22 de mayo de 2020

Epumer, Machi, Judurcha - Power Trio / Enigma (2010-2014)




La reunión de estos tres grandes músicos argentinos producida en 2008 y el posterior debut discográfico en 2010, ha representado oportunamente el retorno de uno de los grandes bajistas del rock nacional, Machi Rufino (ex Invisible y Pappo’s Blues). Y también el del gran guitarrista Lito Epumer (Madre Atomica, Spinetta Jade), que regresa a sus raíces rockeras, luego de transitar por el folclore y los ritmos rioplatenses. Junto a Cristian Judurcha en batería, abordan una música poco escuchada en estos días: el jazz-rock, encarado desde la perspectiva de instrumentistas formados en el rock y fascinados por el jazz, un poco a la manera del Jeff Beck de Wired. Power Trío (primer disco) incluyó temas instrumentales de la autoría de Epumer, que navegan entre el blues y la fusión, con el guitarrista que muestra un tono contundente y gran variedad de recursos. Machi, como siempre, es una presencia que se siente más de lo que se escucha, propulsando la música con líneas de bajo tan precisas como inventivas. El corolario son dos temas grabados en vivo en La Trastienda: "Cold Turkey" (Lennon), con Pedro Aznar como invitado y "Stratus" (Billy Cobham), con Epumer y Ricardo Mollo trenzándose en un glorioso tándem de guitarras.
En Abril de 2014 editaron “Enigma”, su esperado segundo disco grabado en el estudio El Pie, con la participación de destacados músicos como Javier Malosetti en bajo, Victor Carrión en saxo soprano y Rodolfo Mederos haciendo su solo de bandoneón en la recreación de "Los Libros de la Buena Memoria", como en aquella grabación original de 1976. La mayor parte de los temas de “Enigma” llevaron la firma de Epumer, la única excepción (además de "Los libros...", claro) es "Pequi" (tema 10), autoría de Machi. Pero se nota claramente que mucha de la música del disco surge del tocar los tres juntos durante años. Hay un afecto en el aire, que se corporiza tanto en la calidez de las líneas melódicas como en el tono de dulce juego que tienen varios de los temas. También se destacan en el 2do disco del trío el color que aporta el saxo de Víctor Carrión en "González" (tema 4), el bajo de Javier Malosetti en "Gallo pollo" (tema 8) y la voz de Machi explicando lo inexplicable en "Cabezota" (tema 6) le agregan colores y humor a un excelente disco.





Integrantes:

Litto Epumer: Guitarra
Machi Rufino: Bajo, voz
Cristian Judurcha: Bateria

Discos y Temas

Power Trio (2010):

01- Cabezota        
02- E.M.J.        
03- Judu        
04- Durazno sangrando (Invisible)        
05- Papaya        
06- Silvia's Blues        
07- Aja        
08- Cold turkey (John Lennon) Con Pedro Aznar         
09- Stratus (Billy Cobham) Con Ricardo Moll


Enigma (2014):

01- Que vuelva la luz         
02- Lilu         
03- Gallo pollo (Con Javier Malosseti)         
04- Enigma         
05- González (Con Victor Carreon)         
06- Pasaje La Blanqueada         
07- Los libros de la buena memoria (Invisible) Con Rodolfo Mederos         
08- El Carpo         
09- Pequi         
10- Cabezota         
11- E.M.J.  



Formato: Mp3 - 320 Kbps

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15 de mayo de 2020

Diane Denoir - Diane Denoir + Simple (Uruguay / 1970-1972)




Había una vez un long play que era uno de los más buscados por los melómanos de las dos orillas del Plata. Se trataba de uno de esos objetos misteriosos, de culto, que de pronto aparecen entre los loros y los cueritos de canillas de la feria Tristán Narvaja de Montevideo o en una galería del Puente Saavedra de Buenos Aires.
El disco es de Diane Denoir, un secreto uruguayo que pasó del beat a la bossa nova, del candombe psicodélico al canto testimonial. Grabado en Buenos Aires en 1972, Diane Denoir está tocado por un pequeño seleccionado de músicos de la época (entre los que destacan Eduardo Mateo y los argentinos Gustavo Beytelmann y el Zurdo Roizner) y tiene una neta influencia de ritmos que estaban moldeando la música popular de varios puntos del planeta como la bossa nova y la chanson francesa.
Lo que hizo Denoir en 1972 fue tomar el repertorio más delicado de Eduardo Mateo (previa sedimentación del candombe beat inventado por él mismo) y susurrar pequeñas canciones que a través de su peculiar timbre se vuelven frágiles. Son canciones que piden abrigo. La voz de Denoir arropa a la manera de aquellas grabaciones de Brigitte Bardot y Jane Birkin de mediados de los 60. La diferencia está en la factura de los temas: estamos hablando del mejor Mateo, el Mateo de Esa tristeza, ("esa tristeza que tienes/ viene de un rostro cansado/viene de manos abiertas/por manos que han escapado") Jacinta, Y hoy te vi ("cuando caminas lento / bajo la lluvia fría/ cuando las luces pisas /sufres /te mueres") y Mejor me voy. El Mateo que buscaba una síntesis entre Los Beatles, Joao Gilberto, la música hindú y el candombe. Esa ráfaga genial.
 La música urbana de ese instante de la década del 70 hay que entenderla como un lugar de convergencia entre estéticas más o menos sofisticadas que podían abarcar desde el café concert hasta la nouvelle vague. Diane Denoir fue en ese sentido una contemporánea feroz, una esponja insaciable de su época: conoció a los mejores forajidos beats uruguayos cuando era estudiante de artes plásticas y ganaba el tiempo haciendo performances teatrales. Mateo quedó prendado de esa morocha de ojos claros, de esa chica que siempre vestía de negro ("de noir"). Resultado: pasó a ser su principal musa. En este dato, casi sentimental, también radica la importancia de la cantante en la estilización de la música popular oriental.
Para terminar: hay en las doce canciones del disco una leve tristeza que en esa voz desentonada y sensual se vuelve demoledora. La melancolía de la Diane Denoir modelo 72 es pura desolación, pura belleza.

Mariano del Mazo




Musicos Que Participan:

Diane Denoir: Voz
Eduardo Mateo: Guitarra, contrabajo, órgano, tumbadoras
Gustavo Beytelmann:  Piano, órgano
Mario Fernández: Contrabajo
Enrique "Zurdo" Roizner: Bateria
Alberto Núñez Palacio: Guitarra
Antonio Agri, Rolando Curzel: Violines
Néstor Panik: Viola
Víctor Pontino: Cello
Edmundo Piccione: Oboe
Mariano Zarich: Flauta, saxo
Henry Bay: Trombón

Arreglos y dirección: Gustavo Beytelmann, Eduardo Mateo y Alberto Núñez Palacio

Temas:

01- Los hijos de Don Manuel (Eduardo Mateo)
02- Martin (Urbano Moraes)
03- Tu andaras (Urbano Moraes)
04- Esa tristeza (Eduardo Mateo)
05- Jacinta (Eduardo Mateo)
06- Mirate los ojos (Eduardo Mateo)
07- Y hoy te vi (Eduardo Mateo)
08- Las flores nuevas (Eduardo Mateo)
09- Quisiera (Daniel Amaro/Eduardo Mateo)
10- El adios (Eduardo Mateo)
11- Señora Diana la ve (Giuso Bellanca/E. Luisi)
12- Mejor me voy (Eduardo Mateo) 


Bonus Tracks:

13- Down the road (Lado A / Simple-1970)
14- Drummer man (Lado B / Simple-1970)


Formato: Mp3 - 192 Kbps

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8 de mayo de 2020

Manal - Manal (FLAC / 24 Bits - 1970)




La bomba que estallaba en 1970, fundando las bases del blues en castellano, continua aun vigente, esparciendo esquirlas de existencialismo y paisaje urbano. Es momento de renovar el encuentro; ahora en formato FLAC de 24 Bits. Sepan disfrutarlo navegantes, hoy mas que nunca, en este tiempo de confinamiento.

En el año 1968 Javier Martinez, ex integrante del Grupo De Gaston, conoció a Claudio Gabis y al poco tiempo se les sumo un viejo conocido de Javier, Alejandro Medina, que ya habia sido el bajista de los Seasons. Con la formación del trio comenzaron a ensayar los temas que Javier compuso en la época de La Cueva y La Perla del Once. Durante 1968 el trio se llamaba Ricota, nombre sugerido por Marta Minujín. Es entonces que conocen a Jorge Alvarez, que pretendía llevar al gran público la música y el arte que no encontraba cabida en los circuitos comerciales. Por iniciativa de Alvarez el trio deja a un lado el nombre Ricota y lo reemplaza por Manal (de "como viene la mano"). Ya como Manal graban un simple con los temas Para ser un hombre más / Qué pena me das. El simple fue editado por el sello Mandioca organizado por Alvarez a la vez que el grupo se  se presentaba públicamente en recitales organizados en el Teatro Apolo en noviembre de 1968. Durante 1969 Manal continuó con sus recitales, tal vez los primeros en merecer el nombre de tales en la historia del rock argentino. Su segundo simple fue No pibe / Necesito un amor.
La consagración de Manal llega finalmente en febrero de 1970 con la edición de su primer album titulado simplemente Manal y editado por Mandioca. Tanto la fuerza y el tono burlón de Jugo de Tomate (otro inmediato exito que fue memorizado por toda una generación y del que aún se ecuchan versiones) como por la belleza de Una casa con 10 pinos o la crudeza de Informe de un día, mostraban a Javier Martinez como un compositor rico y sincero. Avenida Rivadavia, con su tono innegablemente jazístico, rescataban en cambio el swing de Alejandro Medina y la fuerza de su vocalización. Pero lo mejor del álbum, el centro del mismo, era el legendario Avellaneda Blues, donde un estupenda letra en forma de telegrama deslizaba pinceladas de un mundo suburbano real e inquietante, realzado por un punteo de Claudio Gabis que se cuenta entre los mejores solos de guitarra de la historia del rock vernáculo. Este es reconocido como el "Blues de Buenos Aires" y jamás fue igualado ni por ellos ni por sus imitadores.

"Una guitarra y un bajo conectados a un equipo de amplificadores, una batería ajustada, ningún sospechoso en la sala: eso basta para tomar contacto con Manal, arder por adentro y orbitar alrededor de nosotros. En los estudios T.N.T., escuchamos con atención:
"No miro el techo para ver más que yeso / y la ventana me sirve para mirar / un edificio con gente que desayuna, se peina y fuma / en la rutina de continuar".
Llevan varias horas de grabación y varios registros del mismo tema ninguno de los tres se anima a descartar. Alejandro regraba Informe de un día con el bajo distorsionado; logra un timbre distinto, realmente embriagador. A quienes lo recuerden de sus primeras épocas, cuando integraba Los Seasons, les parece imposible que sea el mismo que está condimentando Avellaneda Blues. Ahora su técnica parece más que suficiente. Su tempo, muy sólidoPero Javier vuelve a aullar en los parlantes:
 "Y yo estoy aquí tan tranquilo / revuelvo mi pelo me miro los pies / Ellos están ahí / no se como los puedo ver sin mirar". La primera voz del trío se tironea el bigote y apronta para disparar Jugo de tomate frío con su voz negra, intensa. Mientras la nueva horneada de bateros se enrola en la línea soul fluida , él insiste en explorar los recursos inéditos del bombo, marca el beat en el redoblante, contragolpea con mucha frecuencia en los tontones. Preciso, con una mano izquierda muy libre subraya los reef, imprime en su golpeteo un swing propio del mejor jazz. Luego, cuando el play-back de Avenida Rivadavia destaca la labor de Claudio, se notan las direcciones de su guitarra virtuosa: jazzística ortodoxa, bluseada no excesivamente rigurosa. En ambos casos, solvente cien por cien.
Adentro de la cabina, unos cuantos - técnicos y amigos - gozan con las caras iluminadas: ahí, en ese blues urbano, pariente del de Chicago, está el verdadero estilo de Manal. Una casa con diez pinos brota luego: una canción lenta pero recia. Todo el día me pregunto: el blues más blues del L.P
De regreso, pienso en la depuración del conjunto, en el espectro de ritmos que abarca - del hard-rock al soul, del beat más rabioso al blues más sentimental -, en sus fraseos delirantes y exactos, en sus acordes dolientes pero vitales. Y anoto: spirituals porteños, el sonido de una generación que quiere creer".

J. C. Kreimer (Escrito interior del album)




"A principios de 1970 (algunas fuentes mencionan enero y otras febrero como el mes en cuestión) apareció el primer LP del trío, con la icónica tapa del artista plástico Rodolfo Binaghi. El fuego se abría con “Jugo de tomate”, donde un punzante riff de la factoría Gabis y el preciso bajo de Medina acompañaban a Martínez mientras ironizaba acerca de lo que se necesitaba para triunfar en la vida. Seguía “Porque hoy nací”, construida entre Javier, quien además de su voz cavernosa sumó una guitarra con efecto trémolo, y Claudio en órgano Hammond. “Hicimos tres pasadas para ajustar sonido y luego la grabamos en primera toma”, aporta Gabis. La letra, de carácter existencialista, reflejaba la pasión del baterista por autores como Jack Keruac y Albert Camus. El irresistible swing de “Avenida Rivadavia” mostraba a Medina, con gran solvencia, en la voz principal y a un Gabis descollante. “El solo lo improvisé pero el acompañamiento lo armé tratando de acercarme al lenguaje del jazz”, explica. El lado uno cerraba con “Todo el día me pregunto”, un blues de Javier con una sección media instrumental aportada por sus compañeros. Su letra exudaba tristeza y soledad. “Poeta, decía Friedrich Nietzsche, es el que tiene el coraje de confesarse”, cita Martínez.
El lado 2 comenzaba con el magnum opus del combo: “Avellaneda blues”. La pieza describía, con precisión fotográfica, esa porción del Buenos Aires industrial y proletario. “Me gusta mucho el paisaje urbano y quise retratarlo a través de la poesía”, dice Martínez. La letra, conectada con “Niebla del Riachuelo” de Enrique Cadícamo, revelaba otros gustos del baterista: el tango y la obra literaria de Roberto Arlt. El tema fue el único firmado por la dupla Martínez - Gabis. “Teníamos un excesivo amor propio que impidió colaborar más entre nosotros”, se lamenta Claudio. “Casa con diez pinos” aludía a una quinta de la localidad bonaerense de Monte Grande adonde Martínez solía concurrir y abría con un solo de batería que daba paso a una atmósfera cargada de soul. “Mis arreglos allí están inspirados en Steve Cropper, guitarrista de Booker T. & the M.G.'s, la banda detrás de Otis Redding”, detalla Gabis. El final llegaba con “Informe de un día”, tour de force de casi ocho minutos con clara influencia jazzística. El bajo distorsionado de Medina y la indómita guitarra de Gabis enmarcaban otra joya existencialista. “Desde el punto de vista de la construcción musical, es una de nuestras obras más ambiciosas”, evalúa el guitarrista.
Las canciones fueron grabadas en los estudios T.N.T. a través de dos magnetófonos Ampex de cuatro canales cada uno. Para registrarlas, los músicos utilizaron un método de reducción de pistas. “Grabábamos en una de las máquinas, luego pasábamos la cinta a dos canales de la otra y así nos quedaban pistas libres para agregar una armónica, un piano, coros o una segunda guitarra”, precisa Gabis. El compositor de las piezas era Martínez, pero la forma definitiva de cada una de ellas las moldeaba el trío. “Cuando Javier traía un tema, Alejandro y yo aportábamos elementos propios", comenta el guitarrista. "Juntos lo trabajábamos hasta dotarlo de la coloratura adecuada. Lo nuestro no pasaba por el blues a secas pues también adorábamos el jazz y el soul. En definitiva, era música negra afroamericana, porque además tenía influencias de los sonidos rioplatenses”.

 Gabriel Cócaro (Página 12)




Integrantes :

Javier Martínez: Voz, batería (batería C.A.F., tambor Ludwig, platos Zildjian)
Claudio Gabis: Guitarras eléctricas (Fender Telecaster y Repiso), armónica, piano, órgano Hammond
Alejandro Medina: Bajo eléctrico (Hagstrom), voz, guitarra española, órgano Hammond, piano


Temas:

01- Jugo de tomate
02- Porque hoy nací
03- Avenida Rivadavia
04- Todo el día me pregunto
05- Avellaneda Blues
06- Una casa con diez pinos
07- Informe de un día 



Formato: FLAC (Free Lossless Audio Codec) 48.000 Hz - 24 Bits

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1 de mayo de 2020

BUE - Actuando Sin Disfraz (1984)




Otro rescate de La Nave. Se trata de BUE, agrupación de estilo jazz-rockero con muy buenas composiciones y finos arreglos. Este es su único álbum, publicado en 1984. 

Después de haber tocado en todo el circuito de jazz desde principios de los 80 en el trío El Tren, decidieron romper con los encasillamientos y salir a batallar con algo mas cercano a sus sentimientos: el rock. Para esto, incluyeron una cantante y dos vientistas, además de cambiar su nombre por el de Bue.
Aparecieron con su propuesta de música elaborada, con melodías muy trabajadas, en lugares del circuito under como el Stud Free Pub. En su formación contaron con músicos invitados como el saxofonista Sebastián Schon.
En 1984 editaron su primer álbum "Actuando sin disfraz", donde hasta en el titulo se refleja la onda alejada de cualquier moda pasajera. La placa contenía excelentes composiciones como "Encontrar el camino", "Que venga la luz", y la bluseada "Actuando sin disfraz", donde destaca la voz de Diana Pereira. El álbum, sin embargo, tuvo una relativa aceptación entre el publico. Con respecto al material dijo la revista Twist y Gritos. "Los temas dirigidos por Trapani, cultivan un estilo jazzero muy piola, ejecutados de manera muy suelta y ajustada. Hay un buen aprovechamiento de los caños, así como del resto de los instrumentos, por sobre los cuales la voz de Diana Pereira se ajusta con total afinidad al estilo de la música".
El disco llegó a ser presentado en vivo, pero la banda fue espaciando sus actuaciones hasta que finalmente se disolvió. Tras su disolución Trapani tocó con Claudia Puyó y luego fundó Trapani Anden.





Integrantes:

Guillermo Trapani: Teclados
Diana Pereyra: Voz
Willy Tejada Arce: Trompeta
Gustavo Contreras: Saxo
Rubén Ferrari: Bajo
Guillermo Yonas: Batería

Temas:

01- Que Venga La Luz
02- A Los Chicos De La Noche
03- Del Gris Espigon
04- Saltando Sobre La Logica Mundana
05- Encontrar El Camino
06- Actuando Sin Disfraz
07- Cancion De La Danza
08- Un Pajaro De Raro Plumaje  



Formato: Mp3 - 192 Kbps

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24 de abril de 2020

B.A. Rock II - V.A. (Bootleg - 1971)




Históricos audios del Festival B.A.Rock II, realizado durante noviembre de 1971 en el Velódromo Municipal, reuniendo un total de 50 mil personas.

Quiero agradecer especialmente al amigo Sandokan, del Arcón de los Recuerdos, que gentilmente me envió este material para compartirlo con ustedes. Muchas gracias maestro!!

"Con la experiencia de haber realizado el primer Festival B.A.Rock y las buenas ventas de la revista Pelo, su editor, Daniel Ripoll lanza al segundo B.A.Rock como el "Festival Internacional de la Música Progresiva", consiguiendo el auspicio de la Secretaría de Cultura de la Municipalidad de Buenos Aires. Este se realizó durante los cinco sábados del mes de noviembre de 1971 en el Velódromo Municipal desde las 13.30 horas hasta que se ponga el sol. La programación incluyó a participantes del exterior, Spirit of John Morgan de Inglaterra, Fabio del Brasil y los uruguayos Tótem (Rubén Rada en voz y percusión, Eduardo Useta y Enrique Rey en guitarras, Mario Cabral en percusión, Daniel Lagarde en bajo y Roberto Galletti en batería), Opus Alpha (Jesús Figueroa en voz, Daniel Bertolone en guitarra, Jorge Barral en bajo, Jorge Graf en batería y Milano Polo Gil Losada en teclados) y Psiglo (Rubén Melogno en voz, Luis Cesio en guitarra, César Rechac en bajo, Jorge García en teclados y Gonzalo Farrugia en la batería). Como participantes de Buenos Aires: Alma y Vida, Arco Iris, Litto Nebbia y Vox Dei en varios cuerpos tipográficos más grande que Cofradía de la Flor Solar, La Pesada del Rock and Roll, Moris, Pedro y Pablo, Starc-Del Guercio-García-González Neira, Claudio Gabis, Contraluz, Edelmiro Molinari, Héctor Starc Trío, Homus, Katunga y La Cría Rockal. Como participantes del interior: Bang, La Pequeña Banda de Tricupa (Roberto Giambastiani, Juan Escalante, Afilio Díaz y Luis Albornoz) Pío y Teorema de Tucumán, Lágrimas (con Eduardo Frezza) de Rosario, Alma Pura de Santa Fe y Extraños de Salta y bajo el lema La Nueva Generación figuran Fe (Carlos Etcheverry en voz, Rubén Biscione en guitarra, Enrique Alvarado en bajo, Pablo Hernández en batería y Pablo Kusselman y Jorge Luis Canaves en vientos), Filomena, Gabriela, León Giecco, Miguel & Eugenio, el Negro Julio Ocampo, Orion's Beethoven (con los hermanos Bar y José Luis González en batería) y Raúl Porchetto".  

                                                                                                                             Ezequiel Avalos




Interpretes y Temas:

01- Starc, Del Guercio, Neira, Garcia - Miren a este Imbecil
02- Presentacion Alma y Vida
03- Alma y Vida - Mujer Mujer
04- Alma y Vida - 20 Monedas
05- Alma y Vida - Me Siento Dueño Del Mundo
06- Alma y Vida - Hace Tiempo
07- Spirit of John Morgan - Rock and Roll
08- Edelmiro Molinari - Tema
09- Banda desconocida- Tema
10- La Maquina y Pappo - Blues de Santa Fe
11- La Maquina - Blues Para Ramos Mejia
12- La Maquina - La palida del Rock And Roll
13- Hector Starc Trio - Tema l
14- Hector Starc Trio - Tema 2
15- Hector Starc Trio - Tema 3 
16- Hector Starc Trio - Zapada


Formato: Mp3 - 192 Kbps

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17 de abril de 2020

Los Shakers ‎– La Conferencia Secreta Del Toto's Bar (Vinilo FLAC -1968)




La conferencia secreta del Toto's bar es el tercer LP de Los Shakers. Fue editado a fines de 1968 en Argentina y en febrero de 1969 en Uruguay por el sello Odeón. Esta digitalización que comparto con ustedes, corresponde a la edición argentina del vinilo original. El álbum se publicó con formato de sonido monoural, bajo el número de serie LDX-309.

Si bien en su momento el disco tuvo escasa repercusión, es considerado hoy en día como uno de los mejores discos de rock grabados en Sudamérica en la década de 1960. En el encontramos claras reminiscencias al Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de The Beatles: las dos canciones enganchadas al comienzo del disco, el tema final que contacta con A Day in the Life, las humoradas musicales a lo largo del álbum, entre otras similitudes. Por esa razón es llamado muchas veces como el "Sgt. Peppers de América Latina". También hay canciones en las que se mezcla el rock y jazz con música rioplatense: "Candombe", inspirada en el trabajo de Manolo Guardia y "Más largo que el Ciruela", donde se puede oír sonar un bandoneón que remite a Astor Piazzolla, y cuya inclusión fue idea de "Pelín" Capobianco. El título del trabajo es una referencia a la Conferencia de Presidentes Americanos realizada en Punta del Este en abril de 1967. Toto era el dueño de un bar de esa ciudad.
En el momento de ser publicado el disco, Los Shakers ya era una banda desarmada. Esto, sumado a que la compañía discográfica Odeón se desentendió del material, hizo que la difusión que tuvo el álbum fuera inexistente. Pese a ello, deslumbró e influyó en una gran cantidad de músicos de Argentina y Uruguay, incluyendo a Luis Alberto Spinetta y Charly García. Es considerado en la actualidad como un disco fundamental en la historia del rock latinoamericano, ya que resultó un anticipo a la fusión que se dio más tarde entre el rock y el pop con géneros musicales de Sudamérica.



  

"Grabado en Argentina, el tercer LP de Los Shakers constaba de once canciones originales en las que el grupo mezcla el rock y el jazz con numerosos géneros latinoamericanos como la bossa, el tango,  y el candombe. Cantadas con un inglés masticado que en ocasiones se vuelve incomprensible, las letras de las canciones están marcadas por la creatividad desbordante de imaginación de compositores como Lennon y McCartney.
la canción homónima que abre el álbum cuenta la historia de una conferencia secreta entre varios presidentes de los países más importantes del mundo, llevada a cabo en un pequeño bar de San Rafael, Uruguay. Unida a esta canción —clara referencia a la unión de Sgt. Pepper’s Lonely Heart’s Club Band y With a little help with my friends— está Mi Tía Clementina, una tierna canción sobre un niño que desea convertirse en barbero cuando sea grande. La segunda pista, titulada Candombe es una pieza compleja con una gran cantidad de arreglos y percusiones. Este tema es uno de los ejemplos más claros en el álbum de la combinación del rock con géneros latinoamericanos. En su inicio introduce por primera vez al acordeón como un instrumento que tendrá una presencia importante en el álbum, y en su final contiene un solo de guitarra sencillo, pero imperdible. En las siguientes tres pistas, Acostumbro a ver T.V. los Martes 36, Una forma de Arco Iris y Siempre Tú se hace más palpable aún la influencia de los Beatles. Estas canciones de rock, repletas de armonías de voces, un piano alegre y guitarra juguetonas, forman un sonido jubiloso y optimista que rememora al Sgt. Pepper’s en canciones como Getting Better. A estas le procede B.B.Band, una marcha con melodías y armonías vocales alegres que inicia con un instrumento que suena similar a una gaita. Después está Yo recuerdo mi mundo, una lenta balada que alterna compases de 3/4 y 4/4. Este tema se nutre de arreglos de cuerdas que rememoran a canciones como Glass Onion, mientras un virtuoso acordeón entra y sale de escena. Con Oh mi amigo volvemos a un sonido Beatle más clásico. Nos remonta a su época de Rubber Soul con referencias explicitas a canciones como Drive my car. La novena pista del álbum, El pino y la rosa, es una canción upbeat en la que se alternan ritmos rápidos y lentos. Además, contiene una sección con una interesante armonía de voces que se complementa con una melancólica melodía de acordeón inspirada, sin duda, en el ambiente porteño rioplatense y en el compositor Astor Piazzola. Las últimas dos pistas del álbum, El señor carretera el encantado y Más largo que el ciruela, son dos canciones que parecen adelantarse un poco a The Beatles. Con bellos arreglos orquestales que recuerdan a canciones como The Long and Winding Road del entonces aún no publicado álbum Let it be, cierran este álbum de maravillosa sonoridad, que definitivamente está al nivel de las grandes producciones musicales europeas de su época".


Edson Elizondo - http://gritaradio.com




Integrantes:

Hugo Fattoruso: Primera Guitarra, teclados, voz
Osvaldo Fattoruso: Segunda Guitarra, voz
Carlos "Caio" Vila: Batería
Roberto "Pelín" Capobianco: Bajo, violoncello, bandoneón


Temas:

01- La conferencia secreta del Toto's Bar / Mi tía Clementina        
02- Candombe        
03- Acostumbro ver TV los martes 36        
04- Una forma de arco iris        
05- Siempre tú        
06- B.B.B. Band         
07- Yo recuerdo mi mundo        
08- Oh, mi amigo        
09- El pino y la rosa        
10- Señor carretera, el encantado        
11- Más largo que el ciruela



Muestra grafica de la grabación sin pérdida de audio original


Ripeado De Vinilo

Formato FLAC (Free Lossless Audio Codec) 48.000 Hz - 16 bits

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10 de abril de 2020

Litto Nebbia - Sólo Se Trata De Vivir (1982)




En 1978, a raíz de la dictadura cívico-militar que gobernaba el país,  Litto Nebbia se radicó durante unos años en México junto a su pareja y colaboradora Mirtha Defilpo. Fue alli, a principios de 1980, donde compuso una de sus canciones más famosas: "Sólo se trata de vivir", que inmediatamente  se transforma en un clásico. Siendo el mayor éxito de su carrera solista, ya que fue versionado por decenas de artistas de las más diversas extracciones, tanto en la Argentina como en el exterior. Pero en esa época también escribe temas emblemáticos como "Para John", "Canción del horizonte" y otras mas. Fueron tiempos duros en la vida del músico. Es que, como el propio Nebbia contó en una entrevista a la Revista Rolling Stone, los días posteriores al 24 de Marzo  fueron complicados. Comenzó a figurar como artista prohibido, censurado en los medios: de pronto iba a un programa de TV y al llegar le comunicaban que no salía porque había llegado una orden. “Muchas canciones mías hablan de ese tiempo, del clima que se vivía” dijo Nebbia en algún momento. Terminado el Mundial de 1978 no aguantó más las amenazas indirectas y los seguimientos por las calles y se fue. Pero su tiempo en México fue prolífico y en ese momento crea su propio sello Melopea.
En 1982  regresa a la Argentina y une fuerzas con la excelente agrupación cordobesa Los Músicos del Centro y deja otros dos trabajos notables: Llegamos de los barcos (1982) y En vivo en Obras (1983), registro del show de mayo de ese año donde participó de El Rosariazo, un show que reunió a Juan Carlos Baglietto, Silvina Garré, Fito Páez, Lalo de los Santos y Jorge Fandermole, entre otros. A partir de los años 1980, Litto comienza a realizar bandas de sonido para películas, e incluso obras de teatro, emblema de ese tiempo es el tema “Quien quiera oír que oiga”.
A partir de este momento, mediados de los ´80, la actividad de Nebbia, siempre intensa, se torna febril debido a la proliferación de asociaciones con otros artistas.  En 1986 edita su LP número cincuenta (Demasiadas maneras de no saber nada) acompañado  de  músicos  como Fats Fernández (trompeta), Bernardo Baraj (saxo), Ricardo Lew (guitarra y arreglos),  y se destaca  Las aventuras de Rubén Rada & Litto Nebbia, con Rubén Rada (1990).


"Los días del golpe miltar fueron la confirmación "blanqueada" de lo que muchos de los ciudadanos ya sabíamos que estaba sucediendo: allanamientos, prohibiciones y detenciones. Yo comencé a figurar como artista prohibido, censurado en los medios: de pronto iba a un programa de TV y al llegar me comunicaban que no se iba a hacer porque había llegado una orden de que estaba prohibido. Muchas canciones mías hablan de ese tiempo, del clima que se vivía. Terminado el Mundial, no aguanté más. Me amenazaban mucho y me seguían por las calles. Con los últimos pesos que me quedaban, me marché a México, donde permanecí más de tres años en la colonia Niños Héroes. Ahí compuse "Sólo se trata de vivir", "Para John", "Canción del horizonte" y otras. Muy solidarios los mexicanos, me ayudaron mucho". 

Litto Nebbia (revista Rolling Stone)

"Toda la música, textos, arreglos e instrumentos y voces que se oyen en este disco, fueron escritos e interpretados por Nebbia; exceptuando el tema "Vivir en distintos barrios", en donde intervienen Analia Lovato y Any Grunwold en coros. "Sólo se trata de vivir" y "Vivir en distintos barrios" fue grabado en febrero del 80 en estudios Unique Recording de New York; el resto del álbum en diciembre de 1981 en Ary Estudios de Mexico D.F." 
(Escrito contratapa del album)




Litto Nebbia: Teclados, guitarras, bateria, bajo, percusion, armonica, canto y coros

Temas

01- Sólo se trata de vivir        
02- Canción del horizonte        
03- Retrato de Piazzolla        
04- Gente que no sabe lo que quiere        
05- Nadie es tan importante como uno cree        
06- El bohemio        
07- Otra gente        
08- Vivir en distintos barrios        
09- Canción para terminar el álbum y el año 



Formato: Mp3 - 320 Kbps

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