De Las Cuevas Al Solís - V.A (Uruguay / 1965-1974)

 

 

En el año 2002, la editorial "Perro andalúz, editaba el primer volumen de lo que en mi opinión es la mejor cronología escrita sobre los orígenes y el desarrollo del rock uruguayo. El escritor de los libros de "De las cuevas al Solís" es el señor Fernando Peláez, quien investigó y recopiló todo el material histórico que abarca desde el año 1965 a 1974.
El segundo volumen de esta biografía incluía un cd con 24 temas clásicos, inéditos y rarezas de los grupos y solistas uruguayos más destacados de la época. Un compilado que nos brinda un panorama muy completo de la evolución del rock rioplatense.

 

 "La selección realizada no pretende ser una muestra representativa de los grupos y solistas de mayor trascendencia durante la época que abarca este trabajo. De hecho, la mayoría de las grabaciones de Tótem, Psiglo, Shakers, El Kinto, Los Mockers, Ruben Rada, Génesis, Montevideo Blues, Urbano (entre otros) ya han sido reeditadas en formato compacto como puede comprobarse en el apéndice correspondiente. En otros casos, como Los Delfines y Jesús Figueroa, hay buenas posibilidades de que ello ocurra. Nos basamos entonces en tres criterios: el valor testimonial de algunas de las piezas, el carácter de "inéditas" de otras, y la poca probabilidad de reedición de las restantes. En el primero de los casos fue fundamental el aporte de Eduardo Rivero quien, desde hace treinta años, conserva en muy buen estado una cinta cassette con grabaciones en vivo de Tótem y Epílogo de Sueños. Nunca nos vamos a cansar de agradecerle tanto cariño por la música uruguaya. Por el lado de algunos de los temas inéditos debemos agradecer la colaboración de los propios músicos quienes cedieron generosamente sus temas no sin antes aclarar "que ahora hacen cosas mucho mejores". Y en el último rubro contamos con la buena disposición de la empresa Sondor y su actual director Rafael Abal quienes abrieron sus archivos para nuestro deleite (mantienen además de su propio catálogo las ediciones de los sellos De La Planta, Clave, Macondo y RCA Uruguay), permitiéndonos insertar algunas joyas que quizás nunca más vieran la luz. Nuestro más profundo agradecimiento a la familia Abal por compartir estos tesoros con nosotros. (Temas 1, 6, 7, 8, 9,10, 13, 14, 15, 16, 17, 18, 19, 21 y 24).

La oportunidad de generar este espacio nos permitió gozar de muy buenos momentos. Así logramos sacar del cajón de unos pocos algunas canciones que creemos deben estar a disposición de todos los oídos atentos.También el tiempo de escucha y selección en los estudios Sondor junto al técnico Wilson González fue, más que agotador, sumamente disfrutable.

Por último, el armado y masterización final corrió por cuenta de un excelente técnico y mejor amigo: Riki Musso, quien hizo todo lo posible por mejorar el estado francamente deplorable de algunas de las piezas. Vale esta última aclaración sobre todo en el material extraído de los discos de vinilo (por no haber encontrado las cintas originales), que preferimos incluirlo por su valor histórico a pesar de sus defectos sonoros". 

Angel Atienza y Fernando Peláez

 

 

Intérpretes y Temas:

01- Horacio "Corto" Buscaglia / Sueño de una noche de mermelada
02- Los Gatos / I you need me
03- Los Mockers / Oh, baby, we got agood thing going
04- Los Shakers / No llames más por teléfono
05- Los Crabs / Daydream believer
06- Horacio "Corto" Buscaglia / Fabula moderna
07- Roberta Lee con El Kinto / Penas de sal
08- Toni Henderson / Sol de la mañana
09- Leo Antunez / Padrenuestro
10- Opus Alfa / Casa de huéspedes
11- Totem / Solo de batería
12- Totem / El tábano
13- Hojas / Sin tí (Without you)
14- Días de Blues / Cada hombre es un camino
15- Demos / Ciudad Vieja
16- Tiempo de rock / Sueños (Megalomanías)
17- Elegía / No brilla el sol en tus ojos
18- Ceibo / Mira bien
19- Horacio "Corto" Buscaglia / La palabra pan
20- Urbano / Caminar detrás
21- Jorge Barral / Guachita mía
22- Opa / I come to this country
23- Epílogo de sueños / Bahiao de Gastón
24- Manolo Guardia y su conjunto / Las manzanas

Formato: Mp3 - 192 Kbps

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Billy Bond – O Heroi (FLAC - 1979)

 

 

O Heroi es considerado un álbum de culto y un testimonio del período de Billy Bond en Brasil, mostrando su versatilidad y su capacidad para adaptarse a las nuevas corrientes musicales de aquel momento, como el punk y la new wave. En la grabación contó con la colaboración de músicos brasileños, lo que influyó en la diversidad estilística del disco.

"Giuliano Canterini se convirtió en Brasil en un exitoso productor de obras teatrales musicales. Sin embargo, la biografía de Canterini, conocido como Billy Bond en su juventud rockera, incluye un pasado artístico conocido por pocos. Nacido en Italia el 19 de noviembre de 1944, pero criado en Argentina desde pequeño, Canterini integró una importante banda de rock, "La Pesada del rock and roll", durante su estancia en Buenos Aires en la década de 1970, años antes de llegar a Brasil, exiliado por las circunstancias políticas de su país.
Fue aquí en Brasil donde, con el nombre artístico de Billy Bond, el cantante y compositor fue pionero en coquetear con la nuevas tendencias musicales cuando se convirtió en el cantante principal de Joelho de Porco en la segunda mitad de los años 1970, período en el que el grupo paulista se unió al punk que revolucionó la música en Estados Unidos y, sobre todo, en Inglaterra.
Pero Bond pronto se embarcó en una carrera individual, lanzando su primer álbum en solitario en estas tierras, O Herói, en 1979, que ya mostraba la inspiración punk en la foto de portada. Hasta entonces, rarísimo, este álbum –producido por el propio Bond y editado por el sello discográfico Som Livre– que luego fué reeditado por primera vez en formato CD por el sello carioca Discóricas. 

O Heroi permite redescubrir el sonido rockero de Bond, compañero de Pisca en la canción que da título al álbum y en composiciones como Porco de Ouro, Yanka (Ela) y Mick Jagger. Detalle: El repertorio totalmente original de O Herói también incluye dos colaboraciones, "Amigo da Sua Família" y "Tudo o Que Eu Quero É um Fixo", entre Bond y Lee Marcucci, guitarrista y compositor del grupo Tutti Frutti.
Incluso sin la furia virulenta del genuino punk, el sonido de Billy Bond influiría en nombres del futuro rock brasileño, como el legendario multimedia Kid Vinil (1955 – 2017). Curiosamente, fue durante la temporada de shows promocionales del álbum O Herói que Billy Bond comenzó a involucrarse con el teatro, dejando los reflectores para trabajar detrás de escena como Giuliano Canterini".

Mauro Ferreira (globo.com)

 

 

 

Músicos:

Billy Bond: Voz
Pisca: Guitarras
Lee Marcucci: Bajo
Netinho: Bateria

Temas:

01- Porco de Ouro
02- Superaohomem (2ª Parte)
03- Amigo da Sua Família
04- Yanka (Ela)
05- Tudo O Que Eu Quero é Um Fixo
06- Quatro Dias de Folias
07- Mick Jagger
08- O Herói
09- Pensando Nos Teus Ossos
10- A Mágica de Oz

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Buenos Aires Jazz Fusión - Volumen 1 + Bonus (FLAC - 1981/1998)

 

 

 En 1981, Néstor Astarita, Baby López Furst, Fats Fernández, Litto Nebbia, Rubén Rada y otros músicos de primera línea se unieron para desarrollar una propuesta por demás interesante: la de generar una música emparentada directamente con el Río de la Plata, pero desde los territorios del jazz. El resultado, música ciudadana de alto vuelo, con mucho ritmo, y solos hechos a la medida de tal fusión de músicas.

Uno de los discos mas valorados en la nave (para mi sorpresa), que ameritaba una publicación en formato FLAC.

"Buenos Aires Jazz Fusión es un proyecto, justamente de jazz fusión, de los más emblemáticos de Argentina. Nace en 1981, liderado por el baterista Néstor Astarita, quien encabeza la idea, que constaría de una agrupación de distintas bandas y formaciones de jazz que se unirían para dar distintos conciertos, tanto en capital federal como por el interior del país. De este movimiento participaron grandes músicos de la escena nacional (argentina), el saxofonista Chivo Borraro, el pianista Jorge Navarro, el trompetista Fats Fernandez, el pianista Horacio Larumbe, entre otros. Entre Abril y Septiembre de 1981, Néstor Astarita encabeza el lanzamiento de un álbum que también se llamaría ‘Buenos Aires Jazz Fusión’, este lanzamiento seria el símbolo de esta pequeña/gran movida que promulgaba el jazz y el jazz fusión; que era encabezado por Atarita pero que contaba con muchos aportes que por detrás formaban todo el proyecto.

La grabación del primer volumen de ‘Buenos Aires Jazz Fusión’ se dio entre Abril y Septiembre de 1981, en los estudios ‘ATC’, con excepción de algunos temas particulares que fueron grabados en estudios ‘Fonema’, y fue publicado ese mismo año. Este lanzamiento cuenta con el aporte especial de muchos músicos de enorme calidad, que se sumaron a la grabación para contribuir con su visión personal y así de reafirmar aún más la idea original del proyecto, que es la de un grupo de amigos haciendo jazz. De este lanzamiento participarían: Bernardo Baraj en saxo, Dino Saluzzi en bandoneón, el uruguayo Jorge ‘Negro’ Gonzales en contrabajo, Lito Nebbia en voz y teclados, Norberto Machine, Roberto ‘Fats’ Fernandez en trompeta, Ruben ‘Baby’ Lopez Furst en piano, Norberto Minichilo en vibráfono, el uruguayo Ruben Rada en voz y percusión, Horacio ‘Chivo’ Borraro en saxo, y obviamente Nestor Astarita en batería. De estos asombrosos nombres surgiría el sonido de este primer lanzamiento, un grupo de músicos provenientes de distintos extractos y estilos, pero unidos con la misma idea de música libre. En este ambiente descontracturado, las distintas visiones, influencias y estilos, de los tantos músicos participantes se van volcando y unificando, surgiendo así un sonido sin identidad fija; aparecen extractos de candombe, milonga, zamba, afro, tango, sonidos obviamente latinoamericanos, unidos bajo la fusión de un jazz sin fronteras ni límites. 

Los temas están constituidos no tanto por estructuras fijas sino por ambientes y pasajes improvisados, instrumentales, inciertos. Hay una característica como de eventualidad en el sonido, de sesión improvisada en el momento, lo que le da a las estructuras de los temas una amplitud y calidad mayor; esto pareciera ser el resultado propio de la improvisación de un grupo de músicos de enorme nivel que parecen crear los temas en el momento, con soltura, sin mayor esfuerzo…Si hay algo de, por así decirlo, ‘estructurado’ en el sonido es por las aportaciones Lito Nebia, que es un músico acostumbrado también a la canción propiamente dicha, a la composición de canciones, aportando en esta caso también un par de temas de su autoría, con estructuras más sencillas a lo que se escucha en el resto del disco pero con esplendidas armonías que están a la altura del jazz fusión que hacen en su totalidad. Otro aporte de Nebia, sumado por supuesto también a Rubén Rada, seria en la voz, ambos aportan sus voces en las letras y otros agregados vocales que tiran en las sesiones.

Tras algunos años, 1998, un nuevo grupo bajo la misma idea de ‘Buenos Aires Jazz Fusion’, y siempre liderados por Astarita, grabó y publicó unos 4 temas más, estos fueron publicados junto a una reedicion en cd del primer volumen lanzado por la banda, todo en el mismo disco. Estos temas nuevos fueron grabados en Estudio ‘Nuevo Mundo’, de Buenos Aires, durante los comienzos de 1998, y demuestran un sonido más íntimo y relajado, más abocado al jazz particularmente, y con fusiones de otros estilos no tan abrupta, sino mas sutiles.

Lamentablemente hay muy poca información precisa circulando sobre los pasos de este grupo y sus presentaciones en vivo, según dicen el proyecto siguió funcionando hasta hoy en día inclusive, cuando siguen tocando en vivo. Actualmente, está integrado por el baterista Néstor Astarita , Bernardo Baraj en saxos, Alejandro Kalinoski en piano, el bajista Bucky Arcella y Pocho Porteño en percusión."

 

Fuente de información: delicias psicodelicas.blogspot

 

 

 

Musicos Que Participan:

Bernardo Baraj: Saxofón
Dino Saluzzi: Bandoneón
Jorge "Negro" González: Contrabajo
Litto Nebbia: Voz, Teclados
Norberto Machline: Piano
Roberto "Fats" Fernández: Trompeta
Rubén "Baby" López Furst: Piano
Norberto Minichillo: Vibráfono
Rubén Rada: Voz, percusión
Horacio "Chivo" Borraro: Saxofón
Alejandro Kalinoski: Piano
Bucky Arcella: Bajo

Nestor Astarita: Batería
Pocho Porteño: Percusión

Temas:

01- Telmo San
02- Deseos Para José
03- Tema Para Trane
04- Toledo
05- Un Hombre, Un Amanecer
06- Desde Muy Abajo

Bonus Tracks (1998):

07- Abril
08- Amargueti
09- De Entre Casa

10- Tan Cálida y Tormentosa 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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La Torre - La Torre (FLAC - 1982)

 

 

Sin duda la década del ochenta fue el pico de mayor popularidad del rock argentino, y La Torre una de las bandas emblemáticas de ese período. La combinación de hard rock con elementos de jazz rock latino y la potente presencia de su frontwoman Patricia Sosa, fué un cóctel que sedujo a buena parte del público rockero.  Este primer álbum se grabó en tan solo 76 horas, pero ya contenía el que sería su primer "hit": "Colapso nervioso". Un disco dificil de conseguir hoy en día, que no ha sido reeditado en los últimos años.

 

Patricia Sosa: "Estamos juntos desde setiembre del año pasado. En esa época empezamos a trabajar con Oscar, en la composición del material. Después de un año, la primera presentación fue la del Bambalinas. Es muy difícil tocar. Por ejemplo, para el debut el apoyo de la grabadora fue moral. Económicamente, lo solventamos nosotros."
Oscar Mediavilla: "Hace bastante tiempo que teníamos en la cabeza la idea de armar un grupo que matara. No sé si lo logramos, pero al menos las intenciones fueron las mejores en cuanto a disciplina, conducta de trabajo, voluntdad."
La posibilidad de grabar un álbum para la compañía RCA surgió a través de Alejandro De Michele, integrante de Pastoral, el año pasado.
P.S.: "En un principio. De Michele iba a ser el productor de nuestro disco, pero cuando empezamos a trabajar con él, nos tiraba para una onda muy Nueva Ola, que no encajaba con nuestra propuesta original. Sonaba bien, pero no era lo que nosotros queríamos hacer."
O.M.: "Aparte la lucha con un tipo que tiene un ego tan grande como De Michele ya era imbancable, por lo que decidimos abrirnos. Si hubiéramos seguido se hubiera acortado el camino porque llegar a la compañía de la mano de él nos abría las puertas ya que es un potencial vendedor de discos. Nosotros llegamos a tener fecha de grabación, pero el día que fuimos, De Michele nos dejó plantados y nos tuvimos que volver con todos los equipos a cuestas. Pero como ya teníamos el enganche con la grabadora, seguimos trabajando y al final pudimos grabar el disco con nuestra onda original."
Los músicos que integran La Torre provienen de distintas corrientes, y ellos mismos aclaran que la música del grupo trata de conjugar esas vertientes.
O.M.: "Estamos buscando, nuestra línea musical. Hay muchas corrientes dentro del grupo y creo que bien conjugadas se pueden enriquecen entre sí. Hay. momentos en que mezclamos una onda latina con una vertiente más rockera y el resultado es bueno. Tenemos un tema que se llama 'Salsamil' que es una salsa pero con guitarras bien pesadas, bien de rock metálico."

Patricia Sosa y Oscar Mediavilla (1982)

 

"Con avasallarte rapidez, La Torre se ha convertido en el grupo revelación de 1982. lo que seguramente será reafirmado cuando toquen en el escenario del festival B.A.Rock IV. La principal atracción de esta nueva formación la constituye la inclusión de Patricia Sosa, una de las mejores vocalistas femeninas que han surgido en los últimos años. Su timbre, su fraseo, y su arrolladora potencia confirman que en el rock nacional hay talento de sobra y sin distinción de sexos. Además de cantar, Patricia Sosa compone todas las letras del grupo, muy simples y hasta primitivas pero de transparente ideología. Algunos logros y algunos lugares comunes muestran una saludable intención que puede mejorar ostensiblemente en el futuro. Musicalmente, La Torre grabó este álbum con el apuro y la fogosidad de los que recién comienzan reuniendo varias tendencias dentro del disco En esencia, el rock metálico es el que capitaliza mayor adhesión, pero también hay otras incursiones sumamente interesantes. "Buenos cimientos" y "Colapso nervioso" tienen la tuerza y el pulso del rock duro, mientras que "Triste Susana" y "Vuelvo a anclar en mi lugar" son agradables baladas intensamente bluseadas. La guitarra de Oscar Mediavilla —autor de la música del disco— incursiona con comodidad en varios solos destacables, eficientemente complementado por los teclados de un Múscolo. La rítmica, integrada por los hermanos Giles, cumple ajustadamente, especialmente el bajista que apoya los arreglos con sus solos. Un álbum debut de gran nivel para un grupo que recién empieza y tiene todas las posibilidades de llegar hasta el final del camino. La Torre es otra de las bandas que llegan para abrir y airear un ambiente cargado de polvo y rancio perfume".

    Revista Pelo - Reseña del disco (1982)

 

 

 

Integrantes:

Patricia Sosa: Voz lider
Carlos "El Negro" García López: Guitarra, congas, voz
Oscar Mediavilla: Guitarra, voz
Luis Alberto Múscolo: Teclados
Gustavo Giles: Bajo, voz
Ricardo Giles: Batería

Temas:

01- Buenos Cimientos
02- Tiempo de Tregua
03- Ser o Morir
04- Triste Susana
06- Colapso Nervioso
07- Era una Estrella de Cine
08- Vuelvo a Anclar en Mi Lugar
09- La Lucha por el Poder
10- Para Animarse a Salir de Vacaciones

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Redd - Tristes Noticias del Imperio + Bonus (FLAC - 1978)

 

 

Otro gran representante de la musica del interior del país que llega en formato flac. Agrupación originaria de Tucumán, Redd se formó en enero de 1977 por dos ex integrantes de "La pequeña banda de Trícupa": Juan Escalante y Luis Albornoz a quien se  le sumó Estaban Cerioni. Grabaron dos álbumes en forma independiente, siendo "Tristes Noticias del Imperio" su debút discográfico. Un magnífico exponente del mejor rock progresivo argentino que no contó con la difusión de sus pares capitalinos mas conocidos.

Su debut se produce el 10 de Junio de 1977 teloneando a L.A. Spinetta en una presentación en Tucumán, ya en diciembre de 1977 viajan a Buenos Aires y toman contacto con el grupo "MIA", con el fin de conocer mas sobre la edición independiente.
Nuevamente en Tucuman el grupo decide lanzar su sello incependiente, y en abril de 1978 volvieron a Buenos Aires a grabar su primer album. Con el disco terminado regresan a su provincia a presentarlo en vivo, poniendo enfasis en el aspecto visual de las presentaciones, al haber conseguido un importatnte equipo de luces.
Luego de un replanteo en el que buscaron ensanchar sus posibilidades musicales, los componentes de Redd decidieron incorporar al tecladista Enrique Mondino.
Por su sello, Covoclo, editaron, en marzo del 79, "Tristes Noticias del Imperio", su primera placa, que se vendio casi en su totalidad en la provincia de Tucuman.
Acerca del material, el periodista Claudio Kleiman dijo en la revista Expreso Imaginario: "El sonido de este LP me retotrae en cierta maner a los comienzos del rock nacional, aunque no se muy bien por que. Quizas sea el espiritu que campea por sus surcos, una cierta ingenuidad que no se muy bien como definir. Quzas sea el sonido, en el que se detectan ecos de, por ejemplo, los primeros discos de Almendra y Manal."
En 1979, el grupo comenzo a sufrir variaciones en sus filas debido a disputas internas. Dejando atras una agotadora busqueda de integrantes, empezaron a actuar con eventuales musicos, muchos de ellos de gran renombre como Marco Pussineri (bateria), Pollo Raffo (teclados) y Oscar "Pajaro" Inmoff (voz). Con esta formación graban el segundo álbum: "Cuentos del Subsuelo", disco que permaneció inédito hasta mediados de los noventa, en que fué editado en formato CD. Luego de esta grabación, la banda, por aquellos años, decidió disolverse. La última presentación en vivo fue el 7 de Agosto de 1981 en el "Encuentro de Música Contemporánea" organizado en el estadio Obras por la revista HUMOR y el pub La Trastienda.

"El proyecto de Redd surgio a partir de la idea de reciclar conjuntamente las influencias de Invisible, King Crimson (el lado melodico) y Genesis para crear un prog sinfonico evocativo, melancolico, con una densidad especial, casi magica. Su musica esta rebosante de energia, pero principalmente Redd elabora un repertorio no muy trepidante, trabajando mas bien con compases y cadencias reposadas, y melodias mas tiradas hacia lo sutil que hacia lo fastuoso; el trabajo de los arreglos pone enfasis en una interconexion delicadamente equilibrada entre los ejecutantes, manteniendo siempre la sutileza, aunque sin ocultar tampoco la destreza tecnica. Esto se nota especialmente en la labor esforzada de escalante, quien con sus redobles y notable manejo de los platillos se encarga de llenar espacios y meter algo de frescura en un material tan denso.
El tema homonimo de apertura es el mas extenso (dura mas de 9 minutos), alternando pasajes rockeros densos, con otros mas blueseados, pasando por un interludio languido, generando asi un impacto dramatico expresivo. Tras el hermoso instrumental de tono acustico “Kamala”, en el cual dos guitarras acusticas arman un dueto muy dinamico sobre un compas folklorico, viene uno de los temas mas celebrados de la trayectoria de Redd, “Reyes en Guerra”, que tiene la urgencia propia de todo manifiesto anti-belicista y anti-militarista, siempre manejada bajo las coordenadas sutiles propias de la banda. “Matinee” es un blues arrebatador que destila un irresistible aire de misterio. Con “Nocturno de Enero” seguimos con la densidad emocional que constituye la irrenunciable constante de Redd, incorporando en esta ocasion un interludio rockero efectivo, y “Kamala II” retoma la vena acustica del primer instrumental.

Los bonus tracks provienen de presentaciones en vivo - algunos suenan en verdad desastrosamente, pero se puede atisbar en ellos la fuerza expresiva de la banda".

Cesar Mendoza (La Caja De Música)

 

 

Integrantes:

 

Luis Albornoz: Guitarras eléctricas y acústicas, voz
Esteban Cerioni: Bajo, mellotron, voz
Juan Escalante: Batería, percusión, piano, sintetizador, voz 

Temas:

01- Reyes En Guerra
02- Kamala 2
03- Kamala
04- Nocturno De Enero
05. Matinée
06- Tristes Noticias Del Imperio

Bonus Track:

07- Parche Armónico (Ensayo, 1977)
08- Después De Un Mes (En vivo, 1978)
09- Tristes Noticias Del Imperio (En vivo, 2003)
10- Matinée (En vivo, 2003)
11- Parto (En vivo, 2003)

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Jorge Navarro - Navarro Con Polenta (FLAC - 1977)

 

 

"En 1978, y luego de una gira exitosa por Latinoamérica y los Estados Unidos, el pianista Jorge Navarro reunió a una troupe de grandes músicos para grabar el que es considerado como el primer disco de funk criollo: Navarro con polenta". Esto comentaba Bobby Flores sobre este increíble álbum, una rara avis dentro de la música argentina. Y si bien la base de las composiciones es el funk instrumental, todo se desarrolla bajo el marco estilístico del jazz-rock y el jazz latino, como no podía ser de otra manera viniendo de un eximio jazzista como Jorge Navarro.

 

Navarro con polenta fué grabado en 1977 y etiquetado en su portada como Jazz rock. Su primer track es una versión de Black Dog, el clásico de Led Zeppelin. A la manera de Chick Corea, Navarro toca el Fender Rhodes en casi toda la placa, con un wah wah, acompañado por un grupo de notables, que incluye a Ricardo Lew en guitarras y Norberto Minichillo en batería, con Weather Report casi como espejo. “Decidí abrir el disco con la versión de Zeppelin porque cuando escuché ese tema por primera vez me di cuenta de que con esos acordes y esa melodía se podía improvisar. Creo que eso ayudó a que se haga más conocido el disco, que grabamos en los estudios Ion, en una o dos noches”, recuerda jorge Navarro. Y se entusiasma: “Llamativamente, me sigue gustando. Por lo general, todo lo que grabo no me gusta y no lo vuelvo a escuchar más, queda en el pozo. Pero este disco, de vez en cuando lo escucho y digo: «Pucha, pensar que esto fue hecho en el año 77 y todavía está bueno, suena fresco".

 

Fantástica fusión funky de la escena argentina de los 70. Un set que arranca con una versión espectacular de "Black Dog" de Led Zeppelin, y que a partir de ahí se vuelve aún más rítmico. Jorge Navarro lidera al grupo al piano, Hammond y Fender Rhodes, y la agrupación, con guitarra, bajo, batería y percusión, forma una sólida combinación rítmica que se adapta a la perfección al dinamismo del trabajo de Jorge en los teclados, mientras recorre estilos de fusión de los 70 y jazz latino en una maravillosa gama de grooves. Por momentos, Navarro no teme usar frases funky en sus teclados eléctricos, al estilo de Herbie Hancock, y en otros, se sumerge por completo en el groove y se entrega por completo.

 

" En 1976 Jorge Navarro, un músico inevitablemente asociado a las expresiones más melódicas y un fino cultor de aquellas obras que integran el canon jazzero devenido de las comedias musicales, regresa al país luego de cinco años de actuación y residencia en los Estados Unidos.
Poco menos de un año después edita Navarro con polenta, un registro distinto, absolutamente diferenciado del resto de su discografía, en el que el pianista busca un nuevo repertorio para asumirse a tono con los nuevos sonidos que por entonces poblaban el universo jazzero.
Y precisamente esa inusual línea estilística es la que le da valor y significado histórico al registro de 1977, donde el pianista se suma a lo eléctrico, para entregar un puñado de nuevas y personales versiones de un repertorio que hasta aquí se le presumía ajeno.
Desde un inicio mismo el disco pone las cartas sobre la mesa. El arranque es con Black Dog, todo un himno de la banda inglesa Led Zeppelin, publicado en su cuarto álbum de 1971, que ocupa un lugar protagónico entre las 500 mejores canciones del rock según una encuesta de la revista Rolling Stone. En medio de un trabajo de percusión y teclados, Ricardo Lew en guitarra eléctrica, sobrevive sin fisuras a la ardua tarea de aportar singularidad lejos del espejo original de Jimmy Page.
Destaca también el Lucky Southern, de Keith Jarret, aquí con un fuerte toque latino y el Great George de Joe Farrell, con Navarro en teclados, sostenido por la fuerte línea de bajo de Juani Amaral y la percusión siempre presente y medida de Norberto Minichilo y Roberto Valencia.
Los temas de Navarro no desentonan en este contexto de fuerte condimento funk, como en Vamos quedando pocos, para finalizar con Después de la polenta, con Navarro al piano, desplegando un arte que entiende como pocos. Una especie de remanso final luego de un viaje tan inesperado como audaz. Un auténtico y genuino testimonio de época".

Fernando Ríos (argentjazz.com)

 

 

Músicos:

 

Jorge Navarro: Piano Steinway, Fender, órgano Hammond
Ricardo "Rubberman" Lew: Guitarra eléctrica
Juani Amaral: Bajo eléctrico
Norberto Minichilo: Batería
Roberto Valencia: Percusión

Temas:

01- Black Dog
02- Vamos Quedando Pocos
03- Lucky Southern
04- Repartamos El Funky
05- Funk Yourself
06- Great George
07- Después De La Polenta

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Conexión Nº 5 - Idem (FLAC - 1968)

 

Sí, estimados navegantes, Conexión Nº 5 en formato FLAC. Impensado hace unos años cuando publiqué este material en mp3, allá en 2017. Este es el L.P. debút de la agrupación comandada por Carlos Bisso, dentro del estilo que sería la marca de fuego de su trayectoria: soul, beat y rock, en un repertorio que se basaba principalmente en covers de temas consagrados de artistas extranjeros. Varios de ellos publicados antes que sus versiones originales, una estrategia marketinera ideada por la discográfica que rendía buenos dividendos.

"El primer disco de la Conexión Nº5 con la formación original salió en la navidad de 1968. Se hizo famoso por temas como “Vuelve, nena (Baby, come back)” de The Equals, con su ritmo ¨shake¨ o “Hazme una señal (Gimme a little sign)”, un tema soul interpretado originalmente por Brenton Wood. Pero también se destacaban versiones más de riesgo como la versión que cierra el lado A, “Hey Joe” popularizado en el mundo por Jimi Hendrix con su versión de medio tempo. La Conexión se despachó con una versión larga y psicodélica de más de 5 minutos con sonidos de cintas dadas vueltas, gritos de Bisso, punteos ácidos desde la guitarra de Marcelo Reinaldo Trull modificados a través del pitcht de la cinta y mucho feedback tipo delay… ¿De dónde habrán sacado ese adminículo en esa época en que no había ni pedales en Argentina?!!.

Data extra: Esta versión fue incluida en el compilado homenaje al rey de la guitarra The Stars That Play With Dead Jimi’s Dice del sello de EEUU Twisted Village, en vinilo, en el año 1992… ¿Qué tal?

Todas estas canciones desconocidas en el país salieron editadas en la Argentina por un grupo nuevo como Conexión Nº 5; obviamente era un negocio editorial de las compañías pero algunas como “Hey Joe” por Hendrix jamás se editaron. Así que la elección de estas versiones le da un valor extra".

www.instagram.com/carlosbissook

 

Con su pelo negro prolijamente engominado, su campera de cuero y sus enigmaticos guantes negros, Carlos Bisso irrumpio en la escena porteña a fines de los años '60. Su banda Conexion Numero Cinco, por la que tuvo un breve paso el gran Roberto "Pappo" Napolitano, debuto en 1969 y se caracterizo por la calidad instrumental y la elaboración de los arreglos. La formacion inicial estaba integrada por Carlos Bisso en voz, Raúl 'Cuervo' Tortora (bateria), Marcelo Trull (guitarra), Mario Ricciardelli (teclado) y Ruben Blanco (bajo). Lugo de la grabacion de este primer disco, Bisso se separa en 1970 para continuar con su propia banda, Carlos Bisso y su Conexion Nº 5, mientras que la original continuo con Amadeo Alvarez como vocalista.. Bisso, quien era un excelente cantante, de timbre grave y profundo, fue rotundamente rechazado por el publico de rock al presentarse junto a la banda de Alchourron "Canto y Clarificacion". Evidentemente era considerado representante de la "musica comercial", que para un cierto sector del publico no tenía posibilidades de evolucionar en su propuesta.
Como parte de su producción discográfica quedaron numerosos discos simples y tres albumes con diferentes formaciones y títulos similares: Conexión número 5, Carlos Bisso con su Conexion numero 5 y Carlos Bisso y su Conexion numero 5. Varios de sus temas figuraron en el el ranking musical argentino durante varias semanas, entre otros Sing Sing Barbara, Dong Dong Diki Diki Dong, Venus y Orgullosa Mary.
En 1970 Carlos Bisso fue declarado triunfador en el Primer Festival de la Cancion Argentina Para el Mundo, organizado por RCA y CBS en el Luna Park, con el tema "Que Difícil es Vivir Entero".
La trayectoria del cantante incluye además un breve paso por el cine, como actor. En 1971 tuvo un papel protagonico en "Los buenos sentimientos, de Bernardo Borenholtz, meses despues sufriria un choque automovilístico que lo tuvo entre la vida y la muerte, pero del que no tardo en recuperarse.
Fallecio a los 63 años, en el año 2005, en su casa del partido bonaerense de Tigre.

Integrantes:

Carlos Bisso: Voz
Marcelo Trull: Guitarra
Mario Ricciardelli: Teclado
Ruben Blanco: Bajo
Raul 'Cuervo' Tortora: Bateria

Temas:

01- Vuelve, Nena (Baby, Come Back)
02- El Globo Rojo (The Red Balloon)
03- Calma... Ni Una Palabra A María (Hush... Not A Word To Mary)
04- Chewy-Chewy
05- Deja Que Comiencen Las Penas (Let The Heartaches Begin)
06- Hey Joe
07- Hazme Una Señal (Gimme A Little Sign)
08- Sigue (Keep On)
09- Buscandote
10- Yo Pretendo (I Pretend)
11- Demasiado, Para Ser Tan Chico (Too Bit Manchild)
12- Jesamine

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Emilio Del Guercio - En Vivo Sala Lavardén (Bootleg - 1984)

 

 

Exclusivo para la nave, una presentación de Emilio Del Guercio como solista en formato acústico, realizada en la Sala Lavardén de Rosario en 1984. Emilio interpreta aquí composiciones de su etapa solista, además de algún clásico de Almendra, Aquelarre y un cover de Litto Nebbia. Lo acampaña en varios temas el guitarrista Luis Borda. La buena calidad de la grabación, posiblemente extraida de consola, nos permite apreciar el clima íntimo que logra en el público un artista de la talla de Emilio Del Guercio.

Compositor, vocalista, bajista y guitarrista, Emilio Del Guercio participó de dos de los grupos más importantes del rock nacional: Almendra (1967/70) y Aquelarre (1971/77). En 1979 fundó la Eléctrica Rioplatense, junto a Eduardo Rogatti (guitarra), José Luis Colzani (batería), Alfredo Desiata (saxo) y Eduardo Zvetelman (teclados). Con este grupo alcanzó su máximo fervor cuando se presentó en Obras junto a Spinetta Jade, pero lo disolvió para reincorporarse a Almendra. En 1983 grabó su álbum solista que fue presentado el 17 de octubre de ese año en el estadio de Obras, junto a Edelmiro Molinari.
Tras esa experiencia armó un trío de guitarras, con Luis D'Agostino y Carlos Telerinsky. Luego se incorporó el percusionista Rubén Rada y, con la llegada de Claudio Méndez (teclados) y Daniel Insusalrri (bajo), se reflotó La Eléctrica Rioplatense. El nacimiento de su segunda hija, en 1990, lo alejó de la música como profesión, hasta su regreso junto a sus antiguos compañeros de Aquelarre para brindar varias actuaciones en vivo.

"Con la nueva democracia argentina en pañales y la herida de Malvinas aun sin cicatrizar, allá por 1984, en plena primavera alfonsinista, aún prevalecía el espíritu de confraternización musical latinoamericana, lo que fomentaba cualquier  tipo de eventos en nombre de la hermandad latinoamericana.
En el marco de un autodenominado Taller Latinoamericano en la Sala Lavarden, Emilio del Guercio (Almendra, Aquelarre) se presentó acompañado de Luis Borda en guitarras y un par de músicos anónimos, en lo que él denomina “un show informal”.
Para esta época Emilio del Guercio venía de grabar lo que a la postre es aún su único álbum solista, Pintada, trabajo de fusión entre ritmos folklóricos y aires de rock y pop.
Este tape no oficial tiene un buen sonido, tal vez muy bueno para ser una grabación pirata argentina de esa época, a la cual ayuda el carácter acústico de la performance y el hecho de ser una sala pequeña con poco público.
A lo largo de 8 canciones, del Guercio visita básicamente Pintada, a lo que agrega una versión de Gloria y guitarra (Litto Nebbia), Cambiándome el futuro (Almendra), Violencia en el parque (Aquelarre) y dos temas del guitarrista Luis Borda. El show es íntimo y sin altibajos. Una lástima que solo esté disponible luego de buscar y rebuscar por la red, pero el esfuerzo vale la pena".

https://elholocaustodepabloalekssander 

 

 

Músicos:

Emilio Del Guercio: Guitarra acústica, voz
Luis Borda: Guitarras

Temas:

01- Cambiándome el futuro     
02- Para darme      
03- Gloria y guitarra        
04- Instrumental (Interprete: Luis Borda)      
05- Aroma del lugar        
06- La flor azul (Interprete: Luis Borda)      
07- Trabajo de pintor      
08- Violencia en el parque

 

 

Formato: Mp3 - 192 Kbps

 

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Ricardo Soulé - Vuelta A Casa + Bonus (FLAC - 1977)

 

 

A fines de 1974, Ricardo Soulé decide separarse de Vox Dei con la intención de empender su carrera solista. Por ese motivo se radica en Londres, pero el proyecto finalmente no prospera. De regreso en Argentina, forma un power trio junto a los primos Rodolfo y Alejandro Pensa, en bajo y batería respectivamente. Con esta formación graba su primer álbum solista "Vuelta a casa", editado en 1977 por el sello RCA. Si bien Ricardo volveria a integrar Vox Dei ocasionalmente, su trabajo en solitario continuó hasta el presente, acompañado de su actual grupo, La Bestia Emplumada.

 

"Vuelta a Casa nació en Richmond Avenue, en Londres, en un departamento que teníamos con mi esposa Graciela y mi hijo Gabriel. Allí empecé a escribir canciones para un disco que en un
principio lo íbamos a hacer con Pappo y con dos músicos negros ingleses, amigos de él. Ensayábamos en un lugar de Fulham Road y estábamos en contacto con CBS, que era la compañía donde yo estaba trabajando, y queríamos ver si ellos nos podían solventar los gastos del estudio en Londres. Bueno, las cosas no prosperaron con el sello y después de algunos otros intentos, volvi ala Argentina y armé el trío con los primos Pensa, o sea Rodolfo Pensa en el bajo y Alejandro Pensa en la batería. Y ese disco. evidentemente, estaba signado por un aire inglés, porque el lugar donde fuimos a vivir y donde lo ensayamos y produjimos fue en una casa traída ladrillo por ladrillo desde Londres en el siglo XIX, situada en Quilmes, en lo que se llamó "El Dorado".
Ensayábamos en una gran sala donde tenían una mesa de pool inglesa enorme y trajimos los instrumentos de Estados Unidos, porque aqui no se conseguían en aquel entonces. Trajimos los Marshalls, las guitarras Gibson y una batería Ludwig muy bonita para Alejandro. Preparamos el disco allí durante varios meses hasta que finalmente entramos a grabar en los estudios de RCA de Saavedra, que eran una nave espacial en aquel momento. Se decía, incluso, que el piso de la sala de grabación flotaba en una masa líquida.
Una de las peculiaridades era que yo estaba usando una guitarra Gibson 335. Yo lo había escuchado en vivo a Tony Iommi, el guitarrista de Black Sabbath, y de ahí había sacado la idea de tocar la guitarra con una escordatura. Eso me llevó a tener un sonido muy particular en un momento donde no era lo normal…Eramos un grupo muy heavy en una época donde todavía estaba la onda glamorosa de principios de los '70. Pero nosotros en Londres habíamos tenido un contacto muy directo con el movimiento punk, que estaba surgiendo, y por consiguiente teníamos algunos toques punk en nuestra música, aunque nos empezamos a dar cuenta de esto más tarde. Y lo mismo con el heavy metal. En ese momento estaba en pañales la movida heavy de los AC/DC y de toda esa gente. La cosa vino un poco más tarde. El mismo Eddie Van Halen recién estaba en ciernes. Por eso creo que este disco respira mucho ese aire de gestación de una nueva música que se iba a hacer sentir en toda su intensidad durante las siguientes dos décadas.

En ese momento se utilizaba la fórmula de sacar primero un simple y más tarde editar el long-play. Así pensaba un productor discográfico en aquel entonces, y Jorge Alvarez no era excepción. Por eso decidió que editáramos primero el simple con los temas "Cuéntame dulce" y "Inexplicable para mí" para que nos fuesen conociendo, y que nos pusiéramos inmediatamente a grabar el long-play. Debo aclarar que hubo varias formaciones antes de llegar al trío con los Pensa. Pasaron, por ejemplo, un baterista que se llamaba Carlos Calabró, que luego se fue a vivir a Estados Unidos y en el bajo estuvo Enrique Avellaneda, que tocó en Engranaje, con Pappo y más tarde con Vox Dei y que tuvo bastante influencia en una parte de mi carrera. Con ellos empecé a preparar los temas, pero cuando llegaron los Pensa, vi lo expeditivo que eran y lo claro que tenían la idea artística y eso me decidió a concretar este proyecto con ellos. Todos los temas de "Vuelta a Casa" están dentro de mi corazón, porque esa época de mis veinticinco o veintiséis años es inolvidable, creo que lo es para cualquier persona... Pero hay uno en particular, "Mi Gabriel", que tiene la carga emocional de un padre primerizo que le escribe una canción a su primer hijo. Tiene una connotación sentimental muy fuerte...".

 Ricardo Soulé - Sobre Vuelta a Casa (Reportaje: Alfredo Rosso)

 

 

Integrantes:

Ricardo Soulé: Guitarra, voz
Rodolfo Pensa: Bajo
Alejandro Pensa: Bateria

Temas:

01- Introducción en LA Mayor
02- Viejos amigos de la ciudad
03- De lo que sabes dar
04- El comelobos
05- Si no me amas ni me necesitas
06- Mi Gabriel
07- Muchos caminos y desafios
08- Mejor tener la luz prendida

Bonus Tracks:

09- Cuentame dulce (Simple publicado el 5/2/76)
10- Inexplicable para mi (Simple publicado el 5/2/76)
11- Viejos amigos de la ciudad (Version inedita)
12- Mejor tener la luz prendida (Version inedita)
13- It's the same (Version en ingles de "Cancion para una mujer que no esta")

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Luis Alberto Spinetta - Tester De Violencia (FLAC - 1988)

 

 

Publicado por Luis Alberto en 1988, Tester De Violencia tiene la particularidad de ser su segunda obra conceptual, según Spinetta, junto a "Durazno Sangrando". La temática principal gira en torno a la violencia en sus diversas manifestaciones. El concepto de "violencia" no se limita a la acción física, sino que se explora en un sentido más amplio, abarcando la violencia social y política, la psicológica y la interpersonal. En cuanto a su estilo musical, Tester presenta una fusión de géneros que consolida una etapa de Spinetta más inclinada hacia el rock experimental, con un sonido bien de los 80 y el predominio de los teclados del Mono Fontana, ensamblados con momentos muy inspirados de la guitarra de Luis. 

 

"Tester De Violencia se grabó promediando 1988 en los Estudios del Cielito, en Castelar, y fue presentado en sociedad el 25, 26 y 27 de noviembre en el porteño Teatro Broadway. Monopolizando casi por completo las composiciones, Spinetta volvía a grabar con una de banda que sabía a un Seleccionado, por la calidad de los músicos. El Mono Fontana, sobreviviente de la última formación de Jade, se hizo cargo de la “usina” que partía de sus sutiles teclados. Mientras que Machi Rufino, viejo conocido de Spinetta en tiempos de Invisible, volvió a mostrar sus credenciales como un sólido bajista. Guillermo Arrom, que provenía de jazz, brilló en este álbum como guitarrista líder, reblando la apuesta con sus solos en las actuaciones en vivo. Mientras que el Flaco dejaba la batería electrónica para sumar a Jota Morelli, que se encargó de “humanizar” a las baterías programadas. Machi Fafuolo fue el “Midi Man” del disco, que contó con los técnicos Gustavo Gauvry y Mariano López.
Con este álbum, el Flaco retornaba después de mucho tiempo a editar una producción con un tema central que atraviese el álbum, con el antecedente de “Durazno sangrando”, de Invisible. Y esta temática estuvo relacionada, en parte, a al asesinato de la abuela y de una tía abuela de Fito Páez, en Rosario. “Se va a llamar Téster de violencia, el título surgió de mi amistad con Fito. Llegué a la conclusión de que, en mayor o en menor medida, todos somos un téster de violencia. Somos el territorio sobre el cual se pone en manifiesto la violencia y a la vez somos el medidor de esa violencia”, dijo en su momento. Con otro antecedente violento, como fue el incendio que sufrió el micro durante un viaje a Córdoba, donde muchos instrumentos quedaron inutilizados y del que se salvaron casi milagrosamente Spinetta y sus músicos, la mayoría de las letras estaban inspiradas en los libros  “Vigilar y castigar” e “Historia de la sexualidad”, ambos de Michel Foucault. "La temática del cuerpo, eje central de Téster de violencia, resulta novedosa para alguien como Spinetta, que durante mucho tiempo le cantó al alma, e incluso bautizó a uno de sus mejores discos como Alma de diamante. Este cambio fue simétrico, además, al hecho de que el Flaco pasó de leer con devoción las obras de Antonin Artaud (para quien el cuerpo es la cárcel del alma) a los textos de Foucault (para quien el alma es la cárcel del cuerpo)”, le explicaba a Eduardo Berti, en “Crónicas e iluminaciones”.
El disco abre con el rockero “Lejísimo” y no tiene el mayor absoluto desperdicio en la decena de canciones que  completan este trabajo, armoniosamente trabajo en sus líricas y en los arreglos. “La bengala perdida”, formado por las canciones “Buscando un amanecer” y “Pictura”, es uno de las más notables del disco y está dedicado a la barras bravas del fútbol, refiriéndose a un “exocet” en referencia con la bengala lanzada desde la tribuna de Boca y que le costó la vida a Roberto Basile, un hincha de Racing. También formaba parte de este disco “El Mono Tremendo”, un potente rock, con coautoría de Pechugo, parodiando al grupo Menudo, integrando por los hijos del Flaco y del fotógrafo Eduardo “Dylan” Martí. Formaban parte de ese combo infantil Dante Spinetta y Emmanuel Horvilleur, que en breve formaron Illya Kuryaki and the Valderramas. Otra bella canción es “El Marcapiel”, con letra de Roberto Mouro, y dedicada “A todo los niños del mundo”. “Tres llaves” y “Al ver verás”, también se suman a los picos elevadísimos que tienen los temas de “Tester”.
El disco tuvo una grata respuesta comercial y también muchas presentaciones en vivo, donde el Flaco se animó a desempolvar y reversionar viejos clásicos, a partir del sonido de la banda estelar que lo secundaba. Spinetta dedicó este disco a Julia, su madre. Vueltas del destino, también se llamaba de esta forma la progenitora de John Lennon. El arte de tapa también iba en sintonía con la temáticas de las canciones, a través de un collage con imágenes de fragmentos de cuerpos realizado por Gustavo Spinetta, el hermano menos de Luis Alberto, y con una fotografía del Flaco en tono rojizo tomada por el Turco Martí".

Edgardo Solano (cronicasyversiones.com)

 

 

 
Integrantes:

Luis Alberto Spinetta: Guitarras, programación, voz
Juan Carlos "Mono" Fontana: Teclados
Guillermo Arrom: Guitarras
Carlos Alberto "Machi" Rufino: Bajo
Jota Morelli: Batería

 

Invitados:

 

Pechugo: Lucas Martí, Dante, Catarina, Valentino Spinetta y Emmanuel Horvilleur: Coros y composición de "El mono tremendo" 

Temas:

01- Lejísimo
02- Siempre en la pared
03- Al ver verás
04- La luz de la manzana
05. El marca piel
06. El mono tremendo
07- Organismo en el aire
08- Tres llaves
09- La bengala perdida
10- Alcanfor
11- Parlante

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Kamikaze - No Me Detendrán (FLAC - 1988)

 

 

Retomando la revisión de aquellas agrupaciones pioneras del Metal argentino en los ochenta, llega el turno de Kamikaze y su primer trabajo discográfico. La banda llegó a ser una de las mas importantes de la segunda mitad de la década, debido a su intensa actividad en vivo y sus potentes shows, como el presentado en ciclo Rock De Primera. Dicha presentación sería elegida por el público de la revista Metal como el mejor del año, superando a unos retornados V8 con su show en el Pub Gasoline y al debut de Rata Blanca en la Sala Luz y Fuerza. 

 

A mediados de la década de 1980 el panorama del heavy metal argentino no estaba pasando por su mejor momento, ya que grupos puntales de la escena como Riff y V8 tuvieron un período de inactividad. Pese a ello, hubo músicos como Enrique Gómez Yafal y Miguel Ángel Oropeza —exmiembros del grupo 100DB en voz y guitarra respectivamente— que decidieron armar una banda, la cual vendría a constituirse en Kamikaze, con el agregado de Gustavo Perugino en bajo y Claudio Gabriel Parolari en batería.
Durante 1986 desplegaron bastante actividad, pero sin lugar a dudas, 1987 fue el año consagratorio para el grupo, un año en que comenzarían a cosechar los frutos de su empeño y devoción, obteniendo un lugar destacado dentro del espectro del heavy metal local. El 14 de noviembre del '87 se presentaron en el Teatro Roca de Buenos Aires, en el marco del ciclo Rock de Primera. Para ese entonces Gustavo Perugino ya se había alejado de la banda, y el encargado de suplantarlo fue Roberto "California" Cosseddu, ex Punto Rojo y Magnum 44, cambio que favoreció a Kamikaze ya que fue elegido mejor bajista ese año
En junio de 1988 Kamikaze participó del festival «Halley en Obras», junto a Alakrán, JAF y Rata Blanca. A los pocos meses se editó «No me detendrán», el disco debut, que tendría como difusión el tema homónimo y «De metal». El cierre de año fue auspicioso, con un show en Palladium, el 3 de diciembre. Roberto «California» Cosseddu reemplaza a Perugino en bajo. Oropeza se separa de la agrupación en medio de las grabaciones de «Víctima del rock» (1989). Martín Knye ocupa su lugar, pero esto retrasa la edición del disco hasta diciembre. La banda se disuelve definitivamente a fines de 1992.
En el 2003 retoman el camino que habían abandonado una década antes. Con la formación Enrique Gómez Yafal en voz, Roberto Cosseddu (bajo), Claudio Parolari (batería) y Miguel Oropeza (guitarra) graban un disco en vivo en Hangar, el 15 de noviembre del 2003, con clásicos y temas inéditos.
20 años después de la separación se dio un nuevo reencuentro, también con roces: Oropeza y Cossedu editaron «Dueño de los cielos» (acompañados por Roberto Fraticelli en voz y Roberto Ruiz en batería), mientras que bajo el nombre de KZ4 se reunieron Enrique Gómez Yafal en la voz, Daniel Telis y Martín Knye en las guitarras, Horacio Pinasco en el bajo y Claudio Parolari en la batería.

Para cuando se editó "No me detendrán", su disco debut de 1988, Kamikaze ya cargaba con cambios de integrantes -el ex Punto Rojo Roberto “California” Cosseddu había ingresado al bajo en lugar de Gustavo Perugino– y había logrado hacerse un espacio de privilegio dentro de la escena heavy local, al lado de exponentes como Rata Blanca y Alakrán. El álbum venía a confirmar su fértil fórmula de metal y hard-rock apuntalada por Enrique Gómez Yafal y Miguel Ángel Oropeza, ex integrantes de 100DB, en voz y guitarra respectivamente. Con cuerdas sumergidas en Big Muff y la voz de Gómez Yafal proyectándose como una espada reluciente, la ópera prima de Kamikaze navega entre medios tiempos, en canciones que encarnan el desahogo de la nueva democracia (“De metal”, “No me detendrán”) y exudan espasmos del pasado reciente, como la guerra de Malvinas (“A fuego y metal”, “Dueño de los cielos”).

Revista Rolling Stones 

Integrantes:

Enrique Gómez Yafal: Voz lider
Miguel Oropeza: Guitarra
Roberto Cosseddu: Bajo, voz
Claudio Parolari: Batería, voz

Temas:

01- Todo el tiempo vigilas (Nunca sabrás)
02- No me detendrán
03- Sacerdote equivocado
04- A fuego y metal
05- De metal
06- Escucha el silencio (Después de la tormenta)
07- En la red
08- Mira hacia lo alto
09- En el final

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Psiglo - Psiglo II / Vinilo FLAC (Uruguay - 1974) Reedición 2015

 

 

Segundo y último álbum de esta agrupación fundamental del rock uruguayo. El disco no pudo ser editado en su propio país, víctima de la censura del gobierno de facto que imperaba en esos años. Si bien llegó a publicarse en Argentina, recien en 1981 pudo salir en Uruguay, sin el tema “Héroe De Papel”, incluido en esta reedición en vinilo del sello Little Butterfly Records que ahora tengo el placer de compartir con ustedes.

"La edición de su primer LP Ideación había confirmado a PSIGLO como la banda más relevante del movimiento de rock uruguayo de los primeros años 70'. Más aún, el reconocimiento y admiración hacia la propuesta del grupo no provenía exclusivamente de los seguidores de la corriente rockera, sino que eran compartidos por un público más amplio, incluidos musicólogos y referentes culturales de diversas generaciones. Sin embargo, la compleja realidad social, política y económica (profundizada con el golpe de estado del 27 de junio de 1973), detuvo el avance del movimiento de rock de la época, condenándolo rápidamente a su desaparición casi absoluta. Para comienzos de 1974 Luis Cesio se alejó de PSIGLO y formó el grupo Ceibo. En el necesario recambio de la banda, César Rechac pasó a encargarse de la guitarra, ingresando como bajista Gustavo "Mamut" Muñoz, quien acababa de cumplir 19 años. A pesar de la crisis y de la notoria disminución de posibilidades de trabajo para los artistas del rock, PSIGLO continuaba siendo lo suficientemente trascendente como para que el sello Clave le propusiera la grabación de un nuevo LP, esta vez en los estudios Music Hall de Buenos Aires. Es así que durante el mes de julio del 74, Farrugia, García, Mamut, Alvaro Armesto (invitado para tocar saxo y flauta), Melogno y Rechac (todos de izquierda a derecha en la foto inferior), se reunieron en la capital argentina a los efectos de realizar un par de shows y proceder a la grabación del disco. En esta oportunidad contaron con muy pocas horas asignadas, aunque con una consola de ocho canales que significaba un notable adelanto tecnológico comparado con los dos canales disponibles en Montevideo. De todos modos hubo lugar para la experimentación, como en el comienzo de 'Cambiarás al hombre', donde Rechac logra el efecto de guitarra amplificándola solamente a través una pequeña radio portátil. Con una nueva versión de esta emblemática canción (con la que el grupo abría todas sus presentaciones), se da comienzo al Lado 1 de Psiglo II, donde se encuentra la propuesta más tradicional de la banda, con textos que expresan claramente su ideología. Por su parte, el Lado 2, con solo dos temas (que superan los veinte minutos de duración), es la muestra más elocuente de un eventual nuevo rumbo que podría haber continuado PSIGLO dentro del rock progresivo sinfónico. El disco fue presentado en setiembre de 1974 con dos conciertos realizados en el Teatro Solís de Montevideo y en el Teatro Macció de la ciudad de San José. En ese momento llegó la lamentable noticia: los mil vinilos ya prensados de Psiglo II habían sido destruidos respetando una orden proveniente del gobierno dictatorial uruguayo. La emigración fue inminente: Farrugia pasó a vivir en Argentina, mientras que Melogno, Rechac y García se radicaron en España, acompañados por Charlie Oviedo, Freddy Ramos y Hermes Calabria (futuro Barón Rojo), quienes integraron la última formación 74-75 del grupo. Psiglo II fue editado por primera vez en 1982, sin incluir el tema 'Héroe de Papel' e ignorando a Mamut como integrante de la banda. A 40 años de su grabación, podemos disfrutar ahora de esta reedición en vinilo completa y remasterizada, de uno de los discos esenciales para comprender la evolución del rock latinoamericano de la década del 70".

Fernando Peláez Bruno (Diciembre de 2014)

 Integrantes:

 

Rubén Melogno: Voz, percusión

César Rechar: Guitarras

Jorge García Banegas: Teclados

Gustavo "Mamut" Muñoz: Bajo

Gonzalo Farrugia: Batería

 

Músico Invitado:

 

Alvaro Armesto: Saxo en "Gil 1038", flauta en "Heroe de papel" y "El juglar y yo"

 

Temas:

 

01- Cambiarás al hombre

02- Héroe de papel

03- Construir destruir

04- No tiene razón de ser

05- El juglar y yo

06- Gil 1038

07- Gil 1038 bis

 

 

 

 

Ripeado De Vinilo

Formato FLAC (Free Lossless Audio Codec) 48.000 Hz / 16 Bits

 

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Sui Generis - Adios Sui Generis / Parte I, II y III (FLAC - 1975)

 

 

El 5 de septiembre de 1975, en el estadio Luna Park, se produjo un evento que marcaría un antes y un después en la cultura rock de la argentina. La despedida de Sui Generis reunió a mas de 30.000 jóvenes en sus dos funciones, produciendo el primer evento masivo convocado por un grupo de nuestro país. El registro de esas históricas presentaciones quedaron plasmados en dos discos y una película. Posteriormente en 1996 se editó un tercer volumen (incluido en la publicación), con temas que no entraron en los dos álbumes anteriores. Este es el testimonio de aquella jornada, que les comparto en forna completa y en alta calidad de sonido. Espero disfruten de este documento histórico.

 

El estrés generado por las frecuentes giras por el interior, sumado a la complicada situación sociopolítica que se vivía en Argentina y los problemas de censura que afectaron al álbum Pequeñas anécdotas sobre las instituciones, fueron algunas de las causas que llevaron a la disolución del dúo en 1975. Para este álbum, Sui Generis se transforma en un cuarteto eléctrico, ya que se suman Rinaldo Rafanelli y Juan Rodríguez, en el bajo y la batería, respectivamente. Este profundo cambio -impulsado por García- desconcertó al público y frenó un poco el éxito comercial del grupo.
Su cuarta entrega, un álbum enteramente instrumental (razón por la cual Mestre perdió interés) que se iba a titular Há sido, se encontraba en plena producción, pero nunca llegó a grabarse. El nombre elegido (pero con tilde en la "a"), es un evidente guiño al ácido lisérgico (LSD). Solo quedaron algunas bases grabadas que luego se perdieron. Sin embargo, algunas de sus canciones ("Bubulina" y "Eiti Leda"), fueron incluidas en posteriores álbumes en vivo.
El 5 de septiembre de 1975, en el Luna Park, el grupo se presentó ante 30 000 personas, cifra inusual para la época. La concurrencia fue tal que tuvieron que realizar dos conciertos la misma tarde, porque el público no entraba todo junto en el estadio. La iluminación pertenecía al grupo chileno Los Jaivas, quienes prestaron los artefactos al grupo. El público demostró su tristeza ante la separación, a tal punto que, al final de la primera función, García debió pedir que luego de dos temas se retirara. A pesar de los grandes desperfectos de sonido, el concierto se registró en una película y un LP doble (comercializados por separado). Años más tarde, en 1994, Jorge Álvarez, exproductor de Sui Generis, rescató temas desechados del disco y editó Adiós Sui Géneris Volumen III. Una de las anécdotas es que en una de las funciones al momento de querer tocar "Fabricante de mentiras", la gente empieza a aplaudir a destiempo y Charly decide empezar a "zapar" (improvisar) a los gritos mientras se mantenía el acorde Re y la banda se unía.
Para aquella gran velada, Charly García vistió un smoking blanco con una orquídea en el ojal, una galera y zapatillas también blancas. Nito Mestre eligió algo más despreocupado: una camisola de bambula naranja y jeans gastados. Juan Rodríguez se puso una vieja remera roja y Rinaldo Rafanelli lució una remera blanca y un chaleco. El orden de las canciones que después tuvieron los discos y la película no es el mismo que Sui Generis presentó en el estadio. En rigor, ninguno de los protagonistas y los allegados a la banda recuerda cuál fue la sucesión de los temas aquel día. 

"Después de mucho tiempo, el coliseo de cemento (Luna Prk) volvió a llenarse de rock, del canto y el baile de una multitud que, como pocas veces, celebró una fiesta de música y auténtica alegría. El portentoso adiós a Sui Generis quedará grabado por largo tiempo en los oídos y las retinas de todos los que asistieron al Luna Park. Por eso resulta difícil analizar lo que aconteció musicalmente, porque este espectáculo fué mucho más que eso. Y en semejante circunstancia, tampoco el conjunto permaneció ajeno a tanto festejo, sino que fueron sus principales promotores. Ateniéndose a pautas técnicas frías, este no fue el mejor recital de Sui Generis, hubo algunos desfasajes, y cierta desprolijidad en el manejo de las voces. Justificado, en la medida que el grupo ganó en fuerza y espontaneidad. A lo largo de cinco horas, en dos funciones, el conjunto recorrió una selección de temas de sus tres álbumes, y del próximo a editarse, "Ha sido". Las canciones —tres de cada álbum— fueron seleccionadas con hábil criterio. Aunque no son las mejores, sin duda son las más representativas de las diversas etapas de Sui Generis. Desde el aún tímido, en ese momento, dúo de "Vida", hasta el ensamblado cuarteto de "Instituciones". Los temas de "Ha sido" seguramente tendrán el mismo recibimiento masivo como los anteriores. El nuevo álbum tiene aun más desarrollo instrumental, dejando de lado la temática conceptual. La mayoría de lo escuchado, aún lo más viejo, sufrió el paso del tiempo y los cambios. Casi todas las canciones han sido llevadas hacia la nueva y última etapa de la agrupación. Los ataques están orquestados con el sintetizador de cuerdas, y el bajo y la batería subrayan las palabras creando climas grotescos. La única canción que se ha mantenido intacta al tiempo es "Canción para mi muerte". Un verdadero regalo para el público después de que Sui Generis no la tocara durante un año y medio. Resultó impresionante escuchar cantar a todo el público hasta tapar virtualmente a los músicos. Sin lugar a dudas este es uno de los méritos más importantes del recital, hacer participar a un público que generalmente es frío y exageradamente crítico. El sonido general fue correcto, dentro de las posibilidades bastante difíciles del estadio. La iluminación fue excelente, acorde a la magnitud del evento, con un buen criterio para la selección de los colores en los distintos pasajes musicales. Esta fue uno de los elementos preponderantes del espectáculo, sin duda la primera vez que un grupo argentino fue iluminado de acuerdo al nivel del concierto. Después de esto es evidente que a Sui Generis hay que analizarlo como un fenómeno pocas veces visto en la música popular argentina. El lleno total en ambas funciones superó todas las predicciones, aún las de los organizadores. Al margen de esto, y para sintetizar, Sui Generis realizó una buena actuación. Y sobre todo sus cuatro integrantes demostraron sus habilidades musicales, y su gran histrionismo para manejar al público".

Revista Pelo - Crónica de los conciertos (1975)

 

 

Luna Park - Septiembre 1975

Integrantes:

 

Charly García: Piano acústico, Fender Rhodes, Mini-moog, Clavinet Honner, ARP Strings Ensemble,

                         guitarra acústica en “Confesiones de Invierno”, voz

Nito Mestre: Voz, guitarra acústica y flauta traversa
Rinaldo Rafanelli: Bajo Fender, guitarra acústica, voz en “La Niña Juega en el Gran Jardín”
Juan Rodríguez: Batería
Jorge Álvarez: Voz en off (prólogo) en “Instituciones” 

 

Temas-Parte I:

01- Instituciones   
02- La Fuga Del Paralítico   
03- Natalio Ruiz, El Hombrecito Del Sombrero Gris   
04- Confesiones De Invierno   
05- Canción Para Mi Muerte   
06- La Niña Juega En El Gran Jardín   
07- Zapando Con La Gente   
08- Aprendizaje

Temas-Parte II:

01- Un Hada, Un Cisne
02- Pequeñas Decicias De La Vida Conyugal
03- Tango En Segunda
04- Rasguña Las Piedras
05- Blues Del Levante

Temas-Volumen III:

01- Cuando Ya Me Empiece A Quedar Solo
02- Nena
03- Bubulina
04- Fabricante De Mentiras
05- El Fantasma De Canterville
06- Para Quien Canto Yo Entonces

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

pass: naveargenta.blogspot