16 de enero de 2020

Eduardo Mateo - Mateo Solo Bien Se Lame (Uruguay-1972)




La historia de la grabación del primer disco de Mateo es sintomática de su relación con la profesionalidad (a lo mejor se entiende bien el personaje con el concepto de que fue siempre un amateur –un amador– de la música y nunca un profesional, es decir alguien que trabaja de músico). Mateo ya era considerado por entonces un prócer musical en Uruguay, sobre todo por El Kinto, pero no tenía disco propio. A esa altura, el medio ya tenía claro su carácter de divagante perenne, de diletante a la violeta, la inexistencia de un proyecto personal a largo plazo. Sin embargo, el técnico de grabación Carlos Piriz, uno de sus fans acérrimos y un socio, Coyo Abuchalja, casi que lo obligaron a empezar a grabar en Buenos Aires en 1971 lo que sería Mateo solo bien se lame. Tras pagarle al músico y a su novia Nancy pasajes y estadía, los flamantes dueños del sello musical De la Planta empezaron a comprobar que el intento de registrar las canciones en una semana era utópico: los tiempos de Mateo eran imposibles. Grababa un día un tema, que parecía recordar de casualidad, leyendo un cuaderno, y al día siguiente lo borraba. Invitaba músicos argentinos o radicados en la Argentina –entre otros, Horacio Molina, Pocho Lapouble, Jorge López Ruiz, Galo García, Oscar Cardozo Ocampo– y no los hacía tocar, los tenía de claque. Algunos tal vez estaban cuidando los instrumentos que podían haberle prestado, atentos a los datos que decían que Mateo hacía con toda naturalidad aquello que la leyenda cuenta que hizo Pappo con la guitarra que Spinetta le había prestado, más o menos por la misma época de estados alterados. Otros días, corriendo con las horas pagas de estudio, llegaba hasta ION sólo para decir que no estaba inspirado, y que volvía al día siguiente, o directamente no aparecía. Uno de los problemas de Mateo en Buenos Aires era claro: fuera del circuito montevideano, que conocía al dedillo, no conseguía marihuana ni anfetaminas. Debía arreglárselas con pastillas para adelgazar. Estuvieron dos meses en ese ir y venir, en esa apuesta de dos convencidos de su grandeza a registrarle un disco como arrancándoselo. Hasta que un día Mateo hizo la típica “voy a la esquina a comprar fasos” y se volvió a Montevideo, cerca de Navidad. El disco terminó siendo, lógico, el borrador de lo que podría haber sido: Piriz estuvo un año pegando partes de temas, cortando otras, armando conceptualmente los trozos dispersos, bordando un rompecabezas a partir de las pistas dejadas por el autor. “En esa época -cuenta Molina–, Mateo fumaba porro como un loco, y parecía que siempre andaba en una nube. Estábamos en casa y de repente me decía: Vení, loco, acompañáme que tengo una actuación. Y entonces partíamos y llegábamos a un boliche, por ejemplo, de Almagro, y el tipo tocaba unas cosas dificilísimas para tres borrachos uruguayos que lo conocían y dos argentinos que lo miraban como sapo de otro pozo, y él estaba chocho. No tenía esa cosa de Soy Artista. Le chupaba un huevo ser Artista. Estaba convencido de que no debía transar con nada ni nadie, y que si el precio era cagarse de hambre, se iba a cagar de hambre. Y así fue.”


“Mateo solo bien se lame fue realmente como una bomba en Uruguay, me marcó definitivamente. Es un disco que devoré, que conozco de memoria. El disco sigue sonando como un clásico. Cuando salió, ya era un clásico. Marcó una línea estética, en mi opinión, absolutamente tercermundista, si es que esto quiere decir algo: Mateo haciendo un disco con una guitarra acústica y un tambor, en un momento en que toda la música estaba electrificada, en que el rocanrol se hacía cada vez más sofisticado y se tendía ya a dejar la forma simple para llegar al rock sinfónico, al estilo de Emerson Lake & Palmer o Yes. En ese momento, Mateo salió con una guitarra acústica contra el mundo, en un estilo que se apartaba de los parámetros folklórico-rurales, o políticos, para entrar en una atmósfera de mayor vuelo desde el punto de vista espiritual. Mateo tenía una gran influencia de Joao Gilberto y de las atmósferas que creaba Ravi Shankar, pero era una procesadora estética muy particular, con un enorme cuidado y un enorme olfato para las verdades musicales. Tomaba lo que creía que debía tomar, con un criterio particular y personal muy profundo, y lo elaboraba. Lo mismo desde el punto vista rítmico. Era un guitarrista y un percusionista genial.” 


Jaime Ross (Sobre Mateo solo bien se lame)




Eduardo Mateo: Guitarras, percusión, voces, música, poesía
Carlos Piris: Productor asociado, técnico de grabación

Temas:

01- Yulele
02- Quien te viera
03- Uh, qué macana
04- De nosotros dos
05- Niña
06- Tras de ti
07- Por qué?
08- Jacinta
09- La Mama vieja
10- Lala
11- La chola
12- Esa cosa
13- De mi pueblo



Formato: Mp3 - 320 Kbps

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3 de enero de 2020

Color Humano - Vol. 1 ( FLAC - 1972)




Después de la disolución de Almendra en 1970, Edelmiro Molinari comienza a desarrollar un nuevo proyecto musical. Primero fue Torax, un grupo que en realidad no paso de algunos ensayos, y que integraban Edelmiro y Luis Alberto Spinetta, que por aquel entonces pasaba por una etapa de querer tocar el bajo. El baterista fue Gustavo Saso, que al no concurrir a un ensayo posibilito que Gustavo Spinetta, hermano de Luis, se sentara por primera vez a una batería, propiedad de Jorge Pistocchi. Antes de que Torax se juntara en una sala, Edelmiro había barajado la posibilidad de formar el Trio Pistola, de vida mas que fugaz, junto con otros dos guitarristas: Pappo y Claudio Gabis.
Después de Torax llego una experiencia con el grupo Viento, que Edelmiro formo con el Luis Gambolini. Otros miembros de Viento fueron Vitico, Miguelito Fender y Rodolfo Garcia, quien asegura recordar un ensayo para un show, pero no el concierto en si. Cuando Gambolini se va, Molinari convoca a Rinaldo Rafanelli como bajista, que a su vez recomienda a David Lebon como baterista. Así queda constituida la primera formación de Color Humano, bautizado así por el tema de Almendra compuesto por Edelmiro. Una vez establecida la agrupación, Color Humano participa de la segunda edición de Buenos Aires Rock, en el velódromo, para luego comenzar a ensayar los temas que compondrían este primer álbum de la banda
David Lebon permanece poco tiempo en Color Humano y se marcha para tocar en Pescado Rabioso. Su reemplazante seria nada menos que Oscar Moro, ex miembro de Los Gatos y uno de los bateristas mas respetados del rock argentino. La mayor cantidad del tiempo del grupo es utilizada en el estudio de grabación y en ensayos meticulosos. Sus pocas apariciones en publico y lo complejo de su estilo hacen de Color Humano un grupo con reputación de exquisitos.
Con la publicación del primer disco homónimo, en medio de una gran expectativa y curiosidad del mundillo musical, el grupo se presenta en el Luna Park, el 20 de octubre de 1972, junto a la Pesada del Rock And Roll, en aquella fatídica noche del "Rompan todo".
El grupo ya consolidado en su formación, comienza a grabar a fines de marzo de 1973, nuevamente en los estudios Phonalex, un álbum doble. Por razones presupuestarias y de mercado el sello Microfón lo sacó a la venta como dos discos independientes. Como la cantidad de material compuesto era tanto se tomó la decisión de editarlo con ese formato y así resultaron Color Humano 2 y Color Humano 3. Entre uno y otro se produce la crisis del petróleo y, todos los productos de él derivados, como el vinilo, eran difíciles de conseguir. Esto provocó la demora en la salida de Color Humano 3, que se editó finalmente en 1974.
En 1973 realizaron un importante recital en el Teatro Astral que estuvo impregnado de un estilo psicodélico. Cuando el telón se abrió comenzaron a caer globos. Muchos de ellos tenían adosados espejos que recibían los rayos de luz provenientes del fondo del escenario. Para esta época, comenzaban los problemas internos que llevarían a la disolución del grupo. Edelmiro estaba decidido a llevar adelante la banda con mano dura, y Rinaldo y Moro ya no eran niños de pecho. Finalmente, a principios de 1974, los dos deciden abandonar Color Humano, para intentar un nuevo proyecto: un cuarteto junto a Ciro Fogliatta y David Lebon. Edelmiro manifiesta continuar con la banda con otros músicos, pero pronto vera que el proyecto es irrealizable. Color Humano había cumplido su ciclo, y Edelmiro partiría hacia Estados Unidos, con el objetivo de radicarse en Los Angeles, junto a su esposa Gabriela.




Integrantes:

Edelmiro Molinari: Guitarra, voz, coros, piano en "Introduccion Polenta"
Rinaldo Rafanelli: Bajo, coros, organo en "Introduccion Polenta"
David Lebon: Bateria, segunda voz

Temas:

01- Padre Sol, Madre Sal
02- Silbame, Oh Cabeza
03- Larga Vida Al Sol
04- El Hachazo
05- Humberto
06- Introduccion Polenta



Formato: FLAC - 44.000 Hz / 16 Bits

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27 de diciembre de 2019

Los Bárbaros - Los Bárbaros (1976)




Otro de los pedidos a La Nave, este tercer álbum de Los Bárbaros , el más exitoso de su carrera. El álbum incluye el tema “Adiós Paul, John, George y Ringo”, un homenaje a The Beatles que vendió mas de 500 mil copias y marcó un récord de ventas para la agrupación.
El disco contiene, además de las versiones en castellano e ingles de “Adiós...”, excelentes covers y temas propios dentro del estilo funky-soul que caracterizaba al grupo.

"La gran mayoria de las personas que hoy escuchan “Adiós Paul, John, George y Ringo”, sienten una gran tristeza. Quiero decirles que (salvo los que tienen alrededor de 60 años) no saben la tristeza infinita que teníamos todos los fans de Los Beatles, cuando a partir del 70-71 cada noticia sobre ellos era una nueva y furiosa pelea de esas que no hay regreso, Eso si que fue triste, quizas por eso la melancolía con la que compuse esta canción, porque en realidad eramos consciente que estábamos de duelo"
Miguel Angel Muscarsel (Autor del tema)
 
A fines de los ’60, en plena “beatlemanía” y tras un paso por su Italia natal, los hermanos Vitale (Marcelo, Loyd y Rino) regresan al país, donde se encontraba parte de su familia, y junto a un organista forman Los Bárbaros . Ellos se constituyeron de alguna forma en precursores de un estilo tanto estético como musical: pantalones anchos, botas de cuero, poleras, camisas modernas y peinados que todavía no eran moneda corriente. En lo musical el estilo de Los Bárbaros estaba emparentado con el soul, el rock, pero también con la balada romántica. El repertorio, en esta primera etapa del grupo, estaba integrado por composiciones propias y covers de artistas extranjeros, en su mayoría cantados en ingles. En 1970 se editó su primer disco: “Los Bárbaros”, cuyo corte de difusión fue “Esto es un adiós”. A eso le siguió una década de éxitos, con un pico de popularidad en 1976 gracias al tema “Adiós Paul, John, George y Ringo”.

"Los Bárbaros llegaron a Buenos Aires a principios de 1969. Son sumamente profesionales y -si quieren- pueden lograr un sonido maravilloso. Cuando no están animados tocan a nivel standard, pero da todas maneras lo hacen bien. Son tres hermanos italianos: Loid, Rino y Marcelo (Vitale, es el apellido). Eventualmente adosan al trío un organista, pero no es fijo. Son perfectos instrumentistas. Trabajan mucho en boites y últimamente están conquistando el público masivo a través de bailes. Cantan algunos temas en castellano.
Discos más destacados: "Viaje en la alfombra mágica". LP: "Los Bárbaros".
Dirección: Odeón, Mendoza 1660, Buenos Aires". 

Revista Pelo (Sobre Los Bárbaros-1970)




Integrantes:

Lucas Scantlebury: Voz, percusión
Marcelo Vitale: Organo, sintetizador, melotrón, piano, voz, Fender Rhodes
Rino Vitale: Batería, Voz
Jorge Pereira: Bajo, guitarra electrica, acustica, voz
Enrique Londaits: Guitarra Electrica, acustica, sitar, melotrón, tumbadora, voz
Mario Berrondo: Saxo, flauta, sintetizador, piano, melotrón, Fender Rhodes

Temas:

01- Lazaro, levantate y danza (Get up dance, Lazarus)
02- Tengo realmente alguna chance? (Have i really got a chance?)
03- Escuche a la gente decir (I heard the people)
04- El viejo,el perro y yo
05- La clase de hombre que sueña (He's the kind of man that likes to dream)
06- Adios Paul,John, George y Ringo (version en castellano)
07- No puedo tener nada sin amor (Without love)
08- Ella era el viento de otoño
09- No se porque canto una triste canción?
10- Por favor dejame libre (Set me free,please)
11- Doctor 1813
12- Adios Paul, John, George y Ringo (version en inglés) 


Formato: Mp3 - 256 Kbps

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20 de diciembre de 2019

Fernando Goin - Fernando Goin / Cortando Con La Tristeza (1979-1980)




Pedido varias veces a La Nave, llega Fernando Goin, uno de los grandes exponentes del folk rock argentino. Un músico de culto que debuto discográficamente en 1979, y que actualmente continúa en actividad.

Este cantante, compositor y guitarrista folk fue producido por Raúl Porchetto para su disco debut. En la grabación de esta placa lo acompañaron músicos de gran experiencia como Pedro Aznar (bajo), Alfredo Toth (bajo), Luis Cerávolo (batería), Bernardo Baraj (saxo). Decía el Expreso Imaginario. "Los temas que merecen comentarse son 'Una mañana en el invierno', un country que cuenta la típica historia del sujeto cansado de la city que se escapa para encontrar las praderas pacificas. 'Blues de Lucía', con una fuerte influencia de Dylan 'era Nashville' tanto en lo musical como en la entonación nasal. En cuanto a letra lo mejorcito es "Ella en la ventana está aprendiendo a llorar", tema que logro popularidad al ser incluido en un disco promocional de la revista Pelo.
Su segundo álbum "Cortando con la tristeza". se editó un año después, sin lograr superar la repercusión del primero. Este disco contiene diez temas y abre con: "Pedro en Nueva York" para cerrar con "Calle que despierta". Su tercer trabajo. "Mientras pueda iré cantando", fue publicado en el '82, en momentos de la Guerra de Malvinas, cuando las radios estaban obligadas a difundir música nacional. Para esta ocasión la banda estaba integrada por el propio Goin, Jorge Navarro en piano, Carlos Genoni (bajo), Domingo Cura (congas), Luis Ceravolo (batería), Hugo Pierre (saxo alto), José Granata (trompeta) y Henry Bay (trombon).
En el 2006, Goin presenta su nuevo trabajo: "Fernando Goin Sings Dylan" donde hace versiones ablusadas de temas de Bob Dylan que van desde sus temas mas conocido como "Blowin' in the Wind" o "Just Like a Woman" a temas no tan conocidos pero de riqueza incuestionable. A fines de Noviembre de 2000 graba "Mystery Train" acompañado por Luis Taboada y Marcelo Ponce en guitarras, Carlos Rotondaro en bajo, Germán Ebert en batería y Viviana Dallas en coro. Mystery Train constituye un homenaje a los grandes autores del Folklore Norteamericano. Mississippi John Hurts, Bob Dylan, Carter Family, Blind Boy Fuller, Johny Cash entre otros, se unen misteriosamente en un disco que manifiesta el profundo agradecimiento y respeto que Goin profesa por el género.  En 2010 y luego de casi diez años de no escribir canciones, Fernando Goin edita su cuarto disco, el primero de composiciones propias, “Songster” es presentado en vivo el viernes 6 de agosto, en Roxy Live de Capital Federal.

"No obstante alguna inicial experiencia rockera o su actual admiración por el jazz, lo que prima en la música de Fernando Goin (27) son la canciones que de una reunión de amigos saltaron a un estudio de grabación. Esto ocurrió en octubre del año pasado, y en febrero de 1979 ya había culminado su primer álbum, acompañado por numerosos músicos conocidos para el rock: Carlos Riganti, Pedro Aznar, Bernardo Baraj, Alfredo Toth, Luis Alberto Cerávolo, Raúl Porchetto (quien realizó algunos arreglos), Jorge Padín, Enrique Londairts (teclados y guitarra) y "Lito" Olmos (teclados), además de Goin en órgano, guitarra y voz. Simple, íntima y sensible, la música de Goin no se limita a lo acústico sino que se extiende al blues y la zamba, condimentada con una letra nítida y ciudadana, Eso es lo que presentará en su concierto paralelamente a la edición del álbum, prevista para mayo."
Revista Pelo-1979




Temas: Fernando Goin (1979)

01- Una mañana de invierno
02- Mi norte tiene mas de un color
03- Blues de Lucia
04- Julia en el dia
05- Fabula y disfraz
06- Ella en la ventana esta aprendiendo a llorar
07- Me quedo con tu risa
08- Zamba de siempre
09- Cortando con la tristeza
10- Calle que despierta


Temas: Cortando Con La Tristeza (1980)

01- Pedro en Nueva York
02- Tirando dardos
03- Bailarina tonta
04- Abrazando mi guitarra
05- La historia del señor
06- Las novelas que compras
07- La última balada que canto
08- Demasiadas rutas
09- Cortando con la tristeza
10- Calle que despierta 



Formato: Mp3 - 192 Kbps

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