: Coros en Figuración
Santiago Giacobbe: Órgano en Ana No Duerme
Rodolfo Alchourron: Guitarra, arreglos, dirección orquestal en Laura Va
Rodolfo Mederos: Bandoneón en Laura Va

 

 

Muestra Gráfica De La Grabación (Sin Pérdida De Audio Original)

Ripeado De Vinilo

Formato: FLAC (Free Lossless Audio Codec) 48.000 Hz / 24 Bits

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Pajarito Zaguri - El Rey Criollo del Rock And Roll (1984) Resubido

 

 

Inconseguible disco de Pajarito Zaguri, leyenda urbana del rock y bues argentino. Este es su segundo álbum solista, publicado en 1984. Lo acompañan ilustres músico de la zona oeste de Buenos Aires, mas la presencia del histórico baterista Black Amaya y la participación de Claudio Gabis en "Vidala para mi sombra", una estremecedora interpretación del tema de Julio Espinosa en tiempo de blues. Destacan también el rock and roll de "Dime si hay sol", "Maravilloso y real", la sentida balada "Dame tu mejor canción", en un disco muy parejo tanto en su calidad compositiva como interpretativa.  

 

Alberto Ramón García, más conocido como "Pajarito Zaguri", fué un cantante y compositor que integró los primeros grupos que cantaban en castellano en La Cueva. En 1956 se junta con Moris para formar Los Shabaduba. Una década después, ellos encabezan Los Beatniks, la banda que grabó el primer tema de rock argentino: "Rebelde" (1966).
Su mayor éxito fue, probablemente, el disco que grabó junto a Los Náufragos, en 1969. Ese mismo año ganó el Festival de la Música Beat, organizado en el Teatro El Nacional. Pajarito se presentó con La Barra del Chocolate, su grupo soporte, e interpretó el tema "Alza la voz". Pocos años después comenzó con su carrera como solista, grabando varios discos simples, para más tarde formar su banda de apoyo, denominada La Murga del Rock & Roll. Con esta agrupación registró en 1976 su primer disco, en el que colaboraron Pappo y Kubero Díaz. Después de alejarse momentáneamente de los escenarios, regresó en 1981, con un concierto en Obras acompañado por Memphis La Blusera, grupo al que apadrinó y apoyó en sus comienzos. En 1985 volvió a ingresar en un estudio de grabación para registrar un nuevo disco, El Rey criollo del Rock and Roll, que tampoco consiguió buena difusión. Regresó a los escenarios en eventuales zapadas y finalmente se radicó en las Sierras de Córdoba. En 1994 apareció con un nuevo larga duración bajo el brazo. El disco tuvo por titulo "En el 2000 también" y daba muestra de su ingenio al emplear como caja del compacto una pequeña caja de pizza (mancha de aceite incluida), y como stamper del disco el dibujo de una grande de mozzarella. Como regalo incluía un par de escarbadientes. La placa fue grabada con músicos de la talla de Alejandro Medina, Alberto Abuelo, Black Amaya, Carlos "Patán" Vidal, Jorge Pinchevsky, Gabriel Jolivet, Tito "Milanesa" Lanosa y Claudia Puyó, entre muchísimos más. A pesar de su difusión, el material logró escasas ventas. Con el contrato en sus manos recorrió grabadoras y el circuito de pubs, acompañado por eventuales músicos. En Noviembre de 2006 se edita "El mago de los vagos", una recorrida histórica y remasterizada de su obra. Zaguri presenta este disco el sábado 9 de diciembre, en el Teatro Variedades Concert de Capital Federal. Durante 2009 presenta "Sexogenario", un disco donde Pájaro a lo largo de doce canciones repasa varias etapas de su carrera, con bandas como Los Jóvenes Viejos, La Pesada, Los Perros Alfa, Los Flotantes y Los Beatniks.
Pajarito falleció a los 72 años, la mañana del 22 de abril de 2013, en su casa en el barrio de Boedo. Al poco tiempo llegarían homenajes y recuerdos al poeta, bohemio y pionero del rock en español.

 

"La libertad de vivir día a día con lo que se va dando, con los amigos, siguiendo la ruta del “naufragio”. Como Tanguito, llevado por el oleaje del divague, atraído por el magnetismo de las casas en las que hay onda para tomar unos vinos y tocar unos blues, y reírse y hacer el amor. Como en los tiempos de La Cueva y las interminables noches de La Perla del Once, de las que Pájaro fue protagonista esencial, naufragando a los vientos de la poesía y la creatividad.
Hay que recordar que Pájaro encarnó hasta el último día una forma de vida que es una secreta tradición en la cultura popular argentina (y tal vez mundial). Una tradición que recuerda a las peñas en las que “naufragaban” Jaime Dávalos, Cuchi Leguizamón, Manuel Castilla y otros padres de la renovación folklórica, o los cafés en los que hundían su melancolía los primeros poetas del tango, apegados –como Pajarito–, a los adoquines y la noche. O las improvisaciones vitales de un jazzero como Charlie Parker o un blusero como Robert Johnson, marginados en los sótanos tristes del sueño americano.
A diferencia de muchos de los músicos y compositores provenientes de la bohemia, Pájaro nunca la abandonó para profesionalizarse, o –como nos pasa a otros– para aislarse en una vida más solitaria, persiguiendo visiones personales. Pájaro fue, como diría hace años Javier Martínez, “un compositor de calle”, de vereda y esquina, no de laboratorio musical ni estudio de grabación. En sus canciones, gráficas y sentidas, resuenan esos personajes con los que se paraba a charlar, como en el “Blues del diariero” o en “Seis o siete cuadras de la estación”.
Pionero del rock nacional desde el primer día, coautor del Rebelde de Los Beatniks, que –aunque no vendió nada– significó la patada inicial del movimiento nacido en La Cueva y La Perla, la primera vez que se gritó “no quiero ser esclavo de una tradición”.
Gracias a los años de vagabundaje creativo, Pájaro se fue transformando en un icono del rock and roll y el blues argentino con su poesía callejera y las melodías simples apoyadas en bandas formadas por amigos, músicos geniales pero casi desconocidos que pululan en boliches y casas “a seis o siete cuadras” de las estaciones del trajinado y sufrido tren Sarmiento, rumbo al oeste, en Ramos o Morón, en Castelar o Liniers, en Flores o Merlo.
Pájaro supo apoyarse en las notas sostenidas de la milagrosa guitarra de León Vanella, en la armónica de Chupete Milone, en los solos de Bocón Francino o el Conejo Jolivet, en la batería de Marcelo Pucci y el bajo de Néstor Vetere, en tantos otros que forman esa profunda corriente submarina que recorre el rock nacional casi desde sus inicios, el rock del Oeste.
Gracias a esos amigos de barrio pudo hacer un disco sorprendente como En el 2000 (también), con su tapa de caja de pizza (con escarbadientes incluido) y su sonido asombrosamente natural. Pajarito se convirtió en un maestro por fuera del rutilante mundo de show business, con su voz pequeña y su decir espontáneo.
Si existe un rock barrial, un rock que no sólo habla del barrio sino que vive allí, ese rock lo representa Pajarito. Un tipo que empezó frecuentando Mau Mau y otros boliches de alta gama a mediados de los ’60, soñando con ser un playboy como Bob Zaguri, “el que le hace el amor a Brigitte Bardot”, y encontró junto a Moris, Javier Martínez, Tanguito y Pappo el afecto de la divagata por la noche porteña. El rock lo llevó al conurbano, al olor de los malvones, a los amaneceres de casas bajas y calles tranquilas, a los lugares casi secretos en los que, finalmente, pudo descargar su “camión de rock and roll”.

Pipo Lernoud (Poeta, periodista, compositor)

Integrantes:

Pajarito Zaguri: Voz
Blck Amaya: Batería
"Blusero" Leon Vanella: Guitarra, piano
Bruno Candia: Guitarra
Anibal Castiglione: Bajo

Músicos Invitados:
 
Claudio Gabis: Guitarra en "Vidala para mi sombra"
Emilio Villanueva: Saxo tenor en "Maravilloso y real" y "Vidala para mi sombra"

Temas:

01- Rey criollo
02- Dime si hay sol
03- No puedo darte mas que blues
04- Abajo con Lucifer
05- Oh, si esta vida, si, es para mi
06- Pintando un rock and roll
07- Dame tu mejor cancion
08- Maravilloso y real
09- Vidala para mi sombra
10- Ella es America Del Sur

Formato: Mp3 - 320 Kbps

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León Gieco - El Fantasma De Canterville (FLAC - 1977)

 

El tercer álbum de León Gieco ostenta el triste record (junto a Instituciones de Sui Generis), de ser uno de los discos mas censurados en la historia del rock argentino. El tema que da título al álbum fue compuesto por Charly García y originalmente grabado por la banda PorSuiGieco para el disco homónimo de 1976. Debido a la censura imperante durante la última dictadura cívico-militar argentina (1976-1983), la canción "El fantasma de Canterville" debió ser reemplazada por "Antes de gira", y la versión original quedó sólo en la primera tirada del álbum, la cual no llegó a ser secuestrada por la dictadura.
Poco después del lanzamiento de Porsuigieco, León decidió desafiar la censura e incluir el tema en cuestión en este álbum, junto a otras canciones clásicas como "Los chacareros de dragones", la cual había compuesto tras el asesinato de Víctor Jara en el Estadio Chile, en 1973 (lugar que sería bautizado treinta y un años después como Estadio Víctor Jara).

 
Lo mismo que sucedió con "El fantasma..." le ocurrió a Gieco con “Los chacareros de dragones"; el título de la canción está inspirado en la calle donde se encuentran los Estudio Phonalex, llamada calle Dragones, y la misma está dedicada al cantautor de protesta Víctor Jara, a quien la dictadura de Pinochet torturó cercenándole las manos, luego asesinándolo mediante numerosos balazos. Gieco lo cuenta con todo su dramatismo, pero no hay un tono de odio o tristeza, e incluso la melodía fue mezclada con la voz del artista bien atrás, para que no se terminara de entender el verso donde canta «Allá donde mil poesías gritaron/cuando le cortaron al poeta sus manos».
Hay además tres temas que no pudieron publicarse, "La historia esta", "Canción de amor para Francisca" y "Tema de los mosquitos", que extrañamente León incluye sin problemas en su siguiente trabajo, «4º LP» (1979). En su reemplazo Gieco debe incluir de apuro "A la luz del día" y "Desde tu corazón", compuestos a último momento; "Benjamín el pastor", que ya había sido editada en forma de simple/single un año antes y una versión en vivo, con mediocre sonido, de "Todos los caballos blancos", canción incluida en su primer álbum. 

 

 En plena dictadura militar (1977), León Gieco comentaba en un reportaje a la revista Pelo:

El tiempo transcurrido desde la aparición del último álbum de León Gieco, acompañado por la Banda de Caballos Cansados, y las escasas presentaciones en concierto, tornaron su presencia en el espectro musical nacional como indefinida, pese a las muchas actuaciones que realizó en los alrededores de Buenos Aires y en el interior del país, Tras su actuación en el Luna Park, junto a Nito Mestre y Los Desconocidos de Siempre, para presentar su último y demorado álbum "El fantasma de Canterville", su resurgimiento lo lleva a viajar al exterior con la perspectiva de establecerse por un tiempo en Colombia, país hacia donde partirá próximamente.

¿Cuánto tiempo te demandó realizar este álbum?

León: -Mi disco está grabado en junio del '76 pero después empezaron a aparecer problemas con las letras y no sé qué cosas, y tuve que sacar seis temas. Grabé cinco o seis temas nuevos, inclusive una de las bandas es "Todos los caballos blancos". La versión fue grabada en un recital en Mar del Plata por un admirador que me la envió, y decidí incorporarla al disco. Tardé un año y un mes en presentarlo y hace corno dos años y medio que no edito nada. Aquí la gente es muy fogosa, o sea que esta clase de música la quieren consumir invariablemente. Por un lado se tapó todo lo que fue discografia o difusión en radio y televisión porque se comentaba que estábamos prohibidos y todavía hay gente que no entiende que esta música es creada por jóvenes argentinos y nadie se la va a sacar de la cabeza. La gente lo demostró cuando vino Santana a la Argentina y por eso Santana habla de nuestra gente en los Estados Unidos. Se tapó todo sobre mi long play y se destapó con la cantidad de actuaciones que tuve; en mi vida tuve tantas presentaciones como en esta época que no tuve difusión. El álbum no quedó como debería haber quedado el original, que era más compacto a nivel letristico y musical, pero al fin y al cabo hay una buena cantidad de temas —hay doce canciones— que para la gente son nuevas, excepto "Todos los caballos blancos" y "Benjamín, el pastor" que era un simple que se perdió por un problema de pasta. Hice algunos temas solos y en otros me acompañaron Charly (García) en teclados, Nito (Mestre) en voz y flauta, Alfredo Toth en bajo y voz, Moro en batería, Juan Carlos "Mono" Fontana y Roberto "Negro" Valencia en batería y percusión, y en un tema que no va a ser incluido había grabado Gustavo Santaolalla. Todos los temas son míos, excepto el que da título al long play que es de Charly-

¿Qué pasó con vos en este tiempo?

-Desde mi último álbum, ocurrió que me separé de mi antiguo conjunto, toqué después durante tres o cuatro meses con, Moro, Alfredo Toth y Rodolfo Gorosito, e hice un par de recitales al que se agregaron Charly y Nito. Más adelante, por una de esas casualidades, volví a tocar como solista y la gente reaccionaba bien-

¿Cómo surgió la posibilidad de que viajes a Colombia?

-Desde el año '74 se está editando material mío, es decir, los simples y mis dos primeros long plays. Hace poco estuvo un representante colombiano, Guillermo Diez, que es presidente de una de las más grandes compañías discográficas de ese pais, Codisco, y se llevó para lanzar allá todo el material de este tercer álbum y el de Porsuigieco. En Colombia hay un movimiento de rock tan importante como en la Argentina. La posibilidad de mi viaje ya es una realidad. El contrato implica dos actuaciones en Colombia y dos en Ecuador, en televisión de color. (En Ecuador se editó también todo mi material discográfico). De una conversación con el señor Diez surgió también la posibilidad de que un grupo de allá me acompañe para algunas presentaciones en pliblico, ya escuché algunos y son muy buenos. Si esto se llega a dar pienso que voy a quedarme un tiempo más que el del contrato que tengo. También se están por concretar algunas actuaciones en Bolivia, quizá junto a otro grupo, de trascendencia europea, Los tiaras. La posibilidad surgió de dos pibes que conducen un programa de radio de La Paz, llamado "El show de Archie", de cuatro horas de duración en las que difunden música rock, que pretenden fomentar la actividad del movimiento llevando y trayendo grupos a Bolivia-

¿Pensás establecerte definitivamente en Colombia?

-No creo definitivamente, no se sabe cuándo se está afuera. Viví 26 años en este país y sé lo que me puede tirar. Sé que tengo muchas ganas de ir y cantarle a la gente de ese país, para conocer otra cosa y estudiar charango, quena, etc, quiero absorber las cosas de ese lugar. De todas maneras, el recital con Nito en el Luna Pack no se planteó como despedida, a pesar de que por ahí fue, porque la idea fue presentar nuestros álbumes y tocar juntos con Nito, como lo venimos haciendo en muchos shows donde la gente reacciona muy bien siempre-

 

 

 

Músicos Que Participan:

León Gieco: Voz, guitarra acústica, charango, armónica
Oscar Moro: Batería
Alfredo Toth: Bajo, voz
Rodolfo Gorosito: Guitarra eléctrica
Charly García: Piano eléctrico, piano acústico, órgano, voz
Nito Mestre: Voz, flauta traversa, flauta dulce
Vicente Buzzo: Batería
Rubén Batán: Bajo
Juan Carlos "Mono" Fontana: Guitarra acústica
Roberto "Negro" Valencia: Percusión

Temas:

 
01- Los chacareros de Dragones
02- El loco y las golondrinas   
03- En la cintura de los pájaros (León Gieco/Rodolfo Gorosito)
04- Benjamín, el pastor
05- Adiós hombre viejo (León Gieco/Gabriela)
06- Todos los caballos blancos (En vivo)
07- Desde tu corazón (León Gieco/Gabriela)
08- Permitime vida
09- Canción del silencio
10- Señora de los llanos
11- El fantasma de Canterville (Charly García)
12- A la luz del día 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Rubén Rada - Radeces (FLAC - Uruguay / 1975)

 

En 1975 sale Radeces, el maravilloso tercer álbum de Rubén Rada. Lo acompañan Marcos Szpiro en guitarra, Roberto Giordano en bajo, Santiago Ameijenda en bateria, Jorge Trasante en percusion y el conocido músico y actor comico Julio Frade en piano y dirección musical. El negro Rada demuestra nuevamente su enorme capacidad interpretativa, en verdaderos clasicos como Malisimo, Ayer te vi o La Rada (en sus primeras versiones).

 

Rada había vivido en Buenos Aires entre 1973 y 1975, realizando diversas actuaciones con el grupo S.O.S., con quienes llegó a grabar en 1974 "Rubén Rada y Conjunto S.O.S.", que sería editado recién en 1976. De vuelta en Uruguay, contaba únicamente con un disco solista publicado. Coriún Aharonián le propuso crear un nuevo álbum. La grabación se llevó a cabo entre junio y septiembre de 1975, bajo la dirección de Julio Frade, quien además realizó los arreglos junto a Rada. En septiembre de 1975 el sello Ayuí/Tacuabé editó un disco simple, adelantando Radeces, que incluía "Ayer te vi" como lado A y "De semana a semana" como lado B.
El álbum incluye canciones que pasaron a ser clásicos de Rada, como "Malísimo" o "Ayer te vi", que luego volvieron a ser versionadas en discos posteriores del artista. El trabajo fue destacado por diversos músicos y críticos, tanto por su música como por algunas de sus letras. "Malísimo" fue versionada por Herb Alpert, con el nombre "Reach for the Stars", en su disco Beyond (1980). "Upa Nega" es otra canción destacada, una versión de Chichito Cabral (compañero de Rada en Totem) fue incluida en Antología del candombe volumen 2 (1989) del sello Sondor y The Rada's Old Boys la versionaron en su disco Homenaje a Rada (2016). "La Rada" le dio nombre al disco La Rada (1981), donde una nueva versión de la canción también cierra el álbum.
Radeces no tuvo ningún tipo de presentación, ya que apenas culminada la grabación Rada viajó nuevamente a Buenos Aires, en esta ocasión para trabajar con Manolo Guardia y su agrupación Camerata de Tango en la grabación del álbum Café Concert Vol 2. Inicialmente editado en Uruguay en vinilo y casete, fue reeditado en formato CD en 1998 también por el sello Ayuí/Tacuabé, y en 1999 como parte de la colección "30 años de música uruguaya" de la revista Posdata.

 

"Tal vez con la idea de madurar y darle forma a todo un proceso originado en sí mismo como creador, a lo emprendido con Sonido Original del Sur, un año antes, fue lo que intentó proseguir de este lado del charco con músicos nuestros, más o menos de la misma extracción: Julio Frade como pianista, Alberto Alonso en flauta y saxo tenor, Eduaro Martiarena en trompeta, Alexis Buenseñor en trombón, Marcos Spiro en guitarra eléctrica, Roberto Giordano en bajo eléctrico y Santiago Ameijenda y Trasante en batería y percusión. Pienso que el intento, fue hacer de éste su mejor disco como solista, pero, “las condiciones en que se hizo ese disco fueron un desastre. En siete días se grabaron las bases, y se cantó todo al final, fue todo muy rápido. Puede ser que gusten algunos temas, pero el sonido salió mal”.
El proyecto posiblemente haya sido demasiado ambicioso para liquidarlo todo en pocos días, mucho más si tenemos en cuenta que los estudios de grabación no ayudan mucho, y que hubo que preparar muy bien los arreglos, quitándole la naturalidad que lograba Rada con un grupo constituido.
“Hugo Fattoruso sacó Malísimo de ahí, gustó mucho en Estados Unidos. Flora Purim y Airto Moreira también querían grabarlo, me decían que en apariencia era fácil, pero cuando te metés a fondo con él, las cosas no son tan así. Airto también estuvo a punto de grabar De Semana a Semana. Ellos no se preocuparon por el sonido, sino por lo que hay adentro”, cuya calidad no se reduce a esos temas. Y no sé qué hubiese pasado si todo ese impresionante marco instrumental, se hubiese ensayado con el tiempo necesario. Fue su último disco larga duración realizado en nuestro país.
Poco tiempo antes de partir hacia el viejo continente, y dos días después de haber culminado la grabación de Radeces (en setiembre de 1975), participó como invitado especial en el cuarto disco de Camerata, grabando dos temas de su autoría en voz y percusión: “fue otra cosa diferente, Camerata era otro estilo, pero qué bien quedaron Chinga Chilinga y Pasatiempo. A Manolo Guardia lo adoro, ya nos conocíamos mucho antes de que dirigiera la grabación de mi primer long play”."

 

  Nelson Caula - Autor de "Candombe beat: Orígen y creadores de un sonido con identidad"

 

 

 

Músicos Que Participan:

Ruben Rada: Voz, percusión en "La Rana" y "Ayer te vi"
Julio Frade: Piano eléctrico, dirección musical
Marcos Szpiro: Guitarra eléctrica
Roberto Griordano: Bajo eléctrico
Santiago Ameijenda: Batería
Jorge Trasante: Percusión
Alberto Alonso: Flauta en "La Rada", saxo tenor en "Upa Nega"
Eduardo Martirena: Trompeta en "Upa Nega" y "La Rada"
Alexis Buenseñor: Trombón en "Upa Nega"

Temas:

01- Malísimo
02- Reencarnación
03- Nena
04- De todos modos... Adiós (Good bye, my love)
05- Ahé, Ahé
06- De semana a semana
07- Upa Nega
08- La Rana
09- Ayer te ví
10- La rada

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Los Criss Cross - Idem (1980)

 

 

 

Concebida como una banda de rock and roll con una estética bizarra (llegaron a presentarse con máscaras en algunos shows televisivos), la música de los Criss Cross careció de difusión, y su único LP, publicado en 1980, es considerado hoy en día como un disco "raro".
Lo interesante de esta agrupación son los miembros ilustres que la formaban: Vitico, un histórico del rock argentino que venía de tocar en el exterior. Pablo Guyot y Willy Iturri que tocaban paralelamente en el grupo Banana de Cesar "Banana" Pueyrredon. Emilio Kauderer, quien desistiera ser tecladista de Manal en sus comienzos, y Juan García Haymes, que luego sería el primer vocalista de Riff por un breve período de tiempo. Luego de editar dos simples y este LP, el grupo se separó. Guyot e Iturri pasaron a ser la banda soporte de Raul Porchetto, postriormente de Charly Garcia, y luego formarian GIT. Vitico y Haymes se sumarian a Riff. 

 

Especial agradecimiento al amigo Peyote, quien fué el primero en publicar este álbum en la red en 2014

 

"Al volver de Europa y antes de formar Riff armaste los Criss Cross, que fueron como un supergrupo pero antes de tiempo…

-Estaban Willy Iturri y Pablo Guyot (N: posteriormente en GIT), Juan Garcia Haymes (N: primer cantante de Riff) y un pibe que tocaba muy bien el teclado que se llamaba Emilio Kauderer. Criss Cross fue una propuesta de un amigo mío que ya no está en este mundo, Richard Mochulske, que quería hacer un tema relacionado con las motos y yo siempre estuve relacionado con ellas, pero no por subirme sino por amistades a las que les gustan mucho. Y con los Criss Cross grabamos un long play de rock. Fue algo pasajero. Recuerdo que nos poníamos caretas, por si alguno no podía estar y lo pudiese reemplazar otro-

Algo así hizo Ghost a nivel mundial. ¿Los conocés?

-No, no sabía. En todo caso fui precursor de eso también (Risas). Y varias veces vino Pappo a algún programa de televisión y se puso la careta. Eso fue afianzando nuestra relación, aunque ya éramos amigos desde antes que me vaya a Inglaterra-"

Vitico Bareciartúa ( Acerca de Los Criss Cross)

 

 

Integrantes: 

 

Juan García Haymes: Voz

Pablo Guyot: Guitarra

Emilio Krauderer: Teclados

Vitico Bareciartúa: Bajo, voz

Willy Iturri: Batería

Temas:

01- Subete A Mi Moto   
02- Oye Niña   
03- Casco Rojo   
04- Solo, Hace Tiempo   
05- La Reina Del Motocross   
06- Se Oye Un Rock & Roll   
07- Por Tu Amor He Sabido   
08- Juntos De Madrugada   
09- Solos En El Campo   
10- Ella Vive Engañada

Formato: Mp3 - 320 Kbps

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Celeste Carballo - Celeste y La Generación (FLAC - 1985)

 

 

Luego de una gira artística por España en 1984, donde se sumerge en las nuevas tendencias musicales como el punk y la new wave, Celeste regresa al país con una nueva actitud, tanto en lo musical como en lo estético. Radicaliza su propuesta creativa formando "Celeste y La Generación", una agrupación de sonido salvaje con la que grabaría este único álbum en 1985.

A la hora de encarar este vuelco al rock más visceral, Celeste reclutó para su nueva banda, “La Generación Fusilada”, a los pioneros del punk de La Plata, como el guitarrista Marcelo Montolivo (Los Baraja) y Eduardo Criscuolo, y contó con la producción de Charly García, quien, se dice, los vio en vivo e inmediatamente ofreció hacerse cargo de una producción veloz, directa y cruda. 

“Abro para Dylan y Santana, quienes estaban en una gira juntos por Europa. Ese era mi último concierto en España y de repente me encuentro con Charly García que recién llegaba de Argentina para producir discos en Ibiza. Él se impresiona con el show que damos juntos con mi banda de músicos madrileños, se impresiona completamente. Claro, era la primera vez que me veía en vivo. Al día siguiente salimos todos a la isla, para mí empezaban las vacaciones pero Charly todavía tenía que grabar a los GIT. Habían alquilado un Fiat chiquito blanco y como yo era la única que sabía manejar los llevaba a todos lados. Charly decía ‘vamos a la playa’, íbamos a la playa. ‘Vamos a Ku’, íbamos a Ku”, se ríe. Y concluye: “Charly ya me conocía desde la época en que mi hermana Violeta fue chofer con su auto de los shows de Sui Generis, pero esas giras por Ibiza y el show en el Camp Nou nos terminaron de hacer amigos”.

No es de extrañar entonces que al volver y encontrar trabas para poder plasmar su nuevo proyecto, pensara inmediatamente en Charly. “Grabé un demo y lo invité a escucharlo a mi casa de San Telmo. ‘¿Y esto Celestita? ¿De dónde lo sacaste?’. ‘Es lo que hice este año, con todo lo que viví en Barcelona, en Madrid’. ‘¡Es impresionante!’, me dice. ‘Ponelo a sonar en vivo que vamos a escucharte con Pelo Aprile’. Y eso hago: armo la banda y organizo un show en un local chiquito de Belgrano donde anuncia el lanzamiento de mi nuevo proyecto: Celeste y La Generación”, relata. “Damos un show súper fuerte y cuando terminamos veo que Charly viene al camarín enloquecido. ‘¡Esto es impresionante! ¡Esto lo tienen que grabar ya! ¡Está buenísimo! ¡La imagen también! ¡Que venga Pelo Aprile (gran figura de la industria discográfica argentina) y de el okey ya mismo que yo hago la producción artística!’. Y bueno, Aprile vino y aceptó. Pero con la condición de que lo grabemos en una semana. Y eso hicimos”.

Trabajamos mucho porque tuvimos que grabar un disco en vivo, armando todas las bases en dos días. No parábamos ni para hablar. Era hacer un tema. Y otro tema. Y otro. Y después cantar todos al hilo. Un día vino Spinetta porque era la época en la que estaban escribiendo “Rezo por vos” para el disco juntos. Y se pasó toda la tarde sentado en el control de Panda mientras yo cantaba "Buscábamos vida", la favorita de Charly. ¿Podés creer que ni pensé en invitarlo a cantar ese tema? Así éramos entonces, la vida eterna." 

Celeste Carballo (Página 12)

 

 

 

Integrantes:

Celeste Carballo: Voz

Marcelo Montolivo: Guitarra

Eduardo Criscuolo: Guitarra

Gonzalo "Gonzo" Palacios: Saxo
Manolo Lorón: Bajo

Claudio Cabral: Batería

 

Temas:

 

01- Seré Judia?
02- Los Poetas De Latinoamérica
03- Sabemos Que Vuelvo Pronto
04- Buscábamos Vida
05- No Me Voy A Olvidar
06- Autosuficiencia
07- Más Que Imaginación
08- Trabas Emocionales
09- Por Una Bala Menos 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

pass: naveargenta.blogspot