La Máquina De Hacer Pájaros - En Vivo Luna Park + Palacio de los Deportes, Tucumán (Bootleg FLAC - 1977)

 

Otro gran aporte del navegante Pedro Rock, que comparte con nosotros este bootleg que contiene gran parte del concierto de La Máquina de Hacer Pájaros en el Luna Park, realizado el 17 de junio de 1977, y el efectuado en el Palacio de los Deportes en Tucumán, ese mismo año. Si bien el sonido original no es óptimo, se ha mejorado (dentro de lo posible) y codificado a formato FLAC. Gracias por compartir este material, Pedro Rock!!

 

"El marco magnificiente del Luna Park, cubierto de expectativas por escuchar el nuevo material de La Máquina de Hacer Pájaros para su nuevo álbum, "Películas", sirvió para canalizar las energias del público que disfrutó y respetó la música que se realizaba, lo que contribuyó a enfatizar el clima de fiesta preexistente. Las condiciones acústicas tendieron a desdibujar sutilezas que en mayor medida ahora, contienen las nuevas composiciones del grupo. No obstante, el sonido, pese a algunos traspiés, logró equilibrarse adecuadamente. Paulatinamente, los conciertos de La Máquina se acercan a una muestra integral de sonido e imagen aportando la ironía que respiran las letras con parodias histriónicamente graciosas, absurdas, Por ello, Carlos "Conde" Cutaia abrió el recital vestido con una larga capa y un candelabro en una mano, y sentado al órgano ejecutó los primeros acordes de la noche. Posteriormente, se presentó "un grupo nuevo" —según palabras de García —durante el intervalo, que no fue sino La Máquina disfrazada de grupo punk-rock con García como vocalista, vestido de manera ridícula. El plano musical presentó una variante con respecto al material integrado en el primer álbum, también incluido en este recital. El desarrollo de los temas se hizo más cuidadoso, con un mayor aprovchamiento de la amplia base armónica que propone Cutaia, además de que las composiciones expresan un fluido manejo de la melodía con pasajes rítmicamente potentes pero Igualmente elaborados, aunque de un modo menos rockero. El poder comunicativo de las composiciones se encuentra centralizado en el peculiar "swing" que el grupo imprime a los temas y en la ductilidad para enredar armónicamente fraseos cadenciosos con fraseos entrecortados, sincopados. La labor de Bazterrica sirvió de nexo entre el soporte rítmico y las densas armonías que se entrelazaron en los teclados, aunque sus solos se dejaron llevar por clichés, salvo en algunos pasajes donde se reencontró al guitarrista directo pero inteligente, De todos modos, la labor solista de Carlos Cutaia fue la que ofreció mejores perfiles, por la imaginación, por momentos jazzistica, que desplegó.
En el tema "Obertura" fué apreciable la complementación armónica entre los teclados sobre la compacta base del resto del grupo. El agregado de una sección de cuerdas en el terna "No te dejes desanimar" creó un clima sutil debido al correcto arreglo. Asimismo, la inclusión de bandas sonoras en los temas "Ruta perdedora" 'y "Qué se puede hacer salvo ver películas" (sobre la base del cual fue titulado el álbum) condimentaron la música con justeza. Pese a todo, la parte vocal es la que ofreció el punto más flojo de la buena actuación del grupo, debido a la escasa amplitud de registro de Garcia y los coros endebles que lo secundaron. Las letras, a pesar de que fueron esporádicamente audibles, mostraron el duro sarcasmo de García a la vez que su sentido para expresar en pocas palabras todo un contenido, sin que en ningún caso pierdan un corrosivo estilo estético y su perspicacia. En buena medida, La Máquina dejó en claro que transita por un periodo de mayor madurez compositiva, visible además en los arreglos. Más allá de la susceptibilidad de algunos guardianes particulares del Luna Park, La Máquina concitó una mayor atención al trabajo musical profundo que a la excitación en estado puro, lo que evidenció una mayor preocupación por utilizar las potencialidades de ambos teclados". 

Revista Pelo - Reseña del concierto en Luna Park (1977)

Integrantes:

Charly García: Voz, piano acústico, Fender Rhodes, Clavinet, Minimoog, ARP Strings
Jose Luis Fernandez: Bajo eléctrico, voz, coros
Oscar Moro: Batería
Gustavo Bazterrica: Guitarra eléctrica, voz, coros
Carlos Cutaia: Hammond, Mellotron, Clavinet, piano acústico

Temas (Luna Park / 07-07-77):

01- Obertura 7.7.7.
02- Cómo mata el viento norte
03- Marilyn, la Cenicienta y las mujeres
04- No puedo verme más
05- Por las calles de Costa Rica
06- No te dejes desanimar
07- Ah, te vi entre las luces (Shhh!)
08- Qué se puede hacer salvo ver películas?

Bonus Tracks (Palacio de los Deportes, Tucumán 1977):

09- Ella es bailarina

10- Boletos, pases y abonos

11- Por probar el vino y el agua salada

12- Rock

Formato FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

pass: naveargenta.blogspot

Bloke - Demolición (FLAC-1984)

 

 

 Una de las bandas fundacionales del metal argentino de la primera mitad de los ochenta. La carrera de Bloke, como la mayoría de los grupos que se formaron durante esos años en el país, fue efímera. Llegaron a grabar este único álbum en 1984, bajo el sello Umbral Discos, hasta su disolución un par de años después. Este es el testimonio sonoro que confirma la importancia de Bloke en la historia del metal vernáculo.

Bloke se forma en 1980, bajo la iniciativa del guitarrista Marcelo Simoni y el bajista Daniel Parodi, al poco tiempo se les unió el guitarrista Luis escobar y el baterista Oscar Oropeza (Q.E.P.D). Pero lo que más costó fue encontrar al cantante ideal para su propuesta, tras algunos cambios el elegido fue José Luis García (alias ¨Billy¨). Conformada la formación de Bloke y en 1984 pese a todo lo que se mencionó anteriormente aparece Demolición, con una propuesta metalera muy particular, veloz y aguerrida y con influencias de lo más variadas, que iban desde la NWOBHM de Judas Priest, Saxon, Tygers of Pan Tang y el Hard rock de UFO, Scorpions, Van Halen. Todo lo que metalero argentino por aquellos años disponía para inspirarse dada la poca llegada de material que había en mi país. Pero no se engañen: Demolición es un álbum con identidad propia, nueve canciones perfectas, de sonido increíblemente artesanal a pesar de las limitaciones técnicas, nada de rellenos y nunca antes mejor dicho, demoledoras. Si bien ya había exponentes extranjeros y locales que practicaban el estilo, en esa época era difícil encontrar en Argentina una propuesta como la de Bloke.

"Eran tiempos difíciles en todo sentido. Por un lado, la opresión militar, la falta de libertades, la represión, los desaparecidos, un clima de terror. Difícil poder expresarse en aquellos años. Tiempos duros y complicados¨ Recuerda Marcelo Simoni (guitarrista de Bloke), en un tono poco grato al hacer la evocación, pero es cierto que el conjunto de todas esas sensaciones fueron las que animó a las bandas alzarse en armas (mejor dicho, en instrumentos) y convertir el Metal no solo en una vía de expresión sino de protesta y denuncia: Había nacido ¨El metal argento¨ ese que se diferencia del resto del Metal de fuera. También nos da detalles de cómo se manejaban artísticamente en esa época: ¨Por otro lado, la ausencia de soporte a nivel producción, hacía que todo lo que una banda necesita, no estuviese! Había que gestionar absolutamente todo… Como se podía y con lo que había. No sobraba nada. Era todo muy áspero y las carencias eran enormes. A nivel equipamiento, el mismo panorama, se tocaba con lo que había… Desde el punto de vista artístico, el metal era un género incipiente… casi inexistente. Nosotros, junto a un pequeño grupo de bandas, abrimos el juego, hicimos camino donde no había huella. La idea era decir, tocar, aunar la música con mensajes de fuerte contenido social. Y la música enérgica, dura, fuerte; fue el vehículo para dar lugar a las letras, al mensaje. Sin medir riesgos, así íbamos.¨ Y lo más complicado aún: el proceso de grabación de Demolición, el cual tenía entendido que había sido paupérrimo, ¿hasta qué punto fue así? bueno, mejor que nos lo cuente Simoni: ¨Sí, por decirlo de alguna forma educada, así fue. Muy malas condiciones, sin producción detrás, sólo con unas 130 horas de estudio pagadas y nada más. La calidad del estudio era desastrosa, había cosas mejores. El criterio de grabación era inexistente, el técnico que grabó, estaba poco aggiornado al estilo heavy, al sonido de una banda heavy. Fue todo bastante caótico. Recuerdo que mi disconformidad era permanente".

Fuente: Christian Darchez (diosesdelmetal.org)

 

 

 

Integrantes:

Marcelo Simoni: Guitarras

Luis "Aladino" Escobar: Guitarras

Billy: Voces

Daniel Parodi: Bajo

Oscar Oropeza: Batería

 

Temas:

 

(Lado Heavy)

 

01- Demolición (Mental)

02- Antes del fin

03- Paraiso infernal

04- Listo a matar

05- Identidad real

 

(Lado Metal)

 

06- La fuerza del metal

07- No esperen por mi

08- Bajo el signo del terror

09- Alma de chacal

 

 

Formato: FLC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

 

pass: naveargenta.blogspot

 

Claudio Gabis - Claudio Gabis (FLAC - 1974)

 

 

Segundo album solista de Claudio Gabis, publicado en 1974, con invitados de lujo como Charly Garcia, David Lebon, Black Amaya, Juan Rodriguez,  mas varios de sus ilustres compañeros de La Pesada del Rock and Roll.

 

"Entre la grabación de "Claudio Gabis y La Pesada" y la del álbum siguiente, "Claudio Gabis" pasa más o menos un año. En ese lapso me mudé a Brasil, a Buzios, donde estuve viviendo siete u ocho meses hasta que tuve que volver por un problema de salud de mi mujer. Volví en agosto o septiembre del '73, me acuerdo porque fue muy poquito antes de la caída de Salvador Allende en Chile. Desde allí y hasta entrando el '74 se grabó este segundo disco. Al volver me reintegro a La Pesada del Rock and Roll. Encuentro al país totalmente politizado. Yo estaba totalmente "brasilerizado": más místico que nunca y muy interesado en el tema de la ecología, entre otras cosas. Automáticamente pensé en La Pesada para que fueran los músicos del disco pero, además, antes de irme a Brasil yo había participado en el álbum "Vida", de Sui Generis, de modo que Charly García y Nito Mestre también se integran a las sesiones, al igual que el baterista Juan Rodríguez, David Lebón - con quien yo viví en esa época un importante período de amistad que nunca más se renovó - y Emilio Kauderer, quien había sido parte del primer grupo que yo tuve, Bubbling Awe, antes de Manal. Pudo haber sido el tecladista de Manal, pero no le interesó. Y terminó siendo compositor, por ejemplo, de casi todas las bandas de sonido de las películas de Aristarain. Fue mi "pata" musical durante toda mi adolescencia, con él me formé musicalmente. Hoy día vive en los Estados Unidos".

Claudio Gabis (Sobre "Claudio Gabis")

 

"Cuando este guitarrista argentino comenzó a trascender a nivel masivo apenas tenía veinte años. Hoy, obviamente ha crecido. Pero lo ha hecho bien en sus preocupaciones terrenales y en esa magia imprecisa que se llama música, para su caso, aguardando en una guitarra eléctrica. Gabis fue originariamente un guitarrista de blues, volcado por circunstancias del movimiento al rock, fracción en la que, pese a su empeño, no demostró la fuerza de su creatividad habitual en el blues y en diversas aproximaciones al jazz. Este segundo álbum, hermosamente superior a nivel "coco" y sensibilidad al primero, tiene en su intermedio una residencia fuera del país que, evidentemente ha influenciado en su tratamiento de la música, que va más allá de la anécdota de la letra inquisitoria y dudante de "Bajando a Buenos Aires". No obstante la aparente atadura al blues (cinco de los ocho temas están rotulados así) Gabis está surcando otros cielos, quizás todavía desconocidos para él mismo. Ante esta eventualidad aparece como indecisa la colaboración de los músicos que lo acompañaron. Pero la guitarra de Gabis suple. Después de todo, este se trata del álbum de un guitarrista solista. Y si hay voz es sólo para trasmitir las cosas que Claudio piensa y quiso que todos supieran.
Tapa: Buena composición fotográfica, con contratapa "elegante". Síntesis: Claudio Gabis, uno de los más exquisitos guitarristas del país haciendo una música casi siempre experimental y alta".

Revista Pelo - Reseña del disco (1974)

 

 

 

Músicos:

Claudio Gabis: Guitarra eléctrica, acústica, armónica, piano, coros
Alejandro Medina: Bajo, voz
Jorge Pinchevsky: Violín
David Lebón: Voz, coros
Charly Garcia: Organo
Juan Rodriguez: Batería, accesorios
Black Amaya: Batería
Emilio Krauderer: Piano eléctrico
Billy Bond: Coros, palmas
Carlos Abalos: Coros, palmas

Temas:

01- Esto se acaba aqui
02- Blues de la tierra supernova
03- Danza del mago
04- Temas de Sonia
05- Bajando a Buenos Aires
06- Blues de un domingo lluvioso
07- El amor tiene cara de oso
08- Me voy lejos de la ciudad

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

pass: naveargenta.blogspot

 

 

Pastoral - Pastoral + Bonus (FLAC - 1973)

 

 

Después de muchos años de espera, al fin tenemos en la nave el primer álbum de Pastoral en formato de alta calidad. El disco originalmente se grabó en los estudios ION, en octubre de 1973, en tan solo 31 horas. Fué editado originalmente por el sello Cabal, pero no contó con una campaña publicitaria adecuada, lo que derivó en su escasa repercusión en el medio local, aunque si despertó cierto interés en el exterior. A partir de ese momento la grabadora decidió darle un apoyo mas importamte al dúo.
Hoy en día el álbum es considerado un valioso objeto de colección, por su naturaleza de disco debut de un dúo que, más tarde en su carrera, lograria consolidarse como un referente del rock argentino.

 

Unas pocas presentaciones en público, total desconocimiento de las técnicas de grabación y muchas ideas fue el capital con el que Pastoral afrontó su primera experiencia discográfica. El resultado fue un álbum de música folk, sumamente auspicioso, aunque muy limitado técnicamente. La historia de siempre: la compañía que no les brindó el mínimo asesoramiento ni la difusión para hacer conocer el disco.

Alejandro: "Nosotros entramos al estudio con un montón de ideas dando vueltas en nuestras cabezas. Pero no sabíamos nada sobre grabaciones. Nos largaron en el estudio en un estado de orfandad total, no había un manager de grabación, ni un productor. En casi todo el disco trabajamos exclusivamente nosotros, en algunas partes hay piano ejecutado por un chico al que le íbamos cantando los tonos".

El defecto más ostensible del álbum es el sonido. Esta deficiencia surgió en íos tramos finales de elaboración: en esos momentos comenzó la escasez de pasta, y los resultados finales fueron diferentes de lo realizado en el master de grabación. Todos estos inconvenientes hicieron de este primer álbum un trabajo elemental a nivel producción. Aun así el disco dio sus frutos, ya que el encargado de la venta en el exterior consignó que había tenido una buena recepción. Al menos en la faz creativa, el disco le interesó a mucha gente en Europa e incluso en Japón. Por otra parte, en el plano de la difusión, el disco careció del apoyo necesario para su conocimiento en los medios especializados.

Miguel Angel: "La difusión a nivel de la compañía no existió en absoluto_ Si algún disc-jockey se dignó a pasarlo, fue simplemente porque íbamos y se lo prestábamos nosotros, y al tipo le gustaba. No hubo ningún intento de la compañía por tratar de darle un poco de difusión. En concreto fue un disco que estuvo mal hecho desde el vamos. Lo único positivo fue la respuesta obtenida en algunos paises, como por ejemplo España".

Los contactos más sólidos se han realizado en ese país, donde más interesó el material de Pastoral. España posee un mercado discográfico muy importante, que extrañamente aún permanece ignorado por el rock argentino, salvo algunas excepciones. Todo esto abrió la posibilidad de que Pastoral grabe un segundo long play, esta vez con las garantías de producción necesaria.

"España es un pais que nos interesa mucho, porque de Europa es el mercado más accesible —y uno de los más importantes en esta momento— porque consumen mucho rock y tenemos un idioma en común. Gracias a todo eso surgió la posibilidad de grabar un nuevo disco, esta vez con el respaldo de parte de la empresa grabadora. Entonces con un producto más acabado trataremos de concretar posibilidades de editar en ese pais. Pero queremos hacerlo con algo serio: llevar la primera edición nuestra seria condenar la empresa al fracaso. Por eso tratamos de hacer algo que refleje nuestras posibilidades reales".

El planteo de Pastoral al sello que los representa fue claro: exigieron la devolución del contrato que los unía. Ante esta eventualidad la empresa reconoció que no había brindado al dúo el apoyo necesario. Pero por otra parte no deseaban cancelar el contrato, porque Pastoral se había convertido en un número importante dentro del staff de la compañía. De esta manera se concretó la grabación de un nuevo disco, esta vez cumpliendo con todos los requisitos indispensables para su mejor elaboración.

De Michele y Eurasquin - Sobre la grabación del álbum (1975)

 

"Es auspicioso el comienzo de este dúo de música clara, de voces quedamente combinadas, de letras pastosas y música básicamente folk. Muchos podrán encontrarle parecidos a otros grupos argentinos. Es probable que se parezcan a todos. Pero hay uno al que se parecen más que a ningún otro: a Pastoral. Terminemos con las comparaciones! Con una buena producción detrás el dúo podría haber logrado otro sonido, más concreto y definido y, además, les hubiera otorgado la posibilidad de desarrollar toda la música y los arreglos —que se nota— tienen adentro. Que surja un dúo de. estas carasteristícas no es casual: el movimiento está atravesando por una etapa de creciente acustización; quizás por el carácter intimista, desalienante y especial para decir que tiene el sonido natural de los instrumentos. Pastoral se inscribe en esa corriente con valores bastante raros de encontrar en gente que recién comienza. Tapa: Fea. Mala idea, horrible elaboración. Todo mal. Síntesis: música con espíritu de campo y grandes campiñas pero en la ciudad. Es un dúo que hace cosas lindas y con empeño".

 

Revista Pelo - Reseña del álbum (1975) 

Integrantes:

Alejandro de Michele: Guitarra, voz
Miguel Ángel Erausquin: Guitarra, voz

Temas:

01- Libertad Pastoral
02- Tema del Hombre Yo
03- Tía Negra
04- Simulacro de Vida
05- Girasoles de Papel
06- Improviso y Hermoso
07- En el Hospicio (Version original)
08- Historias Recortadas
09- Mi Soledad Sola
10- Hoy, Recién Hoy
11- José, el Pastor Espiritual
12- Hay que Comprender

Bonus Tracks:

13- Vicente Marrón

12- Tres Manchas de Humedad

14- Libertad Pastoral (Versión Radio) 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

pass: naveargenta.blogspot

Quinteplus - Quinteplus (FLAC - 1971/72) Reedición 2007

  

 
La historia de Quinteplus tiene sus comienzos en el año 1969 y su música esta mas emparentada con el jazz que con el rock, de todas formas sus talentosos integrantes reconocían y practicaban un amplio abanico de influencias musicales. Mediante su tecladista, Santiago Giacobbe, (que utilizaba piano eléctrico Fender) fueron pioneros en la incorporación de sonidos eléctricos al jazz.
Esta edición, publicada por el sello Vampi Soul en 2007, contiene el único disco de estudio grabado por Quinteplus (menos un tema), mas cuatro tomas en vivo registradas en octubre de 1972 en el teatro Santa María del Buen Ayre.

Quinteplus fue una suerte de supergrupo integrado por los jazzeros criollos Gustavo Bergalli en la trompeta, Jorge Sanders en el saxo, Santiago Giacobbe en los teclados, Jorge Gonzalez en el bajo y la batería de Carlos Pocho Lapouble. Fueron una de las bandas más solidas del jazz argentino de los setenta. Tocaron mucho en directo pero grabaron muy pocos discos, sólo dos, uno en estudio (“Quinteplus”) y otro en directo (“En vivo”), que tuvieron escasa repercusión, sobretodo porque su propuesta musical y su estilo se adelantaron mucho a su tiempo. Pero así es como se escribe muchas veces la historia de la música.
Surgido en un momento en el que en las venas de los músicos argentinos parecieron mezclarse sanamente con alguna inyección de rock, los Quinteplus se dejaron llevar por la transformación arrolladora del jazz que por esos días soplaba gente como el Gato Barbieri, pero de una manera mucho más fresca y relajada.
Tambien es evidente la influencia del Miles Davis más eléctrico –el “Silent way” y el “Bitches Brew” están muy presentes- y del jazz-rock que por aquel tiempo hacía su aparición. Esto no era excusa para que no se interesasen, ademas, por los ritmos folkloricos argentinos. “El pasito de Nano”, “La vuelta del Elefantor”, “Loberman, el hombre lobo”, o “Blackman, el justiciero”, títulos que de paso permiten contestar también aquella pregunta de Frank Zappa acerca de si música y humor pueden ser compatibles. Ah, un lugar bien destacado se gana la versión imperdible del clásico “Los ejes de mi carreta” de don Atahualpa Yupanqui.

 

"Fueron una de las bandas más sólidas del jazz argentino de la década de los setenta. Tocaron mucho en directo pero grabaron muy pocos discos, sólo dos, uno en estudio (“Quinteplus”) y otro en directo (“En vivo”), que tuvieron escasa repercusión, sobretodo porque su propuesta musical y su estilo se adelantaron mucho a su tiempo. En su música se conjugaba un jazz con evidentes influencias del Miles Davis más eléctrico –el “Silent way” y el “Bitches Brew” están muy presentes- y del jazz-rock que por aquel tiempo hacía su aparición. Esto no era óbice para que no se preocupasen por la música de su Argentina natal, y de esta manera también se interesaban por el trabajo de, por ejemplo, el folclorista y cantante Atahualpa Yupanqui, del que hacen una introspectiva versión de su célebre “Los ejes de mi carreta”.
Estos discos, grabados el primero en 1971 y el segundo un año después, mantienen un vigor y una frescura sorprendentes; es más, si se hubiesen grabado en este año a (casi)nadie sorprendería. La música de Quinteplus iba desde el ya mencionado folclorismo a escarceos con el free, como en “La vuelta de elefantor”, pasando por los sonidos que recuerdan a Herbie Hancock y sus Headhunters, en piezas como “Loberman, el hombre lobo”.
Esto es jazz compacto, vital, tocado por músicos imaginativos que creían en lo que hacían. Una magnífica oportunidad de descubrir a un quinteto deslumbrante".

José Manuel Pérez Rey (distritojazz.es)

"En realidad, un día apareció el Negro González y nos dijo: “Muchachos, ¿por qué no dejamos por un tiempo de tocar ‘Las hojas muertas’ y nos ponemos a componer nuestros propios temas?”. El único que entonces lo hacía en el jazz argentino era Rodolfo Alchourrón. Y nos largamos a componer, todos: Pocho Lapouble –el baterista–, Giacobbe, el Negro, Bergalli y yo. Sucede que a mí me gustaba mucho el tema de Yupanqui, y le hice un arreglo. Pero lo gracioso fue que la prensa nos rotuló como banda de rock, quizá porque Giacobbe tocaba el teclado Wulitzer, lo más moderno de aquellos días..."

Jorge Anders (Saxofonista de Quinteplus)

 

 

Integrantes:

Gustavo Bergalli: Trompeta
Jorge Anders: Saxo tenor
Santiago Giacobbe: Piano eléctrico
Jorge Gonzalez: Bajo, contrabajo
Carlos Pocho Lapouble: Batería

Temas:

01- Loberman, el hombre lobo
02- Los ejes de mi carreta
03- Blackman, el justiciero
04- El marques (Parte 1,2 y 3)
05- El pasito de Nano
06- Zamba de mis pagos
07- El rapidón no se rinde (Grabado en vivo, 1972)

08- Pochoclito (Grabado en vivo, 1972)

09- Ode to Billy Joe (Grabado en vivo, 1972)

10- José Blues (Grabado en vivo, 1972)

 

 

Formato: FLAC - 14.100 Hz / 16 Bits  

pass: naveargenta.blogspot

  

Sumo - Llegando Los Monos (Vinilo FLAC - 1986)

 

 

Llegando los monos es uno de los álbumes fundacionales de los ochenta. Un manifiesto de las diversas corrientes musicales que predominaban en la década y que Sumo supo amalgamar dándole una identidad propia. Un múltiple abanico estilístico que abarca desde el reggae de "No good" y "Que me pisen", el punk de "El ojo blindado", el post punk de "Estallando desde el océano", la new wave en "T.V. caliente", la balada autobiográfica "Heroin", la experimentación electrónica "Cinco magníficos", hasta el irónico intento de "hit comercial" con "Los viejos vinagres".
Todo esto en un grupo que combinaba desfachatez, insolencia y la capacidad de incorporar y devolver una música hasta ese momento inédita en nuestro país, hasta el día que llegaron los monos...

 
"Para mediados de los ochenta, la despedida definitiva de la dictadura había desencadenado una primavera cultural y social producto de la esperanza generalizada por el fin del terror. El rock argentino vivió un momento de explosión con la aparición de Soda Stereo, Los Redondos, Fito Páez y Los Violadores, las innovadoras búsquedas personales de Charly García y Spinetta, y el crecimiento de Virus, Los Abuelos de la Nada y otros tantos. Pero una banda en particular llamaba la atención de algunos pocos atentos a la escena under del oeste: Sumo.
La banda de Hurlingham fue clave en este contexto para traer, de la mano de Luca Prodan, nuevos sonidos que hasta entonces eran desconocidos en el país. Nacido el 17 de mayo de 1953 en Roma, hijo de una familia acomodada, Luca estudió en un prestigioso colegio de Escocia donde fue compañero del príncipe Carlos y mamó la movida cultural de la Londres de los setenta. En esta época, al ya afianzado punk y post punk se le sumaba la aparición de la influencia jamaiquina, como el reggae y el ska, que tomaron fuerza por una gran ola migratoria proveniente de la isla caribeña.
Su llegada al país tuvo que ver con un escape de un terrible enemigo al que no olvidaría jamás: la heroína. Su adicción, sumado al suicidio de su hermana -que había estado relacionado con el mismo consumo, y al cual el propio Luca la había iniciado- llevaron al italiano a rehabilitarse en las sierras de Córdoba, donde vivía Timmy McKern, un amigo argentino de origen escocés con quien había estudiado y que más tarde sería manager de Sumo.
Luego se instaló en el oeste bonaerense, donde terminó de conformar la banda y comenzó a maravillar a una población que quedó alucinada, no solo con los nuevos sonidos que traía Sumo, sino también con él: un pelado (en tiempos de raros peinados con gel) que cantaba en inglés y un español italianizado, con una simpleza y rebeldía que distaba mucho de los músicos mainstream de la época. En esta zona su figura creció a pasos agigantados, al igual que la banda. Y pronto comenzaron a ser reconocidos fuera de la escena under.

El 22 de mayo de 1986, Sumo publicó su segundo disco de estudio con el que comenzaron a hacer cosquillas a los grupos más consolidados: Llegando los monos. Antes, habían publicado el demo Corpiños en la madrugada (1983) –del cual se hicieron solo 300 copias- y el considerado primer álbum, Divididos por la felicidad (1985). El nombre del segundo disco tiene que ver con una divertida anécdota en el verano de 1984 en Villa Gesell, cuando la cancelación de unos shows a partir de un exabrupto de Luca los mandó a auto promocionarse por la playa con un altavoz: “No es una alucinación. Está Sumo en Villa Gesell… llegando los monos”.
La tapa muestra una obra que hizo el artista búlgaro Christo Javacheff en 1961, un bulto empaquetado y atado con soga, de forma bastante desprolija y compacta. Podría pensarse que el paquete alude a un rejunte, en el mejor sentido de la palabra, donde prima el desorden, la desprolijidad, y también el misterio que implica un envoltorio cerrado de esa forma. La tapa refleja un poco la esencia misma de una banda que invitaba a abrir ese paquete y destapar un increíble caos.
Que se entienda que la palabra desorden no implica una valoración negativa. Llegando los monos contiene una diversidad sonora que se salta del punk rabioso en castellano, como “El ojo blindado”, a un suave reggae en inglés, como “No Good”, y aún así logra una identificación propia sin necesidad de etiquetas. El grupo también se dio el lujo de jugar con un collage de sonidos superpuestos en los tracks homónimos del disco que abren y cierran la obra, lo que transmite también esta idea de lo casero, experimental y distendido que caracterizó a la banda.
“Estallando sobre el océano”, uno de los momentos bisagras del disco, es un post punk bien ochentoso cantado en inglés que el propio Germán Daffunchio definió como el pico de Sumo, donde habían logrado una fusión entre las distintas personalidades de los integrantes. El tema nos lleva de paseo por las colinas, las praderas y todos los sitios que el protagonista menciona hasta estallar desde el océano.
En “Heroína”, Luca habla de su pasado en Europa y cómo su vida cambió al venir a Argentina, aunque asegura que esa maldita droga que le quitó a su hermana y casi lo mata a él aún está presente en su memoria y lo lleva a tener pensamientos suicidas. Es una canción que, si bien comienza con un suave saxo y un ambiente pacífico, es en realidad bastante oscura, llena de dolor y bronca. Luca deja los pulmones en cada estribillo para gritar con toda la furia el nombre de ese fantasma que lo atosiga.
Ideada para ser un hit, “Los viejos vinagres” es una canción divertida y bailable que deja algunas de las frases más recordadas del vocalista italiano, como “Para vos lo peor es la libertad” o “Juventud, divino tesoro”. Es también una crítica a las personas conservadoras, más allá de su edad biológica: “Es gente con una mentalidad. Hay chicos de 12 años que son más reaccionarios que una persona de 50. Y encima son más idiotas”, dijo Luca en un show de 1987. También podría interpretarse como una crítica hacia otros grupos como Virus y Soda Stereo, de quienes Luca decía que se preocupaban más por su look y sus poses que por su música.
Sumo marcó una época y dejó un legado. Mientras la dicotomía de esos años estaba entre el new wave y el rock pesado, un extranjero llegó para romper con los estereotipos, consagrar un grupo absolutamente contracultural y forjar una identidad propia desde la falta de identificación de tanta gente con la música ofertada. Si no hubiera sido por Luca y Sumo, el rock nacional no habría sido igual".

Sebastián Bruno (indiehoy.com)

 

 

 

Integrantes:

Luca Prodan: Voz, percusión, coros
Ricardo Mollo: Guitarra (eléctrica y sintetizada), coros
Germán Daffunchio: Guitarra, coros
Roberto Pettinato: Saxo (alto y tenor), acordeón, coros
Diego Arnedo: bajo, coros
Alberto "Superman" Troglio: Batería, percusión, coros

Temas:

01- Llegando los monos
02- El ojo blindado
03- Estallando desde el océano
04- TV Caliente
05- NextWeek
06- Cinco magníficos
07- Los viejos vinagres
08- No Good
09- Heroin
10- Que me pisen
11- Llegando los monos (Reprise)

 

 

Muestra Gráfica De La Grabación

Ripeado De Vinilo

 

Formato: FLAC (Free Lossless Audio Codec) - 48.000 Hz / 16 Bits

 

pass: naveargenta.blogspot

Pajarito Zaguri - Pájaro y La Murga Del Rock And Roll (FLAC - 1976)

 

 

El mítico Pajarito Zaguri, graba entre 1975 y 1976, esta joyita de culto del rock y blues argento. Lo acompañan, entre otros, músicos de la talla de Rudy Marcolongo (futuro guitarrista de Dulces 16), dos históricos de la ciudad de La Plata, el "cófrade" Kubero Díaz y Willy Pedemonte. Cuenta además con la participacón especial de Pappo al piano y el órgano en dos temas, y la voz de la mejor cantante de jazz de la argentina, Lois Blue, en "El vago del Oeste". 

 

Luego de la separación de Piel de Pueblo, armamos La Murga del rock and roll con Rudy Marcolongo (también de Ramos) y Daniel "El Ruso" Beiserman, en 1974 más o menos. Una banda que se llevo consigo un disco muy marcado por la firma de Ramos Mejía. Con Alfredo Valman Lavia en la batería, Eduardo Vallejos, Kubero Díaz (de La Cofradía de la flor solar, como invitado) e inclusive la magistral participación de Lois Blue y Pappo, quien casualmente también era una especie de habitué de los barcitos de Ramos. Era una banda con mucha locura encima, la misma que se puede apreciar en el disco que dejamos grabado. Había mucha complicidad entre todos, ya que veníamos de compartir experiencias fantásticas rondando por los barrios, discutiendo y debatiendo sobre la vida y nuestra forma de estar en ella. Lamentablemente, la formación duró poco tiempo. A fin de año tomé la decisión de irme a vivir a las sierras de Córdoba. A causa de esto La Murga se disolvió y de ahí se armó un desprendimiento groso de donde salieron varias bandas que marcaron: Rudy pasó a La Blues Banda para luego formar parte de Dulces 16 y el Ruso formó e integró Memphis la Blusera.

Pajarito Zaguri, "La esencia es la misma"

 

 

Temas:

01- Buscando el Rock and Roll °
02- Deja que ya escuche su oración *
03- El secreto difundido*
04- El vago del oeste °
05- Buenas tardes, como estás °
06- Descubrir la realidad *
07- Intentando los Blues °

Músicos:

° Grabado en noviembre de 1976 por
Pájaro y La Murga del Rock and Roll:

Pájaro Zaguri: Voz
Rudy Marcolongo: Guitarra
Eduardo Vallejos: Guitarra
Daniel Belserman: Bajo
A.A. Valman: Bateria

* Grabado en mayo de 1975 por Pájaro
y músicos de la Ciudad de La Plata:

Pájaro Zaguri: Voz
Kubero Díaz: Guitarra
Willy Pedemonte: Guitarra
Gastón Cubillas: Saxo tenor
Topo D´Aloisio: Bajo
Guillermo Migoya: Bateria

Invitados:

Pappo: Piano en "El vago del Oeste", organo en "Intentando los blues"
Lois Blue: Voz en "El vago del Oeste"

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

pass: naveargenta.blogspot