Oveja Negra - Orsai (1983)

Un disco muy pedido a la nave; se trata del primer album de Oveja Negra, publicado en 1983. Material actualmente descatalogado, dificil de conseguir hoy en día.

Oveja Negra fue fundado en 1982 por Aníbal Forcada, Osqui Amante (ex Soluna) y Willie Campins (ex Rayuela). Si bien, los tres integrantes tienen una carrera musical anterior, el grupo pertenece a esa oleada de nuevas y variadas bandas que surgieron con el retorno a la democracia y debido a ciertas influencias y a su énfasis en las armonías vocales, fueron identificados con la corriente de la música folk, aunque el estilo del grupo fuera, en realidad, más abierto.
El trío, que en vivo sumaba a Fernando Marrone en batería, Gringui Herrera en guitarra eléctrica, comenzó actuando en el circuito de pubs de Buenos Aires y alrededores, y se presentó en el Festival de La Falda en el verano de 1983. Durante el invierno de ese año, grabó su primer álbum, "Orsai", que fue presentado en el estadio de Obras Sanitarias el 3 de septiembre. En 1984, entre múltiples actuaciones en variados escenarios del país, tocaron como soporte de Nito Mestre en el estadio de Vélez Sarsfield y más adelante ese mismo año, participaron del espectáculo "Porque Cantamos", junto a Celeste Carballo, Nito Mestre y Juan Carlos Baglietto, realizando una gira nacional con dicho espectáculo, que culminó en un concierto con tres funciones en el Teatro Coliseo, que se grabó en vivo y se editó como álbum doble ese mismo año.
Luego de esa carrera, relativamente corta pero vertiginosa, el grupo se disolvió a comienzos de 1985, y Aníbal, Osqui y Willie continuaron con carreras musicales independientes, aunque en 1990, fueron invitados por Mercedes Sosa a participar en un importante concierto con tres funciones en el Teatro Gran Rex, funciones que fueron grabadas, resultando en el álbum en vivo "De mí", que cuenta con las voces de los Oveja en tres temas.
En 2008, los mismos tres músicos empezaron a reunirse con la idea de volver a hacer música juntos por el simple placer que significa tocar. De a poco empezaron a surgir nuevos temas y comenzaron a grabarlos con el aporte de numerosos músicos invitados, entre los cuales figuran su propios hijos. Y también apareció naturalmente la idea de reunir esos temas nuevos en un álbum, materializado en "Mientras vamos viajando" que es presentado en vivo, el 1 de diciembre en el de 2011 en el teatro ND Ateneo de la Capital Federal.

"Osqui Amante, Aníbal Forcada y Willie Campins son tres músicos cuya principal actividad, curiosamente, no está en los instrumentos, aunque todos están ligados al mundo musical. Amante es sonidista, Forcada manager de escenario y Willie Campins —además de tocar con Porchetto— es programador de radio. Un buen día se juntaron y decidieron hacer algo de música juntos. El resultado de esa unión es "Orsai", un álbum simple y fresco que inevitablemente seduce desde la primera audición. Oveja Negra es, básicamente, un trío de música folk con buenas canciones y excelentes arreglos vocales. Y aquí hay que hacer hincapié en algo: es probable que ni Campins, ni Amante ni Forcada puedan ser considerados individualmente brillantes vocalistas, pero la suma de sus voces obtienen un producto interesante. Justamente, los mejores momentos del disco aparecen cuando las voces se conjugan en perfecta armonía, con arreglos bien tipo folk rock de los setenta.
"Canción de los plomos", "Espérame encendida" y "Aquí, allá, hoy o mañana" son algunos de los puntos más altos, y pese a ser temas que ya fueron grabados por otros artistas, las versiones incluidas en "Orsai" superan con creces a las originales. Otro aspecto destacable de este disco está dado por los músicos invitados. Oveja Negra podría haber formado un verdadero seleccionado para grabar su álbum, pero con buen criterio no lo hicieron. Ellos se limitaron a llamar músicos que pudieran aportar algo más que su nombre a la música del grupo. Así es como las presencias de David Lebón, Raúl Porchetto, Rodolfo Gorosito y Gringui Herrera brillan por su aporte en el disco y no por su nombre en la tapa. En especial es destacable el trabajo de Gringui, fundamental en "Espérame encendida" y "Aquí, allá, hoy o mañana". "Orsai" es un muy buen álbum, que transmite frescura desde la tapa hasta el último de los temas. Oveja Negra debutó discográficamente de la mejor manera y con seguridad de ahora en más su propuesta se irá afirmando con fuerza dentro del panorama musical argentino. Y la razón es sencilla: pese al título del álbum, esta Oveja Negra está perfectamente habilitada". 

                                                                                                 Revista Pelo - Reseña del disco (1983)

Integrantes: 

Aníbal Forcada: Guitarra y voz
Oscar Osqui Amante: Guitarra y voz
Willie Campins: Bajo y voz
Gringui Herrera: Guitarra
Fernando Marrone: Batería 

Temas:

01- Peligro de hongo
02- 4 de otoño
03- En el camino perdido
04- Ando rodando 
05- Vieja lluvia
06- Canción de los plomos
07- Esperame encendida
08- Aqui, allá, hoy o mañana
09- Tarea para el hogar
10- Es otra mañana más 

Formato: Mp3 - 192 Kbps

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Sacramento II - Moviendo la Carreta (1973)

Luego de su álbum debut en 1972, la segunda formación de Sacramento llegó a grabar un segundo trabajo que nunca se editó. El grupo ya había dado un giro musical hacia el Heavy Rock Progresivo, emparentado a la música de Pescado Rabioso y Aquelarre. Al parecer, las cintas originales fueron borradas en la grabadora, pero del trabajo original quedaron cinco temas en un cassette con las tomas de estudio. Esta versión digital incluye 2 bonus tracks inéditos que pertenecen a la primera formación de la banda, grabados como una prueba de sonido en el año 1972.

Un histórico grupo de los ’70, con material rescatado de una cinta de 1973, lanza por primera vez su segundo álbum, Moviendo la carreta. Se trata de Sacramento II, es decir Sacramento con la inclusión de Bocón Frascino en guitarra. Sacramento II es el nombre de la segunda formación de la banda. Luego de su primer álbum, se suma nada más y nada menos que el guitarrista Osvaldo Bocón Frascino, proveniente de Pescado Rabioso, donde tocaba el bajo. El grupo ya estaba colmado de históricos como Ciro Fogliatta y Alfredo Toth de Los Gatos, Ricardo Jelicie de La Bolsa y Roberto Corre López de Los Walkers.
La leyenda cuenta que las cintas originales en las que se grabó este álbum fueron borradas por la compañía, RCA, pero alguien resguardo las tomas sin mezclar y se las dio a uno de los integrantes de la banda. Hoy salen a la luz luego de 47 años en formato CD, mezcladas y masterizadas.
El sonido del álbum es 100% rockero, con riffs que le hacen honor al género y una batería que se aleja de la idea de base y entra a jugar con guitarra y teclas como en Moviendo la Carreta (track 1), canción que da inicio al disco. Destacamos también Puerto de Lluvia (track 4), donde órgano y voz armonizados transportan al oyente por distintos espacios y sensaciones a lo largo de cambios de tonalidades y modos. Un tema que se va convirtiendo en instrumental a medida que avanza, en una búsqueda sonora más melódica característica del rock progresivo que se instalaría a partir de esta generación en el sonido del rock argentino.

Fuentes De Información: Viajero Inmovil Records - Club Del Disco

 Sacramento 1973 - Concierto Teatro Trocadero / Foto del Programa 

Integrantes (Album-1973):

Osvaldo (Bocón) Frascino: Guitarras

Juan Ciro Fogliatta: Órgano, piano, percusión, voz

Alfredo Toth: Guitarra eléctrica y acústica, bajo, voz 

Ricardo Jelicié: Bajo, armónica, guitarras, voz 

Roberto "Corre" López: Batería, percusión 

Integrantes (Bonus Tracks-1972):

Juan Ciro Fogliatta: Órgano, piano, percusión, voz

Alfredo Toth: Guitarra eléctrica y acústica, bajo, voz 

Ricardo Jelicié: Bajo, armónica, guitarras, voz 

Roberto "Corre" López: Batería, percusión 

Temas:

01- Moviendo la Carreta    
02- Campos de Trigo    
03- El Negro Dyango    
04- Puerto de Lluvia    
05- Revolución    
06- This Is It - (Bonus Track Inédito)    
07- Honky Tonk Woman (Bonus Track Inédito) 

Formato: Mp3 - 192 Kbps

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Pescado Rabioso - Artaud (Vinilo FLAC / 24 Bits - 1973)

Mucho se ha escrito sobre esta obra de arte de Luis Alberto Spinetta. Solo voy a limitarme entonces a presentarles la digitalización de este vinilo en formato FLAC de 24 Bits. Cumpliendo así con los numerosos pedidos acumulados a través de nuestro recorrido a bordo de la nave; y en lo particular, retribuyendo de algún modo, toda la profunda belleza que este álbum me ha brindado.
El ripeo fué extraido personalmente, y corresponde a la segunda edición de la placa, publicada en 1975 por el sello Microfon-Talent, bajo el número de serie SE-613. Espero que les guste.


Pescado Rabioso se separó a mediados de 1973. Sus integrantes no aceptaban ni entendían la visión musical que estaba desarrollando Luis Alberto Spinetta y simplemente dejaron de responder a su convocatoria. Spinetta entonces siguió en soledad, con los proyectos que venía desarrollando para Pescado Rabioso: "Pescado Rabioso era yo". Así surgió Artaud, una de las obras cúspides de la música latinoamericana.
Si bien el disco se le acredita a Pescado Rabioso, es en realidad un disco solista de Spinetta, que grabó con algunos invitados, entre ellos su hermano Gustavo quien tocó la batería, y sus excompañeros de Almendra, Emilio del Guercio y Rodolfo García. La insistencia en usar la denominación Pescado Rabioso para presentar el álbum, tenía razones legales, pero también se debió sustancialmente a la preocupación de Spinetta de evitar que la personalización de su obra lo colocara en situación de ídolo, preocupación que mantendrá como una característica central de su personalidad artística toda la vida.
El disco está compuesto en un momento crucial de la historia sudamericana, de alta violencia política, en el que comenzaban a instalarse dictaduras cívico-militares, coordinadas entre sí por medio del Plan Cóndor y apoyadas por los Estados Unidos, que anularían completamente la vigencia de los derechos humanos durante dos décadas. Argentina en particular había conseguido que la dictadura autodenominada Revolución Argentina, convocara ese año a elecciones libres, por primera vez en casi dos décadas. El voto popular había dado el triunfo en marzo y por un amplio margen al peronismo, movimiento con el que simpatizaba Spinetta. Pero el gobierno democrático no alcanzaría a consolidarse afectado por violentas confrontaciones que llevarían a su derrocamiento a comienzos de 1976 y a la instalación de una cruenta dictadura que se mantendría en el poder hasta fines de 1983 y que cometería un genocidio y llevaría el país a una guerra, la Guerra de Malvinas. Por otra parte, ese momento histórico coincide a su vez con un momento decisivo de la vida personal de Spinetta, en el que conoce a Patricia Salazar, con quien formará una pareja estable durante casi veinticinco años y con quien constituirá una familia con cuatro hijos comunes. La letra del tema «Por» de Artaud fue escrita de manera conjunta entre ambos. En esa encrucijada histórico-cultural y personal aparece Artaud, inspirado precisamente en el sufrimiento y las emociones dolorosas que la vida y la obra del dramaturgo francés Antonin Artaud, produjeron en Spinetta. El músico se identificaba con la dureza del surrealismo, de Artaud y del rock, pero al mismo tiempo relacionaba el momento que vivía Argentina y Sudamérica, con la locura de Artaud y con el nihilismo del rock (expresado en las drogas y la «promiscuidad sin sentido»), y lo sentía incompatible con su propia visión del rock (expresada en el Manifiesto que Spinetta publica simultáneamente con el disco) y del sentido de la vida.
La portada original del álbum se destaca por su diseño irregular, rompiendo el tradicional cuadrado que contenía a los discos de vinilo. La obra fue presentada en dos recitales que Spinetta realizó solo en el Teatro Astral, en octubre de ese mismo año. En esos recitales dio a conocer su Manifiesto titulado Rock: música dura, la suicidada por la sociedad, parafraseando -justamente-, uno de los libros de Artaud (Van Gogh, el suicidado por la sociedad) que inspiraron el álbum. En su Manifiesto Spinetta define lo que para él debe ser un artista de rock, absolutamente libre y liberado de todo condicionamiento, en especial del que establece el "negocio del rock" y la "profesionalidad".

"Es el long play más libre y más hermoso que escuché en mucho tiempo. Y esto es seguro que le va a ocurrir a quien se predisponga a recibir esta música del aire. Cada uno de los temas es tan espontáneo que, lógicamente, no hizo falta variedad de instrumentos o excesiva potencia. Escuchar estas canciones increíblemente saludables es como meterse en el cuerpo de las cosas que uno ama, es un viaje extraño y amable por las paranoias del mundo y por las pequeñas islas para náufragos decididos y con vocación. Hablar de los resultados técnicos de este long play sería estúpido. Pasa a un plano totalmente secundario ante una pelota de sensibilidad que se desprende de cada clima logrado. Sin embargo, no es despreciable sospechar que mucha responsabilidad en este viaje por la mente que no queremos conocer se deba a la escueta y fértil colaboración de dos de los antiguos compañeros de Luis (Rodolfo y Emilio) y de alguien que lo debe conocer más que varios: su hermano. Muchos van a pensar que están nuevamente con el Spinetta de algunas cosas de la primera época de Almendra, y estarán tal vez contentos de recibir parecidas, recordatarias vibraciones como entonces. Pero no es así. El mismo Luis lo canta en uno de estos temas: "Aunque me fuercen no voy a decir que todo tiempo por pasado fue mejor".
Tapa: Vinicius de Moraes tiene una frase: "Odio todo lo que oprime: hasta la corbata". Que todos los discos tengan tapas cuadradas también es odioso y oprimente. Seguramente inquietará a los que están standarizados porque les molesta no poder ponerlos en en anaquel de los cuadros. Quizás algún día se den cuenta que este disco no es cuadrado.
Síntesis: Mientras escuchen solamente el disco nadie se dará cuenta por qué se llama "Artaud". Quienes logren engullirse algún escrito de ese loco (para los otros, claro) verán, obviamente más claro y, además, no les va a caer indigesto. Pero la síntesis ps que Spinetta es un músico total, tan total que hizo una música que te mata y no sabes bien por qué te está matando, y que te gusta y no encontrás cómo explicarle a tu vecino que te gusta. No te perturbes: ese tipo de confusiones suelen sentirse ante las grandes obras". 

Revista Pelo: Reseña de Artaud (1973) 

"Quiero aclarar que yo le dediqué ese disco a Artaud pero en ningún momento tomé sus obras como punto de partida. El disco fue una respuesta –insignificante tal vez– al sufrimiento que te acarrea leer sus obras. La idea del álbum era exponer la posibilidad de un antídoto contra lo que opinó Artaud. Quien lo haya leído no puede evadirse de una cuota de desesperación. Para él la respuesta del hombre es la locura; para Lennon es el amor. Yo creo más en el encuentro de la perfección y la felicidad a través de la supresión del dolor que mediante la locura y el sufrimiento. Creo que solo si nos preocupamos por sanear el alma vamos a evitar distorsiones sociales y comportamientos fascistas, doctrinas injustas y totalitarismos, políticas absurdas y guerras deplorables. La única forma de hacer subir el peso es con amor. Los músicos de rock somos tipos que estamos muy desorientados. Hemos involucrado mucho a nuestro sistema neurológico y hemos aprendido muy poco de la historia reciente. Pero hay algo claro: no podemos jugar a ser Artaud. Eso significaría no haber entendido a Moris, no haber entendido a Litto Nebbia, no haber pescado una. Si yo no hubiera aprendido a salir de esa y ubicarme en mi país, no estarías conmigo en este momento: Spinetta sería apenas un nombre en una chapita de bronce, chorreada de caca, en la inmensidad de algún cementerio".

Luis Alberto Spinetta - Acerca de Artaud (1986) 

 

¿Acaso no son el verde y el amarillo cada uno de los colores opuestos de la muerte. El verde para la resurrección y el amarillo para la descomposición, la decadencia?

Antonín Artaud (Paris-1937)

 Muestra grafica de la grabación sin pérdida de audio original

Musicos que Participan:

Luis Alberto Spinetta: Guitarras, maracas, platillos, piano, voz
Carlos Gustavo Spinetta: Batería en Cementerio Club. Bajan
Rodolfo García: Batería, cencerro, coros en Superchería, Las habladurías del mundo
Emilio del Guercio: Bajo, coros en Bajan, Cementerio Club, Superchería, Las habladurías del mundo

Temas:

01- Todas la hojas son del viento
02- Cementerio Club
03- Por
04- Superchería
05- La sed verdadera   
06- Cantata de puentes amarillos
07- Bajan
08- A Starosta, el idiota
09- Las habladurías del mundo

Ripeado De Vinilo

Formato: FLAC (Free Lossless Audio Codec) 48.000 Hz - 24 Bits

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Síntesis - Síntesis (1976)

Síntesis fue un grupo gestado en Rosario (Santa Fe, Argentina), de fusion y rock progresivo, con claras influencias de jazz y blues, que se destacaba  por los arreglos de vientos. En 1976 editan este único álbum que contenía  seis temas, convirtiendose en el primer disco de una banda rosarina dentro de ese genero.

Integrado por Jorge Migoya en guitarra, Juan C. Ricci en batería, Julio Cusmai en batería, con la colaboraciones de Sergio Polizzi en violín, Mariano Zarich y Cachi Ferreyra en sexos, Santiago Aldana en clarinete, Oscar Tissera en flauta. Provenientes de la ciudad de Rosario, despliegan un rock progresivo con muchos ingredientes de jazz y blues y apenas alguna aproximación sinfónica. Las composiciones son íntegramente instrumentales y se destaca el liderazgo de la guitarra con atinados arreglos de cuerdas y vientos. Como curiosidad, este recomendable álbum se registró en dos días, el primero de ellos coincidente con el golpe militar que instalo una de las más sangrientas dictaduras que asoló a la Argentina. Los seis temas no llegan a ocupar media hora de registro. Aún así el álbum es muy recomendable.


 Entrevista a Jorge Migoya (Compositor y guitarrista de Síntesis):

-¿Qué recordás de ese 24 de marzo, día del golpe militar, cuando entraron a grabar el disco en Buenos Aires?-

-No tengo un recuerdo muy preciso de los minutos y las horas que transcurrieron ese día. Habíamos comenzado a grabar desde la mañana y fue durante una pausa, en un bar de los alrededores, comiendo y viendo la tele al mismo tiempo, que vemos tanques por la calles, y las noticias nos hablan de golpe de estado. Es una situación extraña y surrealista a la vez, nosotros, jóvenes músicos rosarinos, grabando por primera vez en Buenos Aires y con la energía y el deseo de vivir plenamente ese momento, cuando por otro lado, en el mismo instante, una realidad política y militar que se implanta. Como si esa realidad nos estaba empañando nuestro propio sueño. Por supuesto, volvimos al estudio, continuamos a grabar, el día siguiente también; eran épocas donde el alquiler de un estudio de grabación costaba caro y la grabación de Síntesis hubo que hacerla en solo dos días (grabado y mezclado, por favor), gracias Da Silva! De esto hace 40 años, e inclusive hay detalles que personalmente no recordaba pero que Juan Ricci me los rememoró. Por ejemplo que el segundo día Litto Nebbia pasó por el estudio mientras grabábamos, trayendo equipos, ya que luego sería su turno para grabar.

-¿Por qué el disco -en rigor, el vinilo- se volvió un incunable?-

-Hay varias razones por la cual un disco puede devenir incunable, la primera y la más simple, es que se hayan tirado pocas placas (si se tiran 30 discos, serán incunables al mes), otra, más probable, es la relación que ya en la época constituía el grupo con su auditorio; en los años 70 la relación juventud y música era muy fuerte, eran años de movida musical nacional e internacional, casi como si el arte y la música en particular podían cambiar el mundo. Toda nuestra vida está puntuada de momentos pilares que construyen nuestro ser y sobre todo esos momentos de juventud, que han sido asociados a una película, una pieza de baile o a una música. Síntesis no escapa a esta regla, la vida y la historia musical se encargan del resto, el vinilo poco a poco desaparece para dar lugar a otros soportes. ¿Sería un paso a la incunabilidad? Era ya incunable en vinilo, entonces todo eso se transforma en un juego, el que lo tiene y el que no (como las figuritas de football en el álbum), lo incunable es algo precioso. Hoy hay jóvenes que no conocieron Síntesis, que inclusive nacieron mucho años después de la aparición del disco y sin embargo lo escuchan —a través de Internet- como una música actual; ellos ni siquiera tienen la relación al pasado, a lo vivido con esa música, no la escuchan por nostalgia, la escuchan al presente y eso sí es lo interesante, cuando lo incunable se suma a la vigencia. Esa es quizás la razón fundamental de su resurgimiento. 

Integrantes:

Jorge Alberto Migoya: Guitarra, arreglos
Juan Carlos Ricci: Bajo
Julio Alberto Cusmai: Batería

Musicos Invitados:

Cachi Ferreyra: Saxo alto (03,05,06)
Mariano Zarich: Saxo tenor (03,05)
Oscar Tissera: Flauta (02,06)
Santiago Aldana: Clarinete (06)
Sergio Polizzi: Violin (02)

Temas:

01- Lo obvio según yo
02- Sin nada
03- La necesidad de amar... a veces
04- Algunas maneras de expresarme
05- Todo lo necesario para lo necesario
06- El final
07- Reminiscencias (Bonus Track)

Formato: Mp3 - 320 Kbps 

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Christian Roth - Discografía (1982-1984)

A pedido de varios navegantes, presentamos los tres discos grabados por este gran cantautor folk, publicados entre 1982 y 1984.

Christian Roth Tuvo un pasó fugaz en la floreciente escena del rock argentino, a comienzos de los años 80. Nació en Bell Ville (en el departamento de Unión), al sur de Córdoba. Comenzó a componer sus propias canciones a partir de 1976. Luego de recorrer Córdoba y Rosario (Santa Fe), en 1982 se radicó en Buenos Aires. Ese mismo año participa del festival B.A.Rock, donde es ovacionado. A partir de allí edita su primer disco "Campo Rock", con letras crudas y realistas, que cosecha muy buenas críticas de la prensa especializada. Su música tenia un marcado estilo folk, similar a la de Leon Gieco.
La buena repercusión del disco le abre camino rápidamente para una segunda placa, que se concreta al año siguiente, mediante el apoyo de CBS. En "Por quien cantar" (1983), cuenta con los integrantes del grupo "La Ley" como banda de apoyo y la participación de Alejandro Lerner.
Pero las ventas no le serian consecuentes a las criticas y la calidad de su música, es por ello que luego de una tercer placa, "Zapatilla y camiseta" (1984), desaparece de la escena local y vuelve a Bell Ville, su ciudad, a la cual le había dedicado parte de sus temas
Desgraciadamente el 2 de enero de 2009, Christian Roth falleció en la ciudad de Rosario. El músico padecía de cáncer en los pulmones y se encontraba internado en el Hospital Español, donde había sido operado.


"Es cierto que tengo un aire en mi música a León, pero yo siempre digo también que antes de escuchar a Gieco escuchaba a Dylan. De chico vivía escuchando temas como 'Mr. Tamborín' y 'Soplando en el viento'. Un día, estando yo alejado de la música rock argentina, me puse a revolver discos de mi hermana y encontré el de un tipo barbudo que no conocía. Por curiosidad, lo escuché y me sentí muy impactado por su música, su armónica y su mensaje. El disco era, por supuesto, el primero de León. De ahí en más, empecé a seguirlo. Un día tuve la oportunidad de charlar con él, y me dió palabras de aliento para que siguiera adelante. Recuerdo que me dijo que nunca me saliera de la línea, de que dijeran lo que dijeran los demás, yo siguiera imperturbable por mi camino. Así fue como me largué a componer. Creo que esa es la mayor influencia,que tuve y tengo de León. En la voz no creo que haya algo que ver, y la temática de las canciones es bastante diferente. Te digo que yo no me preocupo por si algo es parecido o no a la otra cosa. Yo voy, canto, y listo. Mis ternas reflejan la realidad que yo veo. En este viaje, por ejemplo, cuando llegué a Buenos Aires me encontré con el clima que vive el país por las Malvinas. Y cuando llegué al hotel me puse a escribir sobre eso. Yo siento que una canción puede salir en cualquier momento. No se puede decir 'bueno, me tomo mi cafecito y me voy a componer una canción'. No. Lo más probable es que así no te salga nada. Yo siempre llevo conmigo papel y lápiz, porque nunca sé cuando me va a venir la inspiración. "Mis temas están todos basados en hechos reales, en cosas que yo veo. No vuelo para nada en mis letras ni tampoco trato de ser surrealista. Tengo algunos temas que son tan reales que no se pueden cantar. En mi repertorio hay canciones que hablan del campo, de los pájaros, y también hay otras que hablan de la ciudad, de los taxis y los colectivos. Yo vengo de andar en medio de la naturaleza y ahora me meto en una ciudad grande. Y te confieso que me siento medio como sapo de otro pozo".

Christian Roth - Revista Pelo (1982)

Discos y Temas:

Campo Rock (1982):

01- De lo bueno, lo feo y lo malo
02- Balada para mi abuelo Elias
03- Hacia el ayer de sol
04- Seguir siendo el rey
05- Ahora dime
06- Se que pronto vendras
07- Ovación de mil caricias
08- Ella me hablará
09- Guitarra, mi fiel amiga
10- Una lagrima en el viento
11- El dia veinticuatro

Por Quien Cantar (1983):

01- Para el ausente
02- La alegria se nos va
03- Tren bajo el sol
04- Muchos por quien hablar
05- En forma de cruz
06- Yo quiero verte bailar, tierra
07- Juanjo el bueno
08- Cuando venga a la vida
09- El viaje final
10- Mi amigo el grillo cantor

Zapatilla y Camiseta (1984): 

01- Zapatilla y camiseta        
02- Canción del convicto        
03- Y bien        
04- Pequeña serenata diurna        
05- Un motivo simple        
06- Mi princesa vendrá        
07- Estación Villa Ballester        
08- Revolución del alma        
09- Mi voz interior        
10- Sin barreras ni edad

Formato: Mp3 - 192 Kbps

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Vox Dei - Jeremías Pies De Plomo (FLAC - 1972)

Luego del boom de La Biblia, Vox Dei edita en 1972 su tercer trabajo: Jeremias Pies de Plomo. Es el primer disco de Vox Dei grabado como trio, después de la salida de "Yodi" Godoy en 1971. Este album es un compendio del mas puro rock y blues argentino con toques de folk electrico.

Tras grabar un simple con los temas "Tan solo un hombre" y "Dónde has estado todo este tiempo" Nacho Smilari se aleja de la banda y Vox Dei inicia la composición de su nuevo material como trío, algo que se refleja en las letras que escriben para el long play que se llamó "Jeremías, pies de plomo". El disco fue grabado en los estudios Phonalex por el técnico de grabación Norberto Orliac en mayo de 1972, incluyendo los temas "Sin separarnos más", "Detrás del vidrio", "Juntando semillas en el suelo", "Ahora es el preciso instante", "Esta noche no parece igual", "Por aquí se te echó de menos" y "Ritmo y blues con armónica". Con una foto en la tapa de los tres integrantes sentados en una pared a medio construir, el disco sale al mes, teniendo muy buenas repercusiones y buenas ventas, lo que les permite realizar varias giras. Tentados por una compañía multinacional, la banda decide desligarse de Disc Jockey, aunque la cancelación del contrato los obliga a grabar dos discos más. Primero regraban los temas de su primer long play "Caliente", editado más adelante como "Cuero caliente" y después registran con un grabador Revox de dos canales una serie de shows que realizan por el interior del país y Buenos Aires, de lo que extraen los temas que integran el disco en vivo "La nave infernal".

"Veníamos del primer long play, de "Cuero", después fue "La Biblia" que superó todas las expectativas, luego venía "Jeremías, pies de plomo", que, realmente, cuando se empezó la promoción, la gente se daba vuelta la cabeza por sonido de lo que era "Jeremías...", que era un tema arrollador ¿no?. No por la velocidad sino por la potencia que tenía, incluso unas regrabaciones de tons que hizo Rubén, platos y cosas, mataba como sonaba. Y presentamos "Jeremias..."; nos fué bárbaro, el long play vendió muy bien, y, bueno, como siempre sucede,  ya estábamos pensando en lo que venía después. No estábamos conformes con el sello Disc Jockey, queríamos cambiar de compañía, ya habíamos tenido algunos contactos con otras discográficas. La que mejor se presentaba en ese momento era CBS, y habíamos hecho contacto con Hugo Piombi, entonces se plantea: -Bueno, okey-, nosotro teníamos la libertad, nos iban a dar la libertad previo pago, nos cobraron para irnos. Nos cobraron dos long plays, y creo que en ese momento tres millones de pesos, que era buena plata. Y nosotros fijate que estúpidos que fuimos, porque cuando nosotros hicimos "La Biblia", viajamos en el 71 a Nueva York y conocimos a Eddie Kreimer, que era el socio de Jimmy Hendrix. Estuvimos en el estudio, en Electric Lady, y el nos propuso quedarnos, que le interesaba la obra, pero que estaba mal grabada, que había que empezar de cero, y nosotros tuvimos la delicadeza de decirle que no, que ya teníamos contrato con un sello grabador, cosa que ellos después jamás reconocieron, al contrario, se portaron realmente como lo que son ¿no?, vendedores de verdura".

Willy Quiroga

Integrantes:

Ricardo Soulé: Guitarras electrica, slide, acústica, violín, armónica, voz
Willy Quiroga: Bajo, guitarra acústica, voz
Rubén Basoalto: Batería, percusión

Temas:

01- Jeremías pies de plomo
02- Detrás del vidrio (parte I)
03- Detrás del vidrio (parte II)
04- Juntando semillas en el suelo
05- Sin separarnos más
06- Ahora es el preciso instante
07- Ritmo y blues con armónica
08- Esta noche no parece igual
09- Por aquí se te echó de menos

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits 

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Javier Martinez - Manal Javi (Demos - 1987)

Luego de un extenso periplo por Europa, a fines de 1986 Javier Martinez retornaría a la Argentina, en lo que iba a ser su regreso definitivo. Radicado en Sourigues, localidad de Berazategui, Martínez volvería a formar otra vez Manal, pero con una formación completamente distinta. Acompañado esta vez por Aldo Giacomino (guitarra), Jorge Iacobellis (batería), Jorge Szajko (teclado y saxofón) y Luis de León (bajo y coros).En otros momentos, también Jorge Capello y Jorge Pasqcuali formaron parte de este proyecto.
Este grupo se formó en enero de 1987 y Martínez optó por llamarlo "Manal-Javi". Hicieron varias presentaciones junto al grupo Vox Dei, como ser en Badía y Cía, en el teatro "Fénix" de Flores y también en el programa Sábados de la bondad. Además de actuar, la banda grabó en los Estudios Ion un disco con versiones modernas de los clásicos del trío y nuevas composiciones de Martínez ("Juan despierta ya" y "Hoy te ví"). Tres de los clásicos ("No pibe", "Jugo de tomate frío"y "Una casa con diez pinos") fueron editados (en forma fallida) bajo el nombre de Javier Martínez en la Colección de Rock de Revista Noticias, aunque en realidad pertenecían a la formación Manal-Javi. El resto de los temas grabados eran: "Avenida Rivadavia", "Informe de un día", "Elena" y "Necesito un amor". Salvo los temas que aparecieron en la colección de la revista Noticias, el resto del material de ese disco nunca se publicó. El grupo se separó en Enero de 1990. 

"En el barrio de Flores y ante una escasa, pero eufórica concurrencia volvió Manal. Al subir el telón del cine Fénix un solo folklórico de batería —con gong incluido— ejecutado por Javier Martínez marcó el inicio de un recital sin igual. Manal felizmente evolucionó superando su mítica y legendaria etapa anterior, empleó un nuevo y contemporáneo tratamiento musical alejando todo tipo de sospechas redundantes y retrógradas. "Avenida Rivadavia", "No pibe", "Avellaneda blues", "Necesito un amor" y "Elena" contaron con nuevas versiones. El show lentamente fue ganando emotividad a medida que el público, anestesiado por la sorpresiva imagen de Martínez (teñido de blanco platinado, usando gafas negras, protagonizando un concierto más cercano a Prince que a John Mayall), reaccionaba. Jorge Iacobellis (batería), Luis de León (bajo), Aldo Giacomino (guitarra) y el multiinstrumentista Daniel Saiko (secuenciadores, saxo, trompeta y teclados) fueron compinches de este Manal cibernético y futurista de sonidos depurados, frescos y de indudable buen gusto. También tuvieron su lugar las nuevas composiciones como "Juan despierta ya" y el clásico "Jugo de tomate" en ritmo funky incitó a danzar a los tímidos bailarines. Javier Martínez se mostró excitado e infatigable realizando brillantes piruetas excepto la vertical, demostrando que la expresividad de su voz se encuentra intacta. El delirio escapó del asilo y como buen vino,cuanto más viejo, mejor".  

Reseña show de Manal Javi-Teatro Fenix (Revista Pelo-1987)

Integrantes:

Javier Martinez: Voz
Aldo Giacommino: Guitarras
Jorge Szajko: Teclados, saxo
Jorge Iacobellis: Batería
Luis de León: Bajo, coros

Temas:

01- Elena
02- Avenida Rivadavia
03- Hoy te ví
04- Informe de un día
05- Juan, despierta ya
06- Jugo de tomate
07- Necesito un amor
08- No pibe
09- Una casa con 10 pinos 

Formato: Mp3 - 192 Kbps

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