Vox Dei - Es Una Nube, No Hay Duda (FLAC - 1973)

 

Quinto álbum de Vox Dei y primero grabado para el sello CBS, lo cual significó un salto cualitativo en cuanto a recursos de grabación y edición. Es uno de los discos con mejor sonido de Vox Dei de los 70, y al mismo tiempo uno de de los más exitosos, ya que contiene varios clásicos de la banda. El grupo desarrolla aquí lo que sabe hacer con maestría: potente blues-rock y sentidas baladas, contando ahora con mayores medios técnicos para plasmar su música en el estudio de grabación.

 

"Se plantea el grabar un long play y no nos preguntan cuáles son los temas, ni nada. Nosotros entrábamos a CBS a grabar lo que Vox Dei trajera ¿no?. Y por eso digo que una de las grandes cosas que se habían conseguido era eso ¿no?, que no te preguntaran qué ibas a grabar, iba Vox Dei a CBS y se terminó, -Entren y graben el long play-. Bueno, entramos y grabamos "Es una nube no hay duda" y no había ninguna duda de que era una nube porque ¿viste? ellos no tenían la menor idea de qué era lo que traíamos, pero se jugaron. Era una de las primeras veces que una compañía decía: -Okey, confiamos en ustedes-, no es que te pedían un demo, -Bueno, a ver cómo son los temas-, venía un pseudo-director artístico, a ver, a sopesar la calidad de las letras o de la música. No, nos abrieron las puertas y dijeron: -Vengan y graben-. Fuimos, grabamos ese long play, incluso hubo una producción a nivel tapa muy interesante, conseguimos por intermedio de Hugo Piombi, que la producción pusiera un dinero para viajar a...a nosotros se nos ocurrió ir a Villa Gesell y fuimos a Villa Gesell, y nos pagaron tres días en allí para todos los músicos, los dos fotógrafos. Fuimos con un coche, nos pagaron el hotel, las comidas, fue impresionante. Volvimos con el material y entonces los muchachos hacen una especie de montaje de fotos y montan las nubes que habían sacado al amanecer con una duna y nos hacen a nosotros aparecer atrás de la duna, parece que estuviéramos arriba de una nube, un trabajo para ese momento creativo, bien. Después que grabamos ese long play viajamos por segunda vez a Estados Unidos. Bueno, ahí fuimos, trajimos equipos, yo me traje el Ampeg, el SB4, y Ricardo se trajo un Marshall, guitarras, yo me traje un bajo..." 

Willy Quiroga

 

"Aunque aparezca contradictorio toda la confección de este sexto álbum de Vox Dei es en su evolución un regreso a la fuente misma que inspiró al grupo. La base parece estar en el tema más exitoso que tuvieron en sus comienzos: "Canción para una mujer". Esta paradoja es muy difícil de demostrar pero, analizando algunos ítems en la carrera del grupo y en la evolución del rock en la Argentina puede tener sus justificativos: es muy probable que éste fuera el primer y auténtico estilo de Vox Dei y así fue aceptado hace tres años por el público, pero la tendencia hacia el rock más cuadrado y fuerte que tenía el movimiento y el público en aquella época es posible que haya condiconado Vox Dei en la inclinación hacía esa línea, compromiso que debió asumir más integralmente cuando. sorpresivamente se encontró con que era uno de los grupos más famosos del país. Todos los trabajos posteriores flirtearon con las dos líneas, e! rock veloz (Vox Dei lo hacía mejor que nadie) y lo melódico y armónico. Ahora, en su sexto álbum, el conjunto parece querer reasumir su tendencia inicial: cantar con los pulmones bien abiertos, componer canciones. Esto es lo que puede aparecer como un cambio de estilo (incluso para ellos mismos) cuando en realidad no es sino otra cosa que reasumir el pasado original y que, en definitiva. fue lo que los catapultó, porque ellos comenzaron a surgir a partir de "Canción para una mujer". Desde entonces han pasado varios long plays, muchos recitales, centenares de shows, decenas de obras en los estudios de grabación, en consecuencia: cantan mejor y tocan en otro nivel. Algunos se pueden sentir desencantados con este nuevo Vox Dei pero es probable que se estén encontrando con el más verdadero de todas sus propias "versiones". El público, a raíz de que es un grupo que está en la cima puede tener muchas ideas sobre ellos, pero a partir de "Es una nube no hay duda" las cosas quedarán más claras: mayor dedicación armónica, menos rock sin perder esa fuerza característica. Tapa: dos hermosas fotos en novedoso papel telado: buena impresión. Síntesis: Jugarse de esta manera no es fácil: ellos han decidido asumir todos los peligros. Las reglas del juego están cambiadas. ¿Quién más es capaz de asumirlas?".

Reseña del Album - Revista Pelo 1973

 Integrantes:

 

Ricardo Soulé:  Guitarras, voz, piano, armonica, mandolina

Willy Quiroga: Bajo, voz

Rubén Basoalto: Batería 

Temas:

01- Es una nube, no hay duda
02- El faisán y la codorniz
03- Es así y no hay nada que hablar
04- Loco, hacela callar
05- La verdadera historia de Sam el montañés
06- Prométeme que nunca me dirás adiós
07- Por sobre el monte, encima del mar
08- El mañana es otra historia

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Polifemo - Polifemo I + Simples (FLAC - 1976)

 

El comienzo del grupo es bastante curioso, cierto día Daniel Grimbank (productor) quiso hacer un concierto con David Lebón, pero una semana antes le fallaron los músicos que lo acompañarían, entonces llamó a Rinaldo Rafanelli, que le propone a Rodriguez para cubrir el puesto en la batería (los dos venían de tocar juntos como base rítmica de Sui Generis). La banda se arma a fines de 1975, debutando oficialmente el 24 de octubre de ese año en el teatro Coliseo.
El éxito llegó con el simple que contenia "Suéltate rock and roll" y “Vamos Tranquilos”, que sale bajo el sello EMI y vende 50.000 copias, cifra poco común para entonces. Luego sacaron un segundo simple que contenía “Oye Dios que me has dado” y “Buzios blues”. Fueron el grupo revelación del verano de 1976 y su popularidad se afianzó con los numerosos shows que brindaban. Para la grabación del primer álbum se incorporó el tecladista Ciro Fogliatta. Esta placa fue presentada con Pappo como guitarrista invitado, en el Luna Park, en agosto de 1976. Tanto el disco como el recital recibieron muy duras críticas de parte de la prensa especializada, con lo que la estabilidad de la banda comenzó a decaer. Cuando salió a la calle "Volumen II " en 1977 ( tambien publicado en el blog), la agrupación estaba virtualmente disuelta.

 

"En septiembre de 1974 Lebón, Rafanelli y Rodríguez se presentaron con sus propios nombres en el teatro Astral, en un recital compartido con Avalancha, y después del Adios Sui Generis, el recital despedida de Charly y Nito en el Luna Park, el proyecto Polifemo levantó vuelo. "Pensamos en un trío de rock,' dice Rinaldo. "Creo que en ese momento no existía ese concepto. Unicamente Pappo's Blues, pero Pappo en esos días andaba por Londres. Grupo nuevo, disco quiere. Un joven productor llamado Daniel Grinbank les tuvo fe. "Se acercó y nos dijo: 'Este trío mata. Les voy a hacer grabar un simple en EMI.' Y grabamos el simple de 'Suéltate Rock and Roll,' de David y un tema mío, 'Vamos Tranquilos,' en tiempo record. Sonó impresionante y se vendieron 40 ó 50.000 simples, una barbaridad. Nosotros no lo esperábamos, porque no había un aparato detrás nuestro. Grinbank no era el de ahora, que aprieta un botón y aparecen, no sé... porristas. Era todo a pulmón.
"Pero 'Suéltate Rock and Roll' pegó. La letra era como decir 'Aflojemos un poco...' Porque, aunque todavía no había ocurrido el golpe de Videla, estaba Isabel, la Triple A, en fin... el Huevo de la Serpiente. "El simple lo grabamos en los estudios de EMI, en la calle Montañeses, y en esa grabación conocimos al técnico José Soler y a Luis "D'Artagnan" Sarmiento, con quienes trabajamos siempre, de allí en más." Con el éxito del primer simple, la popularidad de Polifemo creció aceleradamente. En octubre de 1975 tocaron en el teatro Coliseo; en diciembre de ese año actuaron en el Gran Rex, y en los carnavales del 76 hicieron 27 shows en diez días. Poco después comenzó la grabación del álbum debut. Rinaldo dice que, fieles a la tradición de los Beatles, Polifemo decidió -contra toda lógica comercial- no incluir los temas del simple en el long-play. El período 1975-1976 fue de gran inspiración para Polifemo y eso se refleja en el repertorio del álbum debut, Polifemo, y del single subsiguiente. "David escribió 'Oye Dios, Que Me Has Dado,' Tu Forma Real,' Doce Caras' y el 'Tema de los Devotos.' Yo hice 'Dueña del Comfort,' —un tema dedicado a la entonces mujer de David, Liliana Lagardé- 'Vamos al Campo,' y más tarde 'Buzios Blues,' producto de un veraneo en esa playa de Brasil. En un mes compusimos unos veinte temas." Rinaldo fue también responsable de un clásico oculto de Polifemo: "Qué Hago Yo Aquí," una canción inspirada en la vertiginosa serie de giras de los últimos tiempos con Sui Generis. Cuando Polifemo entró a grabar su primer LP, las condiciones técnicas habían mejorado mucho. "El simple lo habíamos hecho en ocho canales, pero cuando entramos a grabar el álbum ya había una consola de dieciséis. El estudio de EMI era hermoso, cómodo, grande; como para grabar una orquesta sinfónica. David y yo nos metimos mucho en la producción. En el "Tema de los Devotos" tocamos sólo él y yo, porque Juan creo que estaba enfermo. La batería la toca David. En otros sobregrabamos un montón de voces, pusimos cornetitas de cumpleaños, ese tipo de cosas... Y al (sintetizador) Moog lo hicimos de goma... Ciro Fogliatta entró a la banda cuando ya estaban las bases grabadas. Yo quería el sonido del piano y de un órgano Hammond. ¡Quién mejor que Ciro!"

Rinaldo Rafanelli - Reportaje de Alfredo Rosso

 

 

 

Integrantes:

David Lebón: Guitarra, voz, teclados, batería en "Tema de los devotos"
Rinaldo Rafanelli: Bajo, teclados, guitarra, voz
Juan Rodríguez: Batería y percusión
Ciro Fogliatta: Órgano Hammond, clarinete, coros

Temas:

01- Qué hago yo aquí
02- Doce caras
03- Tu forma real
04- Vamos al campo
05- Flotando
06- Dueña del comfort
07- Tema de los devotos

Simples:

08- Sueltate rock and roll  (Single lado A, 1975)
09- Vamos tranquilos  (Single lado B, 1975)
10- Oye dios, que me has dado  (Single lado A, 1976)
11- Buzios blues (Single lado B, 1976) 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Eternidad - Apertura (1977)

El único álbum grabado por Eternidad es un trabajo de gran calidad musical. Con una estética emparentada al folk rock con pasajes sinfónicos y de fusión,  por momentos el grupo se asemeja a la lirica de Sui Generis en su etapa mas progresiva. Una perla oculta que merece ser escuchada.

Eternidad fue formado a mediados de la década del 70 por los hermanos Daniel y Roberto Méndez. Tras establecerse como quinteto, comenzaron a presentarse en pequeños escenarios, en los que lograron cierta trascendencia. En 1997 accedieron a su primera producción discográfica, "Apertura", que llegó a las bateas un año más tarde, cuando el grupo ya sufría algunos vaivenes. Por entonces, el baterista Luis Yanes (posteriormente decano de la facultad de filosofía y letras) fue reemplazado por Daniel Torriggiane, con quien siguieron moviéndose y actuando. 

La poca repercusión que logró la placa, sumada al descontento de algunos miembros por el accionar de la banda, los condujo a la separación  durante el verano de 1979.

 

"La experiencia de Sui Generis ha marcado profundamente a muchos grupos y solistas de la nueva generación. Eternidad. por ejemplo, tiene un fuerte aire de la música de los Sui. Sobre todo se nota en el plano vocal una onda muy similar a la de SG en sus primeras épocas. Musicalmente, Eternidad recorre la canción con buenos arreglos y armonizando libremente, sin estar atados a esquemas fijos. La Instrumentación es uno de los aspectos más convincentes de este álbum, y las letras el más débil. Estas son inocentes en extremo, cayendo peligrosamente en posturas maniqueistas. Si se pudiera remontar este defecto y ajustar el aspecto vocal más en función de las melodías, el producto seria muy interesante. Tapa: Un dibujo inocente que sin embargo describe cierta puerilidad que trasunta el disco. Síntesis: Una obra con las influencias y clichés de los primeros trabajos. "Apertura" es un disco pulcramente realizado que permite alimentar futuras espectativas para este conjunto". 

 

Revista Pelo - Reseña del álbum (1977)

 

 

 

 Integrantes:

 

Daniel Mendez: Guitarras acústicas, eléctrica , armónica, canto
Roberto Mendez: Guitarras acústicas, eléctrica, laúd, canto
Claudio Pedra: Piano acústico, órgano Hammond, sintetizador
Robi Massarotto: Bajo eléctrico, canto
Luis Yanes: Batería, percusión

 

Temas:

 

01- Suite: Pensamiento y vida
02- Javier dejó de ser niño
03- Cuento de una niña
04- Más cerca del horizonte eterno
05- Empezando por uno mismo
06- Ciudad mirame
07- Ahora que estamos solos 

Formato: Mp3 - 320 Kbps

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La Biblia - Ensamble Musical de Buenos Aires (FLAC - 1974 / Remaster. 1990)

 

En 1974 los músicos más importantes del rock argentino, mayormente pertenecientes al círculo de La Pesada del Rock and Roll -para la ocasión junto al Ensamble Musical de Buenos Aires-, realizaron una versión de La Biblia de Vox Dei, la cual estuvo organizada por Billy Bond. Participaron en ese disco Alejandro Medina, Billy Bond, Carlos Cutaia, Carlos Goler, Charly García, Claudio Gabis, Claudio Martínez, Kubero Díaz, David Lebón, Fernando Bergé, Gustavo Beytelman, Gustavo Kein, Jorge Pinchevsky, Juan Rodríguez, Miguel Cantilo, Oscar Moro, Nito Mestre, Osvaldo Favrot, Poli Martínez, Raúl Porchetto y Rinaldo Rafanelli.

 

Se intento hacer una produccion de nivel internacional, cosa logica si lo que se pensaba era lanzar el producto en el exterior, y hasta se penso en la posibilidad de llegar a grabarla en frances e italiano. Por desgracia nada de eso ocurrio, el disco fue solamente publicado en la Argentina, con la unica salvedad de que varios años despues, estando Billy Bond radicado definitivamente en Brasil tomo los masters originales y reemplazo todas las partes vocales por la de cantantes Brasileños. Esta version de la Biblia en portugues tambien la pueden encontrar en el blog.

 

"Nosotros teníamos varias ideas para trabajar en un nivel serio, que además nos permitiera hacer un disco que fuera exportable. Yo, primariamente estuve trabajando con el padre Mugica y Roberto Lar, en la confección de una obra llamada "Misa del tercer mundo". pero cuando ya casi estaba terminada pude apreciar que era demasiado folklórica. Finalmente la obra pasó a manos del Grupo Vocal Argentino. Después pensamos en ponerle música a "Cien años de soledad", la novela de Gabriel García Márquez, y hacer una especie de ópera rock. Esencialmente necesitábamos trabajar sobre la base de algo conocido fuera del país ya sea por su temática o la trascendencia de la obra en si. Es decir, que le pudiera interesar a un tipo en España, en Brasil, etc. Entonces le hablamos a García Márquez a Barcelona, y el contestó que no, porque "Cien años" era una novela. Pensamos en hacer algo nuevo, paro para hacer una obra de la magnitud de lo que queriamos afrontar, necesitábamos una seguridad. Entonces surgió la idea de "La Biblia" porque creo se trata de una obra que no fue llevada hasta sus últimas posibilidades..." 

 

Jorge Alvarez (Productor de la obra) 

 

"Esta es sin duda la primera vez que el rock de Argentina encara un trabajo de envergadura en lo concerniente a producción, un rubro vital que siempre le había escurrido o menguado. El salto fue realmente grande porque, aun fuera del rock nunca se había encarado con tanto gigantismo un trabajo discográfico argentino. Todo ello ha contribuido a darle una imagen de espectacula-ridad que pareciera estar ocultando la verdadera finalidad de un disco: la música, el contenido esencial. Si el esfuerzo fue importante en producción, no es menos cierto que los músicos (tanto los de rock como los tradicio-nales) han tratado, evidente-mente, de rendir al máximo de sus posibilidades. En el plano del rock esas alturas están lo-gradas con dignidad y con un crecimiento que demuestra el estado de evolución dinámica de esta porción de la música popular argentina. A excepción de algunas voces no felizmente elegidas para interpretar dos o tres temas, la obra no presenta fisuras y se deduce un paciente trabajo de programación y adecuación de posibilidades, tanto en el plano técnico como en el otro más sutil, el de los talentos individuales. Si bien el trabajo del arreglador, Gustavo Beytelman, le otorga a la obra escrita por Vox Dei una dimensión insospechada dentro de simples líneas primarias, es seguramente la evolución general del rock argentino la que posibilitó (a través de las individualidades participantes) que "La Biblia" se convirtiera en una de las más respetables trabajos realizados dentro de todos los campos de la música contemporánea del país y —sin jactancia— de América Latina. Es probable, según se ha informado, que este trabajo se edite en otros países. Y allí reside su importancia, en el criterio estratégico y el valor de apertura de nuevas posibilidades de esta versión de "La Biblia". Lo homogéneo y compacto del trabajo no permite críticas anecdóticas. Cualquiera que piense hacerlo deberá, inevitablemente, remitirse al terreno teórico, un campo donde, como en otras artes, las disquisiciones se tornan algo bizantinas y plomizas. Lo cierto y concreto es que "La Biblia" representa para el rock una obra elaborada seriamente (no porque estén los señores del Ensamble Musical de Buenos Aires) y con sentido de superación en todos los niveles. Es algo así como si el rock hiciera un esfuerzo demostrativo de su poder expresivo. Y lo ha conseguido: muy probablemente después de "La Biblia" no se podrá tratar a esta música como "cosa de chicos". 

Tapa: el diseño de la tapa merece realmente un elogio especial porque, no sólo supera lo hecho dentro del campo del rock, sino que también se eleva sobre as ediciones nacionales de otro tipo, alcanzando un nivel sólo comparable con la calidad lograda por los británicos, desde hace 10 años especialistas en presentaciones. la sobriedad, la calidad de la impresión, la elección de tipografías y grabados conforman un todo de imagen en el nivel de la música que contiene.  

Revista Pelo - Reseña del disco (1974)

 

 

La Biblia - Ensayo (1974)

Musicos que participan en el álbum:

Ensamble Musical de Buenos Aires +

Alejandro Medina: Voz
Billy Bond: Voz, órgano, teclados, accesorios, efectos especiales
Carlos Cutaia: Piano
Carlos Goler: Batería, voz
Claudio Gabis: Guitarras, armónica
Claudio Martínez: Sintetizadores, voz
Charly García: Teclados, voz, piano, organo
David Lebón: Voz, bajo, guitarras
Fernando Berge: Voz
Gustavo Beytelman: Arreglos y direccion del ensamble, piano
Gustavo Klein: Guitarra acústica
Jorge Pinchevsky: Violín
Juan Rodríguez: Batería
Kubero Diaz: Guitarras
Miguel Cantilo: Guitarra acústica
Nito Mestre: Voz
Oscar Moro: Batería
Osvaldo Favrot: Bajo, guitarra, voz
Poli Martinez: Guitarras
Raúl Porchetto: Voz
Rinaldo Rafanelli: Bajo, voz

Temas:

01- Introduccion
02- Genesis
03- Moises
04- Guerras
05- Profecias
06- Libros Sapienciales
07- Cristo
08- Apocalipsis

 

 

Formato: FLAC - 44.100 / 16 Bits 

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Jorge López Ruiz - Bronca Buenos Aires (1971)

Obra fundamental del jazz argentino, Bronca Buenos Aires es un álbum conceptual compuesto por Jorge López Ruiz, basado en los hechos de El Cordobazo en 1969. Con letra de José Tcherkaski, es un trabajo orquestal basado en un trípode, con apoyo en el free jazz, el clasicismo de la big bands y la música contemporánea. La obra fue inmediatamente censurada desde su aparición. Recién en el 2015 pudo presentarla en vivo por primera vez en su país. López Ruiz falleció el 11 de diciembre de 2018.

"En el 66 fue el golpe de Onganía y yo en un programa de TV despotriqué como un desesperado contra la dictadura. En esa reunión había un señor muy importante. Me asustaba su magnitud intelectual, su presencia. Ese tipo era Arturo Jauretche, y me alentó a plasmar esa protesta en música, lo que terminó siendo El grito. Ahí mi ideología estaba enraizada. Luego de eso sucedió El Cordobazo, que dejó a todos patas para arriba y de ahí salió Bronca Buenos Aires. Las únicas cosas que me mueven a escribir música son los acontecimientos que me ponen furioso desde lo personal, no he escrito mucho sobre amor. Escribí mucho más sobre lo que compromete la libertad social.
El Cordobazo se iba conversando con la gente que uno tenía alrededor. Eso lo fui metiendo en notas. En ese momento empecé a trabajar con José Tcherkaski, que hacía canciones con Piero. Sobre el texto de José escribí la música de Bronca...Es un texto que se lee en 3 o 4 minutos, pero la obra duraba 40 minutos empujada por esas anotaciones. Hasta Bronca Buenos Aires no existía en el jazz argentino una forma política. El músico de jazz, con alguna rara excepción nunca fue un músico de jazz sino músicos que tocaban jazz. Excepto por Favero, que escribió la suite "Dream", dedicada a Coltrane, no relacionada con lo político.
Nadie escuchó Bronca Buenos Aires. Fue prohibido luego de la primera vez que se difundió en la radio en 1970 y no sonó en un medio hasta el año 2004, cuando fue reeditado en CD. En el 2000 ya teníamos Internet. Eso hizo que se edite en Inglaterra, en Estados Unidos y, como consecuencia de esto, fue reeditado en Francia y en Alemania. Fue un pequeño privilegio viral. El disco interesa como cosa rara, porque ellos no pueden entender lo que nos pasa.
En el 70 nadie se atrevía a pasarlo entero, porque el texto termina con la palabra "carajo", que era considerada una mala palabra y consecuentemente un delito. El único que lo pasó entero fue el famoso Antonio Carrizo en Radio Rivadavia. Siguió prohibido durante todos los procesos militares. Yo trabajé en SADAIC cuando fue intervenido y tenía su oficina de censura, manejada por un coronel que era un idiota. Una señora a la que nombraron interventora de radio prohibió a Gardel durante 48 horas porque consideraba a las guitarras de mal gusto. En el 83, cuando volvió la democracia, yo no estaba en Argentina y nadie se acordaba del disco.
Financié mis obras con lo que ganaba trabajando para otros músicos, como orquestador. Un día vinieron a verme de una compañía discográfica y me dijeron “Tenemos a un músico que mata arriba del escenario pero no logramos que venda, algo estamos haciendo mal". Era Sandro. Ahí dije hay que sacar a Los del Fuego y volaron. Hicimos baladas, porque las baladas se venden en cualquier época".

Jorge López Ruiz (www.vice.com-2018)

 

 

 Músicos Que Participan:

 

Jorge López Ruiz: Contrabajo

José Tcherkaski: Recitante

Horacio "Chivo" Borraro: Saxo tenor
Carlos "Pocho" Lapouble: Batería
Fernando Gelbard: Piano

 

Músicos Invitados:

 

Santiago Giacobbe: Órgano
Alfredo Remus: Bajo
Enrique "Zurdo" Roizner: Percusión
Donna Carol: Voces

+ Coro y Orquesta

Composición: Jorge López Ruiz

Textos: José Tcherkaski

Dirección Musical: Oscar López Ruiz  

 

Temas:

 

01- La ciudad vacía (Primer movimiento)

02- Relatos (Segundo movimiento)

03- Amor Buenos Aires (Tercer movimiento)

04- Bronca Buenos Aires (Cuarto moviento) 

 

 

Formato: Mp3 - 320 Kbps

 

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Almendra - Almendra En Obras I y II (FLAC - 1980)

Estos dos albumes en vivo de Almendra fueron grabados en el Estadio Obras Sanitarias en diciembre de 1979, en lo que constituyó el primer regreso del grupo luego de nueve años de separación. Es considerada como una obra de arte por ser el fiel reflejo de la calidez y la energía de aquellos conciertos.

El álbum es el registro del regreso a la actividad de Almendra a nueve años de su primera separación. Grabado en el estadio Obras Sanitarias los días 7, 8 y 9 de diciembre de 1979, el disco fue pensado como parte de un registro audiovisual de la reunión de la banda, un plan que se completaba con una película que registraría los recitales. Si bien el film nunca llegó a ver la luz, Almendra en Obras se lanzó en dos volúmenes por separado y de manera independiente a través del sello del grupo, Almendra Editora, en 1980. Al margen del material de sus dos primeros discos y correspondientes singles, los shows incluyeron tres temas nuevos de Spinetta (“Vamos a ajustar las cuentas al cielo”, “Jaguar herido” e “Hilando fino”) y uno Del Guercio (“Cambiándome el futuro”) que no llegaron a formar parte del tercer disco de estudio del grupo, El valle interior, grabado al año siguiente. Unos 15 años después de su edición en vinilo, los dos volúmenes de Almendra en Obras fueron recopilados en un sólo CD (y con otro arte de tapa) por BMG en 1996, que quedó descatalogado a los pocos años, siendo reeditado nuevamente en 2018.

 "Almendra 1979 resume de alguna manera toda la música escuchada durante esta década fundamental de rock argentino. Porque en su núcleo se encuentran dos de los compositores que marcaron estilos en los setenta: Emilio Del Guercio y Luis Alberto Spinetta. Este aporte fundamental estuvo claramente reflejado en cada uno de los seis conciertos que la banda dio en Buenos Aires.
El material presentado por el conjunto se remitió a los dos álbumes y los primeros simples que Almendra grabó durante su fructífera trayectoria, y a cuatro canciones compuestas en esta nueva etapa. La apertura del espectáculo correspondió a "Ana no duerme", uno de los temas más fuertes del primer álbum. La nueva forma que esta canción adquirió marcó las pautas de cómo iba a ser el nuevo sonido de Almendra. Todos los temas recibieron un tratamiento renovador, no sobre la base de nuevos arreglos, sino en la manera de ser tocados. Allí es donde se notó más el tiempo transcurrido y las experiencias aprehendidas por cada uno de los músicos. Este Almendra sonó moderno, desde una base rítmica ajustada, llena de swing y sin desbordes, hasta el sonido extraterreno de la guitarra de Edelmiro Molinari (equipada con sintetizador). "Ana no duerme" se transformo en un tema denso, cargado de cadencias del rock metálico y con una buena vocalización de Spinetta. El número siguiente marcó un reencuentro aún más directo con la nostalgia: "El tema de Pototo". Y aquí apareció una de las primeras constantes: Almendra demostró haber asimilado e[ tiempo y saberlo volcar en forma de nueva sangre para los viejos temas, pero en ningún momento trasuntó lo mismo en las nuevas canciones. "Todo el hielo en la ciudad" también pertenece a las primeras grabaciones que Almendra hizo a fines de los sesenta. Son perfectos ejemplos de cristalinas canciones pop, con una inocencia cargada de mensajes sociales. La voz de Spinetta rescató intacto el espíritu de estas letras, correctamente apoyado por los coros de sus compañeros. De aquella primera época memorable también volvió "Final", una composición hermosa que resultó uno de los momentos más logrados de la noche, combinando la dulce melodía con las armonías vocales más acertadas del concierto. La riqueza y el lirismo de una canción hicieron sacudir a una audiencia que supo reconocer aun los temas más viejos. "Figuración", del primer álbum, presentó a Del Guercio en flauta y Molinari en bajo. Otra canción de atmósfera creciente, con una estupenda vocalización de Spinetta, que volvió a destacarse en "Fermín". El clima del tema fue reforzado por los coros y una perfecta instrumentación, particularmente por el trabajo de Molinari en guitarra. Este nuevo Almendra tiene la virtud de saber crear los climas adecuados en cada canción, especialmente por el seductor liderázgo escénico que ejerce Spinetta y las adecuadas interpretaciones de sus compañeros. "Plegaria para un niño dormido" marcó otro de los momentos culminantes de cada noche. El comienzo fue suave, con el aporte en xilofón de Rodolfo García y un solo cargado de sentimiento de Spinetta. Su voz, que acusa el paso del tiempo, perdió algo de su condición natural, pero ahora fué reemplazada por un mayor dominio técnico. "Vamos a ajustar las cuentas al cielo" fue uno de los nuevos temas presentados. Musicalmente no presentó ninguna novedad; es un acelerado riff de jazz-rock y un solo de igual rapidez a cargo de Molinari, que en esta ocasión mostró técnica para el acumulamiento de notas. "A estos hombres tristes" fue el regreso al pasado y a una mú-sica que difícilmente ahora se pueda igualar, al menos tomando en cuenta las canciones nuevas escuchadas. "A estos hombres..." es una brillante conjunción de rock y música de neto corte porteño, a la que la poesía surrealista de Spinetta le agregó un matiz inconfundible. En el otro único momento en que Emilio abandonó el bajo, lo hizo para interpretar su tema, sin titulo. Acompañándose con guitarra acustica y las eléctricas de spinetta y Molinari, creó una atmósfera etérea, subrayada por el vibrato de la Fender de Molinari en una de sus mejores intervenciones.Apenas un par de canciones fueron extraídas de su segundo album doble que Almendra grabo poco antes de su disolucion. Una de ellas fue el número fuete de la noche, colocada en el momento justo: "Mestizo", compuesta por Fdelmiro Molínari, la canción original se convirtio en un riff funky, ajustado y caliente. La sobria y monolítica rítmica Del Guercio-García aporto toda su poderosa vibración al tema. Hubo de todo en "Mestizo", un excitante solo de Molinari, un ardoroso contrapunto de Spinetta, sabrosos pasos de baile y un contundente solo de Rodolfo García. Fue uno de los momentos culminantes del show, el nuevo arreglo, las cadencias de las guitarras, hicieron de este "Mestizo" una canción totalmente diferente. Cuando Spinetta dejó su guita-rra eléctrica y la cambió por la acustica, la multitud adivinó...Muchacha". Esta canción, que es un himno de una generacion, supera cualquier crítica. La tocaron devotamente, con la mayor pulcritud posible, aunque las vocalizaciones no fueron tan perfectas como en "Final". Se puede decir, en su descargo, que tue el numero final de un esforzado concierto. La primera repetición fue el ultimo simple que Almendra grabo antes de separarse: "Hermano perro". Paradójicamente, en estos tiempos en que la música de los ochenta asoma con gusto a simpleza, Almendra recreo un tema totalmente nueva ola. "Hermano perro", tocado por esta formación, es una canción moderna con una letra decididamente punk. El adiós final fue "Rutas argentinas", un rock'n'roll del segundo album. El tema comenzó con una ardorosa introducción vocal que dio paso a un riff pesado, enmarcado por la sólida rítmica y un solo de Molinari que recordó sus mejores épocas de blues". 

 

Crónica de los conciertos en Obras (Revista Pelo-1979)

 

 

Integrantes:

Luis Alberto Spinetta: Guitarras, voz
Edelmiro Molinari: Guitarra, bajo, coros
Emilio Del Guercio: Bajo, guitarra acústica, flauta dulce, coros, voz en "Cambiándome el futuro"
Rodolfo García: Batería, percusión, vibráfono, coros

 

Temas - Disco 1:

01- Ana no duerme
02- Tema de Pototo
03- Plegaria para un niño dormido
04- Figuración
05- Cambiándome el futuro
06- Vamos a ajustar las cuentas al cielo
07- Mestizo

 

Temas - Disco 2:

01- Jaguar herido
02- Color humano
03- Hilando fino
04- Muchacha (Ojos de papel)
05- Hermano perro
06- Rutas argentinas

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Michel Peyronel - A Toda Mákina (1984)

Pedido con insistencia por varios navegantes, aqui llega el primer álbum del legendario batero de Riff. Publicado en 1984, A Toda Mákina cuenta además con la participación de Stuka, guitarrista de Los Violadores y coautor de varios de los temas del disco.

Miguel Alberto Peyronel nació en la ciudad de Bahía Blanca. Desde niño estudió piano clásico y en la adolescencia se pasó a la batería. En 1973 viajó a Europa y se radicó en Francia, donde estudió economía y formó parte de Extraballe, un grupo francés de new wave punk como baterista. De regreso en la Argentina a principios de los años 1980, tras una estadía en el viejo continente, es convocado por el guitarrista y compositor Pappo para integrar el grupo Riff, banda de heavy metal con la cual grabó cinco discos de estudio, y de la cual fue parte hasta su disolución, en 2005.
En el año 1984 lanzó su primer álbum como solista, A Toda Mákina, con la participación de Stuka guitarrista de Los Violadores. Asimismo, se destacan sus trabajos en calidad de productor, para diversos artistas de rock argentinos, como Virus, o Los Violadores y su primer LP homónimo (1983). A mediados de los '80 formó Tarzen en España, con su hermano Danny y el guitarrista Salvador Domínguez, banda de corte glam metal con cierto suceso internacional. Por otra parte, en 1990 se abocó a la actividad radial, como director de la estación FM Tango de Buenos Aires.
A fines de los 2000 formó el grupo hard rock Héroes del Asfalto, del cual participa su hijo Jean Jacques Peyronel, entre otros jóvenes músicos, y con los cuales editó un disco en el año 2009. Ese mismo año, con Héroes del Asfalto fueron una de las bandas soporte de los tres conciertos de AC/DC en el Estadio River Plate. Durante el 2012 y parte de 2013 se realiza la grabación de Club Atlético de Mutantes. Editado por Pop Art Music, el álbum es una fusión del rock, heavy metal, tango, reggae, lounge, electrónica y ambient.
Musicalmente, Michel Peyronel se destaca por su particular técnica de batería, golpeando continuamente el hi hat y los platillos, y con un groove muy firme y poderoso. En cuanto a las letras, se destaca por utilizar temáticas de escenarios post-apocalípticos, ciencia ficción y cyberpunk. Es el autor de Pantalla del Mundo Nuevo, un auténtico himno metalero de Riff, y de otros temas junto a Pappo como Macadam 3,2,1,0, Susy Cadillac y Mal Romance.

Músicos:

Michel Peyronel: Batería, voz
Stuka: Guitarras, coros
Danny Peyronel: Teclados
Alex "Le Noir" Oucinde: Bajo, coro, procesadores
Sissi Hansen: Todas las voces de rubias enloquecidas

Temas:

01- A toda mákina
02- Hoy solo soy otro sobreviviente
03- En el oeste
04- No quiero parar
05- Amor violento
06- Al borde del abismo
07- Entrega T
08- Gangster

Sonido Mejorado

Formato: Mp3 - 192 Kbps

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