Miguel Cantilo, Jorge Durietz...y Otros - Apóstoles (FLAC - 1975 / Publicado En 1981)

 

 

Titulado "Miguel Cantilo - Jorge Durietz ... y otros - Apostoles" para evitar problemas con la censura, este trabajo fue grabado en el año 1975, pero recien editado formalmente en 1981 (con la rápida inclusión de "Que sea el sol"). El álbum fue una colaboracion entre el duo y La Cofradía de La Flor Solar, que tiene su continuidad en el disco "Miguel Cantilo y Grupo Sur". Al no tener productor, Piero se ofrece a producirlo y bancarlo. Por su intermedio el disco se edita por Tonodisc (sello español con una sucursal en Argentina, que editaba a Piero y a otros artistas como Riff) en 1981, con escasa repercusión, a pesar de ser un álbum de gran calidad.

 

"Durante la grabacion, producida por Piero, hubo inconvenientes por el accionar policial, que acosaban a los musicos al punto de entrar en mitad de las sesiones a presenciar tomas vocales. Finalmente algunos de los musicos fueron detenidos y el disco, aunque terminado, no pudo salir a la venta. La letras siguen reflejando, como en el disco anterior, experiencias de la vida comunitaria en diferentes latitudes.
Bahia (Brasil), Unquillo (Cordoba), El Bolson (con "Fuego, aire, agua y tierra"), La Calera, Bogota (con "Que sea el sol"), son algunos de los parajes inspiradores. Este ultimo tema fue anexado al material en la mezcla final, hecha en 1980 por Litto Vitale, en su estudio de Villa Adelina, en reemplazo de uno de los temas originales ("A cierta altura") cuya cinta se extravio en los archivos de RCA.
Solo un artista-productor como Piero podia confiar en esos tiempos en un grupo de perfil exotico y experimental cuyo impacto comercial era dudoso. La apuesta era a una especie de fusion de La Cofradia de la Flor Solar con Pedro y Pablo, con la cual habiamos realizado una gira por capitales de provincia, luego de la cual entramos al estudio. Poco despues de la grabacion comenzo la mudanza de la mayoria de los "apostoles" al exterior del pais. El album, en su reedición, esta dedicado a la memoria del increible Jorge Pinchevsky quien toca en tres de los temas." 

Extracto del libro "El cantar de Miguel Cantilo" (2008)

 

Miguel Cantilo: -Junto a la gente de La Cofradía, con Durietz también, intentamos ver si podíamos movilizar un poco de respuesta por parte de la gente que sabíamos que le gustaba esta música pero con falta de espacios, dijimos: -Bueno, vamos a hacer una gira por el interior del país-, subimos a un tren de acá a Mendoza, llegamos a Mendoza y alquilamos un estadio de box que había y fuimos a una casa música y dijimos: -Bueno, nosotros queremos alquilar para hacer un concierto los equipos que tienen acá que sirven para amplificar una banda y, bueno, como teníamos un cierto nombre, se nos conocía, la garantía era que íbamos a pagar con borderó con lo que se sacaba de la venta de entradas, es lo hicimos, fueron aproximadamente quinientas personas a ese estadio, entonces, eso mismo, como tuvimos cierta respuesta, lo llevamos de nuevo a Santa Fe, Paraná y después fuimos para Cordoba. De ahí vinimos a Buenos Aires pero ya en Buenos Aires el clima era tan denso que empezó a caer gente en cana, no se podía realmente seguir con ese estilo de trabajo. Como para dejar un documento de toda esa historia, nos metimos en un estudio, bancados por Piero que tenía en ese momento posibilidad de producir en RCA y consiguió el estudio de ocho canales y grabamos un long play que yo quería que se llamara "Pedro y Pablo y otros apóstoles", para lo cual compusimos canciones con Kubero Díaz, con Jorge Durietz, y bueno, fue un poco la síntesis de todas esas giras-. 

 

 Quique Gornatti: -Nosotros vinimos acá a ensayar este material a la casa de Piero, entonces, Piero era mucho más perseguido que nosotros, entonces, mientras que estuvimos acá en Buenos Aires, que él tenía un departamento en Libertador, Piero, frente al hipódromo, todo el tiempo había llamadas de telefono y notas debajo de la puerta: -Bomba-, nosotros estábamos en el segundo piso que tenía él arriba y siempre temblando con que volaba el edificio porque la idea es que te ponen una bomba, te mandan una nota por abajo que dice: -Hoy hay una bomba-.

Miguel Cantilo: -Al disco lo grabamos en enero del setenta y cinco, y cuando terminamos de grabar el long play se llevaron a todo el mundo en cana, salían de la grabación, salían todos y apareció un patrullero, empezó a registrar buscando y, bueno, se llevaron a la mayoría, algunos salieron, otro no, pero la cuestión es que la hostigación permanente sobre la gente que hacía esta música era tan continua, tan hostil... como si te dijera que era una cosa ya una orden que venía de arriba que era inapelable, entonces, decidimos que mejor era desarmar todo el proyecto y tratar de volver a llevarlo adelante fuera del país, pusimos como meta de encontrarnos en algún punto de Europa y cada uno salió disparado hacia distintas partes. Yo me fui hacia el norte, salí por Bolivia con una guitarra y una mochila y encaré hacia Colombia donde tenía un hermano que me había invitado y allí me quedé viviendo en Colombia, llamé a mi mujer, formamos ahí la primera parte de nuestra familia, tuvimos dos hijos y me quedé viviendo ahí un año y medio-.

Testimonios extraídos del libro Rock De Acá (de Ezequiel Ábalos)

 

 

 

Músicos que Participan:

Miguel Cantilo: Guitarra, voz
Jorge Durietz: Guitarra, voz
Jorge Pinchevsky: Violín, arreglos de cuerda (Temas2,4,7)
Kubero Díaz: Guitarras (Temas 2,5,6,7,8)
Charly García: Teclados (Temas 6,8)
Claudio Triputti: Flauta (Temas 2,3,)
Quique Gornatti: Guitarras (Temas 7,8)
Carlos Carli: Batería, percusión (Temas 2,3,5)
Rubén Lezcano: Batería (Temas 6,8)
Daniel Russo: Bajo (Temas 2,3,5,)
Morcy Requena: Bajo (Temas 6,8)

Temas:

01- Que sea al sol
02- Arembepe
03- El chicuelo
04- Compréndalo Señor
05- La carroza
06- Amasando pan
07- Fuego, agua, aire y tierra
08- El adolescente 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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La Tabaré - 18 Años Vivos (FLAC / Uruguay-2004)

 

 

Formados en 1985, La Tabaré es un grupo emblemático de la música uruguaya. Liderado por el multifacético artista Tabaré Rivero, la agrupación permanece hasta hoy activa de forma ininterrumpida. Dueños de una extensa trayectoria, se dijo que La Tabaré Banda podría ser el nexo entre el rock uruguayo de los años '70, el Canto Popular y el rock uruguayo de los '80. Este álbum en vivo, grabado en 2004 en el ND Ateneo de Buenos Aires, es el testimonio del festejo por los 18 años de trayectoria de la banda.

 

Este camino empezó en 1985, con la inquietud de un hombre por hacer algo distinto en una Montevideo extraña, marcada a fuego por las secuelas de la dictadura. Y se extiende hasta ahora, porque 35 años después, La Tabaré sigue siendo, y sigue haciendo, rocanrol. Fundada por Tabaré Rivero, cantante, compositor, actor y docente, la banda fue desde el origen, un bicho raro en la escena local. Diferente a las otras propuestas, el grupo se caracterizó por hacer un cruce de música y teatralidad en varios aspectos: el concepto, la puesta en escena e incluso la declamación. Esa ha sido una premisa incambiable para una banda que se ha transformado sin cesar. Desde los ochenta hasta ahora, La Tabaré no ha parado de tocar: ha recorrido del Teatro Circular al Teatro de Verano y buena parte del interior. Y tampoco ha parado de editar discos: el primero fue Sigue siendo rocanrol (1987) y el último, Blues de los esclavos de ahora (2017), al que se le agrega el EP en vivo lanzado en 2019, El comfort de los esclavos, nombre de su último espectáculo multidisciplinario. Su obra se completa con una cantidad de shows conceptuales siempre innovadores y sorprendentes, que trascienden lo meramente musical; con una serie de óperas rock u operetas; y con documentales, especiales de televisión y libros de autoría del propio Rivero. Todo eso conforma el corpus de un grupo que ha acompañado con música y poesía contestataria, irónica y política, los conflictos de la sociedad moderna.

"Este es un disco en vivo, ni más ni menos, o lo más parecido a reflejar lo vivido la noche del 6 de marzo. Un disco en el que se prescindió de las ventajas que nos ofrece la tecnología y las grandes producciones, que intenta rescatar el espíritu de lo espontáneo que tiene el vivo, de la intensidad y la adrenalina en el escenario que nos transmite La Tabaré a través de sus 18 años. Poseen un extenso y rico repertorio, del cual disfrutarán algunos temas que más los representan, con sus ingeniosas y críticas letras y con el agregado extra de ser interpretados junto a excelentes músicos y amigos, grabado sin más de lo que se requiere para su captura y posterior mezcla y edición, sin agregados posteriores. Como se toca, sale y llega, así pasó, así lo vas a recibir, vas a escuchar lo que sucedió, a percibir en gran forma la alegría que provoca festejar 18 años de música y locura..."

Claudio Bernárdez

 

"Cuando adolescente, imaginé otra cosa con respecto al rock y hoy siento que alguien manoseó mis sueños. Jamás pretendí hacerme millonario, sí en cambio utilizar esta forma artística para combatir, para resistir, para romper lo establecido. Casi, casi me rompen a mí… Pero no, doy un paso al costado del rock y busco otra manera, por lo menos otro nombre que no me involucre con toda la gran payasada del mundillo del rock y todo su “entertainment”. Por suerte vengo de haber escuchado mucho del llamado Canto Popular, donde ahí no hubo “estrellitas”, sino verdaderos músicos comprometidos y así puedo mezclar. El arte sobrevive siempre, con más o menos aplausos, pero sobre todo, nos hace sobrevivir".

"A veces me encuentro por ahí diciendo que el rock murió. Y eso es un error que cometo al referirme a banditas nuevas que no tienen la menor idea de nada y que carecen de ideología, de filosofía y de inquietudes artísticas y sociales. Antes el rock era de aquellos jóvenes que no encajábamos en ningún lado y pretendíamos cambiar todo, pero que soñábamos con un rock masivo. Sí, hoy el rock se masificó y tanto, que eso trajo consigo que la gran mayoría de sus escuchas e intérpretes no tengan la menor idea de lo que se trata. En Uruguay, el daño está hecho por bandas (algunas nada jóvenes), que repiten esquemas e imitan una y otra vez, la ondita “Ramones” (o la versión argentina de Ataque 77), o la facha “rollinga”; y de críticos que alaban o premian esas bandas, desde sus poses, hasta su postura vacía. Pero hay otras bandas, mucho menos publicitadas, por supuesto, que sí saben lo que hacen y que a pesar de su juventud, todavía gritan (a su manera), todas sus broncas. La banda más publicitada, más conocida y que me merece gran respeto, es La Vela Puerca. Siempre están buscando un cambio y siempre con letras y actitud de combate".

"En general la gran mayoría de los nuevos músicos, están mucho más interesados en saber tocar muy bien su instrumento, en “sonar” mejor, y no en el arte en general. La gran mayoría no tienen idea de lo que significa el arte, ni les interesa averiguarlo. La gran mayoría de los nuevos músicos “rockers” no van al teatro y ni siquiera al cine (excepto a ver El regreso de Rambo 9); no tienen idea de lo que es la expresión gráfica, ni para lo que sirve… Pero claro, hay algunos hurgadores en otras expresiones, en otras sensibilidades, pero claro, no está de moda, ni siquiera está bien vista la cultura, y hasta la contracultura parece ser demodé…"

"La PC me divierte mucho. Googleo bastante ante cada duda, pero no ahondo en nada, estoy más en contacto con alguna información -generalmente acotada- y veo la pornografía que quiero. En Youtube, puedo ver todos los videos de los ’60s y ’70s que me perdí en su debido momento, y al único juego que le entro es al Fifa 2002. Pero en la comunicación como tal, no veo avances. No me gusta ni el chat, ni el Facebook. Más te digo, ni siquiera uso teléfono celular. Siempre seguiré prefiriendo los bares, para mí esos son los templos de la buena comunicación".

 

Tabaré Rivero (recis.com.ar) 

 Integrantes:

Tabré Rivero: Voz

Monica Navarro: Voz, kazoo

Hernán Rodriguez: Guitarras, voz

Jorge Pí: Bajo, coros

Pablo "Pelao" Meneses: Batería, percusión

Temas y Músicos Invitados:

01- Sras. Sres / Excepto (Dani Umpi: voz)
02- Flan flan (Gabriela Martinez: bajo/Carlos"Coly" Quijano: saxo)
03- Memorias de la sirvienta ("Palo" Pandolfo: voz y guitarra)
04- No es fácil / Padre nuestro ( Leo Antúnez)
05- La canción del Ganso ("Semilla" Bucciarell: guitarra)
06- Caos en R.O.U.
07- Soy un virus (Enrique Symns: Poesía y voz)
08- Noche de ánimas (Anel Paz: guitarra)
09- La enemistad
10- Lo que digo (Gillespi: trompeta)
11- La mugre de tus orejas
12- Fuckinesoneto / Dequeruza (Omar Mollo: voz)
13- Vivir (es mucho) (Sebastián Teysera y Sebastián Cebreiro: voz/ Carlos Quijano: saxo

14- MonTeleVideo me mata
15- Alegrís (Los Balbis: voces)
16- Putrefashion (Sergio Dawi) 

 

 

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Nito Mestre - 20/10 (FLAC - 1981)

 

 

Luego de un impasse artístico, a raíz de la separación de Los Desconocidos De Siempre, Nito Mestre regresaba con fuerza renovada para la grabación y presentación de 20/10, en 1981. Este es el primer trabajo discográfico de Nito como solista. Lo acompañan un nutrido grupo de amigos y músicos ilustres, que aportan brillo y riqueza a los elaborados arreglos de los temas. Las composiciones, en su gran mayoría bajo autoría de Nito, salvo "Contigo que pasa" de David Lebón y "Afuera de la ciudad" de Charly García, hacen de este álbum el mejor que haya grabado en su extensa trayectoria.

 
"El titulo del disco es el teléfono de casa. Son los cuatro últimos números y se lo puse porque toda la idea del long-play se dio en mi casa. Me pareció que era bueno primero ubicarlo un poco físicamente. Además lo hice para abrirme un poco, pero no en el hecho de decir 'llámenme a casa', sino en un aspecto inconsciente. Doy algo que me es muy propio —como ser el teléfono de casa— como una especie de apertura. Primero pensé en no hacerlo, pero después comprendí que debía ser así. Igualmente, no lo puse para que me llamen. Al álbum lo comenzamos a grabar a mediados de noviembre del año pasado. Primero sacamos un simple. Seguimos grabando en diciembre, en enero paramos y en febrero volvimos para terminarlo. En el disco toca el grupo fijo que me acompaña en vivo: Carlos Tribuzy en bajo, Claudio Martínez en batería, el "Mono" Fontana en teclados y Roberto Geshagui en guitarra. En un tema que hicimos con el "Mono ("El mar de esta locura") toca Pedro Aznar el bajo, Claudio la batería y el "Mono" los teclados. En "Fuera de la ciudad" tocó Charly García (autor del tema) los teclados, y la base la grabaron Tribuzy y Martínez. En este tema y en otro que él compuso, toca David Lebón la guitarra eléctrica. En "Enero va" toca Alfredo Toth la guitarra. También están el negro Rada en cinco temas y Alan Pratt, del grupo Harp, en una canción.
Creo que hay mucha diferencia entre este disco y lo último que grabamos con Los Desconocidos. Las diferencias musicales no las puedo definir. Yo siento que hay diferencia. No puedo ser tan objetivo como para decir este long-play es totalmente distinto del otro. No, Hay un estilo, es obvio, porque soy yo. A nivel compositivo creo que estoy un poquito más maduro, por lo menos en algunos temas. Aparte en este long-play pusimos los temas que más me gustaban. Había otros temas pero no quisimos ponerlos. Al día de hoy, el disco tiene los diez temas que más me gustan. El disco está grabado muy bien en un ochenta por ciento. Está cantado muy bien en un noventa y ocho por ciento. Está más maduro en los arreglos. Inclusive está mejor arreglado que "Saltaba sobre las nubes", que es un disco que lo arreglamos pensando en cómo lo íbamos a tocar en vivo. Ahora decidimos exprimir bien cada tema sin pensar en la forma de tocarlo en el escenario.
Ahora me gusta mucho más grabar que tocar en un escenario. Primero, por las posibilidades que te brinda un estudio. Segundo, porque la gente no siempre va a escucharte. Tercero, porque es-tar encerrado en un estudio es algo que me encanta. Por otro lado estoy muy contento con el cambio de grabadora. A "20-10" lo grabamos muy tranquilos, sin ningún tipo de presiones. Usamos el doble de las horas que habíamos pedido. El disco tendrá apoyo y difusión. Estoy muy contento por todo lo que rodea a "20-10". Noto también un cambio de actitud en la gente con respecto a los últimos tiempos de Los Desconocidos. Lo que ocurre es muy simple: ahora a mi me gustan todos los temas que toco y antes no. Y eso la gente lo nota. Antes había temas que me aburrían, en cambio los temas de ahora son mejores porque tienen más fondo, entonces no te aburre tocarlos porque siempre podés variar algo. Antes hubo temas que me gustaban hasta por ahí nomás y que después no me gustaron nada, como "Y que te dicen tus hijos", Otro fue "Sonrisas sordas" que a los dos, meses de grabado ya no me gustaba nada. Ahora cuando vamos a un show tocamos dos temas viejos: "Algo me aleja", que el "Mono" le hizo un arreglo nuevo que queda fenómeno, y "Toma dos blues" que se me ocurrió cantarlo porque tenia ganas, y porque no lo habíamos hecho casi nunca en vivo con Sui Genens. El resto de los temas son nuevos. Hay veces que el público pide canciones viejas, pero yo no ten goganas de cantarlas. No voy a tocar "Fabricante de mentiras", "Saltaba sobre las nubes" o "Gin y amor" porque no tengo ganas. Y si algún día los toco, será porque me dieron ganas de hacerlo y no porque la gente los pida. De lo contrario sería volver a enroscarme en que la gente te pide algo y vos lo tenés que hacer. No. Man, tengamos un equilibrio. Si les gusta bien y si no, no sé..."

Nito Mestre - Sobre la edición de 20/10 (1981)

El staff de músicos que particpan en el disco

Músicos que Participan:

Nito Mestre: Voz, guitarra, flauta
David Lebón, Roberto Gessaghi, Alfredo Toth: Guitarra eléctrica
Juan Carlos "Mono" Fontana: Piano, sintetizador
Charly García: Piano, sintetizador, guitarra acústica
Pedro Aznar: Bajo, sintetizador
Allan Pratt: Guitarra acústica, guitarra steel
Carlos Tribuzi: Bajo
Claudio Martínez: Batería
Ruben Rada: Percusión

Temas:

01- Hoy Tiré Viejas Hojas
02- Espero Siempre Por Vos
03- Contigo Que Pasa (David Lebón)
04- Enero Va
05- El Mar De Esta Locura
06- Afuera De La Ciudad (Charly García)
07- Oh! El Poder De La Mente
08- Los Remolinos De La Inocencia
09- Distinto Tiempo
10- 20/10

 

 

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Pidamos Peras a Mandioca - V.A. (FLAC - 1970)

 

 

Mítico compilado del precursor sello Mandioca. La editora tuvo la audacia de grabar a artistas que hacían su música contra la corriente comercial establecida de la época. En "Pidamos peras a mandioca" podemos encontrar grabaciones de artistas que luego fueron íconos del rock argentino, y otros que quedaron en el camino, como Brujos, que grabó dos simples en el sello y Análisis (un simple) que incluía al cantante Silvestre en su formación. El disco se editó originalmente en 1970 y fue el segundo álbum recopilatorio del sello, luego de "Mandioca Underground" de 1969 (también publicado en el blog). Mención especial para el mensaje subliminal de la ilustración de portada.

"Mandioca, la madre de los chicos", fue el primer sello de rock en castellano.  Editó a Manal, Vox Dei, Miguel Abuelo, Moris, Tanguito, Pappo, La Pesada... Fundado por el editor de libros Jorge Álvarez, que se sumerge en el mundo de la música para llevar la misma batalla que impulsó desde la literatura: el respeto por los artistas y la lucha contra las corporaciones. La historia de Mandioca es la historia del inicio del rock nacional, y es también la historia de nuestro país.
En 1966, Jorge Álvarez,  un editor de libros políticos, históricos y culturales comprometidos, se relacionó con tres jóvenes estudiantes secundarios Javier Arroyuelo, Rafael López Sánchez y Pedro Pujó, interesados en los nuevos movimientos juveniles y los mecanismos de difusión. Álvarez y Pujó tenían el sueño de promover en Buenos Aires un barrio como el Greenwich Village de Nueva York  que se convirtiera en el centro del nuevo movimiento juvenil. De esos proyectos se concretó la creación de un sello discográfico que difundiera la música que estaban componiendo esos jóvenes, al que le pusieron el nombre de "Mandioca, La Madre de los Chicos", El nombre fue elegido por tratarse de un vegetal originario de América, como símbolo de identidad cultural, a la vez que eligieron el color morado del interior de la mandioca, como fondo de las etiquetas de los discos. El sello comenzó produciendo tres sencillos de artistas desconocidos: uno del trío Manal ("Qué pena me dás" y "Para ser un hombre más"), otro de Cristina Platé ("Paz en la playa" y "Para dartelo todo") y un tercero de Miguel Abuelo ("Oye niño" y "¿Nunca te miró una vaca de frente?"), que fueron lanzados simultáneamente el 12 de noviembre de 1968  con una presentación en la sala Apolo, de la Avenida Corrientes. En esa ocasión tocaron los dos solistas y Manal.
Mandioca impulsó y difundió músicos de rock y creaciones artísticas que resultaron fundamentales en los orígenes del rock argentino, destacándose Manal y Vox Dei . De esta última banda, Mandioca promovió la creación y realizó toda la grabación de la ópera-rock La Biblia, aunque finalmente no realizó el lanzamiento debido a la quiebra, razón por la cual fue la empresa grabadora, TNT, la que efectuó la publicación (con graves defectos) para cobrarse la deuda pendiente. También fueron importantes las grabaciones que Tanguito realizó, que finalmente fueron publicadas por otro sello.
Salvo "No pibe" los discos tuvieron escaso éxito comercial. Sin embargo, entre ellos se encuentran clásicos permanentes del rock nacional, como "No Pibe", "Jugo de tomate frío" y "Avenida Rivadavia" de Manal, "Presente (El momento en que estás"  de Vox Dei y "El Oso" de Moris. El álbum  Manal (llamado también La Bomba), como 30 Minutos de Vida de Moris, han sido considerados como dos de los mejores álbumes de la historia del rock argentino, al igual que La Biblia de Vox Dei, que aunque no haya sido lanzada por el sello, fue inspirado e integramente grabado en Mandioca.
El mismo equipo que organizó el sello grabador, estableció una agencia de representaciones llamada Mambo Show, que se ocupaba de organizar actuaciones de Manal y Vox Dei en diversos lugares de la Buenos Aires y sus alrededores, y a veces en otros lugares del país. Principalmente, las dos bandas iban a "bailes" organizados en clubes y grandes salones en diversos barrios, especialmente de clase trabajadora, entre cuyos miembros jóvenes el rock y el blues en castellano prendieron con mucha intensidad. La agencia estuvo gerenciada por Mario Rabey, uno de los fundadores (junto con Pipo Lernoud) del movimiento hippie en Argentina. La principal fuente de ingresos de los músicos de Mandioca (y de algunos de los miembros de su staff) fueron estas actuaciones de fin de semana. Lamentablemente estos ingresos no alcanzaron para mantener los gastos de la empresa, por lo que a mediados de 1970 Mandioca terminaría quebrando.

Carlos Riedel (enlacecritico.com) 

 

 

 

Temas e Intérpretes:

01- Elena - Manal
02- Nunca lo sabrán - Pappo
03- Verdes prados - Billy Bond
04- Niño color cariño - Alma y Vida
05- Juana - La Cofradía de la Flor Solar
06- Pasan muchas cosas - Brujos
07- No es por falta de suerte - Vox Dei
08- Natural - Tanguito
09- Muchcho - Moris
10- Brisa de un dia - Análisis 

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La Mississippi - Inoxidables (FLAC - 2015)

 

 

Momento de tributo en la nave. En esta ocasión es el turno de La Mississippi, reinterpretando a grandes clásicos de nuestro rock. Inoxidables contiene un cocktail de canciones recreadas con el sentimiento y la personalidad que muy pocas bandas, como La Mississippi, pueden lograr. Grupos históricos de los 70 y 80 son revisionados por otro histórico, rindiendo un homenaje que seguramente los va a emocionar.

 

“La idea fue parte de nuestra incursión en temas de bandas que nos gustan, para incluirlas en los shows como una forma de disfrute. Lo del disco fue posterior. Empezó a surgir desde el momento en que nos sentimos cómodos con las versiones”, explica el cofundador, cantante, violero y compositor de la Mississippi –Ricardo Tapia– sobre los orígenes de este excelente disco de versiones.

“Elegimos estas canciones porque siempre nos gustaron y nos quedan cómodas al estilo”, refuerza otro de los fundadores, el baterista Juan Carlos Tordó. Y así, cada quien dará su versión de los hechos. El guitarrista Gustavo Ginoi, otro Mississippi de la primera hora, irá más al detalle. Dirá que también fue cosa de shows, pero que hubo que darle una vuelta a cada tema: “Ricardo Tapia empezaba con la guitarra y lo seguíamos según la versión que pintaba en ese momento. En un punto nos pareció que era interesante y divertido tocar temas que nos gustaban del rock argentino, pero dándole una vuelta más y trabajando en un show especial con esa temática; después vino la idea de plasmar esas canciones en un disco”, dice él, mientras Claudio Cannavo –bajo original– va a lo lúdico (“Surgió como una diversión en la sala y en alguna prueba de sonido. No tiene una explicación lógica”) y Gastón Picazo aprueba en general: “La idea surgió en los ensayos y se llevó a los shows”, remarca el tecladista/pianista que reemplazó a Miguel de Ipola, a mediados de 2004.

Ricardo Tapia: –Inicialmente, nos fue un poco confuso encarar ciertos temas, especialmente los de Spinetta, que tienen un aura muy particular. Son temas imposibles de desarmar, obras maestras, ¿no? Sumo, en cambio, fue muy relajado, descontracturado, para mí.

Gustavo Ginoi: –Es una lista de temas bastante consensuada, diría que en un porcentaje altísimo. La verdad es que estamos acostumbrados a elegir las canciones para nuestros discos de temas propios, así que es un ejercicio que tenemos aceitado. También está el hecho de que sabemos qué estilos nos quedan mejor o qué temáticas son más cercanas a nuestro estilo, y en eso estamos de acuerdo en un alto porcentaje.

G. G.: –Sí, porque el repertorio fue surgiendo de charlas y zapadas. Recordar una canción y decir, “éste no puede faltar”: algunos como “Gato de la calle negra” lo veníamos tocando, es parte del disco de 25 años, y tiene un trabajo muy lindo de las cuerdas para lograr una versión diferente. También es un tema de Pappo no muy versionado. Lo mismo con “Pato trabaja en una carnicería”, emblemático de una época. También fue interesante poder hacer una versión de “Masacre en el Puticlub”, de los Redondos, del rock más ochentoso. Está el caso de Sumo con “Mejor no hablar de ciertas cosas”, un tema que casi improvisamos todo el tiempo y en cada show es diferente, y después el blues más tradicional de “Blues del estibador”, de Memphis, que está en su primer disco. Este trabajo resume bastante bien nuestro gusto por el rock argentino.

Tapia extiende su definición sobre el trabajo número trece de la banda. Dice que es como un ejercicio de la memoria o un reflejo de guitarras callejeras, “casi” de fogón, que se fue resolviendo bajo la dinámica de lo impensado. Esa que surge cuando se vive más de lo que se piensa. O se piensa en casi nada. O solo en dejarse llevar por circunstancias placenteras. Cada tema refleja eso. La forma en que esta formidable banda argentina mira al rock originario desde lo musical, pero sobre todo desde lo emocional. Es imposible comprenderlo sin tal factor. “Fue un ejercicio de la memoria emotiva diría yo, porque tocar algunas canciones no sólo requiere recordarlas en el instrumento sino en el entorno en el que se escuchaban, y de eso depende mucho la interpretación”, sostiene Ginoi. “Si, y no sólo fue –y es– un ejercicio de la memoria, sino un placer poder dejar grabado un material tan importante con la música que nos alimentó en la adolescencia y que nos vinculó con el rock nacional. Respecto de lo afectivo fue emocionante tocar y grabar aquellos temas con los que crecimos musicalmente. En mi caso, cada tema fue como regresar a mis primeros momentos de músico, recordé mi barrio, mis primeras bandas y los primeros intentos de reproducir un tema que admiraba y cantaba todo el tiempo”, testimonia Tordó, en sintonía con Cannavo, que sintetiza todo con una imagen certera: “Este disco es un túnel del tiempo musical".

Cristian Vitale (pagina12.com.ar)

 

 

 

Integrantes:

Ricardo Tapia: Voz, guitarra rítmica, acústicas de seis y doce cuerdas, armónica, flauta traversa, coros
Gustavo Ginoi, Guitarra lead
Claudio Cannavo: Bajo, coros
Juan Carlos Tordó: Batería, coros
Gastón Picazo: Teclados, piano, coros

Temas e Intérpretes Originales:

01- Post-Crucifixión (Pescado Rabioso)
02- Ritmo y blues con armónica (Vox Dei)
03- No tan distintos (Sumo)
04- Cementerio Club (Pescado Rabioso)
05- Un casa con diez pinos (Manal)
06- La mamá de Jimmy (PorSuiGieco)
07- Masacre en el Puticlub (Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota)
08- Todos los caballos blancos (León Gieco)
09- Pato trabaja en una carnicería (Moris)
10- Azúcar amarga (Vox Dei)
11- Blues del estibador (Memphis La Blusera)
12- Gato de la calle negra (Pappo’s Blues)
13- Mejor no hablar de ciertas cosas (Sumo)

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Alejandro Medina - Alejandro Medina y La Pesada (FLAC - 1974)

 

 

El primer trabajo discográfico de Alejandro Medina es la mejor muestra de la intensidad y pasión que el legendario músico suele imprimir a su obra. Un álbum de oscuro blues rock, rabioso en su concepción, donde Alejandro "escupe" letras que remiten al caotico momento social que vivía nuestro país, dividido politicamente y en plena ebullición de la violencia armada. Lo acompañan musicalmente sus compañeros de La Pesada, que al momento de la edición del disco ya se encontraba separada, lo que hizo que el álbum tuviera una escasa difusión.

 

"El aporte de La Pesada de Billy Bond en sus menos de cuatro años de existencia (duró de principios 1970 hasta fines de 1973, aproximadamente) al rock está entre los más importantes y geniales de la historia de la música popular en Argentina, un verdadero acervo de música de alto octanaje y experimentación a la vez que en nuestros días es lamentablemente pasado por alto a la hora de dibujar un panorama de lo que era la música del país en aquellos años, quizás por la falta de reediciones con calidad sonora actual que le hagan justicia a todo lo que el Bondo y su ballet hicieron en aquellos creativos y enloquecidos días. La idea de Billy, después de todo, era genial. Su oído para los arreglos y el potencial de una canción le permitía producir a la vez artistas comerciales y estrellas en ascenso del naciente movimiento joven argentino, y a todos lados llevaba a su troupe de probados y (aunque usted no lo crea y nada lo sugiera) profesionales instrumentistas a que enaltecieran el trabajo de aquellos cantantes que las compañías le destinaban como misión. A cambio, el Bondo monopolizaba para sí los mejores estudios de Buenos Aires, lo cual le permitía grabar con una calidad sonora superior a la media y destinar todo el tiempo que fuera necesario para elaborar las cuidadas y espesas canciones que formarían parte de su legado. Durante ese tiempo, Billy como líder de banda grabó cinco discos: cuatro con su propio nombre (en los que se incluyen memorables composiciones como “Salgan Al Sol”, “La Pálida Ciudad” o “Tontos”) y uno -hoy inconseguible- como La Pesada, llamado Buenos Aires Blus y que cronológicamente sería el segundo del grupo, sucesor de aquel recordado primer volumen de Bond con su rostro inscrito con los nombres de los muchos colaboradores del proyecto. Pero ese no fue su único aporte al rock argentino ni mucho menos. Resulta ser que lo único que garpaba más para un músico que ser instrumentista en una grabación era ser su propio líder, intérprete y compositor, y por eso -entre otras cosas- Billy le encomendó a los más encumbrados (o aventureros) de entre los muchos que pasaban por aquel colectivo trashumante y de formación diversa que fueran también autores de álbumes que llevaran su firma. Así se sucedieron una serie de lanzamientos cuya historia ya nos hemos ocupado de cronicar debidamente por aquí: dos por parte de Claudio Gabis, uno de Jorge Pinchevsky, uno del inefable Kubero Díaz y el último de ellos -el único del que no se tenía registro en estas páginas- el del ex bajista de Manal Alejandro Medina, que se llamó muy apropiadamente (?) Alejandro Medina y La Pesada y salió por Music Hall en 1974. De hecho, al momento de la salida del álbum La Pesada ya se había disuelto, motivada por los incidentes en el Luna Park y la consiguiente mancha negra que dejarían sobre los integrantes del grupo, que emigrarían a Brasil (allí Medina conocería al baterista Rolando Castello y se armaría el germen de Aeroblus) por lo que el disco pasó criminalmente desapercibido por la historia del rock nuestro. Lo mal que está, claro, porque se trata de una buena dosis de la probada mezcla entre el folk etéreo y psicodélico al que podían apelar por momentos los pesados con el también característico sonido aguerrido y blusero al que le debemos sus mejores momentos. A diferencia de la mayoría de los álbumes del colectivo Medina le pone firma y voz a todas sus canciones, pero al igual que en los demás, podemos encontrarnos por ahí a Gabis, Bondo, Pin, Kubero e Isa Portugheis haciendo de las suyas".

 

demidiscoteca.cc

 
"Mas que un compositor (los siete temas le pertenecen) Alejandro Medina es un excelente bajista y cantante desgarrado y desgarrador (y no solamente porque grite). Las grabaciones incluidas más que por su composición (apenas un muestrario) se agigantan por los arreglos y el manejo de la producción. Ambos elementos ampliados por un staff de acompañantes (la mayoria integrantes de la Pesada) que saben tocar muy bien !as canciones rompedoras y ácidas. Sin embargo, lo más importante de este primer álbum de Alejandro Medina como solista son los climas de sus letras: opresivos, envolventes, como si una gran masa de fuego negro estuviera saliendo de su cuerpo a escupitajos. En alguna medida, da la misma sensación de esos temas pegajosos y hartados de Manal. Y eso es este álbum: un filamento remoto y desprendido en el espacio del espectro de Manal. Alejandro será Manal de aquí a Marrakesh (ida y vuelta). Aunque los músicos que están con él sean otros, aunque los tiempos hayan cambiado tanto, pero tanto. Y eso hace que el long play sea de Alejandro solo. No porque lleve su nombre en la tapa: sino porque es alma manal, y Manal es un secreto suyo. Sí, ése es el enigma de este long play, aunque no es fácil descubrirlo.

Tapa: trabajo original de Juan Orestes Gatti, aunque no de los mejores que realizó. Contratapa buena en su idea, deficiente en su información.
Síntesis: Alejandro Medina, entrando o saliendo de las tinieblas, tirandonos nuestras propias memorias de Manal, de un tiempo que casí perdimos".

Revista Pelo - Reseña del álbum (1974) 

Musicos Que Participan:

Alejandro Medina: Bajo, voz
Claudio Gabis: Guitarra
Kubero Díaz: Guitarra
Jorge Pinchevsky: Violín
Isa Portugheis: Batería
Juan Rodriguez: Batería
Enrique "Zurdo" Roizner: Batería
Hector "Pomo" Lorenzo: Batería
Cubilai: Participación especial
Billy Bond: Manager de grabación

Temas:

01- Yo se que a veces pierdo la cabeza
02- Ven a mi, linda nena
03- Un estado natural
04- Tiempo de reflexión
05- Blues en mi menor para cantar al amanecer
06- Algo muy profundo
07- Canción de cubilete

 

 

Formato FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Sumo - Corpiños En La Madrugada (FLAC - 1983)

 

 

Corpiños en la madrugada es el primer registro de estudio (originalmente lanzado como demo) de Sumo. Fué grabado el 30 de octubre de 1983 en Estudios del Jardín, a excepción del tema "Warm Mist", grabado en los estudios Phonogram en 1982 y solo incluido en la reedición en cd de 1993. Tanto el casete como su posterior reedición fueron lanzadas por el sello independiente Silly Records. El casete, del que salieron solo 300 ejemplares, se vendía a la salida de los recitales del grupo. Contiene canciones que después serían parte (con otros arreglos) de los tres discos oficiales de Sumo.

 
"A comienzos de la década de 1980 acontecería un hecho histórico en Argentina, más precisamente cerca de la localidad de Nono en la provincia de Córdoba, donde aterrizaría un ítalo-escocés de pelo largo que traería en su cabeza muchísimas ideas y experiencias aprendidas a lo largo de su recorrida por Europa. Es que este tipo había ido al colegio más prestigioso de escocia, el llamado Gordonstoun, al que también fue el príncipe Carlos de Inglaterra con el que compartió su estadía, entre otros. Pero a falta de un año para finalizarlo decide escaparse del instituto a sus 17 años de edad. Pero su vida era tan bohemia y nómade que Luca decide recorrer Europa solitariamente hasta regresar a su casa de Roma donde es detenido por la interpol que ya lo venía buscando con anticipación tras el pedido de su madre. En la década de 1970 se estableció en Londres y trabajo para la compañía discográfica EMI y formó su primera banda The New Clear Heads contemporánea a la estética de las bandas Post-Punk del momento como XTC, The Fall y Joy Division. La sensibilidad musical de Luca, influida por ritmos de ex colonias británicas como el Dub y el Reggae sumado al estilo personal de cantautores post-punk como Joe Jackson, Graham Parker, Elvis Costello y la ironía de Ian Dury & The Blockheads ayudarían a formar el estilo musical de Sumo más adelante. Fue admirador en su adolescencia de géneros como el Rock Progresivo Sinfónico y la psicodélia setentera de bandas como Van Der Graaf Generator, Canned Heat, Soft Machine, Syd Barret y Pink Floyd e incluso los experimentales Roxy Music. Inspirado por músicos como Bob Dylan, Jim Morrison, John Lennon, David Bowie, Lou Reed, Brian Eno, Leonard Cohen, compuso canciones memorables que serían grabadas en 1981 en Córdoba.
Ya ubicado en Argentina, Córdoba, conoce a Germán Daffunchio y Alejandro Sokol los cuales comenzaron a componer canciones que formarían parte del primer demo de Sumo ‘’Corpiños En La Madrugada’’ tales como «Night & Day» y «Regtest» entre otros. Contando con Sokol en el bajo, Daffunchio en guitarra y Stephanie Nuttal una amiga inglesa de Luca quien acepta la invitación de viajar a la capital del país argentino, que ya tenía experiencias en bandas en su pasado por europa y conocía muy bien la escena Punk y Post-Punk originaria en Inglaterra, se encargaría de la batería. Debutan en una discoteca de El Palomar. Más adelante se une un vecino de Hurlingham, Diego Arnedo al bajo pasando Sokol a la batería debido a que Stephanie decide regresar a Inglaterra por la insistencia de sus padres. Al corto tiempo se une el último miembro de la primera formación, Roberto Pettinato un periodista a quien Luca había conocido cuando este lo entrevisto para la revista El Expreso Imaginario y le comentó sobre su habilidad de tocar el saxofón por lo que es invitado por Luca a su nueva banda.
Con esta formación graban «Corpiños En La Madrugada» el primer registro musical de Sumo, Demo muy importante que cuenta con canciones que luego serían regrabadas para sus álbumes oficiales que vendrían más adelante.
Notables músicos como Daniel Colombres y Daniel Melingo aportaron en este disco. Luego de este gran inicio Alejandro Sokol abandonaría el proyecto musical por asuntos personales, y sería reemplazado por Alberto ‘’Superman’’ Troglio.
La portada del álbum-demo no fue tan rebuscada y cuenta con un fondo blanco y por debajo con el nombre ‘’sumo/corpiños de la madrugada’’ y las letras pintadas de azul. Luego de 3 años en que el casette tuviera esta portada un fanático de la banda ilustró la tapa de fondo blanco con permiso de Luca e hizo un dibujo-collage de una pareja (Rodolfo Valentino y una Adalisca) abrazándose en un acto romántico. Dicha imagen se convirtió en una pieza de culto. Este disco jamás fue lanzado en vinilo.
En mi opinión personal un disco muy destacable para los comienzos de la banda con grandes canciones como ‘’White Trash’’ ‘’Breaking Away’’ que lamentablemente solo quedarían compuestas para este Demo. Sorprende la cantidad de hits que contiene, que por este hecho muchas de sus canciones serían luego regrabadas para sus discos oficiales, muchas con un sonido algo diferente, pero las de este disco suenan muy originales e igual de importantes".

Fuente: Persy

 

 

 

Integrantes:

Luca Prodan: Voz, guitarra
Germán Daffunchio: Guitarra eléctrica
Roberto Pettinato: Saxofón
Diego Arnedo: Bajo
Alejandro Sokol: Batería, bajo en "Warm Mist"
Stephanie Nuttal: Batería en "Warm Mist"

Músicos Invitados:

Daniel Colombres: Percusión en "Breaking Away"
Daniel Melingo: Saxofón en "De Be De" y "La rubia tarada"

 

Temas:

01- Night and Day
02- Mejor no hablar (de ciertas cosas) (Letra: Indio Solari)
03- Banderitas y globos
04- Teléfonos/White Trash
05- Una noche en New York City
06- Divididos por la felicidad
07- Quiero dinero
08- F'You
09- Debede
10- Breaking Away
11- Nextweek
12- Warm Mist (Grabado en 1982)
13- Solo Piano

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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