Telmo y Su Pandilla - Rock And Roll 69 (1969)

 

 

 

Telmo es una figura de culto dentro del rock and roll clásico en Argentina, conocido por su fidelidad al sonido de los años 50 y 60. Su música se caracteriza por ser un rock and roll puro y tradicional, fuertemente influenciado por figuras como Elvis Presley y Chuck Berry. Aunque desarrolló gran parte de su carrera en una época donde el rock argentino (más progresivo o de autor) ganaba terreno, Telmo se mantuvo como un referente del estilo clásico y bailable, actuando frecuentemente en circuitos de clubes y salones. Los discos que grabó en su intermitente trayectoria son muy valorados hoy en las plataformas de coleccionismo; este es el primero de ellos, registrado en 1969 en el sello RCA-Vik. 

Incluí en esta publicación el primer simple que grabara como "Telmo y Los Stones" en 1968, bajo el sello Music Hall.

 

Pedro Telmo Carranza, alias Telmo o Telmo Rock, fue un importante cantante y músico perteneciente a la generación fundacional del rock en Argentina. Telmo hizo muchas presentaciones en televisión, principalmente desde la segunda mitad de los 60, en ciclos como "Escala musical", "Sábados de la bondad" y más adelante "Feliz domingo para la juventud". A fines de los 60 grabó un disco simple para el sello Music Hall con su banda Telmo y Los Stones, un tema en un compilado de RCA, y para el mismo sello un lp mítico llamado Telmo y su Pandilla - Rock And Roll 69. Se basaba principalmente en éxitos del rock and roll de los 50 y 60 y alguna adaptación.
A fines de los 70 un simple para el sello CBS nos descubre su faceta melódica, mientras seguía con sus presentaciones de perfil rockero en lugares varios y en TV.
En 1983 editó Telmo y Sus Rockeros, que ya incluía varias composiciones propias, y una banda que incluía a Yalo López, Black Amaya, Nicky Jones, Daniel Bollert y Jorge Jacobellis bajo la producción de Rubén Amado.
Tras grabar un disco que nunca fue editado, se produce un largo paréntesis discográfico hasta que en la primera mitad de la década del 2000 publica, bajo el seudónimo Telmo Rock, dos cds independientes homenajeando a Elvis Presley y a Johnny Rivers. En ambos participa su hijo, el músico Julián Carranza. En el segundo se ocupa de tocar todos los instrumentos. En la actualidad Telmo se encuentra alejado de la vida pública.  

 

 

 

Músicos que participan:

 

Sin datos concretos.

 

Temas: 

01- María

02- No me busques mas

03- Zapatos de gamuza azúl

04- Enriqueta (Henrietta)

05- Que dije (What I say)

06. Tutti Frutti

07- Jenny, Jenny

08- Oh, mi amor

09- Agujetas de color rosa

10- La plaga

11- Listo Teddy

12- Lucía

 

Bonus Tracks:

 

13- Mi chica (Telmo y Los Stones / Simple Music Hall - 1968)

14- Nosotros decimos si (Telmo y Los Stones / Simple Music Hall - 1968)

 

 

Formato: Mp3 - 192 Kbps

 

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Alma y Vida - Vol. 1 + Simples (FLAC -1970 / 1971) Remaster. 2004

 

 

Pioneros del jazz-rock en la argentina, Alma y Vida publica su primer álbum en 1971 bajo el sello RCA, donde se observan las influencias de bandas como Chicago y Blood, Sweat & Tears. La sección de vientos tiene un rol preponderante, junto a la particular y poderosa voz de Mellino. Esto le brinda a la agrupación un sonido inédito hasta ese momento en nuestro país. El disco contiene clásicos como "Mujer, gracias por tu llanto" y "La Gran Sociedad", sin embargo hay temas muy atractivos como el intenso "Veinte Monedas" o la breve jam "Y…Esto?". Sin embargo el gran tema del album es "Lagrima de ciudad" con sus mas de nueve minutos de gran intensidad lirica en la voz de Mellino y virtuosos pasajes sonoros con aires jazzeros a cargo de la banda. Las letras del disco alternan temáticas amorosas con otras de neto compromiso social y político, elementos que serán característicos en las líricas de toda la carrera del grupo. 

Además de los bonus tracks que contiene esta edición, incluí los temas del primer simple grabado por el grupo en el sello Mandioca (1970). 

"...En cuanto al repertorio, los temas se trabajaban mucho en los ensayos. En general alguien aparecía con una idea y le íbamos dando forma. Uno proponía una frase, otro una respuesta, "acá los caños por qué no hacemos esto..." y el tema se iba ensamblando. Gustavo por lo general traía sus temas más armados, ya que él había estudiado armonía y composición e introdujo la mecánica de traer las cosas con mayor elaboración previa. Diría que de la combinación de ambos métodos salió todo el repertorio de este primer álbum. Bueno, y después alguno se ocupaba de hacer la letra. Los letristas éramos Moreno, Esteban Mellino -el hermano de Carlos, que era también nuestro manager- o yo. Si no recuerdo mal, el álbum lo grabarnos en T.N.T. de la calle Moreno. Grabar siempre tuvo un encanto muy particular, pero este LP debut fue algo especial para nosotros: era la concreción de un sueño. Porque aunque tuviésemos un espíritu un poquito más profesional y un par de años más que el resto de los músicos de rock, éramos todavía muy jóvenes, y era toda una experiencia nueva esto de ponerse a armar una banda, preparar el material y meternos a grabar. Estábamos muy felices y con toda la energía al servicio de eso. Se grababa en cuatro canales y claro, no había las posibilidades técnicas que hay ahora, donde todo se puede solucionar fácilmente. En aquel entonces, si tenías que compaginar algo o había que pegar tal parte con tal otra, se cortaba la cinta con...una tijera, era como una operación de alto riesgo, donde siempre existía el peligro de que se estropeara algo. Pero los técnicos eran muy habilidosos; tenían mucha experiencia y resolvían muy bien las cosas.
En cuanto a los temas, "Mujer, gracias por tu llanto" fue uno de los primeros clásicos de Alma y Vida, una balada bien al estilo de Carlos Mellino, con letra mía. "La gran sociedad" fue ganadora del Festival de la Canción de Mar del Plata. La banda mostró siempre en sus letras una inquietud por las cosas que pasaban en el país. Sin manifestarnos en favor de una idea política en particular, nos hacíamos eco de toda esa cosa del cambio que estaba latente en aquel momento: la perspectiva de pensar un país mejor, una sociedad más justa. La letra de "La gran sociedad" es mía y hoy cuando la escucho me resulta un poco naif, pero de alguna manera pone de manifiesto esta inquietud social que estaba en nosotros. "¿Y...esto...?" fue medio como una "zapada" que armamos en el estudio, donde creo que hay un par de trompetas sonando juntas. Es un ejemplo de nuestro afán por la experimentación, al igual que "Lágrima de ciudad". Este fue uno de los primeros que armamos y es muy extenso, con varios solos, cosas que remiten al jazz, en fin, una mezcla de cosas. Alma y Vida siempre fue un grupo con afán de experimentar. Me parece una actitud muy sana y si escuchás esta música hoy, verás que ha resistido muy bien el paso del tiempo. Lo que lamento en cierta forma es que, debido a cierto malentendido con algún medio de prensa de la época, quedamos un poco marginados del movimiento de rock. Tenemos reconocimiento popular pero mi sensación es que hay una cierta élite del rock para la cual quedamos afuera de la historia, a mi juicio injustamente..."

Entrevista a Bernardo Baraj por Alfredo Rosso (2004) 

Integrantes: 

Carlos Mellino: Teclados, voz

Gustavo Moretto: Vientos, teclados, voz
Bernardo Baraj: Saxos, flauta
Juan Barrueco: Guitarras, voz
Alberto Hualde: Batería, percusión
Mario Salvador: Trompeta (solo en el primer simple)
Carlos Villalba: Bajo

Temas:

01- Mujer gracias por tu llanto
02- Me siento dueño del mundo
03- Imaginate hace tiempo
04- Realidad de sentir
05- La morada
06- Veinte monedas
07- Lágrima de ciudad
08- Y...esto?
09- La gran sociedad 

 

Bonus Tracks:

 

10- Siempre el ocaso (Single RCA-Vik /1970)

11- Sé felíz (Single RCA-Vik /1970)

12- Paula y Nicolás (Lado B, Single RCA-Vik /1971)

13- Niño color cariño (Lado A, Single Mandioca - 1970)

14- He comprendido (Lado B, Single Mandioca - 1970)

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Raúl Porchetto - Metegol / Televisión (FLAC - 1980/1981)

 

 

 

Metegol (1980) y Televisión (1981) son dos álbumes fundamentales en la carrera de Raúl Porchetto; marcaron su transición hacia un sonido más moderno vinculado al new wave y el pop rock en argentina. El grupo de apoyo que formó Porchetto en esta etapa incluía, nada mas y nada menos, que a Pablo Guyot, Alfredo Toth y Willy Iturri, que posteriormente se unirian a la banda de Charly García y luego formarían el exitoso trío G.I.T. Metegol fue un disco que modernizó el sonido de Porchetto, respecto a trabajos anteriores. El sucesor, Televisión, continuó y afinó esa exploración sonora hacia ritmos más bailables y electrónicos. Dos discos aclamados por crítica y público en su época, que innovaron el sonido del rock argentino en el inicio de la década del 80. 

 

"Los años de lucha han sido largos para Raúl Porchetto. Mientras que otros contemporáneos suyos conocen la panacea del éxito, y otros la acritud del anonimato, él se mantuvo en un espacio intermedio. En una especie de suspensión indefinida. Respetado por el público y los músicos, no consiguió, sin embargo, aunar todos los elementos que impulsan a un artista hacia la apreciasión masiva. No se puede ignorar la parte de culpa que él lleva en todo eso y que derivó en un proceso autocritico personal y profundo. Raúl Porchetto aprendió de sus limitaciones, de los esquinazos del sistema, y de la medida de su propio talento. Entonces estuvo preparado para buscar el impulso final. Todos saben que la consagración de un artista no es obra de la casualidad, y que, generalmente, son factores externos los que alimentan el proceso. Falta saber si habrá combustible suficiente. El primer paso está dado: Porchetto hizo su mejor álbum hasta la fecha. "Metegol" incluye la luminosa presencia de Pablo Guyot en guitarra, Alfredo Toht en bajo, y Willy Yturri en batería. Como en sus anteriores formaciones, Porchetto volvió a integrar una banda de músicos talentosos, dispuestos a jugarse a fondo por su música. Este álbum tiene la virtud de haber sido el catalizador de todas las posibilidades de Porchetto, y de la eliminación (esperamos que definitiva) de los clichés que arruinaron algunas de sus mejores interpretaciones. Este álbum marca un hito en la carrera de Porchetto, no sólo por el virtuosismo o la técnica con que fue grabado, sino porque significa un cambio sustancial en su dirección musical. Las canciones se han mantenido intactas, sin que los arreglos tuvieran el efecto distorsionador y nocivo de otros discos. Las melodías aparecen más cristalinamente, y cada uno de los solos fue puesto en el lugar y el momento adecuado. La nueva tendencia de Por-chetto es muy amplia, va desde el funk, pasando por el rock'n'roll, el blues crudo, todo sin desdeñar la fuente principal que es la canción. Por fin su voz se escucha con claridad y se pueden apreciar algunos hallazgos realmente válidos en los textos. Los músicos que lo acompañaron trabajaron con empeño y talento. Pablo Guyot es uno de los guitarristas nuevos más inte-resantes que han surgido. Su trabajo es medido y eficaz, pero denota un estilo personal basado en la técnica y el conocimiento de las posibilidades timbricas del instrumento. Alfredo Toth es un bajista con mucha experiencia musical, y en este disco se lo escucha tocar con unas ganas realmente sorprendentes. Willy Yturri es un baterista hábil y fuerte, y es uno de los pocos músicos que trasuntan la alegría que sienten al tocar. Iturri es como lo fueron otros nombres en el pasado, un nuevo hallazgo de Porchetto. "Metegol" es una de las ediciones nacionales más importantes de este año y sin ninguna duda no defraudará a los oyentes. Todas las expectativas han sido satisfechas y Porchetto tiene la mejor oportunidad de acceder al gran público". 

Revista Pelo - Reseña de Metegol (1890)

"Para Raúl Porchetto su auténtica carrera musical comenzó el ano pasado, cuando editó el apabullante "Metegol". Lo demás, el pasado, servirá para los historiadores y para él como el más primario aprendizaje. El resultado es "Televisión", el álbum de rock'n'roll más moderno que se haya hecho en la Argentina. ¿Por qué? Básicamente el sonido. Porchetto tiene una de las formaciones más completas y poderosas de la Argentina, y cuando se ponen en el estudio consiguen el mejor, el más acabado sonido que jamás haya logrado un grupo nacional. Porchetto está marcando un hito en la producción discográfica, y esto inevitablemente llevará a replantear conceptos a los grupos grandes (incluso más populares que el de Porchetto) respecto al sonido hecho-en-el-toilette que prolifera.
"Televisión" no es una invectiva contra el género, Porchetto es demasiado inteligente como para perder el acetato en un tema tan vapuleado. Su propuesta es inversa: el mensaje es para los que están delante de la pantalla, alienados por una realidad-fantasía que los comprime cada día más, y que sólo deja rectángulos de cuarenta centímetros para soñar con otra vida mejor, y a todo color. "Habrá días de sol" es la apertura de un álbum en el que mayoritariamente se percibe un sentimiento de escepticismo, de melancolía. Pero también tiene mensajes de esperanza. Porchetto cree en eso, y por eso abrió el long play con ese tema, donde el amor y el optimismo están subrayados por un riff alegre sostenido por los compactos vientos de Hugo Pierre y Beny Izaguirre. "Me siento bien" es una de las mejores canciones del álbum, sobre una base bien nueva ola Porchetto canta cansinamente: una verdadera pálida. "No me dejes caer" es una simple canción de amor donde la realidad asoma como el factor desestabilizante. Esta es una de las constantes literarias de todo el álbum. Porch-tto intenta cantar realidades y no transar con metalenguajes o viajes cósmicos. "Qué chatura señor" y "En el fondo del cielo" tienen mensajes claros, de angustia, pero de defender desesperadamente la esencia del hombre: su dignidad y el respeto por la vida. A esta altura no se puede adjetivar el trabajo del grupo de Porchetto, simplemente decir que ellos grabaron el mejor disco de rock nacional que se editó este año".

Revista Pelo - Reseña de Televisión (1981)

 

 

 

Integrantes:

Raúl Porchetto: Teclados, guitarra acústica, voz

Pablo Guyot: Guitarras

Alfredo Toth: Bajo, guitarra acústica, voces

Willy Iturri: Batería, percusión

 

Músicos invitados: Ver inerts de los discos

 

Temas - Metegol (1980):

01- Metegol
02- Nunca quise entender
03- Aquí el planeta
04- Dónde hay un cine
05- Empezando la vida
06- Cruzando Buenos Aires
07- Arriba aún está el cielo
08- Algo de paz
09- Todos contra todos
10- Truenos y rayos

Temas - Televisión (1981):

01- Habrá días de sol
02- No me dejes caer
03- Me siento bien
04- Que chatura, Señor
05- Televisión, ¿Está bien o está mal?
06- Eternos necios
07- Miedo de volar
08- Boletos, pases y abonos
09- Cruzando la calle
10- Libre de culpa y cargo
11- Para salir de la duda  

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Blue's Men - Prohibido Prohibir (FLAC - 1968)

 

Esta es sin duda la joya mas preciada del garage argentino. Blue's Men fue una efímera agrupación de fines de los 60, que llegó a grabar este único y maravilloso legado sonoro, editado originalmente en 1968 por el sello Odeón. Cantado enteramente en inglés, el álbum cuenta con la poderosa voz de Miguel Witis, a menudo comparado con Eric Burdon, e incluía versiones de, entre otros temas, ‘If I Were A Carpenter’ de Tim Hardin y ‘Hush’ de Billy Joe Royal, mas algunas composiciones propias como "Prohibido Prohibir" y "Reflections of a Sun Freakout". 

La reedición compartida en la nave fué publicada en 2003 por sello holandés Mystic, en vinilo de 10 pulgadas, e incluye nueve temas de la edición original.

 

"Imaginen a The Doors, con una pátina de The Animals, pero sonando en Buenos Aires, más precisamente en sus suburbios, en 1968. Eso es Blue’s Men, con un añadido: psicodelia casera, con un sonido único e hipnotizante. Durante años, Prohibido prohibir, el único álbum que grabaron, fue un tesoro para entendidos en memorabilia rockera: siempre fue un disco difícil de conseguir, casi imposible, un rasgo que contribuyó a esculpir su estatus de obra clásica maldita. Ahora que finalmente lo tenemos en nuestras manos, Prohibido prohibir actualiza su condición de obra maestra y más: a medida que avanza, es apenas comprensible que casi ninguno de sus integrantes haya seguido vinculado al mundo de la música y que su cantante, el impresionante Miguel Witis (actualmente fallecido) –para muchos, el «Eric Burdon argentino»: alcanza con escucharlo gritar para entender su sobrenombre– no haya sido una estrella local en su momento, con decenas de discos sobre su espalda. Mención especial para la versión de Hush, primer single de unos jóvenes Deep Purple que seguramente jamás se enteraron de esta relectura sucia y poderosa en manos de un quinteto argentino perdido en el tiempo". 

www.zonadeobras.com

 

 

Ficha Personal:
 
Miguel Witis: Este extraordinario cantante cuya voz adquiere, mientras canta, un brillo y tonalidades incomparables nació hace 21 años en Buenos Aires.
Desde muy chico comenzó a modelar su voz y estudiar música; toca piano y viola. Es estudiante de medicina. Anteriormente habla actuado en tres conjuntos. Es tanatico admirador de Ray Charles. Entre su tipo de música preferida ocupa un lugar preponderante el "negro spritual".

Oscar "Quique" Alvarado: También de 21 años, se dedicó desde muy joven a estudiar música; tal es así que en este momento está considerado como uno de los pianistas mas de onda. Toca además guitarra y bajo. También el se desempeñó en varios conjuntos antes de encontrar su verdadero camino junto a los Blue's Men. Admira a nuestro gran pianista Enrique Villegas. Le encanta la música barroca y en especial Bach. Su hobby es la electrónica.

Eduardo Levi: De 18 años, toca la guitarra; aunque es muy joven todavía, actuó anteriormante en cuatro conjuntos. Divide su actividad entre la guitarra, sus estudios de Ciencias Económicas y su hobby: viajar. También admira a Ray Charles y su música preferida es el "hot jazz".

Miguel Rosales: 20 años; cuando toca la batería se entusiasma tanto que a su alrededor parece que se hiciera el vacío. Adquirió experiencia en los cuatro conjuntos en que actuó anteriormante. Todo su tiempo lo ocupan: primeramente le batería y su hobby, que es el dibujo y la publicidad. Le encanta el ritmo "afro".

Cesar Paredes: Aunque no lo representa, tiene 18 años; toca admirablemente el bajo. También actuó en dos conjuntos antes de identificarse plenamente con los "Blue's". Es un fanático del jazz, y en los ratos libres se dedica a las chicas, su hobby predilecto (sic).

Extraido de la contratapa del álbum 

Integrantes:
 
Miguel Witis: Voz
Eduardo Levi: Guitarra
Oscar "Quique" Alvarado: Piano, órgano
Miguel Rosales: Batería
Cesar Paredes: Bajo

Temas:

01- No Time to Cry
02- Silencio
03- Tu Comprendes
04- Honey on the Vine
05- The Day the World Fried My Brain
06- If I Were a Carpenter
07- Prohibido Prohibir
08- Hermosa Nena
09- Reflections of a Sun Freakout

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Luca Prodan - Time Fate Love / Perdedores Hermosos (FLAC / 1981-1983) Remaster.

 

 

Time, Fate, Love y Perdedores Hermosos, recopilan una serie de temas grabados por Luca a su llegada a la Argentina, en su estadía en las sierras de Cordoba. Las grabaciones fueron realizadas en forma casera, entre los años 1981 y 1983. En ellas podemos encontrar canciones que posteriormente formarían parte de los discos de Sumo y covers de artistas internacionales como Canned Heat, Lou Reed, David Bowie y John Martyn. Las primeras ediciones en CD ese publicaron en 1996 y 1997 respectivamente; en 2019/21 se editaron estas versiones remasterizadas, que son las que les comparto en esta publicación.

 

"Aunque sean poco conocidos, los testimonios musicales de aquellos primeros días de Luca en Argentina vieron la luz a mediados de los '90, publicados por Silly Records, el sello de Las Pelotas. En 1996 salió a la calle Time fate love, el primero de los volúmenes, y al año siguiente fue el momento de Perdedores hermosos.
¿Qué decir de estos dos discos? Primero, que por la obvia razón de ser compilaciones de temas inéditos que fueron grabados en condiciones pobres, el sonido no es súper y -especialmente a Perdedores hermosos- hay que darles un tiempo de adaptación. Cuando la oreja se acomoda, ambos son discos matadores.

 

Time fate love muestra una faceta musical de Luca casi ignorada por el gran público: las canciones folk intimistas, todas ellas notables historias de -su- vida que ayudan a comprender una personalidad única (Like London es una canción terrible, háganse el favor de escucharla). Buena parte de los temas aquí presentes vienen en plan guitarra mas voz y no mucho más, y participan en varias canciones Germán Daffunchio y Alejandro Sokol, además del Sumo perdido, Ricardo Curte. Hay canciones urgentes como "Strange things", otoñales como "Brighton past", nostálgicas como "Lament" y tristes como "Time fate love". Todas ellas nos recuerdan la influencia notoria que tuvieron en Luca personajes como John Martyn, Bob Dylan, Nick Drake y Leonard Cohen.
En la otra punta están los temas que guardan una conexión más cercana con Sumo, y que tienen una dosis tribal y minimalista similar o incluso mayor a la que logró la banda luego. En ese grupo entran "Mount Etna Erupts" y "End of August", por ejemplo, aunque la mejor muestra sea "La pequeña muerte".
Lo que destaca en Time fate love respecto de Perdedores hermosos son las versiones de temas que luego fueron clásicos de Sumo. Tal es el caso de "Virna Lisi" (TV caliente), muchísimo más desnuda y despojada respecto de la que escuchamos en Llegando los monos; "Regtest" -con un par de cambios en la letra y Luca en acústica- y la versión definitiva de "Divided by joy", así en inglés, ejecutadas estas últimas dos por aquella histórica formación de cuarteto con Stephanie Nuttal en batería y Sokol en bajo.
Como dato para nada menor, vale destacar que todas las grabaciones que integran esta grabación pertenecen a 1981, es decir, a aquellos días de vida bucólica en Córdoba. En "Like London" se escucha perfecto el ambiente, y eso le da un toque de hermosura aun mayor a un disco de por sí emocionante.

 

Perdedores hermosos, aunque en todos lados sea señalado como una continuación de Time..., tiene sus diferencias marcadas. Detalle menor o no, las grabaciones comprenden un período de tiempo más largo, desde aquel '81 hasta 1983, por lo que además de Córdoba hay grabaciones de acá nomás, o sea, Hurlingham. También aparecen nuevos componentes de lo que ya era Sumo: Diego Arnedo y Roberto Pettinato aportan lo suyo en algunos temas, en especial el bajista, que figura en la mitad de los temas encargándose del contrabajo.
En este segundo volumen, mucho más denso que el primero, se encuentran también aquellas gemas folkies que había en Time, Fate, Love, como "Luces rojas" y "Nick's song". Y nuevamente aparece esa veta en los covers de "Soul love" de Bowie y "Solid air" de Martyn, en tanto que dos de las piezas claves del disco se ven favorecidas por la inclusión de un saxo: el cover de "Billy", de Lou Reed (qué belleza) y "Perdedores hermosos", la apertura del disco, con una letra tristísima inspirada en una obra de Leonard Cohen que lleva el mismo nombre. (De alguna manera, Time fate love se ve más espontáneo que Perdedores hermosos, pero como creo que analizar y comparar discos póstumos es una locura, mejor sigo analizando.
Los temas aquí son bastante largos, las letras son poéticas y descriptivas, e Inglaterra tiene de vuelta su lugar con "Lloviendo en Londres", una canción re-Sumo que podría haber estado en su primer disco tranquilamente. Los recuerdos de tiempos pasados para Luca también están en "Red lights" (imaginarán a qué luces rojas se refiere) y en la fundamental "Huyendo" (Running away), donde vomita toda su historia de fugas y nombra a Argentina como el lugar donde resucitó en 1981, donde mató a todos los loros y donde robó todo el sol.
Para cerrar, caigo en un pequeño detalle que resume un poco los discos. Miren las tapas. Chequeen las fotos. Ahí están los dos Lucas que conocimos, el cordobés y el de Baires. Aquellos años de regalo de los que hablaba la madre de Luca, también han sido un regalo para nosotros: artistas auténticos no se encuentran todos los días."

 

Santiago Segura - lamusicaesdelaire.blogspot.com

 

 

 

 Time Fate Love / Músicos y Temas:

Luca Prodan: Voz, guitarras, caja de ritmos, bajo
Germán Daffunchio: Guitarra, percusión, voz en "Brighton past"
Alejandro Sokol: Bajo en "Regtest", "Divided By Joy", "Lament" y "Time Fate Love"
Stephanie Nuttal: Batería en "Regtest" y "Divided By Joy"

01- Regtest (Happy Valley Rock)
02- Lament
03- Going up the country (cover de Canned Heat)
04- Like London
05- End of august
06- Brighton past
07- Virna Lisi (TV Caliente)
08- Strange things
09- La pequeña muerte
10- Mount Etna erupts
11- Divided by joy (Divididos por la felicidad)
12- Time fate love

Perdedores Hermosos / Músicos y Temas:

Luca Prodan: Voz , guitarra, melódica
Germán Daffunchio: Guitarra, coros (Temas 6 y 7)
Alejandro Sokol: Bajo, coros (Temas 6 y 7)
Diego Arnedo: Contrabajo (Temas 1,3,4,9 y 10)
Roberto Pettinato: Saxo (Temas 1 y 3)

01- Perdedores hermosos
02- Red Lights
03- Every Day
04- Raining in London
05- Reggae Blues
06- Billy (Lou Reed)
07- Nick's Song
08- Soul love (David Bowie)
09- Running Away
10- Solid Air (John Martyn)

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Moris - Fiebre De Vivir (FLAC - 1978)

 

 

En 1976 Moris decide emigrar a España, producto de los claros signos de amenaza hacia su persona. Ya instalado en Madrid graba su tercer registro discográfico, en el flamante sello Chapa Discos. El álbum tuvo una gran repercusión y fue fundamental para que el rock en castellano ganara terreno en la España de la transición. Combinando el rock and roll clásico con su sensibilidad de cantautor "beatnik", el disco presenta grandes composiciones como "Sábado a la noche", "Rock de Europa", "Nocturno de princesa", y una versión de "Zapatos de gamuza azul". Sin dudas el mejor trabajo discográfico de Moris en tierras españolas. 

 

Ser rockero en Buenos Aires en 1976, tras el golpe militar, no supone el mejor seguro de vida, y Mauricio Moris Birabent no tarda en darse cuenta de ello: su nombre figura en unas listas en las que se acusa a diferentes artistas de "atentar contra el sentir nacional y las tradiciones argentinas". Un preocupante toque de atención, pero lo peor llega cuando una bomba estalla en una sala de conciertos donde tiene previsto actuar. No habrá más avisos, es momento de hacer las valijasy abandonar, como tantos argentinos en aquellos meses, el país. Afortunadamente, el cantautor Facundo Cabral le comenta la posibilidad de tocar durante un mes en un pub madrileño, El Poncho, en la calle de San Mateo. La familia Birabent no lo duda, Moris, su mujer Inés y los dos hijos ponen rumbo a España. Moris aterriza en noviembre en una ciudad que no conoce -nunca ha estado en España- y en la que, a sus 34 años, tendrá que empezar de cero.
Durante 1977, Moris va presentando en directo sus nuevos temas de rock en castellano, algo no tan habitual en una escena en la que predominan las canciones en inglés. Son días intensos, en los que el rock español está viviendo, sin saberlo, un capítulo esencial de su historia, el que permitirá asentar las bases para los sonidos que llegarán en los años ochenta: "El periodo de 1975 a 1980 es fundamental", comenta el periodista de rock Jesus Ordovás, "fue el gran cambio. El grupo definitivo de la época es Burning, que junto a Moris, influyen a todo el mundo. Son como los Beatles y Dylan del rock español, con Tequila, que estaban en medio. A partir de ahí surge todo, porque viendo esos conciertos estaban Herminio Molero, los hermanos Auserón, Los Secretos, Nacha Pop... Moris es el precursor de la nueva ola, influyó a todos los grupos que estaban empezando".
Moris firma un contrato discográfico con trato con la grabadora Chapa Records, un sello que era un oasis creativo en medio de la música comercial y los cantautores de protesta que dominaban aquellos tiempos. Tequila será la banda que acompañará a Moris en la grabación de Fiebre de vivir, su primer disco español. Tanto Alejo Stivel como Ariel Rot son admiradores del fundador del rock argentino y, sin dudarlo, aceptan la propuesta de Vicente Romero (director del la discográfica) para tocar en él.
Fiebre de vivir marcará un antes y un después en el rock español, sus canciones, definidas por el propio Moris como "tangos del empedrado". Sus Canciones unen dos mundos por aquellos días antagónicos en la música española: la canción de autor y el rock. Además, sus textos retratan la ciudad, Madrid, como nunca antes nadie había hecho, aquello es rock urbano en connivencia con baladas embriagadoras. El propio Joaquín Sabina siempre ha admitido la importancia de este disco en su viraje hacia el rock. En todo caso, la huella de estos temas puede rastrearse en prácticamente todas las grabaciones del rock español de los últimos 30 años, hasta quienes no lo han escuchado están influidos por él, aunque sea por segunda generación. 

 

 

Moris en la televisión española (1979)

 

 

Músicos:

Moris: Voz líder, guitarra rítmica, acústica y clásica, guitarra líder en "sábado Noche".
Ariel Rot: Guitarra líder, bajo en "Tarde en el Metro" y "Balada de Madrid".
José Torres: Piano.
Felipe Lipe: Bajo eléctrico.
Manolo Iglesias: Batería.
Julián Infante: Batería en "Rock del Portal".
B.B. Muñoz, Moris, Joe Borsani, Julián Infante, Alejo Stivel y Ariel Rot: Coros

Temas:

01- Sábado noche
02- Rock de Europa
03- Balanceo del rock
04- La ciudad no tiene fin
05- Hoy como ayer
06- Tarde en el metro
07- Zapatos de gamuza azul
08- Nocturno de princesa
09- Qué dije?
10- Rock del portal
11- Para ti una mentira
12- Balada de Madrid

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Vox Dei - Vox Dei Para Vox Dei (FLAC - 1974)

 

 

 "Vox Dei para Vox Dei" fué grabado durante la inminente salida de Ricardo Soulé. Pese a esta circunstancia, el grupo logra aquí, lo que a mi gusto es su mejor trabajo en estudio, alejándose medianamente del terreno del blues-rock mas puro, para adentrarse en arreglos mas elavorados. Un album muy meticuloso y pulido en cuanto a sonido, fruto de la adquisición de nuevos equipos por parte de la banda y la posibilidad técnica que brindaban los estudio del sello CBS.

Mi disco favorito de Vox Dei, a contramano de las críticas adversas que recibió en la época, condicionadas según mi opinión, por la partida de Soulé.

 

Este es el sexto álbum de estudio (y séptimo lanzamiento) de Vox Dei, lanzado en 1974 y editado a través del sello CBS. Este trabajo marcó el alejamiento de Ricardo Soulé del grupo, hasta su regreso en 1978.

 El alejamiento de Soulé empieza a principios de 1974, cuando manifiesta su intencion de comenzar una carrera como solista. Paralelemente recive una invitación de Danny Peyronel (hermano de Michel), para asistir a Inglaterra, en donde la banda Heavy Metal Kids había versionado su canción "Canción Para Una Mujer Que No Está" retitulada como "It's The Same" en su álbum debut, el cual presentaría en vivo en el Wembley Arena de Londres. Luego de algunas presentaciones realizadas con Vox Dei junto a Carlos Rodriguez hasta mediados de este mismo año, Soulé aceptó una propuesta de Pappo para radicarse junto a él una temporada en Inglaterra, dejando a Vox Dei hasta 1978.

"Vox Dei para Vox Dei fue uno de los discos más minuciosos de todos los LPs que grabamos. Hubo una producción de Hugo Piombi y el LP se vendió mucho. Y luego yo ya no cuento... Llegó un momento de saturación, discutíamos entre nosotros; estábamos agotados y desgastados. Lo mejor era tomarme un descanso y me fui a Inglaterra; era el '75. Aprendí muchas cosas. Después volví y entonces intenté un trabajo solista con dos amigos míos y recién ahora se editó el LP en RCA Víctor. Me volví a ir en marzo del 77 a EE.UU. con el trío. Hicimos una banda con el primo de Carlos Santana, Juan Santana, del grupo Iguana y su mujer Lucia, que había hecho vocales con Richie Havens, Tina Turner y hacían escenificaciones tipo The Tubes que a nosotros mucho no nos gustaban. Querían grabar mis temas pero todo terminó en la nada...

En ese entonces creo que estábamos muy inspirados como grupo como para poder plasmarlo todo en un disco y justamente eso resume el título. Nosotros hicimos ese álbum para nosotros, era música que queríamos tocar, porque verdaderamente la sentíamos así. Era como hacernos un homenaje a nosotros mismos..."

 

Ricardo Soule: Sobre "Vox Dei para Vox Dei"  

 

"A principios de 1974, Vox Dei insiste con su idea de incorporar un cuarto integrante y hace arreglos con el guitarrista Carlos Rodriguez (desconocido en los ámbitos del rock de Buenos Aires) para que se integre al conjunto. Una gira por el interior sirvió como presentación, además de algunas notas periodísticas que vertían la nueva imagen de "Vox Dei como cuarteto". No obstante, poco después germinaba definitivamente la idea de Soulé de separarse del grupo sin saber, quizás, cuál sería su futuro concreto. De alguna manera el grupo habría acordado que esa separación se produciría ahora, en estos meses. Entre tanto decidieron conservar la misma imagen sin modificar el grupo hasta tanto Soulé partiera.. Por ese motivo, y no por desavenencias musicales o humanas, Rodríguez dejó de presentarse en el grupo, sin que ningún anuncio oficial diera cuenta de esa marcha atrás. Con todo, Rodríguez llegó a registrar junto al grupo varias bandas del álbum recientemente aparecido. Un par de semanas atrás, el guitarrista se obstinó en hacer la siguiente declaración ante un redactor de Pelo; -Cuando abandoné el grupo, dijo, pregunté sobre el uso futuro que se daría a los trabajos en los que había participado. Me dijeron que no se editarían, y ambas partes quedamos de acuerdo en eso. Pero al salir el disco a la venta constaté que varios trabajos en los que había intervenido en forma de interpretación, composición, o arreglos, fueron impresos para la venta, y sin embargo no se me menciona en ninguno de los textos aclaratorios del contenido del álbum-. Más allá de esta eventual contingencia, que algún día se aclarará, lo cierto es que Vox Dei parece decidido a concluir esta etapa como trío con sus miembros originales".

    Revista Pelo (Enero-1975)

Vox Dei con el eventual cuarto integrante, el guitarrista Carlos Rodriguez (1974)

 

 

 Integrantes:

Ricardo Soulé: Guitarras eléctricas y acústicas, voz, piano, violín
Willy Quiroga: Bajo, voz
Rubén Basoalto: Batería, coro

Musicos Invitados:

Carlos Rodriguez: Segunda guitarra en "Algo está cambiándome a mí" y "Es necesario salirte a buscar"

Andrés Masetti: Orquestación y arreglos en "Mago de los cuatro vientos"
Nacho Smilari: Piano en "No hay nada más terrible que el maldito bong"

Temas:

01- Es necesario salirte a buscar
02- La luz que crea
03- No hay nada más terrible que el maldito bong
04- Tengo ganas de...estar con buena gente
05- Quiero estar seguro de vivir
06- Mago de los cuatro vientos
08- Algo está cambiándome a mí
09- Quiero darte de mis días
10- No, ni por equivocación

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Los Mockers - Mockers II (Uruguay - 1968)

 

 

 El disco "perdido" de Los Mockers. Grabado luego de la salida del vocalista Polo Pereira y el tecladista Esteban Hirschfeld, en el sello Microfón, que los presionó para que cantaran en castellano. Producido por el inefable Johnny Allon, el álbum incluye una cara en inglés y otra en español, mostrando un cambio de estilo hacia la balada complaciente y la psicodelia mas sofisticada, a diferencia del rhythm and blues de garage que predominó en su su primer registro. Perlita inconseguible que no ha vuelto a reeditarse oficialmente. Y donde podía estar...??

"En 1968 a Julio Montero, Beto Freigedo y Jorge Fernández se suma, por un corto período, el cantante y pianista Carlos Franzetti. Así lo recuerda Jorge Fernández: “Carlos Franzetti es un cantante de jazz buenísimo, es un músico muy reconocido en Estados Unidos [...] era una especie de zanja que había que llenar en un momento, hasta que Carlos Pardeiro se integró y quedó varios años como mocker, grabando este segundo LP”.
“Yo era un admirador de Los Mockers, y cuando mi querido Beto vino con Julio a un ensayo de Los Hammers, en Carrasco, me sentí sorprendido, pues mi estilo era más hacia los Beatles y otros grupos con más armonías musicales”. Como señala el propio Carlos Pardeiro, sus gustos distaban del salvajismo de los primeros mockers. Sin embargo, luego de la partida de Polo, atrás habían quedado las guitarras rabiosas y los alaridos “jaggerianos”.
"...Los primeros registros del novel cuarteto se hacen en 1968 en el sello porteño Disck-Jockey, donde editan tres simples con versiones de Tommy Roe, Tom Paxton, The Grass Roots, además de grabar “La cama”, que forma parte de la banda sonora del film del mismo nombre. Cabe destacar que la banda tiene una breve participación en la película, pero con la formación que integraba Carlos Franzetti, porque fue grabada antes de su partida.
Ese mismo año, y de la mano de un conocido músico argentino, hoy devenido empresario, firman con el sello Microfon. “Nosotros teníamos un programa de televisión en Canal 2 todos los sábados, comprometidos con un visionario que después se dedicó a difundir otro estilo de música, Johnny Allon [...] Él fue quien nos dio la posibilidad de grabar el segundo LP de Los Mockers”, recuerda Jorge.Johnny, además de acercarlos al sello, les produce el famoso segundo disco, pero antes de presionar rec había una condición que debían cumplir: cantar en español. Negociación va, negociación viene, Los Mockers y Microfon llegan a un acuerdo que deja medio contentas a ambas partes: la cara A del disco tendría composiciones íntegramente en español, y la B, en inglés.
Jorge señala que el long play no era un mero capricho: respondía a la necesidad de hacer rentable a la agrupación. No aceptar las condiciones significaba no grabar, y por ende, menos trabajo. “Haber grabado era un motivo importante para las presentaciones [...] La banda que tenía un LP era importante ya de por sí, con eso la productora de Luis de Guvea y Luis Gentile nos hicieron trabajar un montonazo”. Además, las bandas estaban extirpando de sus gargantas el inglés que se había apoderado de ellas con el arribo del beat a estas latitudes, y Los Mockers no podían ser ajenos a esa tendencia. “Había un gran auge y un despertar del cantar en español en varios lugares de Latinoamérica y fue lo que nos llevó a experimentar con composiciones en español [...] pero cuando había que apoyarse en la pesada del rock, nos exigía el inglés”, comenta Carlos.
No importa el lado del disco que pinche la púa, es notoria la influencia de sonidos más frescos y de las nuevas ideas y aportes de Carlos: “Les hice los arreglos musicales para Los Mockers, especialmente las armonías, ya que antes ellos más bien se apoyaban en Polo [...] Ese cambio de crecimiento musical, con más voces y armonías, fue donde aparece otra nueva visión de Los Mockers, donde quizás mi aporte se hizo sentir más evidente".

 

Lalo Montes - ladiaria.com.uy (Extracto) 

Integrantes:

Carlos Pardeiro: Voz, guitarra rítmica
Jorge Fernández: Guitarra solista, coros
Julio Montero: Bajo, coros
Beto Freigedo: Batería

Temas:

01- Viento
02- Flotando en una nube
03- Mi diosa
04- Un viaje con Los Mockers
05- Chap-charara
06- Estoy llorando
07- Creeme
08- La chica del sol
09- Dime tan solo adios
10- Cumpleaños
11- Soy un cristal
12- Vuelve a mi
13- Christmas Song (Bonus Track)

Formato: Mp3 - 320 Kbps

 

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Miguel Cantilo y Punch - Adonde Quiera Que Voy + Bonus (FLAC - 1980)

 

 

Fruto de sus años de exilio en Europa, Miguel Cantilo fue testigo de las nuevas corrientes musicales que nacían a mediados de los 70. Acompañado de músicos ya experimentados de nuestro ámbito, la impronta musical (y estética) de Punch consistía en una fusión de rock new wave, reggae y pop. Una propuesta inédita hasta ese momento en nuestro país, que no fue entendida y que sufrió el rechazo del sector mas conservador de público roquero agentino, que no admitía que un artista de la "vieja guardia" tomara una nueva dirección en su música. Estas circunstancias hicieron que el grupo perdiera continuidad y finalmente se disolviera. Afortunadamente queda el legado de sus dos álbumes, siendo este el primero, que ahora comparto en formato FLAC y con bonus agregados. Un grupo que fue vanguardia del nuevo rock argentino que posteriormente se desarrollaría exitoso a lo largo de los 80, humildemente reivindicado en la nave.

 

"Punch" fue fundado por Miguel Cantilo en España, en 1976, sobre la base de La Cofradía de la Flor Solar. Durante un año y medio se presentaron en Mallorca e incluso llegaron a grabar un demo con el productor Jorge Alvarez. Ante la decisión de publicar ese material en Buenos Aires, el ex Pedro y Pablo regresa con la banda como apoyo de sus presentaciones en vivo. Lo cierto es que el grupo fue injustamente rechazado por el público, reacio al estilo new wave naciente en Europa y desconocido en el país.
A Cantilo se le reprochaba que no cantara ningún tema del repertorio más frontalmente contestatario de Pedro y Pablo, al borde de imputarle cobardía o falta de compromiso con sus ideales de una década atrás. De nada servía que Miguel aclarara una y mil veces en los reportajes que éste era un tiempo de remplazar la protesta por la propuesta, o que sobre el dúo que formara con Jorge Durietz pesaba una prohibición de presentarse en público. La imagen de la banda, con esos trajes y esas corbatas New Wave, espantaba a quienes habían nacido al rock rechazándola como símbolo de un modo de vida abominable. En febrero de 1981, en su actuación en el Festival de La Falda, la banda fue resistida por el público del primer al último acorde. Hasta los equipos parecían rechazar a Punch: Miguel Cantilo recibió una descarga eléctrica de su guitarra y estuvo unos momentos inconsciente. 

Si bien este excelente primer trabajo discográfico no fue rechazado, pasó bastante desapercibido, salvo por el tema central, "A donde quiera que voy", que logró cierto éxito. Los proyectiles eran una constante en cada presentación pública de la agrupación. Sin embargo, un hit inesperado apareció en las radios en 1981: "La gente del futuro", de su segunda placa, titulada "En la jungla". Sin embargo, la música de "Punch" era demasiado moderna para su época y eso los marginó levemente de la masividad de un público que no termino de comprender su propuesta. El final de la banda lo marcaria el retorno de Miguel Cantilo en 1981 con "Pedro y Pablo", Punch se transformaria en su banda de apoyo hasta que finalmente fue absorbida por el dúo. 

 

"Este es uno de esos discos destinados a no pasar inadvertidos para nadie. Tiéne todo para gustar: calidad, nivel, variedad, buena instrumentación, buen sonido, etcétera. Punch es un grupo que poco tiene que ver con lo anteriormente hecho por Miguel Cantilo. Sólo algunas letras conservan la mordacidad de otras épocas. El resto, tanto musical como literariamente, tiene abismales diferencias con la antigua producción del ex Pedro y Pablo. Su música actual está directamente influida por la nueva ola. La imagen del grupo también. Cantilo ha sabido encontrar la gente necesaria para plasmar sus nuevos gustos musicales. Isa Portugheis es un baterista de una perfecta marcación rítmica y que posee un tempo perfecto. Morcy Requena es el típico bajista base, cuya labor se limita con acierto a sostener las melodías del grupo. Junto a Portugheis conforman una verdadera aplanadora rítmica que se ve reforzada con las bases realizadas por el tecladista español Fernando Huici. Este se destaca por su buen gusto cada vez que dibuja un solo, y lo mismo ocurre con el guitarrista Quique Gornatti, posiblemente el mas virtuoso instrumentista de Punch. Cantilo, por su parte, hace un buen trabajo con la guitarra rítmica y vuelve a mostrar todo el encanto de su voz gastada. De los temas del álbum se destacan la consistencia de "Adónde quiera que voy", la contundencia (musical y literaria) de "Yo soy un jornalero'', la acidez de Cacho Palos y el sentimentalismo de "Chacarera de plata". En general, el nivel de este excelente album es parejo, y tanto Cantilo como el resto de la banda redondean un trabajo meritorio que seguramente los encumbrará este año al sitial que ya merecen". 

Revista Pelo - Reseña del disco (1981)

 

 

 

Integrantes:

Miguel Cantilo: Guitarra y voz
Enrique Gornatti: Guitarra
Fernando Huici: Teclados
Isa Portugheis: Batería
Morci Requena: Bajo

Temas:

01- Adonde Quiera Que Voy
02- Lava Blanca Luna
03- La Serpiente Otra Vez
04- Cacho Palos
05- Buenas Ondas
06- Yo Soy Un Jornalero
07- Atención Al Camino
08- Bien Caliente
09- Chacarera De Plata
10- Directriz
11- A Tres Mil Metros Sobre El Nivel Del Mar
12 La Vuelta Al Origen

Bonus Tracks (Aparentemente demos grabados en España)
    
13- Imperialismo Espacial
14- Imperialismo Espacial (En Ingles)
15- El Jornalero
16- El Jornalero (En Ingles)
17- Los Muchachos
18- Los Muchachos (En Ingles)

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Pescado Rabioso - En Vivo Teatro Odeon (Bootleg - Julio 1972)

 

 

 Posiblemente este sea el bootleg mas importante y completo de Pescado Rabioso en su primera etapa como trío. Grabado en julio de 1972 en el extinto teatro Olimpia, el grupo presentaba aquí el material de su primer álbum, Desatormentándonos, incluidos los "famosos" temas que quedaron fuera del hoy mítico disco; "Pibe" "Mensaje a las larvas", "Suave nube dama", "La fiebre paranoica" o "Tabla de nada", reflejan la crudeza roquera que Pescado destilaba en aquellas presentaciones.

Nobleza obliga, comentarles de la baja calidad de sonido de la grabación, posiblemente tomado de aire con algún grabador de época. Mi intento de mejorarlo logró apaciguar un poco el "soplido" a cinta. Disfruten igualmente de este valioso testimonio de un momento irrepetible de la música argentina.

"Sin discos, con una difusión limitada casi exclusivamente a un nivel subterráneo, el grupo Pescado Rabioso comenzó formalmente su existencia hace dos meses: el 5 de mayo en el Metro. Algunos recitales posteriores (Don Bosco, La Plata, Metro nuevamente) congregaron a un público desacostumbrado por lo numeroso para las presentaciones de un conjunto nuevo. Lógicamente la presencia de Luis Alberto Spinetta era el elemento de atracción. Con todo, ese no debe haber sido el único motivo para que el viernes 23 de junio algo más de mil personas se reunieran nuevamente (esta vez en el teatro Atlantic) para escuchar críticamente al trío. El público asistente a esa sala ha sido desde los comienzos de su ciclo bastante reacio a brindar acogidas fervorosas o exitistas; sin embargo, la presentación de Pescado Rabioso (sin duda la más ajustada de las cinco realizadas, según propio criterio) generó un clima realmente especial en el teatro: algo pesado, algo poético, algo agresivo había sacudido a los mil que concurrieron a defenestrar o aprobar. La sorpresa fue general. Algunos problemas de sonido en anteriores oportunidades habían disminuido los perfiles sutiles de la música del grupo. Ahora en el pleno -o exacto- manejo de sus condiciones, Pescado Rabioso era el único ajeno a la sorpresa: allí había quedado la bola, el mazacote incendiario que proyectan las letras y las músicas de Pescado Rabioso, claramente delineados y rumbeantes hacia la creación de situaciones revolucionarias. Una actitud no demasiado generalizada en esta etapa del rock argentino, pero seguramente más virulenta y clara que las leves instrucciones de años anteriores. Si bien había certezas con respecto a la renovación de las alternativas musicales de Spinetta, no existía la misma seguridad para recibir a Black (el baterista) y a Bocón (bajista y, ocasionalmente guitarrista). Mientas tanto (una delimitación del tiempo apenas previsora) Black y Bocón parecen haber comprendido todo. Tocan todo lo que necesita tocar hoy Pescado Rabioso. Hay empuje y maduréz en los arreglos (mansamente naturales y —por fortuna— carentes de alambiques). Cuando el "mientras" y el "tanto" sean superados (quizás una cuestión de cantidad de presentaciones) Black y Bocón empezarán a tocarse ellos mismos. Algo que Spinetta viene haciendo desde hace varios años y que probablemente sea el núcleo explotador de su lenguaje expresivo. Desde ahora definitivamente más raspador que terso".

Revista Pelo (Julio-1972)

 

 

 Integrantes:

Luis Alberto Spinetta: Guitarras, voz
Osvaldo "Bocón" Frascino: Bajo, guitarra, voz
Black Amaya: Batería

Temas- Disco 1:

01- Intro (Palabras de Miguel Grinberg al público)
02- Pibe
03- Blues De Cris
04- El Monstruo De La Laguna
05- Mensaje A Las Larvas
06- Dulce 3 Nocturno
07- Me Gusta Ese Tajo

Temas- Disco 2:

01- Mi Espiritu Se Fue
02- Suave Nube Dama
03- La Fiebre Paranoica
04- Zapada (El Jardinero)
05- Tabla De Nada

 

 

 Sonido Mejorado

 

Formato: Mp3 - 160 Kbps

 

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V8 - El Fin De Los Inicuos (FLAC - 1986)

 

 

Durante el período de gestación del tercer y último álbum de V8, se producen cambios importantes. Se origina la salida del guitarrista Osvaldo Civile y el baterista Gustavo Rowek, quienes son reemplazados por Miguél Roldán y Adrián Cenci, respectivamente. A su vez la temática de las composiciones toman un tinte mas religioso, producto de las dos corrientes ctistinas, pero divergentes, a las que adherían en ese momento Ricardo Iorio y Alberto Zamarbide. Estas diferencias hicieron que finalmente el disco no obtuviera la repercusión de los dos álbumes anteriores, y desembocarian en la ruptura del grupo.

 

Renuevo el agradecimiento al querido Claudio (DRF Metal Rec), quien comparte con nosotros todo este material de V8. Un abrazo, master metal, en nombre de todos los navegantes!!

 

"El Fin De Los Inicuos" fue grabado en septiembre de 1986 en los estudios Panda, de Buenos Aires, bajo el apoyo de la discográfica Umbral Discos, la cual cesaría actividades poco después. Al encarar la producción de este álbum V8 venían de una ruptura de su formación clásica, tras el alejamiento del baterista Gustavo Rowek y el guitarrista Osvaldo Civile en 1985, a lo cual se sucedieron cambios en la alineación durante ese año, en el cual ingresa Adrián Cenci como baterista estable hasta 1987, año de la separación del grupo, grabando esta última producción en 1986.
De la trilogía de V8, este álbum es el más controvertido, y el menos popular entre los fans, debido en parte a la repentina orientación cristiana que tomó parte de la banda, y de la cual el disco en esencia se nutre (aunque no en su totalidad), lo cual queda claramente evidenciado en canciones como "Salmo N°58" (tomado de un salmo del Rey David) o "Trágico siglo".

No obstante el bajista Ricardo Iorio seguía siendo el principal compositor del grupo, y sus ideas, extraídas en ese momento de los postulados del culto espiritista Escuela Científica Basilio chocaban frontalmente con el ideario pentecostal de Zamarbide y Roldán (hacia mediados de los 80s el evangelismo estadounidense más típico comenzó a difundirse con fuerza en la -tradicionalmente católica- Argentina como una novedad, descollando el pastor Héctor Aníbal Giménez entre estos pioneros).

Paradójicamente la canción "La gran ramera", cuyo título se corresponde con un párrafo del Libro del Apocalipsis, fue compuesto por Iorio, aunque el bajista se refiere a la Iglesia católica. En definitiva, las letras de varias canciones de Iorio fueron modificadas por Zamarbide y Roldán, adecuándolas a un contexto evangélico en la medida de lo posible, ejemplo de esto es la canción «Voy a enloquecer», compuesto por Iorio en 1979, la cual fue transformada en «No enloqueceré» (según Ana Mourín, expareja de Iorio en su libro "V8 un sentimiento", el tema fue modificado, en título y esencia, por Alberto Zamarbide). El intervenido proceso de composición que cambiaría la esencia de las letras, llevaría a Iorio a reclamar exclusividad lírica en su eventual proyecto Hermética.

A los conflictos internos del grupo en sí se sumaban los del sello discográfico Umbral, que estaba en una muy mala situación en 1986 (quebraría poco después), lo cual derivó en diversas desinteligencias en la edición: la primera tirada omitía un tema en la edición en cassette, mientras que en la versión del LP no se incluían las letras. Tras la edición del álbum, que fue pobremente editado, distribuido y difundido, ya sin compañía discográfica, y ante las radicales diferencias ideológicas de sus miembros, V8 se disolvería poco después.

Integrantes:

Alberto Zamarbide: Voz
Miguel Angel Roldán: Guitarra
Ricardo Iorio: Bajo
Adrián Cenci: Batería

Temas:

01- La Gran Ramera
02- Ciega Ambición
03- No Enloqueceré
04- El Vivo Sustento Del Inquisidor
05- Antes Que Los Viejos Reyes
06- Salmo N.58 (Según "No Destruyas") De David
07- El Fin De Los Inicuos
08- Trágico Siglo
09- Reina Ciega

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Alejandro Medina - Yosoy (FLAC - 2011)

 

 

 El cuarto álbum solista del legendario Alejandro Medina es una obra de tintes conceptuales, según sus propias palabras. Su hilo conductor es la identidad y el ser del propio Alejandro, funcionando como una autobiografía sonora. El disco gira en torno a la declaración existencial de Medina como artista. Las canciones no son piezas aisladas, sino que juntas construyen un retrato de su "yo" actual, tras décadas de historia como trabajador del arte.

 

Editado por el sello Melopea, el trabajo agradece de su habitual veta progresiva y de la fusiòn, lo que le permite pasearse desde buenas dosis de blues eléctrico y acústico, funk, hasta marcadas influencias tangeras, acompañadas con todo el swing de su voz y tambièn dos canciones cantadas a dùo con su esposa Lola Medina.
Esta dividido en tres partes: la primera está dedicada a despertar la conciencia colectiva; la segunda muestra la realidad, lo cotidiano predispuesto; y la tercera es la esperanza, el deseo de creer en algo mejor.

Una buena muestra de la vigencia de este importante e influyente musico para el rock en argentina. Cuenta, tambièn dcon la paerticipación de varios amigos ilustres. Alguno de ellos: El Flaco Luis Alberto Spinetta en guitarras, Juan “Negro” Tordò de "La Mississippi" en bateria, Carlos “Patán” Vidal, Carlos Cutaia, Ciro Fogliata y Charly García en teclados y Roberto Pettinatto en saxo, entre otros.

Una reflexión del Negro Medina sobre este álbum: “Por supuesto, en esta obra quiero expresar que la energía más grande que hay es el amor”.“Las letras tiran la línea de que uno somos todos y todos somos uno, y que la mágica energía que mueve a nuestra materia es inextinguible y, aunque no entendemos cómo funciona, sabemos que existe.”
 

Qué hubiera sido de la vida de Alejandro Medina si a sus 10 años, paperas mediante, no decidía  cambiar la trompeta -el primer instrumento que le regaló su padre- por un bajo. Nadie podría asegurar que la música perdió a un gran trompetista pero sí que el rock nacional no hubiese  disfrutado de uno de sus bajistas más emblemáticos y personales. Con cerca de 60 años de carrera (desde los comienzos en 1966 con The Seasons), Medina fue figura clave en Manal, La Pesada del Rock and Roll y Aeroblus, pero también construyó una actividad solista, algo dispersa para su estatura como artista. 

Cuatro discos -Alejandro Medina y La Pesada (1973); Hoy no es Ayer (1994), De qué sirve la Vida (2005) y Yosoy (2011)- parecen poco. Especialmente por lo recomendable de este álbum editado por Melopea Discos, donde Medina da una clase de rock and roll, blues, R&B y funk con toques de jazz, tango, bolero y balada, todo ejecutado, desde su bajo, y cantado (con esa voz aguardentosa que se mantiene intacta pese a los años y, por cierto, a algunos excesos) como sólo los grandes saben hacer. Acompañado de un seleccionado de artistas (Luis Alberto Spinetta, Charly García -coinciden en ese temazo llamado Comprender-, Ciro Fogliatta, Patán Vidal, Carlos Cutaia, Juan Carlos Tordó, Lola Medina -compañera de la vida y cantante de hermosa voz- Roberto Petinatto y Juanjo Hermida, entre otros), Medina recorre un amplio abanico de estilos y todos le caen como anillo al dedo. Da clase de blues con "Paraíso Perdido" (y esos toques tangueros que adornan el tema); en esa historia de resaca que es "El lunes no Perdona" y en la hermosa "Laralú"  (inspirada en su nieta y donde toca la guitarra acústica).

Rockea con altura en "Cosmos" (impecable solo de bajo), "Se vienen los Gringos", "Escapa Conmigo" y en "Ya mi nave Partió". Le canta al amor en el funk "Amor es Amor". "Maldito Cabrón" y "El blues, el mate y mi Perro"... son dos R&B adictivos. "Corazón de Piedra" (con Cutaia en teclados) es un bolero con una letra simple pero una melodía bellísima y "Sólo sé que soy", el corte inicial, arranca como un rock, muta en balada y cuela por el medio toques de jazz con abundantes cambios de ritmo y una potencia arrolladora. Si algo le faltaba al disco es una nueva versión del himno fumón de la Pesada, "Gracias al Cielo", con Fogliatta en teclados. Si por ahí queda algún distraído que piense que Medina es pasado, que se acerque a esta obra donde demuestra que, aun lejos de las grandes marquesinas y la difusión masiva, el hombre sigue rockeando y dando cátedra como en los viejos tiempos.

Músicos que participan:

Alejandro Medina: Bajo, voz, producción
Guitarra: Alejandro Medina (10), Claudio Rodríguez (1 a 4, 6 a 9, 11 a 14), Cole Gauna (5), Luis Alberto Spinetta (12), Mariano Yessi (10)
Teclados: Carlos Cutaia (8, 11), Carlos "Patán" Vidal (2, 5, 7), Charly García (12), Ciro Fogliatta (13), Juan José Hermida (3, 4, 6)  
Batería: Javier Boleda (1, 2, 5, 7, 9, 11 a 14), Juan "Negro" Tordo (6), Oscar Giunta (3, 4)
Saxofón: Roberto Pettinato (5)
Violín: Federico Terranova (12, 13)
Voz, coros: Lola Medina (6, 9)
Percusión: Lucas Zamattio (8, 10)

Temas:

01- Solo se que soy   
04- Se vienen los gringos
05- Maldito cabrón   
06- Escapa conmigo   
07- El lunes no perdona
08- El Blues, el mate y mi perro   
09- Amor es amor   
10- Laralu   
11- Corazón De Piedra   
12- Comprender   
13- Gracias al cielo   
14- Ya mi nave Partió   
15- Yo Que Se (Solo Que Soy)

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

 pass: naveargenta.blogspot