Moris - 30 Minutos De Vida + Bonus (FLAC - 1970)

 

Un álbum fundacional (y fundamental) de la historia del rock argentino. Moris es sin duda el primer juglar urbano de nuestra música. Sus canciones son el reflejo del alma argentina. Su crítica social es irónica y despiadada. Su nihilismo existencial refleja el vacío del hombre contemporáneo, su gran soledad. Pero siempre la búsqueda de la libertad, de la utopía, como esperanza de ruptura ante un mundo vacío y sin sentido.
Estamos ante una obra imperecedera, atemporal, aunque tenga mas de cincuenta años desde que fuera grabada. Esta vez no hace falta que les sugiera nada, solo escuchen entre el ruido.

 

En enero de 1970 el sello Mandioca edita el primer simple de Moris con el tema "El oso" que rápidamente se transforma en un éxito al vender treinta mil unidades. El día 4 del mes de febrero sale a la venta la primera revista Pelo, una publicación dirigida por Daniel Ripoll que apoyaba el nuevo movimiento cultural e intentaba diferenciarlo de la música comercial reinante en la época. A través de Pelo el rock en la Argentina tuvo un órgano difusor de sus actividades y se constituyó en un medio imprecindible a la hora de informarse acerca de lanzamientos, novedades y eventos del género. Para mediados de año Mandioca lanza el primer long play de Moris, "Treinta minutos de vida", con canciones como "Pato trabaja en una carnicería", "De nada sirve", En una tarde de sol", "El piano de Olivos", Escuchame entre el ruido", "Esto va para atrás" y "Ayer Nomás" con la versión original de la letra de Pipo Lernoud. Durante los próximos dos años Moris se presentará en vivo solo con su guitarra apoyando la edición de un disco que refleja las vivencias y pensamiento de la primera generación del rock de acá en un país inmerso en la dictadura que no veía con buenos ojos a estos jóvenes pensantes. Desde 1969 los actos terroristas y acciones guerrilleras contra el gobierno de facto se acrecentaron. Después del Cordobazo se decreta el estado de sitio, es asesinado Augusto Timoteo Vandor, más adelante también su sucesor en la CGT el dirigente textil José Alonso y a fines de mayo de 1970 Montoneros secuestra y asesina al general Pedro Eugenio Aramburu. Durante este año el brazo armado del PRT, el ERP liderado por Mario Santucho, comienza hacerse visible. Para cuando el disco de Moris está en la calle, el general Juan Carlos Onganía es destituido por la Junta de Comandantes, compuesta por el general Ale-jandro Agustín Lanusse, el almirante Pedro José Gnavi y el briga-dier Carlos Rey, que nombra como sucesor al general Roberto Marcelo Levingston, el cual asume el 18 de junio y permanece en su cargo hasta marzo de 1971. Mientras tanto la guerrilla urbana comienza a reemplazar al movimiento obrero en el rol opositor a la dictadura.

 

Ezequiel Abalos - Rock de Acá

"Yo creo que yo ahí en el primer disco, planteo, bueno, la rebelión contra el mundo, en "Yo no pretendo" planteo, por ejemplo, cómo hacer esperar a una persona mil años para no volver a nacer en este mundo porque este mundo no me gustaba, no me interesaba, cómo planteo la búsqueda de la libertad, cómo planteo la tristeza de la calle: /Salí a la calle, vi a la gente, ya todo es gris y sin sentido/ ¿no? casi, bueno, es una canción que hoy mismo cualquiera puede salir a la calle y ver que, en cierta medida, también la vida es gris y sin sentido, aunque, por supuesto, la vida es luminosa y con sentido ¿no? pero, bueno, es un primer disco de rebelión, y donde ahí yo vuelco no solamente mis vivencias personales sino todas las vivencias de ese grupo, lo que viví con Litto Nebbia, lo que viví con Javier Martínez de Manal, lo que se vivió con Pajarito, lo que se vivió con La Cueva, con Billy, lo que se vivió con Pipo Lernoud, con todo, digamos, es una generación completa, la gran libertad para hacer discos, porque, en realidad, en ese momento no hay prácticamente el único... no hay un parámetro, no había un parámetro, porque Vox Dei sonaba completamente diferente a Manal y Manal diferente a Almendra y Almendra a Moris y Moris a, qué sé yo, no sé, cualquier otro de esa época ¿no?. "30 minutos" era más como un disco primitivo, en ciertos aspectos, muy primitivo, pero fijate, cómo uno se puede equivocar, porque detrás de ese primitivismo, yo musicalmente arrastraba la gigantesca complejidad de las orquestas, entonces, es muy relativo decir que... sí, mis discos eran primitivos, por que yo tenía pocos medios, pero en mi mente estaban unas orquestas enormes, gigantes ¿no? con esto te quiero decir que, aparentemente, había pocos medios, pero la intención era una intención musical orquestal, siempre fue en mí eso, aún cuando yo tocara una guitarra, ¿no? o sea, siempre hay intención de orquestar, pero, lo bueno me parece que lo divertido es eso, ¿no? lo interesante es poder cumplir la etapa, hacerlo, bueno !pum! seguís".

 

Moris (Recordando "30 Minutos de Vida")

 

“Son las once y media de la noche y escucho en el aire una canción del conjunto Creedence Clearwater Revival y suena con la naturalidad de un tango antiguo flotando sobre la ciudad. Mañana tengo un recital y estoy un poco afónico y con gripe. Sin embargo el LP está listo y la voz está fijada para siempre en la cinta de grabación y han sido unos cuantos años de cantar, vagar, componer y dar la cara a lo que me ha tocado vivir. Ahora que miro la lista de los temas, los veo como pedazos de un rompecabezas incompleto, que soy yo mismo. Y sin embargo no puedo detenerme en esta música. Ya estoy viajando con mi mente hacia lugares que todavía no sé qué o cómo son. Pero voy a necesitar otros materiales, otros sonidos, otras palabras y hasta otras ganas. Y aquí están, fieles al tiempo, separadas por algunos silencios de púa las cosas maravillosas y malditas que he vivido y sentido, en esta minúscula era de mí existir.

El OSO: Una historia que suena conocida, pero siempre nueva: libre y feliz, después esclavo pesado de estos días, y algún otro día escaparse al bosque de la felicidad.

AYER NOMÁS: Año 66. un beatnik que pateaba todo y estaba contra todo, incluso contra él mismo, primeros pelos largos y Pipo Lernoud que me trae una letra a la pensión de la calle Pellegrini. "Este país es grande y tiene libertad, no Pipo?"

PATO TRABAJA EN UNA CARNICERÍA: Falsos hippies, burgueses frustrados y toda mi rabia contra algunos de ellos, y entre medio Pato, Pato de Palermo,que allá estará bajando medias reses sin saber nada de todo este circo. Todo el amor que sentí alguna vez por él y por mis amigos del Zoológico, poetas del reaje único y auténtico de los 15 años.

ESCÚCHAME ENTRE EL RUIDO: Un poema que reventó porque tenía que reventar algún día en mí. Y una música insistente y melancólica.

Y finalmente DE NADA SIRVE, una confesión-destrucción improvisada, hecha en los estudios TNT hace más de tres años, toda de un saque. Cuando terminé, estaban todos callados en la cabina de grabación y alguien me dijo: "Sos un hijo... ", y me abrazó.

Esto que un amigo título Treinta Minutos de Vida empezará a rodar por los tocadiscos de esta ciudad o de cualquier lado. Y lo que pase con esta media hora de vida, es una historia que todavía no se ha empezado a escribir".

Moris - Escrito en la contratapa de 30 Minutos De Vida (1970)

 

 

Músicos que Participan:

Moris: Guitarra acústica de 12 cuerdas, guitarra clásica, guitarra eléctrica, piano, percusión, voz
Claudio Gabis: Guitarra eléctrica
Javier Martínez: Batería, percusión, voz
Pappo: Bajo eléctrico (En "El Oso")
Richard Green: Órgano Farfisa

Temas:

01- El Oso
02- Ayer Nomas
03- Pato Trabaja en una Carniceria
04- De Nada Sirve
05- Esto va para Atras
06- En una Tarde de sol
07- El piano de Olivos
08- Escúchame entre el ruido

Bonus Tracks:

09- Escúchame
10- Juan, El Noble Caballero
11- Muchacho

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Almendra - Almendra II (FLAC - 1970)

 

Almendra no llegó a grabar su famosa ópera, pero antes de separarse registró el primer álbum doble del rock argentino, una explosión creativa en múltiples direcciones que constituye una especie de "Álbum Blanco" del grupo. Si bien en general el sonido es más rockero y distorsionado que el primer disco, en sintonía con el rock internacional de esa época, hay aquí desde canciones acústicas a temas experimentales, condimentados con psicodelia y surrealismo. Spinetta aporta temas de alta belleza: “Para ir”, “Parvas”, "Los Elefantes", pero Molinari no se queda atrás, con clásicos como “Mestizo” y “Amor de aire”. Emilio nos brinda las bellísimas "Camino difícil", "Carmen" y "Leves Instrucciones" junto al flaco.
Un álbum fundamental que predice los caminos musicales que luego tomarían cada uno de sus integrantes.

 

Este álbum doble marca el final de Almendra, sin llegar a estrenar la anunciada "Opera" que venían planificando y sobre la cual estaban trabajando. En este disco, que contiene joyas absolutas y desconocidas (como "Los elefantes"), el grupo no logró alcanzar la intensidad creativa del primer álbum. Es más ecléctico, experimental y disperso, aunque sí manifiesta un tinte muchísimo más roquero e intenso que el primer álbum. Además el álbum está muy influido por la psicodelia y el consumo de drogas, que muestra los diferentes enfoques de los miembros de la banda y la necesidad de experimentación que sentían. Sobre la influencia del consumo de drogas en Almendra II, Spinetta se explayó con amplitud en las conversaciones que mantuvo con Juan Carlos Diez reunidas en Martropía. Allí Spinetta cuenta que el único miembro de la banda que tomaba LSD era él y que lo hacía movido por un sentido de exploración, búsqueda y superación de prejuicios:
"Yo era el único que tomaba ácido y muchos temas del segundo disco los compuse así... En las fotos del interior de Almendra II, donde yo tenía puesta una vincha de cadenita en el pelo, que casi no se ve, bueno ahí estaba en "pepas" a lo bobo en plena grabación... Las transformaciones se iban dando en mi porque acababa de abandonar la pubertad. Fue una etapa de cambio muy fuerte y estar en un grupo así, en ese mundo, me fue cambiando día a día. Yo salía del San Román (el colegio secundario) y Los Beatles eran mi modelo. Yo tenía una actitud de búsqueda, de buscar dentro de mi, no de drogón. Tenía fatos que me habían quedado de la religión, trabas de las que me pude desprender. Mal o bien me saqué varias capas de empapelados que tenía encima. No digo que llegué al fondo porque creo que a uno no le alcanza la vida para eso. Pero agradezco esas decisiones un poco incautas que tomé, aunque también reconozco que tuve un ángel que no me permitió caer en un verdadero peligro. Nunca pasó nada grave. Iba a tocar en ácido pero seguía siendo bastante profesional, nadie se daba cuenta de nada. Nunca más en mi vida volví a tomar ácido. Era bastante riesgoso porque se te podía arruinar el balero tranquilamente. Y no se si no me lo arruinó".
En varios temas de Almendra II se nota también la gran influencia que tuvo Manal sobre Almendra. El propio Spinetta en Martropía destaca el hecho y señala el "toque manalesco" que la banda adquirió en el álbum:
"Yo creo que sin Manal Almendra no hubiera podido seguir mucho más porque de hecho cambiaron nuestro estilo. Sin querer, sin que nosotros los quisiéramos copiar. Si a mi se me ocurrió componer "Rutas argentinas", o algo, fue tratando de darle un toque más "manalesco" a Almendra. Que tuviera más que ver con el rock urbano y con un montón de cosas que nos pasaban, que no eran tanta profusión de metáforas... Manal fue una banda que influyó mucho a Almendra. Veníamos de mundos opuestos y confluíamos en un punto: nos gustaba tanto lo que hacía uno como lo que hacía el otro. El lirismo de Almendra era muy importante y, a la vez, la fuerza y la garra de Manal eran terribles... Ellos demuestran que el blues no era solo el blues podrido, cosa que para mi fue muy importante".

 

 

"Este es el último lanzamiento que hizo la primera banda que Spinetta integró con sus compañeros del secundario cuando apenas tenía 17 años, Almendra. Los cuatro muchachos allí reflejados son el propio Flaco, un semitapado Emilio Del Guercio, Rodolfo García y Edelmiro Molinari. Juntos hicieron un cuarteto que, con su desparpajo y genialidad, revolucionó el panorama por entonces naciente de lo que un par de años después terminó conformándose como rock argentino. Eso lo lograron con sus primeros simples pero especialmente con su álbum debut, un autotitulado que se editó para muchísima sorpresa en noviembre del ‘69 y fue un éxito tremendo. La combinación entre la juvenil pero lograda sensibilidad de Spinetta y los suyos y su enorme musicalidad maravilló tanto a la crítica como el público y rápidamente Almendra se transformó en uno de los nombres más importantes del rock nacional. Al año siguiente comenzaron a trabajar en una ópera rock que, de manera frustrante, les quedó incompleta. Esta frustración -unida a algún que otro desacuerdo y el deseo cada vez más creciente del Flaco de emprender una carrera separada del lugar común de Almendra- llevó a la disolución de la banda. Pero no antes de que RCA, ni lerdo ni perezoso, editara algunos retazos de aquella obra inconclusa junto con canciones del nuevo repertorio del grupo en un nuevo álbum doble (rareza para la época) que también se llamó como el grupo y salió en diciembre de 1970, con la banda ya separada de hecho. Lo que se escucha en Almendra, sin embargo, lejos está de parecer un trabajo incompleto, un choreo de la discográfica: estamos en presencia de una obra monumental, un disco fundamental para la historia del rock argentino. En él, los cuatro integrantes del grupo logran demostrar tanto su cohesión grupal como su talento individual, ya que hay varias (y geniales) canciones del postergado guitarrista Edelmiro Molinari (“Mestizo”, “Amor De Aire”, “No Tengo Idea”) e incluso obras del también genial Del Guercio como la combativa “Camino Difícil”, la pastoral y juguetona “Carmen” y uno de los puntos más altos de toda la historia de Almendra, “Un Pájaro Te Sostiene”. Otra característica fundamental del álbum es su variedad estilística, que va desde la conmovedora “Para Ir” a la perfectamente rockerísima -y absoluta favorita personal- “Parvas” en un camino casi sin fisuras, y en el medio pasa por demostraciones experimentales como la extensa “Agnus Dei” y “Florecen Los Nardos” que sugieren la dirección por la que podría haber ido Almendra de haberse mantenido como grupo, una mucho menos cancionera y más volátil, diferente y probablemente muy adelantada a su tiempo. A título personal, este es el primer álbum que, a mi más tierna infancia, me mostró el rock, y creo que no podría haber tenido una introducción más lograda: en las 21 canciones que componen este extenso -pero nada cansador- álbum doble hay, además de la ya mencionada variedad, un nivel poético e instrumental absolutamente abrumador, una belleza intrínseca y atrayente, una perfección inaudita y casi increíble. Imposible no sentirse enamorado de varias de las canciones aquí presentes, tanto de los éxitos más populares como las viajeras “Toma El Tren Hacia El Sur” o “Rutas Argentinas” como de esos hermosos secretos guardados: “Cometa Azul”, “Vete De Mí Cuervo Negro”, “Los Elefantes”… 

demidiscoteca.com

 

 

Integrantes:

Luis Alberto Spinetta: Guitarras, piano, voz
Emilio del Guercio: Bajo, órgano, piano, efectos, voz
Edelmiro Molinari: Guitarras, órgano, voz
Rodolfo García: Batería, percusión, voz

Temas - Disco 1:

01- Toma el tren hacia el sur
02- Jingle
03- No tengo idea
04- Camino difícil
05- Rutas argentinas
06- Vete de mí, cuervo negro
07- Aire de amor
08- Mestizo
09- Agnus Dei
10- Para ir

Temas - Disco 2:

01- Parvas
02- Cometa azul
03- Florecen los nardos
04- Carmen
05- Obertura
06- Amor de aire
07- Verde llano
08- Leves instrucciones
09- Los elefantes
10- Un pájaro te sostiene
11- En las cúpulas

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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El Desenchufazo - Las Grabaciones Recuperadas (En Vivo en Montevideo, 1972 / 2021) V.A. FLAC

 

 
El histórico sello uruguayo Ayuí ha recuperado y editado las cintas de un concierto ocurrido en 1972, que permanecieron guardadas casi 50 años. Se trata de “El Desenchufazo”, un concierto en Montevideo que presentaba una serie de intérpretes acústicos, y sería el equivalente para el rock uruguayo de lo que fue “El Acusticazo” para el rock argentino. Contiene grabaciones inéditas en vivo de Eduardo Darnauchauns, Yabor, Pájaro Canzani, Jorge Barral, Daniel Bertolone, Jesús Figueroa, Creación y Testimonio, Jorge Vallejo. Miguel López y Saúl Garber. La grabación estaba proyectada para editarse en vinilo al año siguiente, 1973, y quedó archivada por la llegada de la dictadura en Uruguay.

Truco Gallo

 

“Cuando la noche del martes 27 de marzo de 1973, guardé el máster de lo que pensábamos sería unos meses después el primer vinilo de los Conciertos Desenchufazo junto con las demás cintas grabadas en vivo por Henry Jasa, creía que, a pesar del momento que estaba viviendo el país, de la sombra déspota que crecía y presagiaba tiempos aún peores, llegaríamos a editarlo…” Así comienza relatando Esteban Leivas el periplo de casi medio siglo que llevan silenciadas estas grabaciones que hoy finalmente edita Ayuí, fiel a sus objetivos de rescatar la memoria musical del Uruguay. Leivas, junto a Hamlet Faux (periodistas y productores musicales de riquísima trayectoria) y Jorge Barral (destacado y legendario músico perteneciente a la oleada rockera uruguaya de los ’70) han sido los responsables de que este documento sonoro invalorable haya sobrevivido y se abra hoy como una ventanita por la que podemos asomarnos al espíritu de aquellos conciertos acústicos, en una Montevideo que se aprestaba a entrar en el largo túnel de la dictadura."

 

"Cuando faltaban décadas para inventar la palabra unplugged en el rock, un grupo de activistas culturales (con Flaco Barral, Hamlet Danny Faux y Esteban Leivas al frente) lo apostaron todo a organizar conciertos de autoafirmación musical uruguaya, tras quedar impactados por un “acusticazo” pocos meses antes en Buenos Aires, Argentina. Como escribe Faux, “habíamos escuchado a Bob Dylan y a The Byrds electrificar el rock, pero no conocíamos el proceso a la inversa”. El experimento se llamó Desenchufazo, toda una ironía en aquel tiempo dominado por los cortes constantes de fluido eléctrico en la capital americana.
Estas locuras suelen comenzar en bares; en concreto, en Bar Asencio, un garito que servía en los años setenta como punto de encuentro para los músicos, escritores y “paracaidistas” en la calle Ejido de Montevideo. El impulso inicial a este elepé cuajó a finales de 1972, cuando se celebraron dos conciertos alejados de aquellos voltios que ya empezaban a dominar el panorama musical por todo el orbe, al calor del heavy y otras hierbas.
El cartel diseñado para la ocasión especificaba: “Segunda experiencia totalmente acústica”, pocas semanas después del primer encuentro con el público de Montevideo; Las canciones seguían la estela sonora de Harry Belafonte, Phil Ochos, Peter, Paul and Mary o Joan Baez, pero en español y con textos de alta calidad.
La convocatoria congregó nombres de oro en Uruguay, como Yabor (dos canciones del disco), Miguel López (Mi partida), Eduardo Darnauchans, Jorge Vallejo (No Destrocen Mi canción), Creación y Testimonio (A los Niños y Sugerencia), Flaco Barral (Rincón de la Bolsa) o Daniel Bertolone (No es un Tema o El Tren se Llevó a mi Nena), entre otros. En total, trece cortes que se interpretaron en vivo los 7 de noviembre de 1972 y el 27 de diciembre del mismo año. Las colas de espectadores fueron de aúpa, en buena medida por la militancia rockera de varios promotores en sus programas de radio, un tanto a la manera Ordovás en los años gloriosos de Radio 3 y como las largas filas que se ven en la película de Scorsese ante el Winterland.
El contexto político marcó a sangre y fuego aquellos tiempos en el cono sur americano. El creciente apoyo popular que recibió el izquierdista Frente Amplio asustó a los poderes de la región y un golpe militar en 1973 ahogó en sangre toda expresión cultural o política hasta 1985. Esteban Leivas recuerda en un texto del álbum que guardó el máster con las grabaciones el 27 de marzo de 1973 y era “incapaz de imaginar la historia tremenda” de este vinilo nonato, porque esos primeros conciertos fueron también los últimos en ese formato y varios participantes iniciaron un éxodo que en algún caso les condujo a España de por vida. Esas actuaciones experimentales se transformaron así en un último vals tras el ominoso silencio de décadas en el país
El milagro revive inesperadamente cuando un grupo de supervivientes se embarca recientemente en la ingente labor de rescatar esos documentos sonoros y reparar los daños del tiempo sobre el material. En la labor artesanal de salvamento han participado varios conjurados. Flaco Barral se ha dedicado en cuerpo y alma a retocar cada instante de las grabaciones en su estudio La Morada del Colibrí, entre 2027 y 2020. “Se digitalizaron las cintas limpiando los cabezales de cada canción. Más tarde se limpiaron ruidos y se restauraron algunos pasajes”, siempre con la idea de no “alterar los registros originales”, señala. La trabajosa restauración ha llegado solo hasta cierto límite, porque los autores han querido respetar el momento recogido en las cintas y hay alguna canción (Madre del Mundo, el último corte) que aparece en el flamante disco con fallos de calidad, pero “se ha decidido mantenerlo en el mismo por su carácter testimonial”. 

Miguel López - www.dirtyrock.info

Intérpretes y Temas:

01- Yabor: Ver las cosas
02- Yabor: Escuche, mi General
03- Miguel López: Mi partida
04- Eduardo Darnauchans: Canción para un joven contemporáneo
05- Jorge Vallejo: No destrocen mi canción
06- Daniel Bertolone: No es un tema
07- Daniel Bertolone: El tren se llevó a mi nena
08- Jesús Figueroa: Susana se va
09- Jorge "Flaco" Barral: Rincón de la Bolsa
10- Carlos "Pájaro" Canzani: Los ciegos
11- Creación y testimonio: Sugerencia
12- Creación y testimonio: A los niños
13- Saúl Garber: Madre del mundo

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Merlín - Merlín (FLAC - 1980)

 

Merlín fue la particular unión de dos reconocidos musicos del rock argentino, provenientes de dos corrientes musicales bien distintas : Gustavo Montesano (lider de Crucis) y Alejandro De Michele (lider de Pastoral). En 1980 publicaron este unico album, que estilisticamente fusionaba el rock progresivo y el pop, donde es facil reconocer los estilos de Crucis y Pastoral en las composiciones. 

Otro disco muy pedido en la nave que ahora compartimos en formato FLAC.

 

En  1979, Alejandro De Michele ex Pastoral se une a Gustavo Montesano (ex integrante de Crucis) para darle forma a este grupo de estilo new wave. La banda grabó el primer álbum homónimo esw mismo año y lo presentaron en el teatro Astral, en marzo de 1980.

En agosto del 79, Alejandro se reúne con un músico que llegaba de Estados Unidos: Gustavo Montesano. «Cuando él llegó de Estados Unidos nos pusimos en conversaciones y pensamos en hacer algo juntos. Esto comenzó cuando decidí disolver a Capitán Fantasía. Las expectativas son muy similares. Hace unos años, Gustavo estaba haciendo una música que, para entonces, era virtuosa (me refiero a Crucis). A él lo conozco más musical que humanamente, pero coincidimos en hacer una música clara, entendible. No se trata de demostrar virtuosismo, nivel de composición o lo que sea. Cuándo charlé con Gustavo al principio, quedamos en que antes de decidir si formábamos o no el grupo, debíamos escuchar la música que estábamos componiendo individualmente. Si eran muy dispares, no podíamos hacer la chantada de formalizar un remiendo, porque nunca salen bien. Cuando escuché la música de Gustavo me pareció muy linda; no me saca de la frecuencia en la que yo estaba internamente. Estamos trabajando muy fuerte, cuidando de todos los detalles musicales, de no hacer injertos. Los temas son individuales, pero ponemos lo mejor de nosotros para que suenen como tienen que sonar, como nosotros queremos», declararía Alejandro en la Revista Pelo.

Así nació Merlín. «El nombre de la banda fue una sugerencia e idea de Alejandro que tanto a mi como a la compañía discográfica nos gustó y adoptamos inmediatamente«. Y mientras Gustavo aportó a un virtuoso tecladista que se trajo desde Estados Unidos, Roberto Villacé, Alejandro puso la base rítmica de Capitán Fantasía, con el dúo de Frank Ojstersek en bajo y Daniel Colombres en batería.

Pronto, muy pronto, la reunión se transformaría en disco, de Sazam Records, el cual produciría Oscar López y se comenzó a grabar apenas dos meses después de que Alejandro y Gustavo se decidieran a trabajar juntos. Y el resultado fue excelente; diez temas que se suceden con alternancias de ambos líderes, que combina lo sinfónico y progresivo, con una onda más folk, letras poéticas y la voz única y a toda potencia que aportaba Alejandro, toques clásicos de 4 x 4, una base potente, puntadas del incipiente new wave y virtuosismo con gran gusto.

Mientras se grababan los últimos temas del disco, el bajista Frank Ojstersek abandona la banda y es reemplazado por el entonces sesionista Gustavo Donés.

Con el disco bajo el brazo los shows comenzaron a aparecer. La presentación oficial se programó para el 21 de marzo de 1980 en el Teatro Astral. La imagen de los artistas, así como fue la del disco, reflejaba los primeros indicios del Pop. Pero no fue la primera presentación del grupo. Ya venían tocando. En febrero de ese año fueron convocados para lo que fue la serie de presentaciones organizadas por la propia compañía discográfica, «Parquerama 80«, en la Rural, con conciertos todos los viernes del mes. Allí tocarán, entre otros, Seru Giran, Raúl Porchetto, Nito Mestre, Miguel Ángel Erausquin, Pappos’s Blues, y obviamente, Merlín. La banda del Carpo y la de Alejandro y Gustavo serían los encargados de animar el primer show.

Pero un año después de aquel primer encuentro entre Alejandro y Gustavo, Merlín ya no existía más. El grupo nunca pudo consolidarse como tal y eso llevó a que las marcadas diferencias conceptuales de ambos líderes se acentuaran. Posteriormente Alejandro De Michele retornó con el dúo Pastoral hasta su trágica muerte ocurrida el 20 de mayo de 1983 a la edad 28 años. Gustavo Montesano viajó a Europa y trabajó como productor del grupo español Olé Olé.

 

"Casi simultáneamente con la aparición de este long play en las disquerías, Gustavo Montesano y Alejandro de Michele rompían estrepitosamente su corta relación musical. Este detalle importa en la medida que "Merlin" —mal que les pese a sus ex líderes- representa dos tendencias musicales. La de Gustavo Montesano se identifica con un rock elaborado, en el que los teclados traman densas orquestaciones sobre las que evolucionan los demas instrumentos. De Michele basa su estilo en el folk progresivo que caracterizó a Pastoral, con sus vocalizaciones agudas, y hasta obsesivas. En algunas canciones ambas líneas musicales convergen y el resultado es bastante interesante. "Té en París" es el número más fuerte del álbum, los coros de Montesano-De Michele consiguen un efecto intenso, de música metálica. "Demonios cuenta" y "Quería ser el mejor" son otros ejemplos de un rock duro, verdaderamente novedoso. Los textos adolecen de ciertos defectos en su armado, pero demuestran una marcada intención por decir cosas importantes. Merlín ya no existe más, y este álbum quedará como el epitafio musical de la banda. Con igual cantidad de aciertos y errores —tratándose de un primer disco—, es extraña la forma en que mucha gente vinculada al rock rechazó a este dúo y todo lo que de él saliera. ¿A quién le molestaba que Merlín triunfase?"

Revista Pelo - Reseña del disco (1980)

 

 

 

Integrantes:

Alejandro De Michele: Guitarra, voz
Gustavo Montesano: Guitarras, sintetizador, voz
Roberto Villace: Teclados
Francisco Ojsterzek: Bajo
Gustavo Dones: Bajo
Daniel Colombres: Batería

Temas:

01- Tragaluz de plata
02- Té en París
03- Payaso olvidado
04- Démonos cuenta
05- Malambus pomposo
06- Quería ser el mejor
07- Donde todo parece irreal
08- Un trozo de eternidad
09- Hurra por la nena
10- En vez de hablar del camino

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Pappo's Blues - Vol. 4 (FLAC -1973 / Remaster. 2005)

 

Este es un álbum un poco olvidado de Pappo's Blues, pero que contiene todos los elementos para hacer de el uno de sus trabajos mas encumbrados. Desde el inquieto riff de "Fiesta cervezal", pasando por la oscuridad de la blusera"Gato de la calle negra", el hard rock sabbathiano de "Abelardo el pollo", hasta el boogie frenetico de "Elvira". El Carpo confirma aqui, junto a sus tres primeros discos, el porqué es considerado el primer heroe de la guitarra del rock argentino.

 

"Confirmando otra vez su papel de semillero de otras bandas, la versión de Pappo’s Blues que toca en volumen 3 se disuelve a mediados de 1973 y Machi y Pomo pasan a integrar el nuevo proyecto de Luis Alberto Spinetta, Invisible, que debuta en noviembre de ese año en el Teatro Astral. Pappo no se detiene: Pappo’s Blues Vol. 4, será el producto de un seleccionado de músicos-amigos. David Lebón y Black Amaya –provenientes de Pescado Rabioso y que habían acompañado al Carpo en su primer álbum- y dos puntales de La Pesada: Alejandro Medina e Isa Portugheis. El propio líder de La Pesada, Billy Bond, hizo las veces de productor.
El material de Volumen 4 es fiel reflejo de su época, con el hedonismo etílico de ‘Fiesta Cervezal’, seguido por el riff sinuoso y recurrente de ‘Gato De La Calle Negra’, el cuento de un felino entrañable, solitario y vagabundo, una metáfora del típico rockero errante e idealista de esos días. ‘Abelardo El Pollo’ trae riffs contundentes y el encuentro con un personaje que no encuentra la salida a una situación de tristeza y aislamiento. ‘Con Elvira Es Otra Cosa’ completa el cuarteto de clásicos de este disco; un homenaje a una chica amante del sol que bien podría ser un sobrante de las sesiones del álbum previo, tomando en cuenta la presencia de la base rítmica Machi-Pomo. En Volúmen 4 hallamos pruebas, también, del amor de Pappo por el boogie “à la Canned Heat”, en temas como ‘Semilla De Sésamo’ y la extensa zapada que conforma ‘Sol De Armónica’." 

Cesar Tudela (masrock.cl)

 

"La cuarta entrega de la “saga” de Pappo’s Blues llegó a fin de 1973, y a diferencia de los trabajos anteriores, aquí hay más músicos que el simple trío con el que grabó anteriormente.
Volumen 4 significa un paso atrás en el nivel que Pappo venía mostrando. Aunque hay un par de temas de calidad, como “Con Elvira es otra cosa” (sobrante de las sesiones de Volumen 3), y sobre todo, el impecable “Gato de la calle negra” (el mejor tema del disco), hay otras cosas irregulares.
“Fiesta cervesal”, con su pegadizo riff, es un clásico fiestero que siempre es bienvenido en los recitales; los otros temas en cambio transitan por entre el interés inicial y la indiferencia posterior. Aun así, Volumen 4 se salvaría con respeto si no fuera por “Sol de armónica”, una extensa, extensísima zapada (casi 15 minutos, casi la mitad del disco), donde al Carpo se le da por usar la armónica mientras la base marca el ritmo. Podía haber sido un buen tema si se hubiera limitado a tres o cuatro minutos, y lo hubiera alternado con algún solo de guitarra. Pero no lo hizo, y “Sol de Armónica” termina aburriendo mucho, y le baja el puntaje a un LP que no era tan bueno como el anterior, pero podía pelearla.
De esta manera, Volumen 4 marca un punto bisagra entre los muy buenos primeros trabajos de Pappo’s Blues, y su posterior decadencia, o por lo menos, viaje a la intrascendencia previa a Riff."

elholocaustodepabloalekssander.wordpress

 

 

Integrantes:

Pappo: Guitarra, slide, voz
David Lebón: Guitarra rítmica, bajo de caja (En tema 7)
Alejandro Medina: Bajo eléctrico
Black Amaya: Batería
Isa Portugheis: Percusión

Músicos Invitados:

Machi: Bajo en "Con Elvira es otra cosa".
Pomo: Batería en "Con Elvira es otra cosa"

Temas:

01- Fiesta cervezal
02- Gato de la calle negra
03- Abelardo el pollo
04- Semilla de sésamo
05- Con Elvira es otra cosa
06- Sol de armónica
07- El palacio de la montaña en invierno

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Patricio Rey y Sus Redonditos De Ricota - Oktubre (FLAC-1986)

 

 Bueno...luego de insistentes pedidos y vehementes reclamos, aborda la nave unos de los grupos mas importantes del rock argentino, con el que seguramente sea su disco mas emblemático. Mucho se ha hablado, escrito y reseñado sobre este maravilloso Oktubre, agitado por Patricio Rey y Sus Redonditos De Ricota. Por lo tanto, solo me voy a tomar el atrevimiento de proponerles regresar a ese Oktubre; sin un estandarte de mi parte...te prefiero igual, internacional.

 

Oktubre es el segundo álbum de estudio de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Fue editado en octubre de 1986. Grabado a mediados de 1986, el álbum se caracteriza por un sonido que incorporó influencias del new wave y el post-punk (lo cual significó un cambio con respecto a su álbum anterior, Gulp!), y por su narrativa con elementos distópicos, inspirada por las revoluciones sociales históricas y el contexto bélico internacional de la Guerra Fría, así como también del escenario político de Argentina en el período de la vuelta a la democracia. El arte de tapa, diseñado por el artista plástico Rocambole, está inspirado en la Revolución rusa de 1917.
En 1986, unos meses después de haber lanzado su primer álbum Gulp!, la banda aprovechó el portaestudio de Gonzo Palacio, compuso nuevos temas y buceó en un nuevo sonido. Por entonces, a la hora de encarar la grabación definitiva, sus ahorros les permitieron ir a un estudio como Panda y ahí registrar Oktubre. Las grabaciones se realizaron en dos meses, entre agosto y septiembre de 1986. El sonido de la banda dio un cambio total con respecto al trabajo anterior. El resultado fue un estilo frío y crítico, utilizando un bajo eléctrico con influencia pop y una combinación muy creativa de sonidos y tonos menores, además de la colaboración de Daniel Melero (por entonces miembro de Los Encargados) en teclados y Claudio Fernández (de Don Cornelio y la Zona) en percusión.
El álbum salió a la venta el 4 de octubre y se presentó oficialmente los días 18 y 25 de octubre en Paladium ante 1200 personas. Para estos conciertos se sumó a la banda el tecladista Andrés Teocharidis. Durante el verano siguiente, en el momento que el grupo decide incorporarlo como miembro estable, Teocharidis muere en un accidente, y Skay y el Indio decidieron no reemplazarlo. Después de los shows de octubre en Paladium, de manera intempestiva Tito Fargo D'aviero y "Piojo" Ábalos se fueron de la banda. Al año siguiente, los acompañó Willy Crook. Pero la banda se repuso rápidamente y consiguió a Walter Sidotti (ex Los Argentinos) para la batería, y a Sergio Dawi para el saxofón, aunque deciden no reemplazar a Tito Fargo.

"Corría el año de 1986 y la agrupación aún se encontraba en el underground, su crecimiento era por sus actuaciones en vivo y por ir de boca en boca, no había propaganda publicitaria ni coberturas de disqueras o medios, era el conjunto contra el mundo. La banda no perdió tiempo después de la publicación de su álbum debut llamado Glup! y comenzó los trabajos de composición del siguiente álbum, las bases se registraron en un portaestudio de Gonzo Palacios, quien había servido anteriormente como saxofonista. Con sus propios medios, la banda pudo entrar a los afamados estudios Panda, donde se han grabado decenas de álbumes de gran importancia, y entre agosto y septiembre fueron registrados los nueve temas de Oktubre, un disco que dio un impulso mayor a Patricio Rey y Sus Redonditos de Ricota y les sirvió para consolidar su sonido y su discurso.

El giro que dio Patricio Rey y Sus Redonditos de Ricota entre Glup! y Oktubre fue interesante. La agrupación subió el nivel de complejidad y se permitió hacer desplantes llenos de talento entre el new wave, el rock más puro que se podía respirar en los ochenta e incluso algunos coqueteos con el post punk, quizás la única banda que en paralelo se le podía tener como referente era Sumo, proyecto del cual eran cercanos los integrantes.

El sonido de este álbum es bastante oscuro y frío, se percibe áspero y rudo. Sobre todo tiene un sentido de combate, sus ritmos son desafiantes y Los Redondos no buscaba encajar con las tendencias de aquellos años, se jugaba a su suerte. La banda conformada por Indio Solari, Skay Beilinson, Tito Fargo D'aviero, Semilla Bucciarelli, Willy Crook y Piojo Ábalos era todo menos un conjunto de "roqueros educaditos". El ensamble no tenía interés por alinearse a las letras y sonidos amigables y coloridos, y entonces Oktubre surge como una especie de antítesis de lo que era el rock argentino, algo que sin duda ayudó a enriquecer lo ya conocido. Solos de guitarra y de saxofón bastante bien ordenados acompañados de baterías y bajos que saben medir la intensidad son la base constante de este álbum nutrido principalmente por progresiones menores. Se suma el aporte de Daniel Melero en teclados y Claudio Fernández en percusión. La interpretación del Indio Solari es brutal, ya que la forma de hacer notas altas transmite un montón.

Oktubre tiene momentos bastante densos musicalmente hablando, puede ser el caso de "Semen-Up", al mismo tiempo aparecen otras pistas que son más fluidas y tienen momentos musicales para apreciar y bailar, puede ser el caso de "Preso en mi Ciudad", "Música para Pastillas", "Motor Psico" y "Canción para Naufragios". Por otra parte, este álbum tiene pistas para reventar estadios como puede ser "Divina T.V. Fürer", "Ya Nadie va a Escuchar Tu Remera" y por supuesto "Ji Ji Ji", esto gracias a su intensidad, así como letras memorables y una instrumentación alucinante para ponerse a saltar y perder la cabeza.

Mucho se puede hablar de la gran poética en las letras de Los Redondos, y lo que es un hecho es que la banda tiene a una gran hinchada que desde siempre le ha dado diversos lugares a las narrativas, es prácticamente imposible tener cien por ciento claro el contexto de las canciones, pero lo que si es un hecho es que Oktubre está enfocado en las grandes peleas sociales y en la gente que finalmente vive el miedo, el dolor y al mismo tiempo la furia que queda como estrado de guerras, dictaduras y accidentes nucleares. El siglo XX fue por demás complicado para todo el mundo, las guerras, las tensiones, las muertes, el sida y todas las enfermedades que golpearon a nuestros antecesores dejaron un fuerte trauma, incluso los buenos tiempos tienen cosas malas, y nadie está totalmente en paz. Oktubre refleja de forma brutal este mar de sensaciones, y da referencias a diversos hechos históricos que pueden ir desde la revolución rusa de 1917 (de hecho, la portada está inspirada en aquel evento), la segunda guerra mundial, la guerra fría, el fin de la dictadura en Argentina y una suerte de sed de venganza, la catástrofe de Chernobyl vivida un año antes y muchas otras batallas que ha tenido que sufrir la gente que solo quería estar en paz.

Entonces el álbum te sumerge por muchos momentos en tensión, se puede empatizar con el coraje sufrido por la gente que estuvo antes que nosotros y que nos enseñó que solo en colectivo podemos mover el mundo. Esta placa tiene mucha belleza en eso, en el atrevimiento de intentar retratar aquellos momentos complicados y de contagiar a la gente de esa energía, porque nunca hemos tenido tiempos de gratitud por culpa de unos cuantos. Por otra parte, también se pueden interpretar muchas otras sensaciones de la humanidad que son fruto del consumo de drogas y de la forma en que podemos encontrarnos con el amor en un mundo tan frívolo. 

Rubén Ortega - www.indierocks.mx

 

 

Afiche de presentación del disco en el mítico Paladium (1986)

 

Integrantes:

Indio Solari: Voz
Skay Beilinson: Guitarra
Tito "Fargo" Daviero: Guitarra
Willy Crook: Saxo
Semilla Bucciarelli: Bajo
Piojo Ábalos: Batería

Músicos Invitados:

Daniel Melero: Teclados

Claudio Cornelio: Percusión

 

Temas:

 

01- Fuegos de octubre
02- Preso en mi ciudad
03- Música para pastillas
04- Semen-Up
05- Divina Tv. Führer
06- Motor psico
07- Jijiji
08- Canción para naufragios
09- Ya nadie va a escuchar tu remera 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Trio Galleta - I Am So Happy (FLAC/Estéreo) 1971

 

 

 

Un exclusivo de la nave, por primera vez publicado. Se trata del segundo álbum del Trio Galleta, que originalmente en Argentina  fuera lanzado como "Galleta Soul", y que en Brasil (país donde Galleta gozaba de gran poularidad), fué publicado bajo el título de "I Am So Happy". La diferencia de esta edición con la argentina es que los temas fueron procesados a formato estereo, con el agregado de que el disco, además, está ripeado en formato FLAC.

 

Ahora podremos disfrutar del Trio Galleta con gran calidad de sonido gracias a la generosidad del navegante Hector Antonio, residente en Brasil, quien envió este material para compartirlo en la nave. Muchísimas gracias Hector!!

 

El Trío Galleta fue una banda de soul-rock compuesta por Carlos Iturbide (guitarra, voz) Juan Carlos Saporiti "Juancho" (batería) y Aníbal Conte (bajo). Otro de sus miembros, cuando el baterista viajó a Brasil fue Daniel Pozas (quien tocaba en vivo)
En 1970, cuando la costumbre de cantar en inglés ya tenía poca aceptación, lanzaron su primer álbum de covers en inglés, llamado "Estoy Herido", por el sello Odeon Records. Los temas iban desde la canción que daba título al álbum ("I've Been Hurt", de Bill Deal and the Rhondels) hasta "Río Verde" (Green River, de Creedence Clearwater Revival) y "Enciende Mi Fuego" (Light My Fire, de The Doors), con un estilo que se conoce como Rock-Soul. Iturbide tenía una voz ronca, que fue un sello distintivo de la banda.
En 1971 lanzaron un álbum llamado "Galleta" Soul" (publicado en el blog). Sus influencias fueron Otis Redding, James Brown, Ray Charles, Stax, Wilson Pickett, Johnny Taylor, Motown, Jeff Beck Group, Bill Deal & The Rhondels, Steve Crooper, Creedence, Southern Soul, Small Faces. Pero ahora no sólo eran covers. Ocho de las doce canciones estában escritas por Iturbide y Conte (quien se encargaba de las letras). En la contraportada dicia que sus letras iban desde el LSD a los problemas raciales.
En ese momento la banda logra un gran éxito internacional, especialmente en Brasil, consiguiendo un contrato con la Rede Globo, y ocupando durante 14 semanas el primer puesto en las listas de ventas, con el astro brasileño Roberto Carlos en el segundo puesto. En 1972, la canción "Estoy tan feliz" (I Am So Happy), de Iturbide y Conte, es ubicada en el puesto 37 entre las 100 canciones más escuchadas en Brasil. (Muchos años después, en 1986, esta canción aparecerá en la colección brasileña "14 Discos de Ouro" (14 Discos de Oro), publicada por el sello EMI-Odeon
Como un último intento, en 1975, Iturbide tiene la intención de continuar con el proyecto y decide formar de nuevo su banda, un cuarteto que incluía a Eduardo Sanz, como guitarrista, Lito Olmos, en el bajo, y José María, en la batería. "Galleta" sale a la venta en 1975. El "soul" sigue siendo la razón principal del estilo de la banda, pero ahora incluyen covers de hard rock de bandas británicas como Ten Years After. Eran tiempos turbulentos en América Latina, por lo que el álbum no tuvo la receptividad esperada, lo que provoco la separacion de la banda.
En Brasil, Carlos Iturbide es considerado uno de los ídolos del rock procedentes de la Argentina. La musica del Trio Galleta ha sido influencia de varias bandas de rock brasileñas como "The Fevers". 

 

 

 

Integrantes:

Carlos Iturbide: Guitarra, Voz
Aníbal Conte: Bajo
Juan Carlos Saporiti: Batería

 

Temas:

 

01- I'll See You In The Corner
02- Running Miles
03- I'm Lost
04- I Can't Believe It
05- My Sorrow Is Ended
06- I See Your Face In The Window
07- I Am So Happy
08- Come Me To Softly
09- Take It
10- Rock In The Jail
11- Georgia On My Mind
12- Going Back To Indiana

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

 pass: naveargenta.blogspot