La Biblia - Ensamble Musical de Buenos Aires (FLAC - 1974 / Remaster. 1990)

 

En 1974 los músicos más importantes del rock argentino, mayormente pertenecientes al círculo de La Pesada del Rock and Roll -para la ocasión junto al Ensamble Musical de Buenos Aires-, realizaron una versión de La Biblia de Vox Dei, la cual estuvo organizada por Billy Bond. Participaron en ese disco Alejandro Medina, Billy Bond, Carlos Cutaia, Carlos Goler, Charly García, Claudio Gabis, Claudio Martínez, Kubero Díaz, David Lebón, Fernando Bergé, Gustavo Beytelman, Gustavo Kein, Jorge Pinchevsky, Juan Rodríguez, Miguel Cantilo, Oscar Moro, Nito Mestre, Osvaldo Favrot, Poli Martínez, Raúl Porchetto y Rinaldo Rafanelli.

 

Se intento hacer una produccion de nivel internacional, cosa logica si lo que se pensaba era lanzar el producto en el exterior, y hasta se penso en la posibilidad de llegar a grabarla en frances e italiano. Por desgracia nada de eso ocurrio, el disco fue solamente publicado en la Argentina, con la unica salvedad de que varios años despues, estando Billy Bond radicado definitivamente en Brasil tomo los masters originales y reemplazo todas las partes vocales por la de cantantes Brasileños. Esta version de la Biblia en portugues tambien la pueden encontrar en el blog.

 

"Nosotros teníamos varias ideas para trabajar en un nivel serio, que además nos permitiera hacer un disco que fuera exportable. Yo, primariamente estuve trabajando con el padre Mugica y Roberto Lar, en la confección de una obra llamada "Misa del tercer mundo". pero cuando ya casi estaba terminada pude apreciar que era demasiado folklórica. Finalmente la obra pasó a manos del Grupo Vocal Argentino. Después pensamos en ponerle música a "Cien años de soledad", la novela de Gabriel García Márquez, y hacer una especie de ópera rock. Esencialmente necesitábamos trabajar sobre la base de algo conocido fuera del país ya sea por su temática o la trascendencia de la obra en si. Es decir, que le pudiera interesar a un tipo en España, en Brasil, etc. Entonces le hablamos a García Márquez a Barcelona, y el contestó que no, porque "Cien años" era una novela. Pensamos en hacer algo nuevo, paro para hacer una obra de la magnitud de lo que queriamos afrontar, necesitábamos una seguridad. Entonces surgió la idea de "La Biblia" porque creo se trata de una obra que no fue llevada hasta sus últimas posibilidades..." 

 

Jorge Alvarez (Productor de la obra) 

 

"Esta es sin duda la primera vez que el rock de Argentina encara un trabajo de envergadura en lo concerniente a producción, un rubro vital que siempre le había escurrido o menguado. El salto fue realmente grande porque, aun fuera del rock nunca se había encarado con tanto gigantismo un trabajo discográfico argentino. Todo ello ha contribuido a darle una imagen de espectacula-ridad que pareciera estar ocultando la verdadera finalidad de un disco: la música, el contenido esencial. Si el esfuerzo fue importante en producción, no es menos cierto que los músicos (tanto los de rock como los tradicio-nales) han tratado, evidente-mente, de rendir al máximo de sus posibilidades. En el plano del rock esas alturas están lo-gradas con dignidad y con un crecimiento que demuestra el estado de evolución dinámica de esta porción de la música popular argentina. A excepción de algunas voces no felizmente elegidas para interpretar dos o tres temas, la obra no presenta fisuras y se deduce un paciente trabajo de programación y adecuación de posibilidades, tanto en el plano técnico como en el otro más sutil, el de los talentos individuales. Si bien el trabajo del arreglador, Gustavo Beytelman, le otorga a la obra escrita por Vox Dei una dimensión insospechada dentro de simples líneas primarias, es seguramente la evolución general del rock argentino la que posibilitó (a través de las individualidades participantes) que "La Biblia" se convirtiera en una de las más respetables trabajos realizados dentro de todos los campos de la música contemporánea del país y —sin jactancia— de América Latina. Es probable, según se ha informado, que este trabajo se edite en otros países. Y allí reside su importancia, en el criterio estratégico y el valor de apertura de nuevas posibilidades de esta versión de "La Biblia". Lo homogéneo y compacto del trabajo no permite críticas anecdóticas. Cualquiera que piense hacerlo deberá, inevitablemente, remitirse al terreno teórico, un campo donde, como en otras artes, las disquisiciones se tornan algo bizantinas y plomizas. Lo cierto y concreto es que "La Biblia" representa para el rock una obra elaborada seriamente (no porque estén los señores del Ensamble Musical de Buenos Aires) y con sentido de superación en todos los niveles. Es algo así como si el rock hiciera un esfuerzo demostrativo de su poder expresivo. Y lo ha conseguido: muy probablemente después de "La Biblia" no se podrá tratar a esta música como "cosa de chicos". 

Tapa: el diseño de la tapa merece realmente un elogio especial porque, no sólo supera lo hecho dentro del campo del rock, sino que también se eleva sobre as ediciones nacionales de otro tipo, alcanzando un nivel sólo comparable con la calidad lograda por los británicos, desde hace 10 años especialistas en presentaciones. la sobriedad, la calidad de la impresión, la elección de tipografías y grabados conforman un todo de imagen en el nivel de la música que contiene.  

Revista Pelo - Reseña del disco (1974)

 

 

La Biblia - Ensayo (1974)

Musicos que participan en el álbum:

Ensamble Musical de Buenos Aires +

Alejandro Medina: Voz
Billy Bond: Voz, órgano, teclados, accesorios, efectos especiales
Carlos Cutaia: Piano
Carlos Goler: Batería, voz
Claudio Gabis: Guitarras, armónica
Claudio Martínez: Sintetizadores, voz
Charly García: Teclados, voz, piano, organo
David Lebón: Voz, bajo, guitarras
Fernando Berge: Voz
Gustavo Beytelman: Arreglos y direccion del ensamble, piano
Gustavo Klein: Guitarra acústica
Jorge Pinchevsky: Violín
Juan Rodríguez: Batería
Kubero Diaz: Guitarras
Miguel Cantilo: Guitarra acústica
Nito Mestre: Voz
Oscar Moro: Batería
Osvaldo Favrot: Bajo, guitarra, voz
Poli Martinez: Guitarras
Raúl Porchetto: Voz
Rinaldo Rafanelli: Bajo, voz

Temas:

01- Introduccion
02- Genesis
03- Moises
04- Guerras
05- Profecias
06- Libros Sapienciales
07- Cristo
08- Apocalipsis

 

 

Formato: FLAC - 44.100 / 16 Bits 

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Jorge López Ruiz - Bronca Buenos Aires (1971)

Obra fundamental del jazz argentino, Bronca Buenos Aires es un álbum conceptual compuesto por Jorge López Ruiz, basado en los hechos de El Cordobazo en 1969. Con letra de José Tcherkaski, es un trabajo orquestal basado en un trípode, con apoyo en el free jazz, el clasicismo de la big bands y la música contemporánea. La obra fue inmediatamente censurada desde su aparición. Recién en el 2015 pudo presentarla en vivo por primera vez en su país. López Ruiz falleció el 11 de diciembre de 2018.

"En el 66 fue el golpe de Onganía y yo en un programa de TV despotriqué como un desesperado contra la dictadura. En esa reunión había un señor muy importante. Me asustaba su magnitud intelectual, su presencia. Ese tipo era Arturo Jauretche, y me alentó a plasmar esa protesta en música, lo que terminó siendo El grito. Ahí mi ideología estaba enraizada. Luego de eso sucedió El Cordobazo, que dejó a todos patas para arriba y de ahí salió Bronca Buenos Aires. Las únicas cosas que me mueven a escribir música son los acontecimientos que me ponen furioso desde lo personal, no he escrito mucho sobre amor. Escribí mucho más sobre lo que compromete la libertad social.
El Cordobazo se iba conversando con la gente que uno tenía alrededor. Eso lo fui metiendo en notas. En ese momento empecé a trabajar con José Tcherkaski, que hacía canciones con Piero. Sobre el texto de José escribí la música de Bronca...Es un texto que se lee en 3 o 4 minutos, pero la obra duraba 40 minutos empujada por esas anotaciones. Hasta Bronca Buenos Aires no existía en el jazz argentino una forma política. El músico de jazz, con alguna rara excepción nunca fue un músico de jazz sino músicos que tocaban jazz. Excepto por Favero, que escribió la suite "Dream", dedicada a Coltrane, no relacionada con lo político.
Nadie escuchó Bronca Buenos Aires. Fue prohibido luego de la primera vez que se difundió en la radio en 1970 y no sonó en un medio hasta el año 2004, cuando fue reeditado en CD. En el 2000 ya teníamos Internet. Eso hizo que se edite en Inglaterra, en Estados Unidos y, como consecuencia de esto, fue reeditado en Francia y en Alemania. Fue un pequeño privilegio viral. El disco interesa como cosa rara, porque ellos no pueden entender lo que nos pasa.
En el 70 nadie se atrevía a pasarlo entero, porque el texto termina con la palabra "carajo", que era considerada una mala palabra y consecuentemente un delito. El único que lo pasó entero fue el famoso Antonio Carrizo en Radio Rivadavia. Siguió prohibido durante todos los procesos militares. Yo trabajé en SADAIC cuando fue intervenido y tenía su oficina de censura, manejada por un coronel que era un idiota. Una señora a la que nombraron interventora de radio prohibió a Gardel durante 48 horas porque consideraba a las guitarras de mal gusto. En el 83, cuando volvió la democracia, yo no estaba en Argentina y nadie se acordaba del disco.
Financié mis obras con lo que ganaba trabajando para otros músicos, como orquestador. Un día vinieron a verme de una compañía discográfica y me dijeron “Tenemos a un músico que mata arriba del escenario pero no logramos que venda, algo estamos haciendo mal". Era Sandro. Ahí dije hay que sacar a Los del Fuego y volaron. Hicimos baladas, porque las baladas se venden en cualquier época".

Jorge López Ruiz (www.vice.com-2018)

 

 

 Músicos Que Participan:

 

Jorge López Ruiz: Contrabajo

José Tcherkaski: Recitante

Horacio "Chivo" Borraro: Saxo tenor
Carlos "Pocho" Lapouble: Batería
Fernando Gelbard: Piano

 

Músicos Invitados:

 

Santiago Giacobbe: Órgano
Alfredo Remus: Bajo
Enrique "Zurdo" Roizner: Percusión
Donna Carol: Voces

+ Coro y Orquesta

Composición: Jorge López Ruiz

Textos: José Tcherkaski

Dirección Musical: Oscar López Ruiz  

 

Temas:

 

01- La ciudad vacía (Primer movimiento)

02- Relatos (Segundo movimiento)

03- Amor Buenos Aires (Tercer movimiento)

04- Bronca Buenos Aires (Cuarto moviento) 

 

 

Formato: Mp3 - 320 Kbps

 

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Almendra - Almendra En Obras I y II (FLAC - 1980)

Estos dos albumes en vivo de Almendra fueron grabados en el Estadio Obras Sanitarias en diciembre de 1979, en lo que constituyó el primer regreso del grupo luego de nueve años de separación. Es considerada como una obra de arte por ser el fiel reflejo de la calidez y la energía de aquellos conciertos.

El álbum es el registro del regreso a la actividad de Almendra a nueve años de su primera separación. Grabado en el estadio Obras Sanitarias los días 7, 8 y 9 de diciembre de 1979, el disco fue pensado como parte de un registro audiovisual de la reunión de la banda, un plan que se completaba con una película que registraría los recitales. Si bien el film nunca llegó a ver la luz, Almendra en Obras se lanzó en dos volúmenes por separado y de manera independiente a través del sello del grupo, Almendra Editora, en 1980. Al margen del material de sus dos primeros discos y correspondientes singles, los shows incluyeron tres temas nuevos de Spinetta (“Vamos a ajustar las cuentas al cielo”, “Jaguar herido” e “Hilando fino”) y uno Del Guercio (“Cambiándome el futuro”) que no llegaron a formar parte del tercer disco de estudio del grupo, El valle interior, grabado al año siguiente. Unos 15 años después de su edición en vinilo, los dos volúmenes de Almendra en Obras fueron recopilados en un sólo CD (y con otro arte de tapa) por BMG en 1996, que quedó descatalogado a los pocos años, siendo reeditado nuevamente en 2018.

 "Almendra 1979 resume de alguna manera toda la música escuchada durante esta década fundamental de rock argentino. Porque en su núcleo se encuentran dos de los compositores que marcaron estilos en los setenta: Emilio Del Guercio y Luis Alberto Spinetta. Este aporte fundamental estuvo claramente reflejado en cada uno de los seis conciertos que la banda dio en Buenos Aires.
El material presentado por el conjunto se remitió a los dos álbumes y los primeros simples que Almendra grabó durante su fructífera trayectoria, y a cuatro canciones compuestas en esta nueva etapa. La apertura del espectáculo correspondió a "Ana no duerme", uno de los temas más fuertes del primer álbum. La nueva forma que esta canción adquirió marcó las pautas de cómo iba a ser el nuevo sonido de Almendra. Todos los temas recibieron un tratamiento renovador, no sobre la base de nuevos arreglos, sino en la manera de ser tocados. Allí es donde se notó más el tiempo transcurrido y las experiencias aprehendidas por cada uno de los músicos. Este Almendra sonó moderno, desde una base rítmica ajustada, llena de swing y sin desbordes, hasta el sonido extraterreno de la guitarra de Edelmiro Molinari (equipada con sintetizador). "Ana no duerme" se transformo en un tema denso, cargado de cadencias del rock metálico y con una buena vocalización de Spinetta. El número siguiente marcó un reencuentro aún más directo con la nostalgia: "El tema de Pototo". Y aquí apareció una de las primeras constantes: Almendra demostró haber asimilado e[ tiempo y saberlo volcar en forma de nueva sangre para los viejos temas, pero en ningún momento trasuntó lo mismo en las nuevas canciones. "Todo el hielo en la ciudad" también pertenece a las primeras grabaciones que Almendra hizo a fines de los sesenta. Son perfectos ejemplos de cristalinas canciones pop, con una inocencia cargada de mensajes sociales. La voz de Spinetta rescató intacto el espíritu de estas letras, correctamente apoyado por los coros de sus compañeros. De aquella primera época memorable también volvió "Final", una composición hermosa que resultó uno de los momentos más logrados de la noche, combinando la dulce melodía con las armonías vocales más acertadas del concierto. La riqueza y el lirismo de una canción hicieron sacudir a una audiencia que supo reconocer aun los temas más viejos. "Figuración", del primer álbum, presentó a Del Guercio en flauta y Molinari en bajo. Otra canción de atmósfera creciente, con una estupenda vocalización de Spinetta, que volvió a destacarse en "Fermín". El clima del tema fue reforzado por los coros y una perfecta instrumentación, particularmente por el trabajo de Molinari en guitarra. Este nuevo Almendra tiene la virtud de saber crear los climas adecuados en cada canción, especialmente por el seductor liderázgo escénico que ejerce Spinetta y las adecuadas interpretaciones de sus compañeros. "Plegaria para un niño dormido" marcó otro de los momentos culminantes de cada noche. El comienzo fue suave, con el aporte en xilofón de Rodolfo García y un solo cargado de sentimiento de Spinetta. Su voz, que acusa el paso del tiempo, perdió algo de su condición natural, pero ahora fué reemplazada por un mayor dominio técnico. "Vamos a ajustar las cuentas al cielo" fue uno de los nuevos temas presentados. Musicalmente no presentó ninguna novedad; es un acelerado riff de jazz-rock y un solo de igual rapidez a cargo de Molinari, que en esta ocasión mostró técnica para el acumulamiento de notas. "A estos hombres tristes" fue el regreso al pasado y a una mú-sica que difícilmente ahora se pueda igualar, al menos tomando en cuenta las canciones nuevas escuchadas. "A estos hombres..." es una brillante conjunción de rock y música de neto corte porteño, a la que la poesía surrealista de Spinetta le agregó un matiz inconfundible. En el otro único momento en que Emilio abandonó el bajo, lo hizo para interpretar su tema, sin titulo. Acompañándose con guitarra acustica y las eléctricas de spinetta y Molinari, creó una atmósfera etérea, subrayada por el vibrato de la Fender de Molinari en una de sus mejores intervenciones.Apenas un par de canciones fueron extraídas de su segundo album doble que Almendra grabo poco antes de su disolucion. Una de ellas fue el número fuete de la noche, colocada en el momento justo: "Mestizo", compuesta por Fdelmiro Molínari, la canción original se convirtio en un riff funky, ajustado y caliente. La sobria y monolítica rítmica Del Guercio-García aporto toda su poderosa vibración al tema. Hubo de todo en "Mestizo", un excitante solo de Molinari, un ardoroso contrapunto de Spinetta, sabrosos pasos de baile y un contundente solo de Rodolfo García. Fue uno de los momentos culminantes del show, el nuevo arreglo, las cadencias de las guitarras, hicieron de este "Mestizo" una canción totalmente diferente. Cuando Spinetta dejó su guita-rra eléctrica y la cambió por la acustica, la multitud adivinó...Muchacha". Esta canción, que es un himno de una generacion, supera cualquier crítica. La tocaron devotamente, con la mayor pulcritud posible, aunque las vocalizaciones no fueron tan perfectas como en "Final". Se puede decir, en su descargo, que tue el numero final de un esforzado concierto. La primera repetición fue el ultimo simple que Almendra grabo antes de separarse: "Hermano perro". Paradójicamente, en estos tiempos en que la música de los ochenta asoma con gusto a simpleza, Almendra recreo un tema totalmente nueva ola. "Hermano perro", tocado por esta formación, es una canción moderna con una letra decididamente punk. El adiós final fue "Rutas argentinas", un rock'n'roll del segundo album. El tema comenzó con una ardorosa introducción vocal que dio paso a un riff pesado, enmarcado por la sólida rítmica y un solo de Molinari que recordó sus mejores épocas de blues". 

 

Crónica de los conciertos en Obras (Revista Pelo-1979)

 

 

Integrantes:

Luis Alberto Spinetta: Guitarras, voz
Edelmiro Molinari: Guitarra, bajo, coros
Emilio Del Guercio: Bajo, guitarra acústica, flauta dulce, coros, voz en "Cambiándome el futuro"
Rodolfo García: Batería, percusión, vibráfono, coros

 

Temas - Disco 1:

01- Ana no duerme
02- Tema de Pototo
03- Plegaria para un niño dormido
04- Figuración
05- Cambiándome el futuro
06- Vamos a ajustar las cuentas al cielo
07- Mestizo

 

Temas - Disco 2:

01- Jaguar herido
02- Color humano
03- Hilando fino
04- Muchacha (Ojos de papel)
05- Hermano perro
06- Rutas argentinas

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Michel Peyronel - A Toda Mákina (1984)

Pedido con insistencia por varios navegantes, aqui llega el primer álbum del legendario batero de Riff. Publicado en 1984, A Toda Mákina cuenta además con la participación de Stuka, guitarrista de Los Violadores y coautor de varios de los temas del disco.

Miguel Alberto Peyronel nació en la ciudad de Bahía Blanca. Desde niño estudió piano clásico y en la adolescencia se pasó a la batería. En 1973 viajó a Europa y se radicó en Francia, donde estudió economía y formó parte de Extraballe, un grupo francés de new wave punk como baterista. De regreso en la Argentina a principios de los años 1980, tras una estadía en el viejo continente, es convocado por el guitarrista y compositor Pappo para integrar el grupo Riff, banda de heavy metal con la cual grabó cinco discos de estudio, y de la cual fue parte hasta su disolución, en 2005.
En el año 1984 lanzó su primer álbum como solista, A Toda Mákina, con la participación de Stuka guitarrista de Los Violadores. Asimismo, se destacan sus trabajos en calidad de productor, para diversos artistas de rock argentinos, como Virus, o Los Violadores y su primer LP homónimo (1983). A mediados de los '80 formó Tarzen en España, con su hermano Danny y el guitarrista Salvador Domínguez, banda de corte glam metal con cierto suceso internacional. Por otra parte, en 1990 se abocó a la actividad radial, como director de la estación FM Tango de Buenos Aires.
A fines de los 2000 formó el grupo hard rock Héroes del Asfalto, del cual participa su hijo Jean Jacques Peyronel, entre otros jóvenes músicos, y con los cuales editó un disco en el año 2009. Ese mismo año, con Héroes del Asfalto fueron una de las bandas soporte de los tres conciertos de AC/DC en el Estadio River Plate. Durante el 2012 y parte de 2013 se realiza la grabación de Club Atlético de Mutantes. Editado por Pop Art Music, el álbum es una fusión del rock, heavy metal, tango, reggae, lounge, electrónica y ambient.
Musicalmente, Michel Peyronel se destaca por su particular técnica de batería, golpeando continuamente el hi hat y los platillos, y con un groove muy firme y poderoso. En cuanto a las letras, se destaca por utilizar temáticas de escenarios post-apocalípticos, ciencia ficción y cyberpunk. Es el autor de Pantalla del Mundo Nuevo, un auténtico himno metalero de Riff, y de otros temas junto a Pappo como Macadam 3,2,1,0, Susy Cadillac y Mal Romance.

Músicos:

Michel Peyronel: Batería, voz
Stuka: Guitarras, coros
Danny Peyronel: Teclados
Alex "Le Noir" Oucinde: Bajo, coro, procesadores
Sissi Hansen: Todas las voces de rubias enloquecidas

Temas:

01- A toda mákina
02- Hoy solo soy otro sobreviviente
03- En el oeste
04- No quiero parar
05- Amor violento
06- Al borde del abismo
07- Entrega T
08- Gangster

Sonido Mejorado

Formato: Mp3 - 192 Kbps

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