27 de noviembre de 2020

Luis Alberto Spinetta - A 18' del Sol (FLAC - 1977)




Editado en 1977, “A 18 minutos del sol” fue el tercer disco solista de Spinetta y el décimo de su carrera musical. A pesar de su escasa difusión, es una de las obras más sofisticadas y de mayor calidad del Flaco. Tratándose de su álbum más cercano al jazz fusion, en donde sobresale la impecable ejecución y el virtuosismo de Luis y sus músicos. La atmósfera del disco, algo alejada del rock, es delicada y suave.
 
A pocos meses de la separación de Invisible, Spinetta sorprendió al mundo musical componiendo un trabajo de estudio con nuevas orientaciones estilisticas: A 18' del sol. El álbum surgió principalmente de la influencia que tuvo sobre Spinetta el haber empezado a trabajar con Diego Rapoport, por mediación del ex Alma y Vida Gustavo Moretto. Rapaport le abre las puertas a las posibilidades musicales que ofrecía el jazz-rock de ese momento, sobre todo el que expresaba la Mahavishnu Orchestra de John McLaughlin. Para interpretar A 18' del sol, Spinetta organizó una banda con el propio Rapoport en teclados, Machi Rufino en el bajo (continuando la relación de Invisible) y Osvaldo Adrián López en batería. También contó con la participación de su hermano Gustavo y Marcelo Vidal en el tema "Viento del azur". Así comenzó lo que Spinetta llamaba su "proyecto jazzero", y a formarse la banda con la que Spinetta tocó en esos años finales de la década de 1970, conocida con el nombre de "Banda Spinetta".
El álbum contiene temas como "Canción para los días de la vida", tomado de la ópera inédita de la época de Almendra, "Toda la vida tiene música hoy" y temas instrumentales como "Telgopor" y "A dieciocho minutos del sol".
Este trabajo no fue bien recibido por el público (vinculado aún al sonido de Pescado Rabioso e Invisible) ni por la crítica, pero con el paso de los años y la revisión de la amplísima obra de Spinetta, A 18' del sol comenzó a ser considerado como uno de los grandes discos del flaco. Para Spinetta "esa fue la mejor grabación que hice en mi vida". Aquí comienza la relación musical de Spinetta cada vez más frecuente con músicos de jazz. Quien ha relacionado este período jazzístico con el nacimiento de su hijo, Dante.
A fines de 1977, la "Banda Spinetta" se fue ampliando por la convocatoria a nuevos músicos para profundizar este período de orientación al jazz de Spinetta, como Leo Sujatovich (teclados), Gustavo Bazterrica (guitarra), Rinaldo Rafanelli (bajo), por primera vez instrumentos de viento a cargo de Bernardo Baraj (saxo), Gustavo Moretto (trompeta), Ricardo Sanz (bajo), Eduardo Zvetelman (teclados) y Luis Ceravolo (batería). Alineación recordada principalmente por haber dado una serie de recitales en abril de 1978 presentando un repertorio conformado por temas que quedaron inéditos: "Tríptico del eterno verdor! (una extensa suite de más de 20 minutos), "Covadonga", "Las alas del grillo", "Tanino", "Tu destino es el de morir de amor", "Estrella gris", "El Turquito", "Bahiana split" y "Los espacios amados". Esta última, le daría nombre al álbum truncado que incluiría dicho repertorio. Se conservan, de todos modos, grabaciones en vivo de aquellos recitales.
A principios de 1979, la banda ya había sufrido otra modificación y habían adoptado el nombre de Experiencia Demente con el que dieron un recital en el mes de enero en Mar del Plata. Con Gustavo Bazterrica -que venía de La Máquina de Hacer Pájaros recientemente disuelta-, Luis Cerávolo en batería y Rinaldo Rafanelli -ex Polifemo- en bajo, presentaron canciones como "Pájaros de la fe", "El sueño de Chita", "Ondas y caderas" y "Viento celeste". Sin embargo, dicho proyecto se vio abortado por el viaje de Spinetta a Estados Unidos a grabar Only love can sustain, cuyos interludios titulados "Jade", darían a Spinetta la idea para el nombre de su próxima banda. Los sonidos de Luis ya mutaban hacia otra parte y lo instrumental se iba extinguiendo en aras de un formato más de canción que desarrollaría en Spinetta Jade, aún con sonido cercano al jazz rock.
 
 
Una de las varias formaciones de la "Banda Spinetta"


Músicos Que Participan:   

Luis Alberto Spinetta: Guitarra, voz.
Carlos Alberto Machi Rufino: Bajo
Diego Rapoport: Teclados.
Osvaldo Adrián López: Batería.
Marcelo Vidal: Bajo (en Viento del azur)
Gustavo Spinetta: Batería (en Viento del azur)

Temas:

01- Viento del azur
02- Telgopor
03- Viejas mascarillas
05- A dieciocho minutos del sol
06- Canción para los días de la vida
07- Toda la vida tiene música hoy
08- ¿Dónde está el topacio?
09- La eternidad imaginaria
 
 
Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits
 

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13 de noviembre de 2020

Astor Piazzolla - Libertango (Vinilo FLAC / 24 Bits - 1974)

 


Obra maestra de la música argentina, "Libertango" es uno de los discos mas descargados de La Nave desde que fuera publicado, hace ya seis años, en formato mp3. Ahora tendrán el privilegio de poder escucharlo en alta fidelidad con una profundidad de 24 bits, extraído de la primera tirada del vinilo original. El álbum, en su edición argentina, fue editado por el sello Trova en 1974, con número de serie XT-80083.
 
En Astor Piazzolla nos encontramos a uno de los grandes revolucionarios del tango argentino y a un excelente y prolífico compositor capaz de combinar con enorme eficacia lo clásico con lo contemporáneo y lo académico con lo popular. A pesar de esto e incluso a mas de 20 años  de su muerte, continúa siendo vilipendiado por los más ortodoxos "tangueros", convirtiéndolo sin duda en unos de los músicos malditos de la segunda mitad del siglo XX. Esto es por que rompió con las estructuras tradicionales del tango añadiéndole elementos de músicas populares como el Jazz o incluso el Rock y empleando recursos de la armonía impresionista y la libre atonalidad, llegando a una música cargada de sutiles y no tan sutiles disonancias que seguía sonando a tango rítmica y globalmente pero que difería considerablemente del sonido de la Guardia Vieja. En la presente grabación podemos apreciar claramente todas estas características en cada una de las canciones y en cada una de ellas de una manera particular. Todas las canciones poseen el lexema -tango (a excepción de "Adiós Nonino") en sus nombres, precedido de un prefijo que define la personalidad del tema, como ejemplos el tema que da nombre al álbum, cuya "libertad" tonal toma un papel protagonista o el "Tristango" que cierra el disco, caracterizado por la melancolía.
Por supuesto este no es un disco dirigido exclusivamente a los amantes del tango y la música argentina, debido al torbellino de influencias que lo colman, cualquier amante de la musica podrá encontrar algo de importancia en el.
"Libertango" no pasó desapercibido por adoradores ni detractores, con tintes progresivos, separatista a la vez que unionista, provocador, tanguero. Con una nueva versión de "Adiós Nonino" modernísima, con la energía de "Violentango" y con ese hit que abre el disco. Y con un Astor en pleno "éxtasis" creativo y virtuosísima ejecución. 
 
 

 
"Libertango fue creado por Piazzolla en una etapa de especial fertilidad del músico argentino quien, tras sufrir un infarto unos meses antes, se trasladó a Italia donde daría comienzo su época más experimental en la que iba a jugar con todas las influencias citadas (clásica y jazz) e incluso con algo de rock. Lo interesante de “Libertango”, al margen de su calidad intrínseca y de la difusión que alcanzaría la composición que presta su título al disco, fue el éxito que obtuvo a nivel internacional (es decir, fuera de Argentina). Esto hizo que buena parte de la crítica del país que le acusaba de hacer algo diferente del tango, un sucedáneo desvirtuado, se replantease esa posición y comenzase a mirar a Piazzolla con otros ojos.
Para grabar “Libertango”, el músico se rodeó de algunos de los mejores músicos de estudio del momento de la escena italiana (muchos procedentes del mundo del jazz). Sería lógico dudar de la idoneidad de estos para interpretar una música con una raíz tan sólida en un estilo folclórico procedente del otro lado del Atlántico pero si nos planteamos el disco como una fusión entre estilos diferentes, como un paso adelante en pos de una obra que trascienda las barreras de un género concreto, la elección de músicos ajenos a la tradición tanguista se revela como un gran acierto.
El legado de Astor Piazzolla es inmenso y lo convierte en uno de los músicos inmortales del pasado siglo XX con su música formando parte ya del repertorio clásico, cosa que muchos consideraban imposible por creer que su música “no existía si no la interpretaba él”. Su trascendencia seguramente hará que discos como este “Libertango” y, en general, toda su obra grabada, quede en segundo plano en el futuro en favor de la interpretación que otros hagan día a día de sus partituras pero eso, a nuestro juicio, no hace sino resaltar la importancia documental de estos registros, especialmente de los aparecidos a partir de su etapa en Italia por la gran calidad de las grabaciones en comparación con las anteriores. No es conveniente dejar pasar la oportunidad de hacerse con ellas si surge la oportunidad. Son verdaderas joyas".
                                                                              Fuente de información: vozdelosvientos.blogspot.com
 
 


Musicos:

Astor Piazzolla: Bandoneón, Dirección, Arreglos
Felice Da Viá: Piano
Felice Da Viá, Gianni Zilioli: Organo Hammond C3
Gianni Zilioli: Marimba
Marlene Kessik: Flauta grave en Sol
Hugo Heredia, Gianni Bedori: Flauta en Do
Giuseppe Prestipino (Pino Presti): Bajo Eléctrico
Tullio De Piscopo: Batería
Filippo Daccó: Guitarra y Guitarra Eléctrica
Andrea Poggi: Timbales
Tullio De Piscopo, Andrea Poggi: Percusión y efectos
Umberto Benedetti Michelangeli: Primer Violin
Elsa Parravicini: Primer Viola
Paolo Salvi: Primer Cello

Temas:

01- Libertango
02- Meditango
03- Undertango
04- Adiós Nonino
05- Violentango
06- Novitango
07- Amelitango
08- Tristango 
 
 
Muestra Gráfica De La Grabación Sin Perdida De Audio Original


Ripeado De Vinilo

Formato: FLAC (Free Lossless Audio Codec) 48.000 Hz - 24 Bits


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6 de noviembre de 2020

Billy Bond "El Rebelde" – Las Dos Caras de Billy Bond + Simples (1969)



Segundo álbum de la etapa beat de Billy Bond, apodado "El Rebelde" en aquellos años. El disco, al igual que el primero, contiene covers nacionales e internacionales cantados en castellano. Destacan los temas "Mal" (Hush) clásico de Joe South; la bossa nova "Ojos oscuros", de Hugo Fattoruso; la curiosa "El niño, la noche y yo" compuesta por Carlos Mellino y la risueña bossa-beat "La  gran rabona", también de Fattoruso, con letra de Florencio Escardó.
 

Giuliano Canterini, alias Billy Bond, fue uno de los protagonistas principales del rock argentino de principio de los 70. Antes, sin embargo, había integrado un grupo de rock and roll llamado Los Guantes Negros, que se movió mucho en la época del programa televisivo La Escala Musical, compartiendo cartel en los bailes de barrio con Los Dukes, donde cantaba Tanguito, y Sandro y Los de Fuego. Luego grabó un par de discos solistas: Yo, Billy Bond (1967) y Las Dos Caras de Billy Bond (1969), en los que zigzagueó entre canciones altamente comerciales y baladas inteligentes con letras de Florencio Escardó. Recaló en La Cueva de la avenida Pueyrredon, que en ese momento era un reducto de jazz. La alquilo y redecoro, invitando a Sandro a protagonizar noches de rock and roll. Allí se formo el núcleo original del rock nativo, pero Billy solo participo tangencialmente de esas primeras "divagatas" que compartían Moris, Javier Martinez, Miguel Abuelo, Litto Nebbia y Pajarito Zaguri. Más adelante, a fines de los 60, fundó la segunda encarnación de La Cueva, ubicada en la avenida Rivadavia, donde tocaron todos los músicos de la primera generación del rock. A mediados de los 70 forma la mítica Pesada del Rock And Roll. La Pesada aglutinaba todo tipo de proyectos y Billy Bond ejercía el cargo de "manager de grabación" en los estudios Phonalex, reservando cientos de horas que debían destinarse a algún tipo de disco, razón por la que accedió al vinilo mucha gente a quien le hubiera sido muy difícil llegar. La premisa era que Billy ponía los músicos, o sea los integrantes de La Pesada. Por ejemplo el disco "Buenos Aires Blus" con la cantante Donna Caroll, el debut del grupo Fe, los discos solistas y la serie de Billy Bond y La Pesada. 

 
"Billy Bond no es un novato, le llevó años imponer su estilo, brindándose con toda el alma por conseguirlo y a fe que lo ha logrado. Es de los pioneros, de los que debían jugarse en la calle, o ante el público de un teatro para imponer una nueva modalidad. Una modalidad que de ningún modo era rebeldía para con la sociedad, sino una forma de vivir, de sentir, de brindarse y realizarse por su propia determinación. Pero no nos pongamos serios que el motivo de esta nota es el de dar un pantallazo sobre sus actividades, tal como sus "fans" lo solicitan. Mucha televisión, Escala Musical en Canal 11, Galanterías en el 9, pero lo que demuestra su popularidad, es que en estos momentos en un teleteatro, (Con Venganza), también en Canal 9, Emilio Ariño encarna a Billy Bond e incluso canta uno de sus temas. Para el disco, su último hit, "Judy disfrazada en la calle" que indica su constante renovación, esta alcanza también a su acompañamiento que está compuesto ahora de ocho músicos, cuatro más que antes. El equipo amplificador, los micrófonos y parte del decorado con que actúa son suyos, montar su espectáculo cuesta en estos momentos alrededor de $ 1.500.000 lo que da una idea de la importancia de sus presentaciones. ¡Adelante Billy! Sigue así, que más que tus triunfos lo que te admiramos es la lealtad que tienes contigo".
                                                                                                               Revista JV (1967)
 
 

Temas:

01- Mal    
02- Ojos Oscuros    
03- Al Diablo Los Consejos De Ustedes    
04- Quiero Decírselo Cantando    
05- El Niño, La Noche Y Yo    
06- Cuando    
07- Yo Te Amo, Te Amo    
08- Trotamundo    
09- Vestía De Azul    
10- Botella De Vino    
11- La La La    
12- La Gran Rabona

Bonus Tracks:
 
13- Judy Disfrazada
14- Viva La Gente
15- Siempre
16- Abrazame Fuerte
17- Alza La Cabeza
18- Que Pusiste En El Café
19- Romance a Lolita
20- El Toro Campeon 
 
 
Sonido Mejorado
 
Formato: Mp3 - 192 Kbps
 

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30 de octubre de 2020

Arco Iris - Inti Raymi + Bonus (FLAC - 1973)

 


Inti Raymi continua el camino estilístico iniciado en "Sudamérica", profundizando aun mas la fusión de rock con folklore latinoamericano. Otra obra imprescindible de Arco Iris, llena de pasajes de hipnótica belleza.
 
"Inti Raymi originalmente apareció con 9 canciones, cuando lo reeditaron le agregaron 6 bonus tracks. Su preciosismo sonoro no es fácil de describir. Hablar de esto como folklore mezclado con rock solo sirve como introducción, luego se suceden sonoridades que sorprenden, desde el vamos. Las percusiones del inicio en “Elevando una plegaria al sol” nos ponen en clima para algo distinto, una magia de Altiplano en las pampas, músicas para mirarse adentro. Los vientos de “En nuestra frente” nos llevan a pasear, los cambios melódicos colorean ánimos, distintos instrumentos toman protagonismo. “La pastora de los peces” es cantada por una mujer pero no sé quién es, toda la canción me recuerda a esas tonadas de animé japonés. “Abran los ojos”: “¿Quién es el que maneja las fichas de este tablero, que hace miles de años siempre el mismo gana el juego?” Gran pregunta, Gustavo. La hermosísima canción “¿Adonde iras, camalotal?”, con sus aires litoraleños, su ritmo de río, sus sonidos de ensueño. Uno tiene ganas de quedarse a vivir en la embriaguez de este tema para siempre. Esta sola canción vuelve obligatoria la escucha de este discazo. Las voces a coro de “Solo como el cardón”. “No quiero mirar atrás” y su frenesí de ritmo y voces que ceden a secciones más calmas. El disco concluye con el mismo motivo melódico con el que arrancó, dejando cerrada como un círculo a la fiesta del sol. Los bonus tracks quedan un tanto descolgados, fuera del círculo de la obra conceptual. No obstante, “Kukuricú” y “Detrás” se destacan por sobre el resto. Si tenes un disco con 15 canciones y hay algo que remarcar de 10 tracks, entonces estás frente a una obra maestra. Si este disco es recordado u olvidado, poco importa. Si el rock nacional tiene muchos o pocos discos tan grandes como este, tampoco importa. Por encima de consideraciones imprecisas o vaguedades letradas, está esta música enorme. Inti Raymi está aquí para celebrarnos. Sumémonos a su fiesta".

significadosinvisibles.blogspot

"Adoro Inti Raymi, sobre todo porque es un álbum que mucha gente no apreció en su momento...o no se dio cuenta. Ese disco es como un resumen de todo lo que exploramos en Sudamérica, pero convertido al formato canción. Con una raigambre más en la tierra, más folklórica, que muchos grupos de hoy, de esos que sintetizan folklore y rock, están tomando como referencia. Algo que cambió mucho, porque en aquel momento a la intelligentzia del rock no le caía bien lo de la mezcla con el folklore. Si bien hay algunos, como Charly García, que siempre fueron fanas, y venían a vernos mucho, había otra gente que le huía a esa síntesis. Hoy en día, y para mejor, es algo absolutamente normal que las bandas de rock incorporen cosas que tienen que ver con nuestras músicas. Me encanta pensar que me puedo conectar con las nuevas generaciones a partir de músicas como las de Inti Raymi, o incluso las de Tiempo de resurrección, que tiene temas perdidos que me encantaría retomar, como “Negro y blanco”, por ejemplo. ¡Tendría que haberlo armado para esta banda!"

Gustavo Santaolalla (Pagina 12-2016)




Integrantes:

Gustavo Santaolalla: Guitarras acústicas, eléctrica, charango, voz
Ara Tokatlián: Saxos tenor, alto, soprano; flautas, quenas, claron órgano, voz
Guillermo Bordarampé: Bajo, contrabajo, voz
Horacio Gianello: Batería, percusión, voz
Dana: Guía espiritual

Temas:
 
01- Elevando una plegaria al sol
02- En nuestra frente
03- Maritimaria
04- La pastora de los peces
05- Abran los ojos
06. Adonde iras, camalotal
07- Solo como el cardo
08- No quiero mirar atras
09. Elevando una plegaria al sol II (Inti Raymi)

Bonus Tracks:

10- Soy un pedazo de sol
11- Llegó el cambio
12- El niño, la libertad y las palomas
13- Kukurico
14- La sabia verde
15- Detrás
 
 
Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits
 

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23 de octubre de 2020

Litto Nebbia - Volumen I y II (1969 - 1970)




Los dos primeros álbumes de Litto Nebbia se diferencian entre si de manera sustancial. El primero cierra una etapa compositiva que había comenzado con los primeros Gatos. Bellas canciones beat, de tono intimista y letras existenciales, enriquecidas por diferentes arreglos orquestales. El segundo disco encuentra a Litto profundizando en la fusión de distintas corrientes musicales. Buscando enriquecer los arreglos de las canciones y la temática de las letras, anticipando lo que luego desarrollaría en trabajos posteriores.  
 

"El debut solista de Litto Nebbia muestra parte de su más temprano compromiso con el arte frente a los mandatos del mercado. Nebbia alguna vez reconoció que su actuación en "El extraño del pelo largo" le permitió ganar el dinero necesario para editar su primer disco. De hecho, había firmado contrato con Argentina Sono Films para actuar en dos películas más pero, al cumplirse rápido el fin económico, lo rescindió antes de tiempo y todavía lo están esperando. Aquel primer volumen tampoco fue necesariamente una continuidad cómoda y prosaica de Los Gatos, que venían de publicar su tercer disco (Seremos amigos) y estaban a punto de editar el cuarto con Pappo en las filas (Beat Nro. 1), sino una riesgosa y desvergonzada apuesta al futuro. Aún habría más Gatos: luego de una breve separación relacionada con un viaje a Estados Unidos y el alejamiento del Carpo, en 1970 editarían un disco clave de la historia del rock argentino, Rock de la mujer perdida, pero Nebbia ya había estrechado lazos fuertes con una cantidad variopinta de músicos que atravesaba, por lejos, la aún minúscula cofradía del rock patrio. Este primer álbum, en rigor, toma a un Horacio Malvicino a medio camino entre el jazz y el quinteto de Astor Piazzolla para intervenirlo en la recordada Mujer de los mil días y en la hermosa melodía de Deja que conozca el mundo de hoy. Y al otro ex guitarrista de Piazzolla, Jorge López Ruiz, cuyos arreglos orquestales no se lucen tanto en Días de juventud, pero sí en Igual (como yo amo), en cuya letra Nebbia predestina un futuro no muy distinto del que resultó, al menos hasta hoy: “Cuando mi libro termine/ en su última hoja he de escribir/ que a pesar de todo fui feliz”. Verónica enlaza a Nebbia con Almendra a través de Emilio del Guercio: el bajo del por entonces compañero de Spinetta otorga un brillo especial a una canción escueta, pero reveladora en su combinación de bossa nova y jazz. Tierra soy yo (“Tierra es trabajo, vida y odio/ dinero, muerte y hasta pasión”) y un breve solo instrumental de guitarra al comando de Nebbia (Obertura) completan el cúmulo de causas suficientes como para despegar a este trabajo del corsé en que se lo introdujo mediante una mirada parcial, mezquina y televisiva.
 
Si el Volumen I muestra a Nebbia despegando paulatinamente de la órbita beat-rocker, su sucesor (el Volumen II) lo introduce en el terreno de la música popular experimental. Que Nebbia aparezca poco después en el Buenos Aires Rock tocando zambas y chacareras junto a alguien por entonces desconocido para el mundo rocker, Domingo Cura, o colaborando en discos de Dino Saluzzi, Chango Farías Gómez o Manolo Juárez, implica necesariamente un paso anterior, tenue pero insoslayable. Es aquí donde asume su importante papel histórico esta placa grabada con cuatro canales en 1970. Separados Los Gatos, Nebbia entró a los estudios TNT para grabar un disco que señalaría como un homenaje a su madre pianista: Martha Denis. En su Volumen II, Nebbia toca todos los instrumentos: piano –de ahí el tributo materno–, guitarra, bajo, batería y flauta dulce. Y el mayor rescate emotivo ancla en una maravillosa canción de búsqueda e identidad. “América/ cuál es la forma de llegar a ti/ América/ dime la curva que debo tomar”, canta Litto, mientras rasguea irascible su guitarra acústica. Hijo de América es una breve pero significativa carta de presentación de la hasta entonces poco incursionada onda folk (autóctono)-rocker: faltaban dos años para que Arco Iris editara Sudamérica o el regreso a la aurora.  El resto de la placa muestra canciones atemporales en su belleza, que explican a Nebbia por todos los tiempos (Años blancos, días blancos; Canción para un amigo que no escucha; Mes de algodón), otras que quizá no aportan tanto pero aun así valen (Los molinos nunca olvidan) y algunas como la bellísima Suite alrededor de la Mona Lisa o La carrera de tu vida, que permiten anexar su entonces pasado reciente junto a Los Gatos con el proyecto siguiente: la Nebbia’s Band".
 
Cristian Vitale (Pagina 12)
 
 


Temas - Volumen 1:

01- Obertura
02- Rosemary
03- Días De Juventud
04- Tierra Soy Yo
05- Mujer De Los 1000 Días
06- Cuanto Cuesta Un Hombre
07- Verónica
08- Canto Para Todos
09- Hombre De Las Magnolias
10- Reflexiones De Un Hombre Singular
11- Igual (Como Yo Amo)
12- Deja Que Conozca El Mundo De Hoy
13- Por Que Camino Andarás
14- Cierre

Músicos que Participan - Vol. 1:

Litto Nebbia: Vos, teclados, guitarra, arreglos, dirección musical
Hugo González Neira: Teclados
Mario Pini: Bajo
Oscar Alem: Bajo
Emilio Del Guercio: Bajo, voz
Willy Cáceres: Batería
Jorge Padín: Batría
Horacio Malvicino: Arreglos Orquestales, teclados
Jorge López Ruiz: Arreglos Orquestales, contrabajo
Jorge Calandrelli: Arreglos Orquestales

Temas - Volumen 2:

01- Hijo De América
02- Los Molinos Nunca Olvidan
03- Años Blancos, Días Blancos
04- Canción Para Un Amigo Que No Escucha
05- Canción Para Un Latino
06- Suite: Alrededor De Monalisa
07- Despierta, Despierta, Despierta
08- La Carrera De Tu Vida
09- Mes De Algodón
10- Canción De Amor (Que Olvidaste En Mi)
11- José, Laura Y Los Chicos (Bonus Track)

Musicos - Vol. 2:

Litto Nebbia: Todos los instrumentos, voces, arreglos, dirección musical

 
Formato: Mp3 - 320 Kbps 

pass: naveargenta.blogspot 
 

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