7 de agosto de 2020

Mordaz - Libertad Condicional (1986)




Grupo nacido de la unión de Petty Guelache (ex Orion's Beethoven y Bubu) con Daniel Telis, quienes se conocieron en 1982 cuando Willy Gardi los reclutó para volver a armar El Reloj. Una vez disgregada esa formación se mantuvieron en contacto y en 1985 emprendieron juntos un proyecto al que bautizaron como Señor Mordaz, adhiriendo más tarde al bajista Oscar López y al Zurdo Alaguibe. En ese año lograron grabar su primer material pero al terminarlo se dieron cuenta de que no representaba el sonido que querían expresar. Se vieron obligados a conseguir una nueva chance por parte de la compañía discográfica. Pero al terminar esta nueva grabación les robaron todos los equipos y la cinta máster. Con equipos prestados se presentaron en el festival de La Falda, en un concierto que los llevó a creer que su nombre tenía una "posible maldición", por lo que simplemente lo mantuvieron como Mordaz. Así grabaron "Libertad condicional", que no recibió apoyo de las FM. "El problema es que esa gente de las radios tiene todo armado como para apoyar al pop y no puede salir de golpe a decir que hay una rama del heavy que viene pegando." Así explicaron su situación en una entrevista realizada por la revista Cantarock. Trataron de defender su disco pero la banda se vio obligada a separarse.
El guitarrista Daniel Tellis, nos dejó fisicamente, el primero de octubre del 2018.

Especial agradecimiento a Matias por haber facilitado los testimonios de Petty Guelache y Daniel Telis.

"Con Dany (Telis) habíamos hecho onda, teníamos bastantes cosas en común. Empezamos a componer y cuando conseguimos un baterista y un bajista, derivó en Mordaz, que fue para mi una de las mejores cosas que hice. Ahí volví a tocar la viola. Éramos dos violas, yo hacia la rítmica, hacíamos laburo a dos guitarras. La música que hacíamos no era heavy metal, era una mezcla, pero era mucho mas duro que el proyecto que se había armado anteriormente con El Reloj. Fue muy linda la época la de Mordaz. Por un lado era la primera vez que me sentía "dueño" de la banda, como mas importante. Podía laburar mis cosas, tocar la viola, cantar. Ensayábamos muy bien, teníamos una sala alquilada y podíamos ensayar en el horario que quisiéramos. Laburábamos las violas con Daniel, el batero y el bajista se juntaban por otro lado y cuando nos juntábamos al otro día era terrible, teníamos mucha química. Viajamos a Uruguay, tocamos en un festival en Paraguay que fue maravilloso, con público arriba del escenario, esas cosas que no te olvidas mas. El disco no tuvo demasiado apoyo del sello. No era un sello muy grande, puso una guita hasta ahí. Se le dio muy poca difusión, pasaban algún tema por radio y después fue todo a pulmón. O sea, alquilar los lugares, ir a la radio, todas cosas que conseguíamos nosotros".

Petty Guelache: vocalista y guitarrista de Mordaz
 
"En esa epoca grababan bandas como V8. Cuando escucharon la grabacion de Mordaz en comparacion con la de V8 no tienen nada que ver en cuanto a sonido. Nosotros ya sonabamos bien, pero nos costo mucho transmitirle a los tecnicos de grabación lo que queríamos y tratar de lograr un sonido. Los tipos no tenian idea ni de como microfonear un Marshall. Bueno, lo hicimos nosotros en el estudio.
Tocabamos mucho en la zona sur porque el bajista era del sur y el tipo conocia a medio mundo. Tocamos en el estadio chico de Quilmes y en todos lo lugares de allá, metíamos 400 o 500 personas, nos iba muy bien. Despues tocamos mucho en el circuito de pubs, donde nos mezclabamos incluso con bandas pop. Tocaban las bandas pop, despues nosotros y estaba todo bien".


Daniel Telis: guitarrista de Mordaz




Integrantes:

Petty Guelache: Voz, guitarra
Daniel Telis: Guitarra, coros
Oscar Lopez: Bajo, coros
Daniel "Zurdo" Alaguibe: Bateria, coros

Musico Invitado:

Gustavo Díaz: Teclados

Temas:

01- Lecturas     
02- Reflexiones de una computadora     
03- Libertad condicional     
04- Hombre de bien     
05- Apologia     
06- Ya no quiero hablar     
07- Los mediocres     
08- Destruyendo agonías     
09- Cambio de identidad     
10- Siempre al límite  




Formato: Mp3 - 320 Kbps

https://mega.nz/file/TMMBQKjK#b6LJHXMCV4YC4hbuPHf2xA2lY1sdA2kwbfCfypBzXlc

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31 de julio de 2020

Los Gatos - Beat Nº 1 (1969 - FLAC / Remaster.)




Cuarto disco de Los Gatos, grabado en 1969; marca el ingreso de Pappo en lugar de Kay Galifi y la evolución hacia un sonido más rockero. 
En mi opinion personal, el mejor álbum de Los Gatos y uno de los mas grandes del rock argentino. 

Litto Nebbia, quien solía frecuentar La Cueva de Avenida Rivadavia, recuerda que en una de aquellas noches Norberto Napolitano (mejor conocido como Pappo) pidió subir a tocar. Durante alguna de esas veladas de 1969 se pactó la incorporación de Pappo a Los Gatos en reemplazo de Kay Galifi, quien se había ido a vivir al Brasil. Según Starc: "tocar con Los Gatos era como tocar con Los Beatles". Pappo y Nebbia se contactan y este último le da la lista de canciones. Los demás miembros de Los Gatos viajaron a Estados Unidos a comprar equipos. A la vuelta son recibidos por Nebbia y el nuevo guitarrista, el bajista Alfredo Toth le entrega a Pappo una Gibson Les Paul negra, ya que según el propio Nebbia, la que tenia era mala En noviembre de 1969 comienzan los ensayos, para luego debutar con esta nueva formación en el Teatro Gran Rex, el 28 de ese mes. También tocan en Flores y en Luján. Finalmente, el 2 de diciembre ingresan a los estudios TNT para grabar los primeros dos temas: "Flores y cartas" y "Lagrimas de María". Tres días mas tarde graban: "Hogar", "Fuera de la ley" y "Donde está, como fue". Tras un fin de semana de actuaciones, el día 9 retornan a estudios para grabar "Sueña y corre" y "Escúchame, alúmbrame" y  el día 11: "El otro yo del Sr. Negocios" y "Soy de cualquier lugar". Así terminan de registrar su cuarto Long Play, Beat Nº 1, que es editado días antes del fin del año.

Un fluido eclecticismo campea por todo el disco: el beat de los comienzos, el rock beatlesco y melódico, la psicodelia y la fuerte impronta blusera que le imprime la incorporación de Pappo, resulta en conjunto en un hard rock más decidido de toda la placa. Sumado a esto el viaje inspirador de Ciro y Moro a New York, las nuevas canciones denotan un evidente cambio evolutivo que pasa por la velocidad mod de "Hogar", la densidad blusera arrastrándose en "Escúchame, alúmbrame" y la cuasi psicodélica "Fuera de la ley". La base Moro-Toth afilada a pleno y mucha comodidad entre Ciro y Pappo; la voz de Litto se enronquece buscando la fuerza de un rock más contundente. Hay una exploración interesante de las posibilidades del stereo (la batería tirada completamente para el canal izquierdo, por ejemplo). El álbum se cierra con el extenso "Fuera de la ley", tema que preanuncia el cambio de estilo de Los Gatos, que comenzaban a abandonar la música beat y el pop psicodélico, para adentrarse en sonoridades más robustas y complejas. 

Pappo tocó todos los solos de guitarra de Beat Nº 1 y el disco siguiente: Rock de la mujer perdida, editados entre 1969 y 1970. Estos álbumes tenían un sonido más "pesado" que las entregas anteriores. Nebbia grabó guitarras rítmicas adicionales ya que Pappo aún no dominaba ciertos acordes de guitarra. Todas las canciones de ambos álbumes fueron escritas por Nebbia en el momento que el grupo se rearmó con Pappo. De las sesiones Nebbia recuerda: "todo fue muy alegre y con gran camaradería, Pappo era muy divertido y ese ritmo que vivíamos era toda una novedad para él". Durante sus descansos de sus shows con Los Gatos se instaló con dos amigos en largas zapadas en Equinox un boliche, de Mar del Plata, donde tocaba con Black Amaya con un repertorio de versiones de Jimi Hendrix, Cream, y The Spencer Davis Group. Los Gatos realizaron una gira por España, y tras una serie de conciertos, Pappo dejaría el grupo para emprender su carrera solista. Los Gatos se rearman, Litto pasa a tocar el bajo y Alfredo Toth la guitarra, así se presentan en el primer festival B.A.Rock. Después graban dos simples y un disco en vivo que verá la luz mucho tiempo después de la separación definitiva que sucede en el verano de 1971 .





Integrantes:

Litto Nebbia: Voz, guitarra rítmica, percusión
Norberto "Pappo" Napolitano: Guitarra
Ciro Fogliatta: Organo, piano
Alfredo Toth: Bajo, coros
Oscar Moro: Batería, percusión

Temas:

01- Sueña y corre
02- Hogar
03- Dónde está, cómo fue
04- El otro yo del señor negocios
05- Flores y cartas
06- Lágrimas de María
07- Soy de cualquier lugar
08- Escúchame, alúmbrame
09- Fuera de la ley


Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

https://yadi.sk/d/28WjgVUn0qkSqQ

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24 de julio de 2020

Los Bulldogs - Volumen 1 y 2 + EP (Uruguay 1964 / 1967)




Vuelve el beat de garage a la nave, a través de esta agrupacion uruguaya, que grabaria estos dos albumes y algunos simples en la década del 60, para luego convertirse en Kano y Los Bulldogs.
Esta publicación contiene además el unico EP grabado por Los Epsilons, grupo antecesor de Los Bulldogs.

 
Corría el año 1964 cuando se juntan Roberto Alonso (Kano), Humberto Buono, Ricardo Bragaña, Jorge Bragaña, Carlos Zenaldi y Eduardo Jusid, para formar "Los Epsilons", ya que en aquellos días había una tendencia de poner nombres en inglés a las bandas uruguayas. También otra tendencia de las bandas de rock era conformarse con cuatro integrantes y mientras "Los Epsilons" se mostraba en público con cuatro integrantes, en las tapas de los discos figuraban cinco integrantes, pero se sabía que eran seis músicos los que integraban la lista y se presentaban a grabar en los estudios.
Luego de grabar un grabar un sencillo para el sello Clave de Montevideo, cambiaron su nombre a "Los Bulldogs" y radicaron en Buenos Aires. Allí lanzaron varios simples con covers en inglés, como “Black is Black”, de Los Bravos, incluido en el compilado “Los 16 Hits del Momento”, un LP de varios intérpretes de RCA en 1966. Publicaron tambien dos albumes, orientados al sonido beat de garage, cantados en ingles, que en la actualidad son rarezas muy dificiles de conseguir.
 La estrategia para promover al grupo en Buenos Aires por parte de la discográfica, fue ponerlos a caminar por plena peatonal Florida, paseando con un collar de puntas cada uno, botas taco alto, cadena pasea perros y el pelo largo, lo que logro un  impacto bastante bizarro para el año 1967.
Después de grabar los dos LP como "Los Bulldogs", la banda comenzó a conocerse con éxito en Argentina como "Kano y los Bulldogs".  En 1969 graban la canción “Sobre un vidrio mojado” que salio publicado en el compilado de mayor venta en la historia de la RCA Argentina “Los preferidos a la luna”, siendo el tema más irradiado y pedido del famoso LP, alcanzando un rotundo éxito en el Río de la Plata y el resto de Hispanoamérica.
Luego la historia de Kano y los Bulldog continuaria en Uruguay, donde editaron para el sello Sondor su último LP  “Carita con Carita” en 1972.




Integrantes:

Humberto "Nengo" Buono: Guitarra
Roberto "Kano" Alonso: Voz, segunda guitarra
Carlos "Moro" Senaldi: Guitarra
Rduardo "Galo" Jusid: Teclados
Jorge Bragaña: Bajo
Ricardo Bragaña: Bateria 


Temas - Volumen 1 (1966):

01- Negro Es Negro (Black Is Black)    
02- No Puendo Detenerme (I Can't Stop)    
03- Voy A Encontrar Una Cueva (I'm Gonna Find A Cave)    
04- Lunes, Lunes (Monday. Monday)    
05- Puedo rebajarme (I can go down)    
06- Me En Loqueces (You Turn Me On)    
07- Submarino Amarillo (Yellow Submarine)    
08- Llevame Dentro De Tus Ojos (Take Me Into Your Eyes)    
09- Por Favor Que Venga Dios    
10- Bang Bang    
11- Está bien    
12- Tema De Amor Arabe  


Temas - Volumen 2 (1967):

01- Adios Amor   
02- No Estoy Loco (I'm Not Crazy)   
03- Noches De San Francisco (San Francisco Nights)   
04- Durmiendo Sobre Tus Labios (1a Parte) (Sleeping On Your Lips)   
05- Durmiendo Sobre Tus Labios (2a Parte) (Sleeping On Your Lips)   
06- Abuelita (Granny)   
07- Enciende Mi Fuego (Light My Fire)   
08- Gracias A Dios Por La Velada (I Thanks The Lord For The Night)   
09- En La Luna (Dans La Lune)   
10- Tu En Mis Recuerdos (You, In My Memory)   
11- Buscando Todo El Tiempo (Searching For All The Time)   
12- Piedad, Piedad, Piedad (Mercy, Mercy, Mercy)


Bonus - Los Epsilons (EP / Circa 1964-65)   

A1- Tijuana    
A2- Big Ben Rock    
B1- La Casa Del Sol Naciente    
B2- Maravilloso



Formato: Mp3 - 192 Kbps

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17 de julio de 2020

Oveja Negra - Orsai (1983)




Un disco muy pedido a la nave; se trata del primer album de Oveja Negra, publicado en 1983. Material actualmente descatalogado, dificil de conseguir hoy en día.

Oveja Negra fue fundado en 1982 por Aníbal Forcada, Osqui Amante (ex Soluna) y Willie Campins (ex Rayuela). Si bien, los tres integrantes tienen una carrera musical anterior, el grupo pertenece a esa oleada de nuevas y variadas bandas que surgieron con el retorno a la democracia y debido a ciertas influencias y a su énfasis en las armonías vocales, fueron identificados con la corriente de la música folk, aunque el estilo del grupo fuera, en realidad, más abierto.
El trío, que en vivo sumaba a Fernando Marrone en batería, Gringui Herrera en guitarra eléctrica, comenzó actuando en el circuito de pubs de Buenos Aires y alrededores, y se presentó en el Festival de La Falda en el verano de 1983. Durante el invierno de ese año, grabó su primer álbum, "Orsai", que fue presentado en el estadio de Obras Sanitarias el 3 de septiembre. En 1984, entre múltiples actuaciones en variados escenarios del país, tocaron como soporte de Nito Mestre en el estadio de Vélez Sarsfield y más adelante ese mismo año, participaron del espectáculo "Porque Cantamos", junto a Celeste Carballo, Nito Mestre y Juan Carlos Baglietto, realizando una gira nacional con dicho espectáculo, que culminó en un concierto con tres funciones en el Teatro Coliseo, que se grabó en vivo y se editó como álbum doble ese mismo año.
Luego de esa carrera, relativamente corta pero vertiginosa, el grupo se disolvió a comienzos de 1985, y Aníbal, Osqui y Willie continuaron con carreras musicales independientes, aunque en 1990, fueron invitados por Mercedes Sosa a participar en un importante concierto con tres funciones en el Teatro Gran Rex, funciones que fueron grabadas, resultando en el álbum en vivo "De mí", que cuenta con las voces de los Oveja en tres temas.
En 2008, los mismos tres músicos empezaron a reunirse con la idea de volver a hacer música juntos por el simple placer que significa tocar. De a poco empezaron a surgir nuevos temas y comenzaron a grabarlos con el aporte de numerosos músicos invitados, entre los cuales figuran su propios hijos. Y también apareció naturalmente la idea de reunir esos temas nuevos en un álbum, materializado en "Mientras vamos viajando" que es presentado en vivo, el 1 de diciembre en el de 2011 en el teatro ND Ateneo de la Capital Federal.

"Osqui Amante, Aníbal Forcada y Willie Campins son tres músicos cuya principal actividad, curiosamente, no está en los instrumentos, aunque todos están ligados al mundo musical. Amante es sonidista, Forcada manager de escenario y Willie Campins —además de tocar con Porchetto— es programador de radio. Un buen día se juntaron y decidieron hacer algo de música juntos. El resultado de esa unión es "Orsai", un álbum simple y fresco que inevitablemente seduce desde la primera audición. Oveja Negra es, básicamente, un trío de música folk con buenas canciones y excelentes arreglos vocales. Y aquí hay que hacer hincapié en algo: es probable que ni Campins, ni Amante ni Forcada puedan ser considerados individualmente brillantes vocalistas, pero la suma de sus voces obtienen un producto interesante. Justamente, los mejores momentos del disco aparecen cuando las voces se conjugan en perfecta armonía, con arreglos bien tipo folk rock de los setenta.
"Canción de los plomos", "Espérame encendida" y "Aquí, allá, hoy o mañana" son algunos de los puntos más altos, y pese a ser temas que ya fueron grabados por otros artistas, las versiones incluidas en "Orsai" superan con creces a las originales. Otro aspecto destacable de este disco está dado por los músicos invitados. Oveja Negra podría haber formado un verdadero seleccionado para grabar su álbum, pero con buen criterio no lo hicieron. Ellos se limitaron a llamar músicos que pudieran aportar algo más que su nombre a la música del grupo. Así es como las presencias de David Lebón, Raúl Porchetto, Rodolfo Gorosito y Gringui Herrera brillan por su aporte en el disco y no por su nombre en la tapa. En especial es destacable el trabajo de Gringui, fundamental en "Espérame encendida" y "Aquí, allá, hoy o mañana". "Orsai" es un muy buen álbum, que transmite frescura desde la tapa hasta el último de los temas. Oveja Negra debutó discográficamente de la mejor manera y con seguridad de ahora en más su propuesta se irá afirmando con fuerza dentro del panorama musical argentino. Y la razón es sencilla: pese al título del álbum, esta Oveja Negra está perfectamente habilitada". 

                                                                                                 Revista Pelo - Reseña del disco (1983)




Integrantes: 

Aníbal Forcada: Guitarra y voz
Oscar Osqui Amante: Guitarra y voz
Willie Campins: Bajo y voz
Gringui Herrera: Guitarra
Fernando Marrone: Batería 

Temas:

01- Peligro de hongo
02- 4 de otoño
03- En el camino perdido
04- Ando rodando 
05- Vieja lluvia
06- Canción de los plomos
07- Esperame encendida
08- Aqui, allá, hoy o mañana
09- Tarea para el hogar
10- Es otra mañana más 


Formato: Mp3 - 192 Kbps

http://www.mediafire.com/file/5myirr02ite4v1n/vj_Ngr-rs.rar/file

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10 de julio de 2020

Sacramento II - Moviendo la Carreta (1973)




Luego de su álbum debut en 1972, la segunda formación de Sacramento llegó a grabar un segundo trabajo que nunca se editó. El grupo ya había dado un giro musical hacia el Heavy Rock Progresivo, emparentado a la música de Pescado Rabioso y Aquelarre. Al parecer, las cintas originales fueron borradas en la grabadora, pero del trabajo original quedaron cinco temas en un cassette con las tomas de estudio. Esta versión digital incluye 2 bonus tracks inéditos que pertenecen a la primera formación de la banda, grabados como un prueba de sonido en el año 1972.

Un histórico grupo de los ’70, con material rescatado de una cinta de 1973, lanza por primera vez su segundo álbum, Moviendo la carreta. Se trata de Sacramento II, es decir Sacramento con la inclusión de Bocón Frascino en guitarra. Sacramento II es el nombre de la segunda formación de la banda. Luego de su primer álbum, se suma nada más y nada menos que el guitarrista Osvaldo Bocón Frascino, proveniente de Pescado Rabioso, donde tocaba el bajo. El grupo ya estaba colmado de históricos como Ciro Fogliatta y Alfredo Toth de Los Gatos, Ricardo Jelicie de La Bolsa y Roberto Corre López de Los Walkers.
La leyenda cuenta que las cintas originales en las que se grabó este álbum fueron borradas por la compañía, RCA, pero alguien resguardo las tomas sin mezclar y se las dio a uno de los integrantes de la banda. Hoy salen a la luz luego de 47 años en formato CD, mezcladas y masterizadas.
El sonido del álbum es 100% rockero, con riffs que le hacen honor al género y una batería que se aleja de la idea de base y entra a jugar con guitarra y teclas como en Moviendo la Carreta (track 1), canción que da inicio al disco. Destacamos también Puerto de Lluvia (track 4), donde órgano y voz armonizados transportan al oyente por distintos espacios y sensaciones a lo largo de cambios de tonalidades y modos. Un tema que se va convirtiendo en instrumental a medida que avanza, en una búsqueda sonora más melódica característica del rock progresivo que se instalaría a partir de esta generación en el sonido del rock argentino.

Fuentes De Información: Viajero Inmovil Records - Club Del Disco


 Sacramento 1973 - Concierto Teatro Trocadero / Foto del Programa 


Integrantes (Album-1973):

Osvaldo (Bocón) Frascino: Guitarras
Juan Ciro Fogliatta: Órgano, piano, percusión, voz
Alfredo Toth: Guitarra eléctrica y acústica, bajo, voz 
Ricardo Jelicié: Bajo, armónica, guitarras, voz 
Roberto "Corre" López: Batería, percusión 

Integrantes (Bonus Tracks-1972):

Juan Ciro Fogliatta: Órgano, piano, percusión, voz
Alfredo Toth: Guitarra eléctrica y acústica, bajo, voz 
Ricardo Jelicié: Bajo, armónica, guitarras, voz 
Roberto "Corre" López: Batería, percusión 

Temas:

01- Moviendo la Carreta    
02- Campos de Trigo    
03- El Negro Dyango    
04- Puerto de Lluvia    
05- Revolución    
06- This Is It - (Bonus Track Inédito)    
07- Honky Tonk Woman (Bonus Track Inédito) 



Formato: Mp3 - 192 Kbps

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3 de julio de 2020

Pescado Rabioso - Artaud (Vinilo FLAC / 24 Bits - 1973)




Mucho se ha escrito sobre esta obra de arte de Luis Alberto Spinetta. Solo voy a limitarme entonces a presentarles la digitalización de este vinilo en formato FLAC de 24 Bits. Cumpliendo así con los numerosos pedidos acumulados a través de nuestro recorrido a bordo de la nave. Y en lo personal, retribuyendo de algún modo, toda la profunda belleza que este álbum me ha brindado.
El ripeo fué extraido de la segunda edición de la placa, publicada en 1975 por el sello Microfon-Talent, bajo el número de serie SE-613. Espero que les guste.


Pescado Rabioso se separó a mediados de 1973. Sus integrantes no aceptaban ni entendían la visión musical que estaba desarrollando Luis Alberto Spinetta y simplemente dejaron de responder a su convocatoria. Spinetta entonces siguió en soledad, con los proyectos que venía desarrollando para Pescado Rabioso: "Pescado Rabioso era yo". Así surgió Artaud, una de las obras cúspides de la música latinoamericana.
Si bien el disco se le acredita a Pescado Rabioso, es en realidad un disco solista de Spinetta, que grabó con algunos invitados, entre ellos su hermano Gustavo quien tocó la batería, y sus excompañeros de Almendra, Emilio del Guercio y Rodolfo García. La insistencia en usar la denominación Pescado Rabioso para presentar el álbum, tenía razones legales, pero también se debió sustancialmente a la preocupación de Spinetta de evitar que la personalización de su obra lo colocara en situación de ídolo, preocupación que mantendrá como una característica central de su personalidad artística toda la vida.
El disco está compuesto en un momento crucial de la historia sudamericana, de alta violencia política, en el que comenzaban a instalarse dictaduras cívico-militares, coordinadas entre sí por medio del Plan Cóndor y apoyadas por los Estados Unidos, que anularían completamente la vigencia de los derechos humanos durante dos décadas. Argentina en particular había conseguido que la dictadura autodenominada Revolución Argentina, convocara ese año a elecciones libres, por primera vez en casi dos décadas. El voto popular había dado el triunfo en marzo y por un amplio margen al peronismo, movimiento con el que simpatizaba Spinetta. Pero el gobierno democrático no alcanzaría a consolidarse afectado por violentas confrontaciones que llevarían a su derrocamiento a comienzos de 1976 y a la instalación de una cruenta dictadura que se mantendría en el poder hasta fines de 1983 y que cometería un genocidio y llevaría el país a una guerra, la Guerra de Malvinas. Por otra parte, ese momento histórico coincide a su vez con un momento decisivo de la vida personal de Spinetta, en el que conoce a Patricia Salazar, con quien formará una pareja estable durante casi veinticinco años y con quien constituirá una familia con cuatro hijos comunes. La letra del tema «Por» de Artaud fue escrita de manera conjunta entre ambos. En esa encrucijada histórico-cultural y personal aparece Artaud, inspirado precisamente en el sufrimiento y las emociones dolorosas que la vida y la obra del dramaturgo francés Antonin Artaud, produjeron en Spinetta. El músico se identificaba con la dureza del surrealismo, de Artaud y del rock, pero al mismo tiempo relacionaba el momento que vivía Argentina y Sudamérica, con la locura de Artaud y con el nihilismo del rock (expresado en las drogas y la «promiscuidad sin sentido»), y lo sentía incompatible con su propia visión del rock (expresada en el Manifiesto que Spinetta publica simultáneamente con el disco) y del sentido de la vida.
La portada original del álbum se destaca por su diseño irregular, rompiendo el tradicional cuadrado que contenía a los discos de vinilo. La obra fue presentada en dos recitales que Spinetta realizó solo en el Teatro Astral, en octubre de ese mismo año. En esos recitales dio a conocer su Manifiesto titulado Rock: música dura, la suicidada por la sociedad, parafraseando -justamente-, uno de los libros de Artaud (Van Gogh, el suicidado por la sociedad) que inspiraron el álbum. En su Manifiesto Spinetta define lo que para él debe ser un artista de rock, absolutamente libre y liberado de todo condicionamiento, en especial del que establece el "negocio del rock" y la "profesionalidad".





"Es el long play más libre y más hermoso que escuché en mucho tiempo. Y esto es seguro que le va a ocurrir a quien se predisponga a recibir esta música del aire. Cada uno de los temas es tan espontáneo que, lógicamente, no hizo falta variedad de instrumentos o excesiva potencia. Escuchar estas canciones increíblemente saludables es como meterse en el cuerpo de las cosas que uno ama, es un viaje extraño y amable por las paranoias del mundo y por las pequeñas islas para náufragos decididos y con vocación. Hablar de los resultados técnicos de este long play sería estúpido. Pasa a un plano totalmente secundario ante una pelota de sensibilidad que se desprende de cada clima logrado. Sin embargo, no es despreciable sospechar que mucha responsabilidad en este viaje por la mente que no queremos conocer se deba a la escueta y fértil colaboración de dos de los antiguos compañeros de Luis (Rodolfo y Emilio) y de alguien que lo debe conocer más que varios: su hermano. Muchos van a pensar que están nuevamente con el Spinetta de algunas cosas de la primera época de Almendra, y estarán tal vez contentos de recibir parecidas, recordatarias vibraciones como entonces. Pero no es así. El mismo Luis lo canta en uno de estos temas: "Aunque me fuercen no voy a decir que todo tiempo por pasado fue mejor".
Tapa: Vinicius de Moraes tiene una frase: "Odio todo lo que oprime: hasta la corbata". Que todos los discos tengan tapas cuadradas también es odioso y oprimente. Seguramente inquietará a los que están standarizados porque les molesta no poder ponerlos en en anaquel de los cuadros. Quizás algún día se den cuenta que este disco no es cuadrado.
Síntesis: Mientras escuchen solamente el disco nadie se dará cuenta por qué se llama "Artaud". Quienes logren engullirse algún escrito de ese loco (para los otros, claro) verán, obviamente más claro y, además, no les va a caer indigesto. Pero la síntesis ps que Spinetta es un músico total, tan total que hizo una música que te mata y no sabes bien por qué te está matando, y que te gusta y no encontrás cómo explicarle a tu vecino que te gusta. No te perturbes: ese tipo de confusiones suelen sentirse ante las grandes obras". 

Revista Pelo: Reseña de Artaud (1973) 




"Quiero aclarar que yo le dediqué ese disco a Artaud pero en ningún momento tomé sus obras como punto de partida. El disco fue una respuesta –insignificante tal vez– al sufrimiento que te acarrea leer sus obras. La idea del álbum era exponer la posibilidad de un antídoto contra lo que opinó Artaud. Quien lo haya leído no puede evadirse de una cuota de desesperación. Para él la respuesta del hombre es la locura; para Lennon es el amor. Yo creo más en el encuentro de la perfección y la felicidad a través de la supresión del dolor que mediante la locura y el sufrimiento. Creo que solo si nos preocupamos por sanear el alma vamos a evitar distorsiones sociales y comportamientos fascistas, doctrinas injustas y totalitarismos, políticas absurdas y guerras deplorables. La única forma de hacer subir el peso es con amor. Los músicos de rock somos tipos que estamos muy desorientados. Hemos involucrado mucho a nuestro sistema neurológico y hemos aprendido muy poco de la historia reciente. Pero hay algo claro: no podemos jugar a ser Artaud. Eso significaría no haber entendido a Moris, no haber entendido a Litto Nebbia, no haber pescado una. Si yo no hubiera aprendido a salir de esa y ubicarme en mi país, no estarías conmigo en este momento: Spinetta sería apenas un nombre en una chapita de bronce, chorreada de caca, en la inmensidad de algún cementerio".

Luis Alberto Spinetta - Acerca de Artaud (1986) 
 
¿Acaso no son el verde y el amarillo cada uno de los colores opuestos de la muerte. El verde para la resurrección y el amarillo para la descomposición, la decadencia?
Antonín Artaud (Paris-1937)


 Muestra grafica de la grabación sin pérdida de audio original


Musicos que Participan:

Luis Alberto Spinetta: Guitarras, maracas, platillos, piano, voz
Carlos Gustavo Spinetta: Batería en Cementerio Club. Bajan
Rodolfo García: Batería, cencerro, coros en Superchería, Las habladurías del mundo
Emilio del Guercio: Bajo, coros en Bajan, Cementerio Club, Superchería, Las habladurías del mundo

Temas:

01- Todas la hojas son del viento
02- Cementerio Club
03- Por
04- Superchería
05- La sed verdadera   
06- Cantata de puentes amarillos
07- Bajan
08- A Starosta, el idiota
09- Las habladurías del mundo


Ripeado De Vinilo

Formato: FLAC (Free Lossless Audio Codec) 48.000 Hz - 24 Bits

https://mega.nz/file/RA5XmDAQ#JYnLPMit-RGCQQLU6vR5uyheEhXR_N8VZ4kdr2sCyk0

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