B.A.Rock '82 - Varios Artistas (1983)

 

 

Este importante documento fue registrado durante cuatro sábados de noviembre , en el transcurso del festival B.A.Rock '82, realizado en las canchas de Obras Sanitarias, en Buenos Aires. El festival se llevó a cabo en los años 1970, 1971 y 1972, y recién en noviembre de 1982 se concretó su cuarta edición. En esta oportunidad, participaron gran cantidad de músicos que se habían presentado en la época fundacional y compartieron el escenario con los intérpretes más importantes de las nuevas generaciones. En las cuatro ediciones de B.A.Rock participaron la mayoría de los músicos que generaron, mantuvieron y desarrollan el movimiento de rock en el país. De algún modo, esta grabación es la síntesis de ese extendido proceso artístico que, indudablemente, tiene un importantísimo lugar en la historia del arte popular de la Argentina.

 

 El B.A.Rock '82 representó la consolidación de este género musical en el país. Ese 1982 quedó en la historia del rock nacional. La Guerra de Malvinas y la prohibición de pasar música en inglés en las radios le dieron cierta popularidad a nuestro rock. Para noviembre de ese año, y a lo largo de cuatro sábados (6-13-20 y 27), Daniel Ripoll, director de la revista Pelo, volvió con sus festivales B.A. Rock (Buenos Aires Rock), esta vez a las canchas del estadio de Obras Sanitarias.
Grandes figuras del rock nacional pasaron por ese escenario a lo largo de las jornadas. León Gieco, Raúl Porchetto, Spinetta Jade, Litto Nebbia, Pedro y Pablo, Héctor Starc, David Lebon, Piero, Riff, Cantilo & Punch, Tantor, Rubén Rada, Los Abuelos de la Nada, Zas, Alejandro Lerner, Orions, V8, La Torre, entre otros, fueron los más esperados por el público. También fue la oportunidad de presentación para nuevas bandas como Los Encargados (accidentada presentación) y Demo, con un joven Ricardo Mollo en la guitarra. En la presentación de Tantor (Starc, Lebon, Rafaneli y Moro) apareció de forma sorpresiva un elefante entre el público. “Fue una idea del productor Oscar López. Fue a un circo, lo alquiló y lo paseó entre la gente. Nos dejaron de escuchar a nosotros para ver al animal”, destacó Starc.
En cada una de las cuatro fechas se mantuvo un buen nivel musical. Cada sábado, un artista reconocido era el encargado de cerrar. También, fue un encuentro de distintos estilos sobre el escenario. La gente, en su mayoría con una imagen con resabios de la época hippie (pelo largo, jean, vinchas, símbolos de la paz) disfrutó de la buena música. La dictadura le fue dejando lugar a la democracia y miles de jóvenes tuvieron la posibilidad de disfrutar de otra manera este tipo de eventos.
En 1972, durante la edición de B.A. Rock III, se realizó una película que se estrenó bajo el nombre “Rock hasta que se ponga el sol” y contó con la dirección de Aníbal Uset. Para esta ocasión, se volvió a filmar a los principales artistas, pero en esta ocasión, bajo las órdenes del director de Héctor Olivera.

 

 

"Si hay algo que inmediatamente forzará la comprensión del oyente es que difícilmente un álbum pueda volver a reunir en sus bandas un espectro de músicos y estilos tan importantes y dliferentes. "B.A.Rock" es la resultante de las cuatro actuaciones realizadas durante noviembre del año pasado; y durante las cuales desfilaron antela multitud la mayoría de los grupos y solistás que caracterizan el amplicimo catálogo que se da en llamar "rock nacional". Este.álbum representa la captación de un hecho histórico. que además se vio consolidado por las diferentes combinaciones y uniones de personal logradas por única vez: Muy dificilmente Piero, Gieco, Cantilo y Porchetto vuelvan a ocupar juntos un escenario, y otras uniones eventuales hacen pensar en la posiblídad de que aparezca un segundo volumen de estos conciertos en vivo.
El sonido de este álbum no es perfecto, pero al menos conserva la atmósfera festiva que tuvieron las presentaciones. Ese clima. esa energía están patentizadas en cada una de las bandas, desde que Rada arranca con su clásico histrionismo hasta el gran final de "Sólo le pido a Dios". Las interpretaciones de este álbum doble pueden ser catalogadas como los grandes éxitos, por los clásicos, excepto por dos excepciones. La primera es La Torre, una banda con una potencia y un sonido compactó capaz de hacer tambalear a más de un "clásico". Patricia Sosa reafirma todo lo que se viene diciendo de su capacidad como cantante, toda la banda suena aguerrida y confiada. La otra excepción es Zas, un grupo relativamente nuevo que sin demasiado ruido ha ido afirmandose y puliendo su propuesta musical. "En la cocina (huevos)" es una pequeña pero contundente muestra del poderío de este cuarteto, que aquí contó con el refuerzo vocal de Miguel Cantilo. El resto son recreaciones de temas conocidos pero remozados por el calor de la actuación. Riff hace una feroz versión de "Mundo nuevo" y sus seguidores seguramente enloqueceran ante la posiblidad del próximo disco en vivo. Porchetto canta su himno a la paz y Gieco, por fin, grabó su tema nuevo.
"B.A.Rock" es un fiel testimonio de lo ocurrido durante las cuatro jornadas del festival, y seguramente, el tiempo lo ascenderá a la categoría de documento histórico de la música."

 

Revista Pelo - Reseña del álbum (1983)

 

 

 

 Temas e Interpretes:

01- Blumana / Rubén Rada
02- Colapso nervioso / La Torre
03-Los sueños de la cultura / Cantilo y Punch
04- Hasta que salga el sol tocando en una banda de rock'n'roll / Orion's
05- Mediodías con amor / Alejandro Lerner y La Magia
06- Mundo nuevo / Riff
07- Coplas de mi país / Piero
08- El loco carnaval del estar bien / Pedro y Pablo
09- Llanto / Claudia Puyó
10- En la cocina (Huevos) / Zas
11- Canción de los plomos / León Gieco
12- Nueva zamba para mi tierra / Litto Nebbia
13- Algo de paz / Raúl Porchetto
14- Solo le pido a Dios / Gieco-Porchetto-Cantilo-Piero

Formato: Mp3 - 320 Kbps

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 Aquí En Formato FLAC:

https://naveargenta.blogspot.com/2024/11/barock-82-varios-artistas-flac-1983.html

  

Invisible - Los Simples (FLAC / 1973 - 1975)

 

Completando esta "Quincena Invisible" (y la discografía completa del grupo en el blog), llegan los dos simples grabados entre 1973 y 1974. Temas que en su momento fueron editados en ese formato y no formaron parte de los álbumes del grupo. Se incluye también la versión del tema de Tanguito "Amor de primavera", que solo fué publicado en un recopilatorio de varios artistas titulado "Rock Competition", en 1975.

 

La primera grabación de Invisible, en 1973, fué un disco simple que contenía las canciones "Elementales leches" y "Estado de coma". La primera es una notable canción, para muchos entre las mejores de Spinetta, que estaría prohibida durante la dictadura instalada a partir de 1976, probablemente debido a que los censores asociaron la palabra "leches" con semen, pensando así que se trataba de una canción de contenido sexual. Un informe secreto de la dictadura sostenía, entre otras cosas "peligrosas", que la obra de Spinetta promovía el "desenfreno sexual". La canción tiene un estribillo que se repite como un mantra: "lo que está y no se usa nos fulminará". Con una poesía hermética, el título remite a nociones filosóficas germinales, combinando la expresión "elementales", característica del esoterismo y vinculada a las filosofías orientales que inspiraron a Spinetta en esos años, y la expresión "leches", relacionada con la maternidad y la nutrición. Spinetta ha dicho que: "Este concepto puede aplicarse al campo que quieras: si no usás la vida, la vida te mata; si no usás la fuerza, la fuerza te mata."

 

"Viejos ratones del tiempo" y "Oso del sueño" sería el tercer y último sencillo de Invisible, lanzado a fines de 1974, después de la edición de su primer LP. La magnifica "Oso del sueño" en el lado 1, con su hipnótica coda: "Hola, señor, señor sol..." En el lado 2, un soberbio Luis Alberto estrujando guitarra en "Viejos ratones del tiempo", que incluya otra emotiva coda promediando el tema. Este simple sería el último trabajo de la agrupación con el sello Talent - Microfón.

En 1975, Invisible firma contrato con CBS y lo primero que graban en los estudios de la compañia es el tema "Amor de primavera", de Hernán Pujo y Tanguito. La guitarra de Luis vuela libre aqui con aires jazz-rockeros sobre la bella melodía, apuntalada por la base sólida y rica de Pomo y Machi.

 

"Si, grabamos "Amor de primavera" para un un compilado de CBS, se llamaba "Rock Competition", una cosa así, había un tema de cada grupo, y ahí hicimos la versión de Ramsés, gran temazo."

"Elegimos un tema que no fuera de nuestra autoría para probar como íbamos a grabar en los nuevos estudios. Un poco creo que fué asi...mas allá de la innegable belleza del tema, no?, que el tema nos gusta. Ademas lo grabamos y lo tocábamos también, eso fué la idea de hacer esa versión." (Pomo y Machi)

 

 

 

 

Integrantes:

 

Luis Alberto Spinetta: Guitarras, voz

Carlos "Machi" Rufino: Bajo, voz

Hector "Pomo" Lorenzo: Batería

 

Temas:

 

01- Elementales Leches - Lado 1 / Simple Microfón-Talent (1973)  

02- Estado De Coma - Lado 2 / Simple Microfón-Talent (1973)

03- Oso Del Sueño - Lado 1 / Simple Microfón-Talent (1974)  

04- Viejos Ratones Del Tiempo - Lado 2 / Simple Microfón-Talent (1974) 

05- Amor De Primavera - Incluido en el compilado Rock Competition - CBS (1975) 

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Invisible - Invisible (Vinilo FLAC / 24 Bits - 1974)

Ópera prima, del que en mi opinión, es el mejor grupo de la historia del rock argentino. Un álbum imprescindible que constituye, junto a los dos trabajos posteriores, un momento de profunda inspiración en la carrera de Luis Alberto Spinetta.

Ripeado del vinilo original en 24 bits, el long play fué editado en abril de 1974 por Microfón-Talent, bajo el número de serie SE-510, conjuntamente con el disco simple incluido, con numeración 402. 

 

Después del soberbio Artaud, Spinettta necesitó renacer y formar un nuevo proyecto grupal. Para ello se juntó con Machi y Pomo. Ambos músicos integraban al momento de ser convocados por Spinetta, el trío Pappo's Blues, liderado por Pappo, y venían de grabar el álbum Pappo's Blues Volumen 3. Spinetta ya había tocado con Pomo varias veces, en el grupo Tórax -la primera banda creada por Spinetta después de Almendra que no llegó a formalizarse-, en Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll, y en su primer disco solista, Spinettalandia y sus amigos -en el que se incluye una canción compuesta por ambos: Descalza camina.

Así Luis encaró su tercer emprendimiento conjunto titulado Invisible. La propuesta inicial de Spinetta fue conformar una experiencia colectiva, en la que no tomara relevancia ninguna individualidad. Por esa razón todos los temas eran firmados en forma conjunta, al igual que el contrato discográfico y no había notas ni entrevistas periodísticas personales, que siempre eran concedidas como trío. Spinetta deseaba crear un sonido que se diferenciara del rock de ese momento, caracterizado por la pedalera de distorsión instrumental (overdrive), tanto de las bandas internacionales como The Who, Led Zeppelin o Deep Purple, como de las nacionales como Pappo's Blues, o Vox Dei. El sonido de Invisible se caracterizó por esa prescindencia de la distorsión, combinando el lirismo de Spinetta con la poderosa energía de la base que aportaban Pomo y Machi Rufino. 

El recital debut del trío tuvo lugar en el Teatro Astral, en noviembre del 1973. Decía la revista Pelo en su N° 48: "Los grupos de Spinetta no han sido simplemente un cambio de integrantes. Han implicado también una nueva tentativa musical. Pomo y Machi están allí para hacerlo y lo están demostrando. Este primer recital de Invisible mostró un definitivo ensamble musical y dejó ver la punta de lo que parece ser un nuevo camino autoral. Por otra parte Invisible está intentando complementar su labor musical con la proyección de películas y slides con el criterio de brindar un espectáculo integral. Esta parte del recital estuvo en manos de Hidalgo Boragno. Esta vez lo culminante del show fue la proyección de una película de terror (casi surrealista, si el terror no lo fuera en sí mismo) durante la interpretación del tema 'Azafata del tren fantasma'. Las imágenes que se proyectaban, cine mudo y antiguo, llegaron a copar tanto a la audiencia que estaban todos pendientes del film y no de la música. Eso duró algunos minutos y logró los fines propuestos: hubo por momentos una tensión poco habitual en los recitales. Como parte integrante del show se presentó el muñeco cabezudo llamado Elmo-Lesto."

Lo primero que plasmó Invisible a nivel dicográfico fue un simple que incluía los temas "Elementales leches" y "Estado de coma".

Meses después de este simple, salió a la venta el primer LP titulado "Invisible", cuya tapa traía una ilustración del holandés M. C. Escher (1899-1972). "Teníamos tanto material musical que incluimos un simple que traía dos canciones: 'La llave de mandala' y 'Lo que nos ocupa es esa abuela', decía Machi en el libro "Spinetta, crónicas e iluminaciones" escrito por Eduardo Berti. La música de este disco es personal e inclasificable. Partes densas, conviviendo con pasajes instrumentales. Poderosos riff y melodías de inusual riqueza. El álbum presentaba cinco canciones y un tema instrumental dedicado a "Elmo Lesto", un muñeco torpe e inoportuno que subía a escena durante los conciertos del trío. Decía la revista Mordisco: "Tal vez sólo le falte a la grabación ese calor que últimamente el grupo consiguió imprimir a su música, pero esto es casi un detalle sin importancia ante la magnitud de la obra de uno de los grupos más talentosos de este momento. Entre los puntos fuertes del disco se encontraban 'El diluvio y la pasajera', 'Azafata del tren fantasma' y 'Suspensión', una letra casi psicodélica y pesados nffs de guitarra." Decía Spinetta de la canción "El diluvio y la pasajera": "Es como una fantaciencia de los orígenes precolombinos; una hipótesis del grado científico que habían alcanzado los tipos. La letra dice que 'desde el cuerpo del volcán ya muerto los indígenas preparan otro rayo láser para que el diluvio ya jamás los seque'. Siempre tuve la sensación de que esas culturas fueron muy sabias y aunque fueron diezmadas y sus tesoros fueron violados, creo que sus secretos permanecen y aún lo están en la actualidad." 

 

 

 

 "Esta nueva etapa que bajo el nombre de Invisible iniciaron Spinetta, Pomo y Machi, se ve concretada . con la presentación de todo el material que hasta hoy componía el repertorio de sus recitales en un long play y un simple. La madurez alcanzada como musicos y como compositores, está presente en cada uno de sus temas y así las "Llaves del mandala", "Azafata de tren fantasma", "El diluvio y la pasajera", nos trae nuevamente toda esa genialidad que provoca esas salas repletas en cada una de sus actuaciones. Tal vez sólo les falte a la grabación ese calor que últimamente el grupo consiguió imprimir a su música, pero esto es casi un detalle sin importancia ante la magnitud de la obra de uno de los grupos de más talento de este momento."

 

Revista Expreso Imaginario-Reseña del disco (1974)

 

"Desde muchos ángulos este es un álbum serio o. para definirlo mejor: escueto, medido, calibrado. Las letras, firmadas por "Invisible" (pero sobrellevando e! reconocible estilo de Spinetta) tienen el carácter surrealista que ha calado hondo en buena parte del rock argentino. Sin embargo, se trata de un estilo más depurado, menos ambicioso y sorprendente pero seguramente más autéticamente íntimo. Musicalmente el long play reúne el material ya mostrado por Invisible en sus recitales. Con todo, la versión discográfica de ellos, parece haber estrechado la expansión del rock excitante que contenían originalmente los temas. Técnicamente las bandas van conformando un sonido equilibrado, sólo alterado por los momentos en que Spinetta busca y experimenta con su guitarra. Aun con todos los elementos positivos que tiene este trabajo, el long play genera un interrogante: qué pasaría si esta música fuese producida por algo más que un trío. La pregunta surge porque la riqueza de los temas da indudablemente para un desarrollo más exhaustivo. Tapa: Como todo el criterio del álum, es severa y bien diagramada con una contratapa que contiene las letras."

 

Revista Pelo-Reseña del disco (1974)

 

 

 

Integrantes:

 

Luis Alberto Spinetta: Guitarras, voz

Carlos "Machi" Rufino: Bajo, voz

Hector "Pomo" Lorenzo: Batería

 

Temas:

 
01- Jugo de Lúcuma
02- El diluvio y la pasajera
03- Suspensión
04- Tema de Elmo Lesto
05- Azafata del tren fantasma
06- Irregular

Temas del simple incluido:

07- La llave del mandala
08- Lo que nos ocupa es esa abuela, la conciencia que regula el mundo

 

 

Muestra Gráfica De La Grabación Sin Pérdida De Audio Original

 

 

Ripeado De Vinilo

Formato: FLAC (Free Lossless Audio Codec) 48.000 Hz - 24 Bits

 

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Vitico - Ha Llegado La Hora / Nacido Para Ser Así (1985 - 1986)

 

Luego de la primera separación de Riff en 1984, Vitico graba su primer disco solista llamado, Ha Llegado La Hora, que salió a mediados de 1985. En Octubre de ese mismo año, vuelve con Riff y graba el disco Riff VII, esta vez con Oscar Moro en la batería y JAF en la guitarra rítmica, sin embargo esta formación dura muy poco y en 1986 se separan nuevamente. Al año siguiente graba su segundo disco solista, Nacido Para Ser Así y luego formaría Vitiken, un grupo formado por Mario Curcio en voz, B.B. Peña en batería (ambos ex Alakran) y Rano Sarbach en guitarras (ex JAF). Con esta banda graba un único disco, Vitiken Entertainment. Este proyecto también dura poco y en 1989, se une a Michel Peyronel y su grupo Tarzen y graba 6 temas del segundo LP de la banda, Es Una Selva Ahí Afuera. Tarzen se disuelve en 1990 y Vitico y Michel se unen a Pappo y a Boff Serafine para una nueva reunión de Riff, grabando el disco Zona De Nadie (1992). En el año 1995, tocan como teloneros de los Rolling Stones en febrero y de Motörhead en noviembre. En 1997 graba con Riff el que seria el último disco de estudio de la banda, Que Sea Rock. La banda regresa en 2001 para dar un show en Estadio Obras, que seria grabado y lanzado en la reedición de Que Sea Rock.

Al año siguiente, forma Viticus, su nueva banda formada por su hijo Nicolás, su sobrino Sebastián y Martín “Vasco” Urionagüena en batería, y al año siguiente se sumaría Ariel Rodriguez en guitarra. Con ellos graba el primer disco de esta banda, titulado simplemente Viticus (2003). A partir de aquí giran por todo el país llegando incluso a Uruguay y participan en los grandes festivales, tanto Cosquín como del Pepsi Music. En julio de 2004 se presenta con Riff en Rosario, con la variante de que Nicolás Bereciartua reemplaza a Boff en la guitarra rítmica, y esta formación volvería a presentarse el 4 de febrero del año siguiente en el festival de Cosquín, en la que sería la última presentación de Riff ya que 20 días después Pappo fallecería en un accidente con su motocicleta, en presencia de su hijo Luciano Napolitano, el 25 de febrero de 2005. Vitico entonces seguiría adelante con Viticus y en agosto gira por España y en 2006 edita el nuevo disco de su banda, Super y realiza una nueva gira por España durante ese mismo año. En 2008 graba el 3.er disco de la banda, Viticus III. En la actualidad la banda continua girando por todo el país con Jeronimo Sica, nuevo baterista de la banda. El 9 de julio de 2014, es nombrado "Personalidad Destacada de la Cultura Nacional".

 

 

"-Creo que "Ha Llegado La Hora" es bastante novedoso, un disco grabado sin ambiente pero que tiene mucho feeling. Me parece que para una línea tan tradicional como la que hice el sonido es muy moderno. Yo elejí a los músicos y me ocupé de todo lo referente a la producción. Como tenía poco tiempo para grabar opté por profesionales como Luis Cerávolo o Enrique Ibarguren, que son músicos de jazz pero que entendieron exactamente qué era lo que yo quería. En el momento en que grabé no estaba buscando una banda estable, sino un sonido de estudio. Quería hacer algo que sonara diferente a Riff, que no fuera ni una imitación ni una prolongación de Riff. Los temas son tal vez algo depresivos. Antes de entrar en los estudios yo pasé momentos muy malos, y eso se nota. En cuanto a estilo es un disco de rockanroll y ritmo y blues. Para mí esta música es el principio de donde salió todo, la base del movimiento rockero que ahora está tan disperso. Es casi una pieza de colección. Ante todo la gente tiene que tomar esto como un trabajo mío que no tiene nada que ver con Riff. Algunos lo aceptarán y seguramente los más pesados no. Ellos pueden escuchar el disco de Michel (Peyronel), que tiene calcado el sonido de Riff. Yo no quiero explotar a los seguidores de Riff vendiendo un sonido que no es el que tengo ganas de hacer, aunque eso me asegure una determinada cuota de éxito. Pero podés entender que seguramente la gente esperaba algo más heavy de Vitico.. Bueno, este tampoco es mi último disco. Así como aquí quise sacar este sonido hay muchos otros estilos que puedo hacer. Algunos por supesto son más heavy. La posibilidad de hacer heavy siempre está latente, porque si tengo ganas me junto otra vez con Pappo y lo hacemos-."  

 

Vitico (Sobre "Ha llegado la hora")

 

 

 

Músicos y Temas / Ha Llegado La Hora (1985):

 

Vitico: Bajo, guitarra, voz

Luis Millán: Guitarra, armónica

"Boff" Serafine: Guitarra

Miguel Botafogo Villanova: Guitarra

Luís Cerávolo: Batería, percusión

Enrique Ibarguren: Piano (Tema 3)

Sissi Hansen: Coros ( Temas 5 y 7)

 

Temas:

 

01- Ha llegado la hora
02- Nacido para ser así
03- Por tu amor he sabido
04- No me fue muy bien en el extranjero
05- Ciudadano disidente
06- Ser una roca y no poder rodar
07- Solo, hace tiempo
08- Opus seis 

 

Músicos y Temas / Nacido Para Ser Así (1985):

 

Vitico: Bajo, voces

Luis Millán: Guitarra, armónica

"Boff" Serafine: Guitarra

Miguel Botafogo Villanova: Guitarra

Enrique Ibarguren: Piano

Luís Cerávolo: Batería, percusión

Sissi Hansen: Coros

JAF: Voz en "Nacido para ser así" y "Ser una roca y no poder rodar"

 

Temas:

 
01- Nacido para ser así
02- Ciudadano disidente
03- Ser una roca y no poder rodar
04- No me fué muy bien en el extranjero
05- Por tu amor he sabido
06- Solo hace tiempo
07- Ha llegado la hora
08- Opus Seis 

Formato: Mp3 - 320 Kbps

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Agnus - Pinturas y Expresiones (FLAC - 1980)

 

 

 Agnus fue una agrupación oriunda de Santa Fe, nacida en 1974, e integrada por Ricardo Tersse en bajo y voz, Ricardo Bonetto en batería, percusión y voz, Cecilia Glariá en flauta, Luis Sáez en guitarra y voz, Archi Basílica en guitarras y voz, Laura Fazzio en teclados, flauta dulce y voz, Alejandra Bernie, Graciela Girotti y Marcela Canalis en voz y Graciela Cassano en voz, mas la colaboración de Enrique Schüssler en violín.
Funcionaban como una organización independiente auto gestionada y artesanal. Comunicaban sus presentaciones por teléfono o correo y entregaban a sus seguidores unas credenciales que posibilitaban obtener descuentos en los shows. En los primeros años las presentaciones eran acompañadas de exhibiciones de otras expresiones artísticas (ballet, pintura, fotografía).
Lamentablemente no logran publicar su álbum hasta 1980, cuando solo el guitarrista Luis Sáez permanecía como miembro original de la formación. Dividido en cuatro temas, ‘’ Pinturas y Expresiones’’ es un fino trabajo de rock progresivo, con pasajes de enorme sutileza en los que se pasa de una delicadeza casi pastoral al rock progresivo intenso, aunque nunca estridente.
Es muy buena la participación del violín y abundan los tramos con predominios alternativos de coros femeninos y flautas. Sin embargo es el trabajo de la superlativa guitarra de Sáenz lo que más destaca en el album. 
La música que componía Agnus era casi instrumental con connotaciones medievales en su poesía, sin despreciar el agregado de algunos elementos juglarescos. 

 

"Agnus es un grupo de provincia de Santa Fé que, al igual que la mayoría de los grupos del interior, se autoproduce. De ésta forma han editado un álbum en condiciones técnicas bastante limitadas (cuatro canales). La música de Agnus ya fue conocida por el público porteño en oportunidad de su actuación en el ciclo de MIA. En aquella presentación interpretaron la totalidad del material , que integra este álbum. "Pinturas y expresiones" es una obra del guitarrista Luis Sáez compuesta en cinco fragmentos, de los cuales en el disco hay sólo tres. La búsqueda climática y los constantes cambios melódicos y rítmicos caracterizan a esta obra que tiene claras influencias de Jethro Tull. El trabajo de la flautista Cecilia Glaría es —tal cual lo fue en Buenos Aires— impecable. También es destacable la labor del coro, que adquiere una importancia capital en "Historia de un rey". Los instrumentistas son correctos, sobresaliendo Ricardo Bonetto (batería) y Luis Sáez. El punto flojo del disco lo constituye la sobreelaboración de "Nace el día", pero de todas maneras el trabajo de Agnus es sumamente meritorio." 

 

 Revista Pelo - Reseña del álbum (1980)

 

"Si hablamos del rock progresivo argentino de los 70, nos vienen a la mente bandas como Crucis, MIA o Espíritu. No hay mucha gente que conozca Agnus, grupo independiente que -tras varios años en la escena musical- grabó su único disco, "Pinturas y Expresiones", en 1980. El sonido de Agnus está evidentemente influenciado por bandas progresivas italianas (Premiata Fornería Marconi, Apoteosi o Maxophone podrían ser muy buenas referencias), añadiendo mucha música antigua y toques de blues. "Pinturas y Expresiones" es un disco de complejidad media, fundamentalmente instrumental, con excelentes juegos vocales y coros (voces masculinas y femeninas), grandes interpretaciones de flauta y guitarra (instrumentos principales), bonito violín y una sólida base rítmica. La música tiene muchas variaciones a lo largo del álbum, mezclando paisajes sonoros pastorales con melodías progresivas intensas (pero nunca grandilocuentes), ritmos de blues y un sentimiento medieval y sagrado. Destacados: El magnífico y muy italiano "Siglo XXI" y el breve "King's History", éste con un hermoso violín. Este único material de Agnus no es tan refinado como MIA ni tan explosivo como los álbumes de Crucis, pero es una muy buena expresión artística sudamericana. Recomendado."

 

Marcelo (progarchives.com)

 

 

Integrantes:

 

Luis Saez: Guitarra, canto

Archi Basílico: Guitarra, canto

Cecilia Gloria: Flauta traversa

Laura Fazzio: Teclados, flauta dulce, coros

Ricardo Tersse: Bajo eléctrico, coros

Ricardo Bonetto: Batería, percusión, coros

Alejandra Bernie: Canto, coros

Graciela Girotti, Marcela Canalis, Graciela Cassano: Coros

Enrique Shussler: Violin (Músico invitado) 

Temas:

01- Siglo XXI

02- Pinturas y Expresiones (Movimientos 1, 2, 3)

03- Nace El Día 

04- Historia De Un Rey

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Lois Blue - Lois Blue (Vinilo FLAC - 1972)

 

 

Paradojas de nuestro país: la mejor cantante del jazz argentino, es practicamente desconocida por muchos escuchas. En su extensa trayectoria, llegó a grabar este único long play en 1972, acompañada por el cuarteto de Jorge Anders. El disco fué editado por el sello independiente Redondel, bajo el número de serie SL-10509. El ripeo compartido en esta publicación pertenece a esa primera edición del vinilo original. 

 

"Muy pocos recuerdan a Lucía Claudia Augusta Bolognini Míguez, nacida el 23 de agosto de 1912, y bautizada mucho después como Lois Blue en el territorio del jazz. Quizá porque su vida musical se constriñó a bares y reductos de iniciados, y por razones culturales y de época no accedió a grandes teatros. La chica rubia había partido hacia una interminable excursión del canto desde un hogar donde mamá era poeta y papá pintor y fundador de la escuela de Bellas Artes de Cuba 1823, que lleva su nombre. Instalada primero en la ciudad de La Plata, Lucía Claudia Augusta se radicaría en esta capital, donde se recibió de maestra normal y estudió piano. Parece ser que varias personas debieron intervenir en ese año 1935 para empujarla a cantar en el Alvear Palace Hotel, y luego en la audición "Astros y estrellas del jazz", en Radio La Voz del Aire. El otro espaldarazo fue durante sus vacaciones en Mar del Plata, en el Torreón. Se lo dio Rudy Ayala al proponerle cantar junto a su orquesta. Estos pasos le permitieron acceder a Radio Belgrano, donde empezó cantando junto a un grupo de piano, trompeta, guitarra y contrabajo, y donde participó en varios programas que le abrieron las puertas para ingresar en el ancho mundo de la célebre conductora Blackie. Tras su paso y ulterior grabación por el recordado grupo Santa Paula Serenaders, se encuentra a Lois cantando -como siempre: acompañándose en piano- en Radio Splendid.
A partir de 1944, y por tres años, alcanza a grabar 23 temas con la Orquesta de Jazz de Héctor Lomuto. Lois se desempeñó como actriz en algunas películas argentinas ("Días de odio", "El cielo en las manos", "La patrulla chiflada", "La voz de la ciudad", "Suegra último modelo") y tanto en la televisión como en el teatro se consideró notable su vis actoral. Como compositora cabe recordar temas como "Romance para trompetas" y variada música tropical para películas de Blanquita Amaro, Amelita Vargas y Alfredo Barbieri. Como un hito de su carrera quedará su actuación de cantante solista en la orquesta de Cab Calloway, en Montevideo, donde incluso hizo dúo con el músico en "St. Louis Blues" y "Rosa Madreselva".
Nestor Astarita, que supo regentear el bar Jazz & Pop, de la esquina de Chacabuco y Venezuela, la recuerda como una cantante-música, al estilo Tony Bennett, Joao Gilberto, Ray Charles. Porque "tocar con ella era estar con otro músico con el cual se entabla una conversación musical. Lois era capaz de zapar desde las 9 de la noche hasta las 4 de la mañana. Lo más importante para ella era improvisar. Uno de los mojones de su trayectoria es el disco que grabamos con Jorge Anders (clarinete, saxo y dirección), el negro González (en contrabajo), Santiago Giacobbe (en piano) y yo en batería". Astarita la recuerda como "una flaca rubia de ojos claros que era amiga de todos los músicos, empezando por el Mono Villegas, a la que siempre veíamos acompañada por su hija. Su repertorio era amplísimo, desde Ellington, Porter y Gershwin hasta páginas de música moderna, incluso temas como "Las hojas muertas". Nunca dejó de cantar. Sólo le importaba eso en su vida". Lois Blue supo unir desparpajo y musicalidad. Como el gran Villegas."

René Vargas Vera

 

 

 

"En el mundo entero han sido —y son—muy pocas las verdaderas, las auténticas cantantes de jazz. El aislamiento de los grandes centros jazzísticos hizo que sólo la "elite" argentina sepa que nuestro país se vio, en un determinado momento, favorecido con varias cantantes que sabían sentir y no sólo decir el jazz. Más asombroso aún resulta que quienes así sentían la música negra eran blancas, contrariamente a lo que sucedía en el país de origen de esta música. Por eso, desde sus comienzos, cuando los grandes del jazz pasaban por Buenos Aires y escuchaban cantar a Lois Blue no podían comprender cómo conseguía expresar con tanta justeza su música esta mujer blanca que, además, no había vivido, en su real dimensión, la angustia del negro, su dolor latente y reprimido, su añoranza, fluyendo en cada nota de su genuina expresión musical.
Y es que Lois Blue, escuchando a las viejas cantantes de color -desde el disco, por supuesto— había descubierto que todo su ser se estremecía ante el nostalgico latir de la raza que vibraba en cada una de las inflexiones de su canto. Ella reconoce que Ethel Waters fue su maestra. Nosotros pensamos que, más que su maestra, fue la inspiradora de un estilo que, recibido el pri-mer impulso exterior, se canalizó por cauces personales. De un estilo que la convierte, con el tiempo, en una creadora, y en el que no es posible distinguir reminiscencias. Por eso es que Louis Armstrong, el gran Satchmo, luego de haberla escuchado, al descubrirla en la platea la noche de su despedida de Buenos Aires, la hace subir al escenario para que comparta con él la ovación de esa noche.
Y Duke Ellington, en otra oportunidad, se sienta al piano para acompañarla en su "Solitude".
Y Cab Calloway canta con ella en el Teatro Solís de Montevideo.
Y Coleman Hawkins... Y Roy Elridge... y Gene Krupa...
Los "y" podrían seguir un largo rato porque todos los músicos de jazz que llegaron a Buenos Aires y dexcubrieron a Lois Blue, sintieron que pertenecía a su núcleo, al núcleo de aquellos a quienes el jazz les nace de adentro.
Por eso, quienes hace años —bastantes, dice ella— escuchábamos a esa joven rubia de voz negra que nos hacía estremecer en nuestro asiento, al volver a escucharla hoy, nos damos cuenta que nada ha cambiado.
Porque el paso de los años puede perjudicar a un cantante deteriorando su voz, pero Lois no es una voz, es un sentimiento. Y los sentimientos no se destruyen tan fácilmente.
No nos asombra, entonces, que los jóvenes de hoy la aplaudan en sus presentaciones con el mismo entusiasmo con que nosotros la aplaudíamos. Ello nos da la seguridad de que tanto los jóvenes como los mayores se sentirán transportados, al escuchar este disco, a ese mundo peculiar de Lois en el que se mezclan armoniosamente la nostalgia de "Misty" o de "Según pasan los años" con la agilidad de "Tengo ritmo" y con la acariciante expresividad del clásico "Summertime", Todo ello en el marco creado por Jorge Anders, uno de los nuevos valores de nuestro jazz, con la valiosa colaboración de tres músicos de la jerarquía de Santiago Giacobbe, de Jorge González y de Néstor Astarita. Un marco que se compenetra con la cantante en el acompañamiento y pasa a un primer plano de elevada jerarquía cuando la voz está ausente."

Carlos Mayon - Escrito interior de álbum

 

 

 

Musicos Que Participan:

Lois Blue: Voz

Jorge Anders: Saxo tenor, clarinete

Santiago Giacobbe: Piano

Jorge González: Bajo

Néstor Astarita: Batería

Carlos Piriz: Técnico de grabación

Temas:

01- I’ve got rhythm (Gershwin)
02- She’s funny that way (Moret-Whiting)
03- But not for me (Gershwin)
04- Misty (Garner)
05- Summertime (Gershwin)
06- Saint Louis Blues (Handy)
07- Body and soul (Green-Heyman-Sour-Eyton)
08- As time goes by (Hupfeld)
09- Sweet Georgia Brown (Bernie-Pinkard-Casey)
10- Mood indigo (Ellington-Mills-Bigard)

 

Muestra Gráfica De La Grabación Sin Pérdida De Audio Original

Ripeado De Vinilo

Formato: FLAC (Free Lossless Audio Codec) 48.000 Hz - 16 Bits

 

pass: naveargenta.blogspot

 

Charly García - Música Del Alma (FLAC - 1977 / Publicado en 1980)

 

 

 Música del alma es el primer álbum en vivo de Charly García, grabado junto a diferentes artistas y amigos como David Lebón, León Gieco, Raúl Porchetto, el grupo acústico Porsuigieco y el sinfónico La Máquina de Hacer Pájaros. Durante algunos temas, se dio una reunión de Sui Generis como dúo. Quedaron registrados dos canciones en el álbum ("Gaby" y "Bienvenidos al tren"). El disco, registrado el 11 de noviembre de 1977 en el recital llamado "El festival del amor", fué publicado recién en 1980. Algunos temas fueron regrabados en los estudios ION.

 

"En noviembre de 1977, un concierto promovido por Charly García reunió en el Luna Park a los más importantes músicos del momento. Incluso resucitó a Sui Generis y a PorSuiGieco. El show tuvo lugar en las horas más tenebrosas de la historia argentina reciente, cuando la dictadura, impunemente, secuestraba, torturaba y asesinaba. Y se llamó El Festival del Amor… Mucho tiempo después advertimos la paradoja. Sucedió el 11 de noviembre de 1977 en el Luna Park por iniciativa de Charly García y su amigo y nuevo socio de ese momento, David Lebon, y tuvo mucho éxito: casi sin publicidad masiva -por entonces nadie podía imaginar una ciudad afichada ni avisos en la tele anunciando un concierto de rock, como hoy es habitual-, convocó 15 mil personas (el estadio, en aquella época, estaba acondicionado para el boxeo de tal forma que tenía esa capacidad).
La ocasión sirvió para que Charly despidiera a La Máquina de hacer Pájaros, el grupo con el que venía tocando desde hacía poco menos de dos años. También para reunir a Sui Generis, su dúo con Nito que había concluido oficialmente su historia en setiembre del 75 en ese mismo Luna Park, y al fugaz supergrupo PorSuiGieco. Y fundamentalmente para reunir a sus amigos, que no casualmente eran parte de las más grandes figuras del rock de ese tiempo: León Gieco, Gustavo Santaolalla, Raúl Porchetto y los ya citados Mestre y Lebon. La historia no contada en ese momento dice que García y Lebon lo hicieron porque no tenían un peso, pese a que ya eran famosos y reconocidos en el ámbito del rock, y querían irse del país, por un tiempo al menos, para respirar mejores aires. Ese viaje terminaría en Brasil con excelentes resultados: fue en Buzios donde unos meses después fundarían Seru Giran.
El concierto, que duró cuatro horas, fue grabado para un disco sin buenos resultados: por acoples y desajustes técnicos diversos, muchos registros en vivo no se pudieron recuperar. No obstante, algunos sirvieron. Con ellos, y con grabaciones hechas en estudio entre enero y febrero de 1978, se editó un disco doble en el invierno de 1980. El álbum se llamó «Música del alma» y tuvo en la portada un inolvidable dibujo de Renata Schussheim, artista plástica que al momento de esa edición estaba muy cercana a Charly y trabajaba en el arte de «Bicicleta», el tercer opus de Seru Giran (de hecho, las portadas de «Música del alma» y «Bicicleta» tienen ciertas similitudes)."

 

Víctor Pintos

 

Buenos Aires, 2 de Julio del 80

Musica del Alma, tres años después:

                                                           Este disco estuvo listo pasado un mes del llamado "Festival del amor", en noviembre del 77. Algunos temas fueron regrabados en los estudios ION, los mas "en vivo", porque de aquellas cuatro horas y pico de música (entre cambios de cinta, acoples, etc.), algo se perdió. Lo que aquí quedó son temas de autores diferentes y  muy parecidos a la vez, algunos de ellos cantados por años, otros hechos especialmente para la ocación. A todos los que participaron (desde el frente o desde las trincheras) espero que reconozcan este disco como propio.

A pesar de que hayan pasado tres años desde su grabación, no quise retocarlo por parecerme testimonio sonoro de una época y un lugar. Gracias a David, Gonzalo, José Luis, Moro, Nito, Bazterrica, Cutaia, el Golo, Gustavo Santaolalla, Mónica Campins, Bas Bus, León Gieco, Juán Rodriguez, Pino, Kerpel, los Makaroff, María Rosa Yorio, Raúl Porchetto, Amilcar y Oscar por su música, apoyo y colaboración, y a Zoca por su inspiración...

 

Charly García - Escrito en el interior del álbum

 

 

 

Músicos que participan:

Guitarras Eléctricas: David Lebón, Gustavo Bazterrica.
Guitarras Acústicas: David Lebón, León Gieco, Rodolfo Gorosito, Charly García
Bajo Eléctrico: José Luis Fernández
Batería: Gonzalo Farrugia, Oscar Moro
Teclados: Carlos Cutaia, Charly García
Voces: David Lebón, Nito Mestre, León Gieco, Raúl Porchetto, María Rosa Yorio, Rodolfo Gorosito, José Luis Fernández, Gustavo Bazterrica, Charly García

Temas e Interpretes:

01- Variación sobre música del Alma / Charly García
02- Dos Edificios dorados / David Lebón - Charly García
03- Hombre de mala sangre / David Lebón - Charly García
04- El fantasma de Canterville / Charly García - David Lebón
05- Boletos, pases y abonos / La Máquina de hacer pájaros
06- Gaby / Sui Géneris
07- Bienvenidos al tren / Sui Géneris
08- Tema de los devotos / David Lebón - Charly García
09- Iba acabándose el vino / Porsuigieco
10- Las dulces promesas / León Gieco
11- Sentado en el umbral de Dios / Raúl Porchetto - Charly García
12- Studio Jam / Charly García
13- Música del alma / Charly García

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits 

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