Litto Nebbia - Muerte En La Catedral (FLAC - 1973)

 

 En estos días me di cuenta que aún no había compartido con ustedes esta inmensa obra de Litto Nebbia. Logrado el cometido, puedo decir que me siento en paz conmigo mismo... Ahora solo resta que estas canciones, una vez más, logren conmoverlos, como me sucede a mí cada vez que regreso a escucharlas.

 
"Este fue el primer Long Play que hicimos con el trío que mantuvimos más de 6 años Jorge González en contrabajo, Néstor Astarita en batería y yo en guitarra, piano y canto. Participan muchos músicos invitados. Incluso está producido por mí junto a Ciro Fogliatta, mi gran amigo y ex compañero de Los Gatos. La portada de Peres Celis surgió un día que me lo encuentro por la calle y me comenta que muchas veces pintó oyendo algo de mi música. Entonces, le sugiero que haga un original para el nuevo álbum que estaba haciendo.
Tanto "Muerte en la Catedral" de 1973, como el del siguiente año "Melopea", son discos realmente muy maduros, en los que planteo compsitivamente una ruptura con lo que en ese momento se denomina rock. Yo no tengo ningún problema con los géneros y nunca le puse un mote a la música que escribio. Pero en ese momento tenía la preocupación de que quería hacer otra cosa, y me enfrentaba contra la identificación masiva que la gente tenía por lo anterior.
La idea central en "Muerte en la Catedral" es que nadie tiene más fe, porque eso es lo que pasaba en el país en ese momento, por los milicos, por el sindicalismo, por lo que fuere, había un descreimiento total. Entonces es un tema que recorre las letras del álbum, porque 'El revólver es un hombre legal” también habla de eso, es como decir que una expresión de violencia se acepta que está bien, como si fuera una moneda corriente.
Es un álbum variado, que comienza con un aire folclórico, en el tema "Vals de mi hogar", sigue con el toque funk de "El revólver es un hombre legal" y "con Señora Muerte" que trae partes de guitarra casi psicodélicas. "Mendigo de la luna" y "La operación es simple" marcan el comienzo de mi colaboración con la poeta Mirtha Defilpo, que escribió la letra de ambas, y en "El otro cambio, los que se fueron" -que se volvió uno de mis temas más conocidos- toco con una orquesta grande, de unas veinticinco cuerdas, incluyendo a los violinistas Antonio Agri y Fernando Suárez Paz, y arreglos de Alchourrón. "Dios en más" es el tema más rockero, con un gran solo de guitarra de Roque Narvaja, y la propia canción "Muerte en la Catedral" tiene como tema central la pérdida de la fe en las cosas en las cuales creés, la crisis de la espiritualidad. No tiene nada que ver con política partidaria sino con una cuestión espiritual."

 

Litto Nebbia - Sobre "Muerte En La Catedral"

 
"Decir que este es el mejor álbum de Nebbia puede ser en su expresión total bastante confuso. Lo es por pocos motivos fundamentales: 1) trasluce su decidida necesidad de ampliar las posibilidades de su música; 2) contiene la maduración literaria más notable entre sus últimos trabajos; 3) los músicos que lo acompañaron sabían de que el trabajo debía ser serio y responsable. Litio Nebbia se está escapando del rock, del rock elemental, Esto es sano y evolutivo en algunos aspectos. Lo que no parece estar demasiado claro es cierto ocultamiento de su rock: como si le diera verquenza. El trío básico que elaboró este long play (Nebbia„ González y Astarita) es un resultado sintético de la aleación musical que Nebbia está intentando con su Música desde que comenzó (más aquí o más allá] su carrera corno solista. Nunca antes había conseguido algo tan parecido a sus intensiones ideales porque nunca antes había tenido cómo y con quién desarrollarlos.
Otros músicos que lo acompañan de su generación rockera podrían quizás haber sido utilizados musicalmente para liberar a Nebbia de su prurito con el rock. Sin embargo "'Muerte en la Catedral" le abre a Nebbia el campo del jazz (algo que ya había intentado en Nebbia s Band y, aunque no parezca, mucho más en Huinca. La colaboración de su mujer en algunas letras significa para el autor la primera apertura con el compartimiento de la creación, lo que le reporta nuevos horizontes aunque quizás apresuradamente sobreintelectuatizados. Esto es quizás el producto de la vehemente ansiedad de Nebbia por jerarquizar su música y sus trabajos para evitar la confusión con la ligereza rockera, que parece querer agitar el movimiento que él mismo alguna vez cimentara junto a otros. 

Tapa: una pintura de Perez Celis, cuya inclusión quizás responda los mismos propósitos de seriedad. El interior contien las letras y datos del personal que grabó. 

Síntesis: difícilmente haya álguien tan decididamente volcado a la esencia de la música como Litto Nebbia. Es realmente un apasionado: un loco de la búsqueda. A veces suele convertirse en su propio martirio: su ansiedad gira más rápido que sus discos. Dentro de poco este álbum será historia para él. Pero indudablemente este es el mejor de su carrera. Pero por muchas cosas más que el simple hecho de estar registrado como último."    

 

Revista Pelo - Reseña del disco (1973)

 

 

Litto Nebbia y el artista plástico Pérez Celis, diseñador de la portada del disco

Integrantes:

Litto Nebbia: Voz, guitarra, órgano, piano eléctrico, coros
Jorge González: Contrabajo eléctrico, acústico
Néstor Astarita: Batería 

 

Músicos Invitados:

 

Ciro Fogliatta: Piano, órgano 

Roque Narvaja: Guitarra en "El revólver es un hombre legal"

Bernardo Baraj: Saxo tenor, flauta traversa.
Gustavo Moretto: Trompeta, trombón

Ciro Fogliatta: Piano, órgano

Oscar Moro: Batería en "Dios es más"

Rodolfo Alchourrón: Arreglos y dirección de cuerdas, arpa y corno

Mirtha Defilpo: Letras de "La operación es simple" y "Mendigo de la luna"

Domingo Ferreyra: Asistente técnico de “El Trío”

 

Temas:

 

01- Vals de mi hogar
02- El revólver es un hombre legal
03- Señora muerte
04- Mendigo de la luna
05- El otro cambio, los que se fueron
06- La operación es simple
07- Dios en más
08- Muerte en la Catedral
09- Despedida del trabajo N°2

10- Señora vida (Bonus Track)

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Los Bárbaros - En Juan De Los Palotes (1972)

 

 

 

Segundo long play de Los Bárbaros, publicado en 1972. El disco recrea una grabación en vivo en la discoteca Juan de los Palotes, donde solían presentarse con regularidad. En los temas fueron agregados aplausos e introducciones habladas, intentando reproducir un ambiente de show en vivo. El grupo se maneja con profesionalismo y calidad, interpretando clásicos internacionales dentro del género soul.

 

A fines de los ’60, en plena “beatlemanía” y tras un paso por su Italia natal, los hermanos Vitale (Marcelo, Loyd y Rino) regresan al país, donde se encontraba parte de su familia, y junto a un organista forman Los Bárbaros . Ellos se constituyeron de alguna forma en precursores de un estilo tanto estético como musical: pantalones anchos, botas de cuero, poleras, camisas modernas y peinados que todavía no eran moneda corriente. En lo musical el estilo de Los Bárbaros estaba emparentado con el soul, el rock, pero también con la balada romántica. El repertorio, en esta primera etapa del grupo, estaba integrado por composiciones propias y covers de artistas extranjeros, en su mayoría cantados en ingles.
En 1970 se editó su primer disco: “Los Bárbaros”, cuyo corte de difusión fue “Esto es un adiós”. A eso le siguió una década de éxitos, con un pico de popularidad en 1976 gracias al tema “Adiós Paul, John, George y Ringo”, un homenaje a The Beatles que vendió 500 mil copias y marcó un récord de ventas para la agrupación.

"A veces, las grandes estrellas del show-business mundial suelen darse el gusto de grabar un LP en su lugar de trabajo, recogiendo el cálido eco del público en contra canto a su labor. Desde Las Vegas hasta Nueva York, pasando por el Olimpia de Paris o el Talk of the Town de Londres, público y artista se han trasladado al disco "en vivo", registrando en el acetato el vibrante momento del espectáculo. Los Bárbaros también queríamos tener el placer de "detener el tiempo", apresando indefinidamente nuestra música y el eco de los amigos del “ruido", en la felicidad de expresarnos ante un auditorio inmerso en nuestra actuación. Para otorgarnos ese placer elegimos Juan De Los Palotes. El famoso boliche de Ramos Mejía, capo de todos los lugares bailables del Oeste, se prestó mágicamente para lograr con plenitud nuestros deseos, no solo por su estupenda acústica, sino también por la elegancia del medio, y porque (debido a nuestra actuación allí) estamos acostumbrados a la gente "joven" que ha hecho de ese lugar su lugar de cita. Es sin dudas el público más amable, divertido y bullicioso del mundo. Sin su contacto no hubiéramos podido expresarnos con la calidez y emoción que este LP derrama en el surco. El presente álbum constituye un enorme gustazo que Los Barbaros, por intermedio de discos Music Hall, se han dado a sí mismos. Estamos seguros que idéntica felicidad obtendrán nuestros amigos de Juan De Los Palotes, muchas de cuyas voces y risas quedan aquí indelebles para su recuerdo y para que las hagan escuchar a sus nietos, cuando en el año 2000 vengan a provocarlos con el sonido de su tiempo. Gracias!!"

 

Los Bárbaros - Escrito en la contratapa del disco (1972) 

Integrantes:

Lucas Scantlebury: Voz, percusión
Marcelo Vitale: Teclados, voz
Rino Vitale: Batería, voz

Enrique Londaits: Guitarra, voz

Jorge Pereira: Bajo, voz

 

Temas:

 

01- Estas Lista? 

02- Puedo Oír Tu LLamado

03- Juego Simple

04- Angelitos Negros

05- Iglesia Barroca

06- Ayer

07- Te He Estado Amando Demasiado Tiempo

08- Acuario

09- Extiendete Que Me Encontraras

10- He Encontrado Un Nuevo Amor

Formato: Mp3 - 320 Kbps

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Nito Mestre y Los Desconocidos De Siempre - Saltaba Sobre Las Nubes (1979)

 

 

Tercer y último trabajo discográfico de Los Desconocidos de Siempre, publicado en 1979. Un álbum varias veces pedido a la nave y muy difícil de conseguir. Como era costumbre en esta agrupación, destaca el sutil trabajo de los arreglos instrumentales, acompañando las ricas armonías vocales. Un verdadero seleccionado de músicos talentosos, compenetrados en el enriquecimiento de las composiciones mas que en el lucimiento individual.

 

"Para mi fue muy importante tomar la separación de Sui Generis como un comienzo y no como un final". Así fue como el ex compañero de Charly García decidió a fines de 1976 formar su propia banda junto a María Rosa Yorio, Alfredo Toth, Rodolfo Gorosito, Paco Pratti y Leo Sujatovich (teclados). Luego de algunas presentaciones y antes de comenzar con la grabación de su primer álbum, Leo Sujatovich fue reemplazado por Osvaldo Caló. "Mi etapa en este momento no es demasiado prtensiosa, pero creo que lo que intento trasmitir con el grupo es una cierta simplicidad, a pesar de que los temas tienen algunos 'arreglitos'. Quiero hacer temas directos que lleguen a la gente, comunicar todo lo que nosotros estamos sintiendo en este momento. Quiero hacer una música optimista, a pesar de que las letras a veces no lo sean, porque reflejan una realidad que tampoco lo es. Además me siento más seguro en el plano personal como musical." (A la revista Roll N° 3, marzo de 1977). Presentando el LP homónimo desfilaron por teatros diversos y locales de toda la provincia. Por entonces Osvaldo Caló no pudo continuar con el conjunto y even-tualmente fue sustituido por Alejandro Lerner y Eduardo Zvetelman. En 1978 establecieron su formación con Ciro Fogliatta en teclados y el Mono Fontana en batería, y así ingresaron en estudios para plasmar su segundo trabajo, que a diferencia de su antesesor, no consiguió la difusión esperada. Claudio Kleiman desde las páginas del Expreso Imaginario dijo del LP: "Nito sigue con su manera tranquila de hacer las cosas, pausada y sin estridencias, construyendo un trabajo sólido y asentado sobre bases firmes, con una concepción clara de sus objetivos musicales. Uno de los mejores LPs nacionales del año." En sus presentaciones, el público decreció y la banda cayó en un momentáneo impasse, pero pronto reaparecieron con Claudio Martínez en batería y el Mono Fontana en teclados. "Los Desconocidos de Siempre durarán hasta que tengan que durar. A veces me harto de hacer shows, a veces no; a veces me gustaría cambian, a veces me parece que estamos muy bien, otras que vamos para atrás, son épocas." (De Nito Mestre, a la revista Expreso Imaginario N° 26.) Con esperanzas renovadas volvieron a ingresar en estudios para registrar un nuevo LP que fue bautizado como "Saltaba sobre las nubes". A pesar de haber recibido un gran apoyo de la crítica, la postura del público no cambió y la banda cayó en un pozo del que nunca se recuperó. El 19 de abril de 1980 se presentaron en Obras junto a León Gieco y semanas más tarde el grupo se disolvió. 

 

"El año pasado no fue un buen año para Nito Mestre y su banda, aunque en el balance general ocurrieron algunas cosas altamente positivas. Los Desconocidos estuvieron casi inactivos durante toda la temporada, y los problemas de la banda comenzaron a reflejar las agudas tensiones internas. Los inconvenientes empezaron con los cuestionamientos acerca del conenido del segundo álbum de del grupo, que marcó una notoria introspección en el estilo fresco y abierto de Mestre. Además, a mediados de año comenzaron a rondar los rumores acerca de la probable separación del pianista Giro Fogliatta. Hasta aqui, los hechos negativos. Ahora hablemos de los positivos. Los cuestionamientos de Mestre para con sus musicos y su música, y viceversa, desembocaron en un descarnado proceso de autocrltica, que resultó, en definitiva, la única manera de sanear la banda. Consecuentemente con los replanteos, se comenzó a grabar un nuevo álbum, y posteriormente se alejó Fogliatta. Todos estos cambios configuran una nueva etapa para el alicaído Mestre y su grupo. Saltaba sobre las nubes contó con la participación de Fogliatta en casi todos los temas, pero igual representa la nueva dirección musical de la banda. Este nuevo estilo no es otra cosa que el retorno a las fuentes de las cuales broto la mejor música de Mestre. El tema que da titulo al álbum es el primer exponente de que la capacidad de la banda para hacer buena musica está intacta aún. En ese mismo lado, se destaca la fuerte interpretación de "Y qué te dicen tus hijos". compuesto por Mestre y Leon Geno. Un rock and roll que retrotrae las mejores épocas de Los Desconocidos. "Un saludo al mar" es una cálida composición de Mestre, en la que describe su preocupación por mantener el fuego sagrado de la creación. Le sigue "Sonrisas sordas", una invectiva ecológita con un completo desarrollo instrumental donde se destacan Fogliatta en piano y Fontana en baterla y Mellotron. "Iba acabándose el vino' es una canción compuesta por Charly Garcia que narra una trágica historia de amor en pocas palabras. El clima de las guitarras y las ajustadas vocalizaciones hacen del tema una entrega convincente. "De qué nos sirve llorar (qué humedad)" es el tema final, compuesto por Rodolfo Gorosito. El piano de Fogliatta y la ajustada vocalización de Alfredo Toth le dan al tema un clima de boogie rancio. Es indiscutible que este nuevo álbum es una nueva aprehensión de la música por parte de Mestre y su banda. Con la mayor participación de Maria Rosa Yorio y las adecuadas intervenciones de los demás. Los Desconocidos realizaron un trabajo intenso, que transmite fuerza y convicción en cada nota. También merece destacarse el hecho de que se incluyeron dos canciones de otros autores, magníficamente recreadas en el disco, lo cual abre un nuevo panorama al grupo.

Tapa: Excelente, no sólo por la brillante idea gráfica de Bozzolo, sino por el material con que fue confeccionada. Hay que destacar que finalmente una compañia se decidió a editar los discos con la presentación que merecen, y lo más importante es que se haya hecho con música nacional.

Síntesis: Los ratos amargos parecen haber quedado atrás, y estos Desconocidos de Siempre tienen la potencia y calidad primitivas. "Saltaba sobre las nubes" es un disco de gran nivel, tanto lírica como musicalmente, y permite abrigar las mejores expectativas sobre el futuro de esta banda."

Revista Pelo - Reseña del álbum (1980) 

 

 

Integrantes:

Nito Mestre: Guitarra acústica, flauta, voces
Maria Rosa Yorio: Voces
Rodolfo Gorosito: Guitarra eléctrica, acústica, voces
Alfredo Toth: Bajo, guitarra acústica, voces
Ciro Fogliatta: Pianos, órgano, mellotrón
Mono Fontana: Batería, teclados, guitarra acústica

Temas:

01- Saltaba Sobre Las Nubes
02- Oh! Vieja Tristeza
03- Y Que Te Dicen Tus Hijos
04- Gin Y Amor
05- Un Saludo Al Mar
06- Sonrisas Sordas
07- Iba Acabandose El Vino
08- De Que Nos Sirve Llorar (Que Humedad)

Formato: Mp3 - 320 Kbps

 

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Orion's Beethoven - Superangel (FLAC - 1973)

 

Orion's Beethoven fue una agrupación pionera en fusionar rock con música clásica. Se caracterizaron por tener un estilo único, experimental y oscuro, que los distinguía fácilmente de cualquier banda de su generación. Ese sonido tan personal quedó plasmado en este primer álbum publicado en 1973.

 

Formados desde mediados de 1968 bajo el liderazgo de los hermanos Bar, con la incorporación de José Luis González en batería empezaron a hacer pequeñas apariciones en clubes de barrio y en programas de TV como Pop News. Al año siguiente intervinieron en el festival organizado por la revista Pin Up y a partir de allí comenzaron a trabajar en la música de un espectáculo organizado por Martha Minujin que nunca llegó a estrenarse. En el mismo tiempo hicieron un ciclo de recitales en el Instituto Di Tella, donde empezaron a aparecer con eventuales tecladistas y a congregar un público propio. Entrado el año siguiente estuvieron en la primera edición del festival B.A.Rock y a los pocos meses marcharon para Bariloche donde, además de actuar todas las noches en un club nocturno, hicieron sus propias actuaciones. Los carnavales de ese verano los tuvo como protagonistas por las zonas Sur y Oeste y luego dieron un ciclo de presentaciones en la Federación de Empleados de Comercio, donde además participaron L. A. Spinetta, La Banda del Oeste y el conjunto del fallecido Julio Ocampo "Natural". En abril de 1972 tocaron con éxito en el Teatro Premier. Impulsados por la afluencia de público emprendieron una gira por el interior del país y de regreso hicieron dos funciones en el Teatro Atlantic. El hecho de querer fusionar la música clásica con el rock les dio cierto aire de vanguardia y el conjunto empezó a tener un público diferente. Por agosto de ese año ingresaron a estudios con producción de Leo Rivas para registrar su primer álbum. Además de un productor artístico, el conjunto encontró su sonido con la ayuda de una psicoterapeuta que gravitó a la hora de mediar entre los aportes de cada uno de los miembros. "Superangel" recién fue editado un año más tarde por el sello Phonogram, siendo la primera banda argentina de rock en entrar a su catálogo internacional. Con el disco en las bateas el conjunto reemplazó a González por Jorge Liechtenstein. La prensa del momento comparó el sonido del conjunto con bandas como Cream, por la cuota de psicodelia y distorsión sonora que obtenía el grupo. Luego actuaron en la tercera edición del festival B.A.Rock, donde se presentaron con Chachi Ferreira en saxo. Su show fue filmado y formó parte del film "Hasta que se ponga el sol". Paralelamente emprendieron una larga búsqueda para incorporar definitivamente a un tecladista, pero no tuvieron éxito y continuaron como trío actuando en una gira por la costa atlántica junto a Roque Narvaja. La gran cantidad de dificultades que se les opusieron para poder editar su segundo LP llevaron al conjunto a tener problemas internos y la banda tuvo una extensa impasse que desembocó en formaciones de poca duración. En 1977 regresaron definitivamente con Petty Gualache en voz y González en batería. Como cuarteto registraron "Tercer milenio", su tan esperado segundo álbum. Acerca del mismo dijo Alfredo Rosso en la revista Expreso Imaginario: "Este LP tiene —en estado embrionario—algunas ideas conceptuales que pueden llegar a desarrollarse plenamente en un futuro trabajo." Tras su edición, el disco fue presentado en diversos escenarios, hasta que en 1980 volvieron a tener problemas internos e incorporaron a dos miembros, pero al poco tiempo prefirieron cambiar su nombre por el de Orion's. 

"Este disco tiene una temática muy definida y los temas están anexados unos con otros. Comenzando por el lado 1: este lado es precisamente "Superangel”. Es una unidad subdividia en tres temas o subtemas sin cortes o bandas entre si. Las partes son las siguientes a) El camino de los superhombres. b) Soy el sol y c) Normanakaya. La idea en cuanto a la temática se mantiene en toda la cara del disco. Es la evolución del hombre hacia la espiritualidad, hacia los caminos de la mente. Se va desarrollando hasta convertirse en un superhombre y por medio del des-arrollo de su mente se convierte en algo más perfecto aún: un superángel, como culminación de esta evolución. El lado dos comienza con "Retrato de alguien". Luego la sigue "Hijo del relámpago'', y por último la sinfonía en Si menor de Schubert, fragmento. La sinfonía está arreglada para tres instrumentos de rock.
La música de Orion's Beethoven es algo especial, esencialmente fuera de lo que es rock o blues o lo que suene, nosotros queremos dar con cada frase musical una imagen de algo. motivar al público más que contarle algo. Musicalmente reunimos varios estilos: rock, blues, y hasta hay cosas semiacústicas. Hay también puentes de jazz y música clásica, todo arreglado y reunido para la música de rock. Además de sus instrumentos originales Orion's Beethoven utilizó otros instrumentos. Ronan toca todos los teclados, Adrian las guitarras acústicas. También colabora ron: Chachi Ferreira en saxo, José Corriale en timbales y Daddy (un amigo del grupo) en percusión. Los arreglos y la dirección del álbum pertenecen al grupo.
Para nosotros este año se divide en dos partes, antes del velódromo y después de el. Con esto pretendo dejar aclarado la importancia que tiene para nosotros el evento. Allí pensamos presentar Superangel completo en la medida que sea posible. Ademas llevaremos equipos nuevos." 

 

Ronan Bar - Sobre Superangel (Revista Pelo-1973)

 

 

 

 Integrantes:

 

Adrián Bar: Guitarras, guitarra acústica. voz

Ronan Bar: Bajo, bajo de ocho cuerdas, órgano, primera voz

José Luis González: Batería, percusión

Músicos invitados:

 

"Chachi" Ferreyra: Saxos en Nirmanakaya

Héctor "Daddy" Antogna: Congas en Nirmanakaya

Luz Kerz: Voz en Retrato De Alguien e Hijo Del Relampago

José Corriale: Timbales en Sinfonía No 8 En Si Menor

Temas:

01- Superangel
      a) El Camino De Los Superhombres        
      b) Soy El Sol        
      c) Nirmanakaya        
02- Retrato De Alguien   
03- Hijo Del Relampago   
04- Sinfonía No 8 En Si Menor (Fragmentos) (Franz Schubert - arr.Orion's Beethoven)

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Bubu - Anabelas (FLAC - 1978)

 

Anabelas es el primer álbum del grupo de rock progresivo Bubu. Grabado entre marzo y octubre de 1978, es un trabajo conceptual consistente en tres canciones extensas, características propias del rock sinfónico. En este registro participaron reconocidos nombres del rock argentino como Polo Corbella, Petty Guelache o Eduardo Rogatti, entre otros. Este disco no contó con la participación de su vocalista original, Miguel Zabaleta, quien se retiró a principios de ese año y fue reemplazado rápidamente por Guelache. La edición en vinilo original, es uno de los álbumes de rock argentino mas valorados por coleccionistas de todo el mundo. 

 

Bubu es una agrupación de rock sinfónico progresivo dirigida por el compositor Daniel Andreoli y encabezada en un principio por Miguel Zavaleta, que se caracterizó por su propuesta musical y teatral. Su música se emparentaba con la música sinfónica o progresiva de la época, muy influenciada por King Crimson, Genesis y Emerson, Lake & Palmer y Focus, entre otros, así como de la música clásica. Comenzaron a presentarse en público bajo el nombre de Sion, pero luego adoptaron aquel por el que se los conoció: Bubu.
El grupo debutó en el teatro Del Globo en 1976, caracterizándose desde el comienzo por la frescura de su música, y las novedosas puestas en escena. La base de sus presentaciones era la historia de "Anabelas", contada por un incondicional enamorado, personificado por el vocalista Miguel Zavaleta, quien con su simpatía e interacción con el público, sumado la actuación de la banda, lograba crear un clima festivo en cada recital. Era usual que contaran con músicos invitados que se sumaban a las puestas en escena, entre ellos Pedro Aznar en coros. Sobre la base de esta obra grabaron su primer álbum, llamado igualmente Anabelas, aunque ya sin la participación de Zavaleta quien sin embargo participó de dos sesiones de grabación, quien fue reemplazado por el cantante Petty Guelache. En 1978 presentan el álbum como tal, pero para cuando el disco sale la venta la banda prácticamente había desaparecido.
El 22 de abril de 2016, la banda reaparece con una formación nueva, bajo el liderazgo de Daniel Andreoli, publicando un nuevo EP llamado Resplandor y en 2018 lanza un nuevo álbum titulado El Eco Del Sol.

"Bubu fue una de las bandas más asombrosas que surgieron del escenario del rock latinoamericano, su primer álbum 'Anabelas' es una pieza increíble de música progresiva de vanguardia. No solo la instrumentación es extraña, sino que las composiciones y los arreglos posteriores son bastante complicados (no innecesariamente complicados, dejemos esto claro). La maestría combinada de todos los músicos involucrados permite a Bubu brillar inmensamente como un conjunto exquisito pero ardiente, lleno de rareza y distinción. Incluso cuando algunos sonidos de guitarra y saxo se sienten un poco ásperos, el oyente puede sentir que prevalece la sensación de exquisitez. Los arreglos de saxofón, flauta y violín deambulan con facilidad y precisión desde el free-jazz hasta la música de cámara contemporánea disonante y los "corales" instrumentales bien definidos. Paralelamente, el trío de guitarra, bajo y batería tiene una poderosa cercania con el estilo de King Crimson 73-74 y la Mahavishnu 71-73, así como de algunos elementos del Canterbury (en su lado más salvaje). Muchos solos de guitarra y texturas se mezclan fluidamente entre los pasajes de viento y violín, lo que permite que lo melódico se vuelva tan extraño y al mismo tiempo tan cautivador. La pista de apertura es la suite, que es en mi humilde opinión, el número más impresionante de toda la grabación. El grupo muestra sus habilidades para crear una complejidad intensa sin perder consistencia, así como para desarrollar expansiones de motivos de manera inteligente e interactuar como una unidad sólida. Una mención particular es para el bajista Edgardo Folino, quien logra que su instrumento aparezca entre las tormentas creadas por la mayoría de sus compañeros. Esta pista también incluye citas de 'Pomp and Circumstance' de Elgar durante una de sus secciones más inquietantes. Otra mención especial es para el motivo engañosamente relajante basado en la guitarra acústica y el coral de ensueño: el explosivo solo de saxo trae una anticipación de una tensión que pronto resurgirá y entregará el clímax final de la pista. Una obra maestra en sí misma es 'El Cortejo de un Día Amarillo'. Con todo, las otras dos piezas no son nada que descartar; si bien no son tan épicamente diversas como la suite mencionada, completan la dirección musical del álbum con total cohesión. Particularmente, encuentro un acercamiento al estilo de Zappa 71-75 en 'El Viaje de Anabelas', que resulta ser la más exuberante de las tres piezas. Comienza por traer algunos episodios bucólicos antes de que la banda se precipite hacia una serie de articulaciones disonantes que eventualmente conducen a una sección lúdica. Un solo de violín crea un aura de solemnidad que gradualmente se acumula hasta un final majestuoso y moderadamente explosivo. Sueños de Maniquí comienza con un prólogo cantado de ensueño basado en escalas de piano, pero pronto una guitarra sostenida prepara el camino para la entrada de la banda completa, endulzando una emocionante excursión de jazz y rock. El regreso de la sección cantada ahora se beneficia del uso de colores instrumentales, que en su mayoría sirven como medio para capas orquestales y contrapuntos. Aunque no esté dentro del "prototípico" estilo sinfónico latinoamericano mas melódico, 'Anabelas' sigue siendo uno de los mejores trabajos progresivos argentinos de todos los tiempos."

Cesar Inca (progarchives.com)

 

"A casi un año del Inicio de la grabación, se edita por fin el álbum Anabelas. Este disco despertó una creciente espectativa dado que Bubu tuvo una relevante actuación durante 1977-78, y se convirtieron en una de las más firmes promesas de la temporada. Hay que reconocer que este tipo de retrasos e inconvenientes acaban por minar el proceseso creativo de cualquier banda, significando un desfasaje entre el disco y el momento actual del grupo. Por eso tal vez "Anabelas" no sea el Bubu 79, pero esa es otra historia. Bubu es una buena banda, al menos es lo que se trasunta en este disco. El trabajo brillante de Sergio Pollezi (aquel violinista que deslumbrara acompañando al solista. Miguel Krochik) es uno de los basamentos de la potencia y sutileza de Bubu. El otro eje es el saxofonista Win Forstman que agrega un toque de jazz por momentos internado en el free, y por momentos de gran melodía. Tampoco se puede dejar de men cionar a la eficaz Cecilia Tenconi, muy ajustada en todas sus intervenciones en flauta. Petty Guelache se hace cargo de las escasas vocalizaciones, aunque suena bastante descolgado del resto. Los demás cumplen un papel de parejo y eficiente nivel. "EL cortejo de un día amarillo" abre el álbum con una melodía con reminiscencias de Frank Zappa y el dejo dramático de las cuerdas. En casi todo el tema persiste un creciente aire medieval, lo que da una gran fuerza y originalidad a la composición. Los arreglOs corales están correctamente dosificados y retuerzan el efecto sinfónico que por momentos alcanza el grupo. El blues final tiene Intensidad en los solos de saxo y guitarra. El lado dos se abre con "Ánabelas", la obra más conocida de Bubu. Un comienzo épico que se va transformando en una marcha con claras influencias orientales. Nuevamente hay momentos de gran lirismo a cargo de Polizzi. "Sueños de maniquí" mejora ostensiblemente la ejecución vocal y tiene un final a toda máquina.
Tapa: Mala, colorinche ain sentido, es lo que más se puede aproximar a una tapa de selecciones bailables "made in...".
Síntesis: Buen disco debut de Bubu, continúan siendo una de las buenas promesas de este año. A pesar de la demora el álbum salió bien."

Revista Pelo - Reseña del álbum (1978)

 

 

 

Integrantes:

Sergio Polizzi: Violín

Cecilia Tenconi: Flauta, flautín. flauta grave en sol

Win Fortsman: Saxo tenor, letras

Petty Guelache: Primera voz, coros

Eduardo Rogatti: Guitarras, efectos

Edgardo "Fleke" Folino: Bajo, efectos

Eduardo "Polo" Corbella: Batería, percusión

Daniel Andreoli: Composición, arreglos

Coro: Golo, Manzana, Cecilia xz, Voulét, Marcelius

Temas:

 

01- El Cortejo De Un Día Amarillo

       a) Danza de las Atlántides

       b) Locomotora Blues

02- El Viaje De Anabelas

03- Sueños De Maniquí 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Espíritu - Live En Obras '82 (1982)

 

 

 Esta grabación de Espíritu fue realizada directamente desde la consola de mezcla a un deck con casete de cromo, sin ninguna modificación en la música y el sonido original del concierto, siendo además la única existente de una actuacion en vivo de esta importante banda de rock progresivo. Este material se mantuvo durante trece años sin ser escuchado, lo que lo transforma en un documento histórico para los amantes y coleccionistas de la música progresiva argentina. El disco fué publicado por el sello independiente brasileño "Progressive Rock" en 1997.

 

Luego de su primera separación, en 1977, el grupo se reune brevemente en 1982 durante un muy corto periodo de renacimiento del rock progresivo en Argentina, y rápidamente graban el álbum titulado "Espíritu". El registro hizo más énfasis en el jazz-rock, pero también mostró una nueva ola de tendencias provenientes del rock progresivo. La nueva formación de la banda incluía, además de los dos únicos miembros originales, Favrot y Berge, a Ángel Mahler en teclados, Claudio Cicerchia en bajo, Rodolfo Messina en batería y percusión. El 12 de junio de 1982 la flamante agrupación presenta su disco en el Estadio Obras de la ciudad de Buenos Aires y del cual quedó su registro en el disco Live en Obras.

Para esta presentación, en el mes de Abril ya estaban contratados los equipos de iluminación (se decidió por iluminación teatral del equipo de Nikias) y los efectos de un prestigioso realizador de efectos de televisión como Trentuno. Todo estaba perfectamente previsto y ensayado menos la posibilidad de que Argentina entrara en guerra con Inglaterra por las Islas Malvinas. Este hecho causó gran conmoción en el país y entre los integrantes del grupo quienes estuvieron al borde de la suspensión del concierto cosa que no pudieron hacer por la exigencia del cumplimiento de los contratos ya efectuados, sobre todo con el estadio. 

A pesar de la situación que vivía el país (hasta el día anterior al concierto se hablaba de la suspensión de todos los espectáculos públicos por la visita del Papa) el grupo se presenta en Obras con una presencia de público inferior al esperado pero que alcanzó a las 2.800 personas.

 

"Con la vuelta de Espíritu volvieron los conciertos de rock llenos de pomposidad, en donde los efectos lumínicos, sonoros y pirotécnicos, toman un cariz sumamente importante. Porque el regreso del que fuera el pionero del rock sinfónico en nuestro medio ofreció en Obras Sanitarias un espectáculo de características inusitadas. Estas fueron las mismas que ellos habían impuesto a mediados del setenta, pero que al separarse desaparecieron con el grupo. Sin lugar a dudas este regreso resultó de lo más promisorio y abrió inmensas expectativas ya que los nuevos componentes le han otorgado a la formación una mayor riqueza técnica, al igual que sus fundadores (Fernando Bergé y Osvaldo Favrot) que también evidenciaron un notable mejoramiento, principalmente este último que se llevó las mayores ovaciones. Durante las dos horas que duró el concierto el conjunto ofreció un extenso repertorio que comprendió algunas interpretaciones de sus dos primeros LP. Además presentaron en su totalidad su próximo larga duración grabado con la nueva formación. Quizá el tema más nostálgico fue "Soy la Noche" (primera grabación del grupo) que fue sensiblemente modificado y en donde se pudo apreciar la soltura lírica que ha logrado Fernando Bergé y el buen trabajo del tecladista Angel Mahler. Un buen retorno que merece festejarse dado que el mismo permite apreciar la calidad y el personal estilo que ponen de manifiesto los integrantes"

 

Diario La Razón (17 de junio de 1982)

 

 

 

Integrantes:

Fernando Bergé: Voz
Osvaldo Favrot: Guitarras y coros
Angel Mahler: Teclados
Claudio Cicerchia: bajo y coros
Rodolfo "Fito" Messina: batería
Invitado: Jorge Bonsanti saxo tenor en "Nacer"

Temas:

01- Intro
02- La Casa de la mente
03- Ambiente
04- Toma un tiempo
05- Sueños blancos, ideas negras
06- Nacer
07- Sabios de vida
08- Soy la noche
09- Imágenes tenues y transparentes

Formato: Mp3 - 192 Kbps

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Púrpura - Púrpura I (FLAC - 1983)

 

Excelente banda de hard rock de los 80, comandada por la vocalista Leonor Marchesi y el guitarrista Osvaldo Grecco. Este es su primera álbum, editado en 1983, ahora publicado en la nave en formato Flac.

En diciembre de 1981, el concurso O.M.A. tuvo como ganadora, en carácter de solista, a la adolescente Leonor Marchesi. Con el dinero ganado, se compró una guitarra y, ayudada por el perio-dista Enrique Syms, fue integrándose al ambiente musical. Después de algunas actuaciones solistas, nació en ella el deseo de formar una banda. Por intermedio de un amigo, hizo vínculos con Marcelo Leonardi, Osvaldo Grecco y Fernando Ortega, este último, miembro de la agrupación de Gustavo Montesano. Con el nombre de Marchesi comenzaron a tocar en el Bar Latino y, seis meses más tarde, se llamaron Púrpura. Su presencia en los escenarios, captó la atención de la multinacional Polygram. Con un contrato discográfico firmado, estuvieron en la cuarta edición del Festival B.A.Rock, donde consiguieron el aprecio de los espectadores. En el verano '82/' 83 registraron su placa debut, a la que simplemente bautizaron "Púrpura". El material contó con una excelente repercusión en la crítica y en el público, tanto que fue presentado, el 25 de junio de 1983, en el Estadio Obras. A ese concierto le siguieron otros muchos dentro y fuera de la Capital. En enero de 1984 grabaron su segundo álbum, "Púrpura II", bajo la producción del Oveja Negra Oski Amante. "Hoy pienso que todo está bien", se hizo con letra extraída del comentario desfavorable del diario La Voz sobre su recital de Obras. "El tipo que lo hizo no entendía nada. Nos dió con un caño a cada uno, pero ni habló del espectáculo. Se la agarró con nosotros y nos utilizó para hacer una nota panfletaria en contra del rock", (de Leonor Marchesi, a la revista Twist y Gritos N° 7). En ese tema también participaron. como invitados, miembros de su Fans Club, uno de los más importantes del momento, que registraron los coros. Junto a Daniel García Moreno realizaron el videoclip de "Camino a la Capital", con un gran costo de producción. Los shows continuaron, tanto en Buenos Aires como en distintos puntos del país, hasta que, en noviembre de ese mismo año, decidieron cambiar su estilo. Esto no fue avalado por Fernando Ortega ni por Marcelo Leonardi, que se retiraron. Ingresaron entonces, Anahí Grecco y Guillermo Lopéz Galán. También incluyeron al tecladista Marcelo Montesano. Después de dar a conocer esta nueva formación en el Festival de los Lagos, Leonor Marchesi prefirió marcharse sin dar mayores explicaciones. Para reemplazarla incorporaron a Josefina Stella. Ya establecidos, comenzaron a frecuentar un pub de Belgrano, pero al poco tiempo dejaron de actuar. Leonor Marchesi comienza un proyecto nuevo junto a Marcelo Leonardi, pero se desvanece al partir Leonor hacia España en septiembre del 85. Allí ingresaría al grupo "Santa" y posteriormente emprendería una importante carrera como solista.

 

"Este es un disco que sorprende. Pocas veces una banda debuta discográficamente con un trabajo de tanto nivel como éste, y menos si se trata de un grupo de rock duro, que por lo general se "desinflan" en el estudio. Sin embargo, Púrpura plasmó en su primer disco toda la potencia que suele mostrar en sus actuaciones en vivo.
Púrpura es, básicamente, un grupo de rock pesado y blues, con buenos arreglos y una vocalista de excepción: Leonor Marchesi. Pese a su aspecto frágil, Leonor tiene una garra y una potencia cautivantes, y sus vocalizaciones no caen en el grito ensordecedor, habitual en algunas de sus colegas, sino que buscan darle distintos matices a la música del grupo. Instrumentalmente, los mayores méritos del cuarteto se los lleva Osvaldo Grecco, uno de los mejores guitarristas de la nueva generación. Su instrumento es el encargado de dar el toque característico a la música de Púrpura y sus solos deseollan por efectividad y buen gusto y no por extensión o alardes virtuosistas. Fernando Ortega y Marcelo Leonardi, por su parte, alimentan desde la base toda la energía de los riffs. "Fusión total", "Luz del mediodía", "Estoy sentado y miro", "Ser joven" y "Despierta tu aridez" son algunos de los mejores momentos del disco, con un sonido denso y pesado, pero claro y equilibrado a la vez.
"Púrpura" es un álbum excelente que muestra en todo su potencial a una de las mejores formaciones aparecidas en el último año".

Revista Pelo - Reseña del disco (1983)

 

 

 

Integrantes:

Leonor Marchesi: Voz

Osvaldo Grecco: Guitarras eléctricas, acústica, sintetizadores, armónica, voz
Marcelo Leonardi: Batería, gritos
Fernando Ortega: Bajo, voz

 

Temas:

 

01- Fusión total
02- No juegas, no corres, no
03- Las horas se destiñen
04- Luz de mediodía
05- Viajando es el destino
06- No está todo bien
07- Estoy sentado y miro
08- Por las buenas o por las malas
09- Ser joven
10- Despierta tu aridez
11- A mis hermanos 

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits 

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