Horacio "Chivo" Borraro - Blues Para Un Cosmonauta (FLAC - 1975) Reedicón 2022

 

 

Horacio "Chivo" Borraro fue, junto al Gato Barbieri, el saxofonista y clarinetista mas importante de aquella histórica camada de jazzeros argentinos surgida a principios de la década del 60. "Blues Para un Cosmonauta", editado en 1975 por el sello Trova, es uno de los trabajos mas trascendentes y experimentales de este notable músico. 

 

El “Chivo” Borraro, clarinetista primero y saxo tenor después, nació el 6 de octubre de 1921 en Buenos Aires, en el seno de una familia de músicos no profesionales egresados de conservatorio. Comenzó tocando en clubes de barrio cuyos bailes tenían por número principal a las orquestas típica y la jazz. El primer grupo de relevancia que integró, los Rythm Makers, fue una de las primeras experiencias porteñas de búsqueda del jazz puro, no bailable, que cultivaba el estilo Chicago. Gestada por estudiantes de la Facultad de Arquitectura, no editaron discos comerciales, aunque su nombre perduró por perseguir la supremacía de la práctica improvisatoria. Los Rythm Makers fueron al jazz de los 40 y 50 lo que las bandas alternativas al rock de los 90, con la diferencia de que ninguno de ellos logró ni quiso cruzar la línea que limita lo minoritario de lo masivo. Participó del Hot Club, del que se fue en franca disidencia en 1954, para integrar la primera gran banda moderna dirigida por Lalo Schiffrin.
En una carta personal reproducida en su autobiografía escribiría años después: “[…] diles a los miembros de la Comisión Directiva del Hot Club que les tengo lugar reservado en el arca que pienso construir, ya que es mi deseo que ninguna especie animal quede sin representación dentro de ella”.
En el Bop Club ganó año tras año la encuesta anual como mejor clarinetista, hasta que gracias al préstamo del baterista Pichi Mazzei pudo adquirir su saxo tenor.
En 1966 grabó su primer disco solista, El Nuevo Sonido del Chivo Borraro, en donde muestra su evolución estilística desde el Bebop al Hard Bop, una de las corrientes en las que derivó la modernidad temprana del bop.
Borraro fue uno de los pocos músicos que supo recorrer a lo largo de su carrera todo el espectro de estilos del jazz, desde el hot hasta el free y la fusión de los setenta. Participó en innumerables proyectos, gracias a su gran reputación como músico de sonido personal. Entre los propios pudo editar una discografía relevante perdida por muchos años, posteriormente reeditada por el sello inglés Whatmusic. El notable saxofonista, impulsor del jazz moderno en la Argentina, murió en Buenos Aires, el 31 de mayo del 2012, a los 90 años de edad.

"Horacio Borraro es ya suficientemente conocido en el ambiente musical y especialmente jazzístico de la Argentina; huelgan por lo tanto las redundancias en cuanto a su capacidad técnica y creadora. Pero en este disco singular, por momentos difícil y hermético, su musicalidad llega a niveles insospechados tanto al expresarse con el saxo tenor como cuando interviene con el órgano, piano acústico o electrónico, sintetizador, xilofón, percusión y flauta dulce. En "Líneas Torcidas", hermoso tema de gran lirismo, se amalgaman con perfección las intervenciones de todos los componentes del conjunto, resaltando la prístina inspiración de Stenio Mendes y el muy buen solo de Chivo Borraro. En "Blues para un Cosmonauta", el trío crea adecuadamente un clima cósmico con la superposición de los pianos acústico y electrónico y el sintetizador. En "Canción de Cuna para un `Bebé del Áño 2.000" oímos la mejor ejecución de Fernando Gelbard y los inspirados solos del Chivo, de elevada sensibilidad y gran belleza formal. En "La invasión de los Monjes" se manifiesta el peculiar misticismo de Stenio Mendes, quien toca y vocaliza admirablemente. Resaltan la percusión y los efectos de Astarita y Rossi. Fernando pone su talento y el Chivo amalgama introduciendo el jazz. En "Mi amigo Tarzán", son excelentes los efectos logrados al principio y al final. Fernando y Chivo brillantes. Se escucha la mejor intervención de González y un ritmo fascinante. El disco todo está ampliamente logrado: en el orientalismo de "Líneas Torcidas" y "La Invasión de los Monjes", en el lirismo Coltraneano de la "Canción de Cuna", en el clima extraterreno de los Blues y en el africanismo de "Mi amigo Tarzán", donde Borraro se retrotrae a sus vivencias de infancia recreando todo ello con un brillante psicologismo musical. Solamente un artista de privilegio puede llegar a niveles tan logrados de concepción armónica, acústica, rítmica y de clima como los que escuchamos en este long-play. Y Borraro —sin ninguna duda— lo es. Es de desear que fecundas experiencias musicales como ésta, se repitan en nuestra empobrecida discografía jazzística nacional".

Dr.Ismael De Forteza (Escrito contratapa del álbum-1975)

Musicos Que Participan:

Horacio "Chivo" Borraro: Saxo tenor, teclados, flauta, percusión
Fernando Gelbard: Piano eléctrico, sintetizador Moog
Stenio Mendes: Guitarra acústica (Craviola) (Temas 1 y 4)
Jorge Gonzales: Contrabajo (Temas 1, 4 y 5)
Nestor Astarita: Percusión (Temas 1, 4 y 5)
Miguel "Chino" Rossi: Percusión, efectos especiales

Temas:

01- Líneas torcidas
02- Blues para un cosmonauta
03- Canción de cuna para un bebé del año 2000
04- La invasión de los monjes
05- Mi amigo Tarzán 

 

Bonus Tracks:

 

06- Mi amigo Tarzán (Toma alternativa) 

07- Mi amigo Tarzán (Intro)

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Buenos Aires Jazz Fusión - Volumen 1 + Bonus (FLAC - 1981/1998)

 

 

 En 1981, Néstor Astarita, Baby López Furst, Fats Fernández, Litto Nebbia, Rubén Rada y otros músicos de primera línea se unieron para desarrollar una propuesta por demás interesante: la de generar una música emparentada directamente con el Río de la Plata, pero desde los territorios del jazz. El resultado, música ciudadana de alto vuelo, con mucho ritmo, y solos hechos a la medida de tal fusión de músicas.

Uno de los discos mas valorados en la nave (para mi sorpresa), que ameritaba una publicación en formato FLAC.

"Buenos Aires Jazz Fusión es un proyecto, justamente de jazz fusión, de los más emblemáticos de Argentina. Nace en 1981, liderado por el baterista Néstor Astarita, quien encabeza la idea, que constaría de una agrupación de distintas bandas y formaciones de jazz que se unirían para dar distintos conciertos, tanto en capital federal como por el interior del país. De este movimiento participaron grandes músicos de la escena nacional (argentina), el saxofonista Chivo Borraro, el pianista Jorge Navarro, el trompetista Fats Fernandez, el pianista Horacio Larumbe, entre otros. Entre Abril y Septiembre de 1981, Néstor Astarita encabeza el lanzamiento de un álbum que también se llamaría ‘Buenos Aires Jazz Fusión’, este lanzamiento seria el símbolo de esta pequeña/gran movida que promulgaba el jazz y el jazz fusión; que era encabezado por Atarita pero que contaba con muchos aportes que por detrás formaban todo el proyecto.

La grabación del primer volumen de ‘Buenos Aires Jazz Fusión’ se dio entre Abril y Septiembre de 1981, en los estudios ‘ATC’, con excepción de algunos temas particulares que fueron grabados en estudios ‘Fonema’, y fue publicado ese mismo año. Este lanzamiento cuenta con el aporte especial de muchos músicos de enorme calidad, que se sumaron a la grabación para contribuir con su visión personal y así de reafirmar aún más la idea original del proyecto, que es la de un grupo de amigos haciendo jazz. De este lanzamiento participarían: Bernardo Baraj en saxo, Dino Saluzzi en bandoneón, el uruguayo Jorge ‘Negro’ Gonzales en contrabajo, Lito Nebbia en voz y teclados, Norberto Machine, Roberto ‘Fats’ Fernandez en trompeta, Ruben ‘Baby’ Lopez Furst en piano, Norberto Minichilo en vibráfono, el uruguayo Ruben Rada en voz y percusión, Horacio ‘Chivo’ Borraro en saxo, y obviamente Nestor Astarita en batería. De estos asombrosos nombres surgiría el sonido de este primer lanzamiento, un grupo de músicos provenientes de distintos extractos y estilos, pero unidos con la misma idea de música libre. En este ambiente descontracturado, las distintas visiones, influencias y estilos, de los tantos músicos participantes se van volcando y unificando, surgiendo así un sonido sin identidad fija; aparecen extractos de candombe, milonga, zamba, afro, tango, sonidos obviamente latinoamericanos, unidos bajo la fusión de un jazz sin fronteras ni límites. 

Los temas están constituidos no tanto por estructuras fijas sino por ambientes y pasajes improvisados, instrumentales, inciertos. Hay una característica como de eventualidad en el sonido, de sesión improvisada en el momento, lo que le da a las estructuras de los temas una amplitud y calidad mayor; esto pareciera ser el resultado propio de la improvisación de un grupo de músicos de enorme nivel que parecen crear los temas en el momento, con soltura, sin mayor esfuerzo…Si hay algo de, por así decirlo, ‘estructurado’ en el sonido es por las aportaciones Lito Nebia, que es un músico acostumbrado también a la canción propiamente dicha, a la composición de canciones, aportando en esta caso también un par de temas de su autoría, con estructuras más sencillas a lo que se escucha en el resto del disco pero con esplendidas armonías que están a la altura del jazz fusión que hacen en su totalidad. Otro aporte de Nebia, sumado por supuesto también a Rubén Rada, seria en la voz, ambos aportan sus voces en las letras y otros agregados vocales que tiran en las sesiones.

Tras algunos años, 1998, un nuevo grupo bajo la misma idea de ‘Buenos Aires Jazz Fusion’, y siempre liderados por Astarita, grabó y publicó unos 4 temas más, estos fueron publicados junto a una reedicion en cd del primer volumen lanzado por la banda, todo en el mismo disco. Estos temas nuevos fueron grabados en Estudio ‘Nuevo Mundo’, de Buenos Aires, durante los comienzos de 1998, y demuestran un sonido más íntimo y relajado, más abocado al jazz particularmente, y con fusiones de otros estilos no tan abrupta, sino mas sutiles.

Lamentablemente hay muy poca información precisa circulando sobre los pasos de este grupo y sus presentaciones en vivo, según dicen el proyecto siguió funcionando hasta hoy en día inclusive, cuando siguen tocando en vivo. Actualmente, está integrado por el baterista Néstor Astarita , Bernardo Baraj en saxos, Alejandro Kalinoski en piano, el bajista Bucky Arcella y Pocho Porteño en percusión."

 

Fuente de información: delicias psicodelicas.blogspot

 

 

 

Musicos Que Participan:

Bernardo Baraj: Saxofón
Dino Saluzzi: Bandoneón
Jorge "Negro" González: Contrabajo
Litto Nebbia: Voz, Teclados
Norberto Machline: Piano
Roberto "Fats" Fernández: Trompeta
Rubén "Baby" López Furst: Piano
Norberto Minichillo: Vibráfono
Rubén Rada: Voz, percusión
Horacio "Chivo" Borraro: Saxofón
Alejandro Kalinoski: Piano
Bucky Arcella: Bajo

Nestor Astarita: Batería
Pocho Porteño: Percusión

Temas:

01- Telmo San
02- Deseos Para José
03- Tema Para Trane
04- Toledo
05- Un Hombre, Un Amanecer
06- Desde Muy Abajo

Bonus Tracks (1998):

07- Abril
08- Amargueti
09- De Entre Casa

10- Tan Cálida y Tormentosa 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Jorge Navarro - Navarro Con Polenta (FLAC - 1977)

 

 

"En 1978, y luego de una gira exitosa por Latinoamérica y los Estados Unidos, el pianista Jorge Navarro reunió a una troupe de grandes músicos para grabar el que es considerado como el primer disco de funk criollo: Navarro con polenta". Esto comentaba Bobby Flores sobre este increíble álbum, una rara avis dentro de la música argentina. Y si bien la base de las composiciones es el funk instrumental, todo se desarrolla bajo el marco estilístico del jazz-rock y el jazz latino, como no podía ser de otra manera viniendo de un eximio jazzista como Jorge Navarro.

 

Navarro con polenta fué grabado en 1977 y etiquetado en su portada como Jazz rock. Su primer track es una versión de Black Dog, el clásico de Led Zeppelin. A la manera de Chick Corea, Navarro toca el Fender Rhodes en casi toda la placa, con un wah wah, acompañado por un grupo de notables, que incluye a Ricardo Lew en guitarras y Norberto Minichillo en batería, con Weather Report casi como espejo. “Decidí abrir el disco con la versión de Zeppelin porque cuando escuché ese tema por primera vez me di cuenta de que con esos acordes y esa melodía se podía improvisar. Creo que eso ayudó a que se haga más conocido el disco, que grabamos en los estudios Ion, en una o dos noches”, recuerda jorge Navarro. Y se entusiasma: “Llamativamente, me sigue gustando. Por lo general, todo lo que grabo no me gusta y no lo vuelvo a escuchar más, queda en el pozo. Pero este disco, de vez en cuando lo escucho y digo: «Pucha, pensar que esto fue hecho en el año 77 y todavía está bueno, suena fresco".

 

Fantástica fusión funky de la escena argentina de los 70. Un set que arranca con una versión espectacular de "Black Dog" de Led Zeppelin, y que a partir de ahí se vuelve aún más rítmico. Jorge Navarro lidera al grupo al piano, Hammond y Fender Rhodes, y la agrupación, con guitarra, bajo, batería y percusión, forma una sólida combinación rítmica que se adapta a la perfección al dinamismo del trabajo de Jorge en los teclados, mientras recorre estilos de fusión de los 70 y jazz latino en una maravillosa gama de grooves. Por momentos, Navarro no teme usar frases funky en sus teclados eléctricos, al estilo de Herbie Hancock, y en otros, se sumerge por completo en el groove y se entrega por completo.

 

" En 1976 Jorge Navarro, un músico inevitablemente asociado a las expresiones más melódicas y un fino cultor de aquellas obras que integran el canon jazzero devenido de las comedias musicales, regresa al país luego de cinco años de actuación y residencia en los Estados Unidos.
Poco menos de un año después edita Navarro con polenta, un registro distinto, absolutamente diferenciado del resto de su discografía, en el que el pianista busca un nuevo repertorio para asumirse a tono con los nuevos sonidos que por entonces poblaban el universo jazzero.
Y precisamente esa inusual línea estilística es la que le da valor y significado histórico al registro de 1977, donde el pianista se suma a lo eléctrico, para entregar un puñado de nuevas y personales versiones de un repertorio que hasta aquí se le presumía ajeno.
Desde un inicio mismo el disco pone las cartas sobre la mesa. El arranque es con Black Dog, todo un himno de la banda inglesa Led Zeppelin, publicado en su cuarto álbum de 1971, que ocupa un lugar protagónico entre las 500 mejores canciones del rock según una encuesta de la revista Rolling Stone. En medio de un trabajo de percusión y teclados, Ricardo Lew en guitarra eléctrica, sobrevive sin fisuras a la ardua tarea de aportar singularidad lejos del espejo original de Jimmy Page.
Destaca también el Lucky Southern, de Keith Jarret, aquí con un fuerte toque latino y el Great George de Joe Farrell, con Navarro en teclados, sostenido por la fuerte línea de bajo de Juani Amaral y la percusión siempre presente y medida de Norberto Minichilo y Roberto Valencia.
Los temas de Navarro no desentonan en este contexto de fuerte condimento funk, como en Vamos quedando pocos, para finalizar con Después de la polenta, con Navarro al piano, desplegando un arte que entiende como pocos. Una especie de remanso final luego de un viaje tan inesperado como audaz. Un auténtico y genuino testimonio de época".

Fernando Ríos (argentjazz.com)

 

 

Músicos:

 

Jorge Navarro: Piano Steinway, Fender, órgano Hammond
Ricardo "Rubberman" Lew: Guitarra eléctrica
Juani Amaral: Bajo eléctrico
Norberto Minichilo: Batería
Roberto Valencia: Percusión

Temas:

01- Black Dog
02- Vamos Quedando Pocos
03- Lucky Southern
04- Repartamos El Funky
05- Funk Yourself
06- Great George
07- Después De La Polenta

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Jorge Lopez Ruiz - B.A. Jazz (FLAC - 1961) Remaster. 2023

 

 

Album icónico del jazz argentino, B.A. Jazz fue lanzado originalmente en 1961, como el debut discográfico del compositor y contrabajista Jorge Lopez Ruiz, siendo una mezcla de covers y material original. Lo acompaña un selecto grupo de los mas prestigiosos jazzistas argentinos de la época.

Ahora podremos disfrutar de esta joya discográfica en formato de alta calidad.

 

Jorge López Ruiz es uno de los talentos musicales más versatiles de Argentina. Como bajista, compositor, intérprete y arreglista, ha trabajado en muchos géneros, incluido el jazz, el pop y las producciones teatrales y largometrajes.
Al igual que muchos de sus colegas artistas de finales de los 60 y 70, Ruiz se encontró cada vez más en desacuerdo con la dirección del liderazgo político de Argentina, y gran parte de Sudamérica en general. La lucha política en todo el continente se volvió cada vez más violenta a medida que los sucesivos golpes militares y de extrema derecha tomaron el control del pais. Este era el clima en el que Ruiz y otros artistas tenían que lidiar.

B.A. Jazz fue lanzado en 1961 en el sello RCA Vik. Junto a el están Roberto Fernández a la trompeta, Rubén López Furst al piano, Pichi Mazzei a la batería y un joven músico llamado Leandro Barbieri en saxo tenor. Leandro luego se hizo más conocido como el "Gato" Barbieri, que se forjó una reputación internacional trabajando con Charlie Hayden, Don Cherry, Dollar Brand y Carla Bley y grabando para Impulse! Records, Flying Dutchman y A & M Records.
El álbum de B.A. Jazz ha sido una rareza durante muchos años y el vinilo original es muy cotizado entre los coleccionistas del genero. Su importancia radica en la fantástica música contenida en sus surcos, donde destaca la influencia del be-bop y el cool jazz, corrientes que impregnaban la musica de aquellos años. Pero por sobre todos los condimentos estilisticos predomina en el disco un sabor latino que hace tan personal en su sonido al jazz argentino. Esto hace de B.A. Jazz un testimonio historico importantisimo  dentro del desarrollo del jazz en América del Sur.

Junto a su impresionante carrera como musico y tecnico de grabación, López Ruiz también dirigió una segunda vida exitosa como académico, siendo Doctor en Música en la Universidad de Columbia Pacific y también ocupó un puesto de responsabilidad en el Instituto de Investigación Aplicada y Ciencias Sociales de Londres.
El cine fue otra área en la que se destacó, convirtiéndose en profesor del Instituto Argentino de Cinematografía y también trabajó con la compañía de películas EMI-Odeon. Como un hábil y sensible contrabajista y compositor, López Ruiz escribió música para más de sesenta películas y cuarenta y tantas obras de teatro. Su lista de colaboraciones musicales es impresionante e incluye el trabajo con Tony Bennett, Nat Cole, Ella Fitzgerald y João Gilberto, así como figuras argentinas de jazz como el baterista Pichy Mazzei a principios de la década de 1960 y el saxofonista Chivo Borraro en el álbum "En vivo" (1973). Cabe destacar que entre los años 1967 a 1970 fue el arreglador y director musical de Sandro, en la entonces CBS, logrando récord de ventas de discos y siendo en ésa época el único responsable de la orquesta y coros que llevaron los grandes éxitos de éste cantante por toda América.
Desde finales de los 60 hasta los 70, la producción personal de López Ruiz fue prodigiosa y lanzó numerosas grabaciones, incluyendo El Grito (1967), Bronca Buenos Aires (1971), De Prepo (1972), Viejas Raices (1975), Viejas Raices II (1976) y Un hombre de Buenos Aires (1978).

 

 

 

Integrantes:

Jorge López Ruiz : Contrabajo
Pichi Mazzei : Bateria
Ruben "Baby" Lopez Furst : Piano
Roberto "Fats" Fernandez : Trompeta
Leandro "Gato" Barbieri : Saxo tenor

Temas:

01- Pablo
02- Tema Para gatofon
03- Como Sonny
04- Hiroshima
05- Berklee waltz
06- Michele
07- Siento Algo
08- Gizela
09- Village blues
10- Summertime
11- Trauma
12- Vicky

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Ara Tokatlian / Enrique Villegas - Inspiración (FLAC - 1975) Reedición 2023

 

 

Encuentro cumbre entre el talentoso saxofonista Ara Tokatlian, integrante y actual lider de Arco Iris, y el inmenso pianista de jazz Enrique "Mono" Villegas. Esta particular relación musical quedó plasmada en esta placa registrada en 1974, donde los músicos dan prioridad en las composiciones a la libertad de improvisacion que ofrece el free jazz. Mención especial para otro ex integrante de Arco Iris que participa en la grabación, el bajista Guillermo Bordarampé.

 

Aclaración: La versión del tema "Logré mi ser" de la reedición en cd 2023 vino incompleta (casi cuatro minutos menos). Por lo que incluí a manera de bonus la versión original en calidad mp3 (09:17), dado que no tengo dicho track en formato flac.

 

"Esta música surgió de mi en unas vacaciones en Necochea. Allí hay un desierto de dunas que recorri de noche y de día. En esa soledad se escucha el sonido del silencio (que no es utópico).
En noviembre del año anterior tocamos en un recital que incluía a Enrique Villegas. Inmediatamente pensé que esta música podría desarrollarla con él como con nadie. Fui a su casa y tocamos juntos. Poco después me encontré con el productor Walter Thiers y le propuse grabar el álbum con Enrique. Escribí el material en tres días y al cuarto estábamos ensayando junto con Guillermo Bordarampé en el bajo. Cuando salimos a la grabación buscábamos el mejor rango sonoro y largábamos. Hay tomas en las que posiblemente haya errores pero está tan bien logrado el clima que las dejamos así. En uno de los ternas, "Marítimaria'', que lo compuse con Dana, Enrique trabajó con un acompañamiento de piano tipo arpa, y los bajos funcionan corno pedales armónicos y sostenedores del resto melódico. Esto simboliza el mar con una imagen sonora ascendente, la espuma del mar la da el bullicio del saxo_ El mundo difícil y abismal quedan para el piano y el bajo y el saxo se convierte en una energía positiva que corta y encauza. Y aunque los otros das instrumentos están marcando el centro de esa espiral su punto de elevación es el sonido del saxo. Otro de los temas es 'Camino de Sarmarkanda" y representa la sequedad, la soledad de ese desierto que mencioné. Todos estas cera-- posiciones tienen un comienzo melódico previsible y escribible, y a partir de allí se liberan los instrumentos y terminan en solos que resumen la emotividad del hombre ante el mar y el desierto. El terna que de título el álbum es "Inspiración", hay en él una voz femenina (Dana) y es un cántico a la exaltación de todos los hombres por esa necesidad de creación a la que se llega después de una depuración. Para hacer todo esto conté, además de Dana, con tres grandes colaboraciones: Enrique Villegas, un ejemplo de autenticidad musical, corno no he visto jamas. Guillermo Bordarampé, al que me gus-taría destacar, ya que el bajo es un instrumento olvidado porque tiene una frecuencia sonora que se escucha poco. Y el tercero es Gustavo Santaolalla, que se encargó del sonido y de captar desde el control lo que yo quería. Pero mi orgullo principal es haber trabajado con Enrique. Es un honor para mi ser el tercer músico de vientos que llega a tocar con él (los otros fueron Paul González y W. Cook). Muchos se preguntarán por qué no hay percusión. Si tendría que explicarlo de alguna manera, diría que esta música que hice trata de ser una elevación desde la tierra. y los instrumentos de percusión, la misma forma de tocarlos, tienden a penetrar en la tierra. Esta música en cambio tiene algo así como un pulso que le da ritmo. Pegarla a la tierra hubiera sido impedir que esa espiral, de la que hablaba, tome vuelo".

Ara Tokatlian (Revista Pelo-1974)

 

 

 Músicos:

Ara Tokatlian: Saxo tenor, soprano, flauta, bandura
Enrique Villegas: Piano
Guillermo Bordarampé: Contrabajo, percusión
Dana: Guia espiritual

Temas:

01- Camino a Samarkanda
02- Sombra de los dorados budas
03- En la ola de tus ojos
04- Maritimaria
05- Danara
06- Logré mi ser

07- Logré mi ser (Versión completa en Mp3)

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Jorge López Ruiz - Coraje Buenos Aires (FLAC - 1973) Publicado en 2023

 

 

 

Coraje Buenos Aires fue grabado en 1973, concebido como una continuación del histórico Bronca Buenos Aires (1971). Más explícitamente que su predecesor, los textos de Coraje denunciaban las atrocidades de la junta militar que gobernaba el país, y el álbum fue inevitablemente censurado antes de su lanzamiento. Las cintas, que se pensaba que habían sido quemadas y perdidas para siempre, fueron descubiertas recientemente en el archivo del fallecido Jorge López Ruiz, lo que nos permite finalmente escuchar Coraje 51 años después de haber sido grabado. 

 

"La continuación de la obra maestra que hizo el jazzero argentino Jorge López Ruiz en 1969, “Coraje Buenos Aires” no estaba perdida como se creía. A través del documental "Legado Pionero" se hizo oficial que se conserva una copia de “Coraje Buenos Aires”, segunda parte de “Bronca Buenos Aires”, la obra magna del contrabajista Jorge López Ruiz que fue prohibida durante la dictadura militar de Alejandro Agustín Lanusse junto a “El Grito”.
Pablo López Ruiz, familiar e ingeniero de grabación, tiene el master original de “Coraje Buenos Aires” en sus manos y está trabajando en la edición y recuperación del material que, por lo que nos contó, no tiene mezcla ni edición. Todavía no hay certezas sobre la fecha de publicación, pero ya hay personas interesadas y el suceso promete ser otra dignificación del legado de uno de los grandes músicos argentinos.
“El Grito” (1967), “Bronca Buenos Aires” (1971) y “Coraje Buenos Aires” (1972-73) son las suites que compuso “El Flaco” López Ruiz en respuesta a los gobiernos militares de Juan Carlos Onganía y Roberto Marcelo Levingston. Las primeras dos fueron quitadas del mercado y, según se conocía hasta ahora, el sello RCA había quemado los masters de la tercera antes de que se editen para evitar represalias del ejército. En el séptimo episodio de Legado Pionero, la serie documental de Archivo Armusa sobre grandes jazzeros argentinos de la década del ’50, se develó oficialmente que Jorge, fallecido en diciembre de 2018, guardó secretamente una copia del álbum.
En la entrevista hecha al Flaco para el documental él se muestra inconforme con la obra: “nunca las segundas partes fueron buenas”. Alegaba que, en comparación a “Bronca”, los textos en spoken word también escritos por José Tcherkaski no tenían tanta fuerza y que a su vez no habían podido ensamblar una orquesta tan grande como en el álbum predecesor.
Jorge López Ruiz fue trompetista, contrabajista, compositor, arreglador y director de orquesta. Desde obras de culto del jazz bonaerense entre los 60s y 70s hasta los grandes éxitos de Sandro y Leonardo Favio, “El Flaco” estaba ahí atrás, orquestando o improvisando. Recomendado por Astor Piazzolla estudió con Alberto Ginastera, compositor reconocido mundialmente, y llegó a componer bandas sonoras para decenas de películas tanto argentinas como estadounidenses. Sus discos cotizan altísimo en el mercado de coleccionistas y no es para menos, además de las obras de protesta vanguardistas “El Grito” y “Bronca Buenos Aires” publicó varios álbumes de fusión como “Viejas Raíces”, “Folklore ¿Por Qué No?” y “Un Hombre de Buenos Aires” en los que se involucraron músicos del ámbito folklórico a la altura de Domingo Cura, Dino Saluzzi y hasta el violinista tanguero Antonio Agri. Su álbum debut “B.A. Jazz” (1961) es un LP fundamental del bebop porteño, una representación sin filtros de las jams en los clubes de la ciudad.
López Ruiz es reconocido por amantes de la música en todo el mundo y eso se debe principalmente a la indomable “Bronca Buenos Aires”, su obra inspirada por Arturo Jauretche, quien lo animó a expresar ese enojo contra gobiernos dictatoriales en las partituras. Acompañado por textos escritos y recitados por José Tcherkaski tiene palabras y compases viscerales que expresan el estado mental de un argentino con libertades suprimidas.
Este llamado al levantamiento popular no podía ser permitido en tiempos de dictadura y, luego de una única presentación en vivo, fue prohibido. Hasta 2013 no se volvió a editar en Argentina, aunque sí en el resto del mundo. López Ruiz pudo presentarlo en vivo y recibir diversos homenajes en los últimos años antes de morir". 

 

Agustín Wicki - lucumafan.medium.com (2021)

 

 

 

 Músicos:

 

Jorge López Ruiz: Composición, arreglos, dirección musical

José Tcherkaski: Textos, recitado

Jaime Prats: Saxo tenor
Hugo Pierre: Saxo alto
Santiago Giacobbe: Piano
Ricardo Lew: Guitarra
Pocho Lapouble: Batería
Jorge López Ruiz: Contrabajo 

Coro:

 

Donna Caroll
Romana Farrés
Mabel Miceli
Enrique Varela
Mario Orliac
Mariano Grisiglione

 

Temas:

 

01- Pido perdón por los muertos (Primer Movimiento)

02- Creo que ayer me asesinaron (Segundo Movimiento)

03- ¿Quiénes tendrán la vida por delante? (Tercer Movimiento) 

04- Coraje Buenos Aires (Cuarto Movimiento)

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Quinteplus - Quinteplus (FLAC - 1971/72) Reedición 2007

  

 
La historia de Quinteplus tiene sus comienzos en el año 1969 y su música esta mas emparentada con el jazz que con el rock, de todas formas sus talentosos integrantes reconocían y practicaban un amplio abanico de influencias musicales. Mediante su tecladista, Santiago Giacobbe, (que utilizaba piano eléctrico Fender) fueron pioneros en la incorporación de sonidos eléctricos al jazz.
Esta edición, publicada por el sello Vampi Soul en 2007, contiene el único disco de estudio grabado por Quinteplus (menos un tema), mas cuatro tomas en vivo registradas en octubre de 1972 en el teatro Santa María del Buen Ayre.

Quinteplus fue una suerte de supergrupo integrado por los jazzeros criollos Gustavo Bergalli en la trompeta, Jorge Sanders en el saxo, Santiago Giacobbe en los teclados, Jorge Gonzalez en el bajo y la batería de Carlos Pocho Lapouble. Fueron una de las bandas más solidas del jazz argentino de los setenta. Tocaron mucho en directo pero grabaron muy pocos discos, sólo dos, uno en estudio (“Quinteplus”) y otro en directo (“En vivo”), que tuvieron escasa repercusión, sobretodo porque su propuesta musical y su estilo se adelantaron mucho a su tiempo. Pero así es como se escribe muchas veces la historia de la música.
Surgido en un momento en el que en las venas de los músicos argentinos parecieron mezclarse sanamente con alguna inyección de rock, los Quinteplus se dejaron llevar por la transformación arrolladora del jazz que por esos días soplaba gente como el Gato Barbieri, pero de una manera mucho más fresca y relajada.
Tambien es evidente la influencia del Miles Davis más eléctrico –el “Silent way” y el “Bitches Brew” están muy presentes- y del jazz-rock que por aquel tiempo hacía su aparición. Esto no era excusa para que no se interesasen, ademas, por los ritmos folkloricos argentinos. “El pasito de Nano”, “La vuelta del Elefantor”, “Loberman, el hombre lobo”, o “Blackman, el justiciero”, títulos que de paso permiten contestar también aquella pregunta de Frank Zappa acerca de si música y humor pueden ser compatibles. Ah, un lugar bien destacado se gana la versión imperdible del clásico “Los ejes de mi carreta” de don Atahualpa Yupanqui.

 

"Fueron una de las bandas más sólidas del jazz argentino de la década de los setenta. Tocaron mucho en directo pero grabaron muy pocos discos, sólo dos, uno en estudio (“Quinteplus”) y otro en directo (“En vivo”), que tuvieron escasa repercusión, sobretodo porque su propuesta musical y su estilo se adelantaron mucho a su tiempo. En su música se conjugaba un jazz con evidentes influencias del Miles Davis más eléctrico –el “Silent way” y el “Bitches Brew” están muy presentes- y del jazz-rock que por aquel tiempo hacía su aparición. Esto no era óbice para que no se preocupasen por la música de su Argentina natal, y de esta manera también se interesaban por el trabajo de, por ejemplo, el folclorista y cantante Atahualpa Yupanqui, del que hacen una introspectiva versión de su célebre “Los ejes de mi carreta”.
Estos discos, grabados el primero en 1971 y el segundo un año después, mantienen un vigor y una frescura sorprendentes; es más, si se hubiesen grabado en este año a (casi)nadie sorprendería. La música de Quinteplus iba desde el ya mencionado folclorismo a escarceos con el free, como en “La vuelta de elefantor”, pasando por los sonidos que recuerdan a Herbie Hancock y sus Headhunters, en piezas como “Loberman, el hombre lobo”.
Esto es jazz compacto, vital, tocado por músicos imaginativos que creían en lo que hacían. Una magnífica oportunidad de descubrir a un quinteto deslumbrante".

José Manuel Pérez Rey (distritojazz.es)

"En realidad, un día apareció el Negro González y nos dijo: “Muchachos, ¿por qué no dejamos por un tiempo de tocar ‘Las hojas muertas’ y nos ponemos a componer nuestros propios temas?”. El único que entonces lo hacía en el jazz argentino era Rodolfo Alchourrón. Y nos largamos a componer, todos: Pocho Lapouble –el baterista–, Giacobbe, el Negro, Bergalli y yo. Sucede que a mí me gustaba mucho el tema de Yupanqui, y le hice un arreglo. Pero lo gracioso fue que la prensa nos rotuló como banda de rock, quizá porque Giacobbe tocaba el teclado Wulitzer, lo más moderno de aquellos días..."

Jorge Anders (Saxofonista de Quinteplus)

 

 

Integrantes:

Gustavo Bergalli: Trompeta
Jorge Anders: Saxo tenor
Santiago Giacobbe: Piano eléctrico
Jorge Gonzalez: Bajo, contrabajo
Carlos Pocho Lapouble: Batería

Temas:

01- Loberman, el hombre lobo
02- Los ejes de mi carreta
03- Blackman, el justiciero
04- El marques (Parte 1,2 y 3)
05- El pasito de Nano
06- Zamba de mis pagos
07- El rapidón no se rinde (Grabado en vivo, 1972)

08- Pochoclito (Grabado en vivo, 1972)

09- Ode to Billy Joe (Grabado en vivo, 1972)

10- José Blues (Grabado en vivo, 1972)

 

 

Formato: FLAC - 14.100 Hz / 16 Bits  

pass: naveargenta.blogspot

  

El Trío - Todo En Su Medida y Armoniosamente (FLAC-1974)

 

 

Pocho Lapouble, Ricardo Lew y Adalberto Cevasco, tres de los musicos mas importantes del jazz argentino conformaron "El Trío" que en el año 1974 grabaron este único album. En el se fusionan distintas corrientes musicales como el rock, el funky, el bop y ritmos autoctonos como la milonga y el cuplé. Uno de los discos mas interesantes y menos conocidos del jazz-rock vernáculo. Recomiendo especialmente este trabajo por el alto nivel de ejecución de sus musicos y por lo creativo de la propuesta compositiva.

 

"Rarísimo álbum de jazz-rock funk grabado en 1974 por algunos de los mejores músicos de jazz argentinos: Pocho Lapouble, Ricardo Lew y Adalberto Cevasco (miembros de Quinteplus y las bandas de Jorge Lopez Ruiz y Gato Barbieri entre muchos otros). Incluye el irresistible "Se acabó el recreo", un arrebatador y aceleradísimo corte de jazz-funk con aires rock, y los etéreos "Todo en su medida y armoniosamente" y "Haceme Shaft", con Patricia Clark en la voz e inesperados arreglos de moog.

Aquellos que estén familiarizados con el jazz de otras partes del mundo, estarán al tanto de los soberbios discos de jazz modal, big band y post bop grabados en Argentina durante los años 60. El trabajo llevado a cabo por músicos como Chivo Borraro, Jorge López Ruiz o Enrique Villegas podría rivalizar con el de sus colegas norteamericanos.

La década siguiente vería como se producía una apertura a la experimentación, desde un lenguaje jazzístico, y hacia otros géneros musicales, con una cierta preponderancia del elemento rítmico. Los miembros de El Trio forman parte de una generación de músicos de jazz con una mayor propensión a la inclusión de instrumentos eléctricos y a unos modos que más tarde se identificarían como "jazz rock". Música compuesta y tocada desde la lejana Buenos Aires al mismo tiempo que Miles Davis se aventuraba por nuevos territorios sonoros en discos como "In A Silent Way" o "Bitches Brew".

Todo en su medida y armoniosamente refleja ese mismo espíritu de experimentación y fusión de diversas influencias, pero con la mirada puesta tanto sobre el rock como sobre el folclore local. No debe resultar sorprendente que los protagonistas de esta grabación, Pocho Lapouble (batería), Ricardo Lew (guitarra) y Adalberto Cevasco (bajo), hayan acompañado al mismísimo Gato Barbieri en su proyecto "Latinoamérica", poco antes de la publicación de este disco, donde la presencia de ritmos del hemisferio sur impregnaba al jazz de vanguardia del saxofonista argentino. El baterista Pocho Lapouble también había creado Quinteplus, que en 1972 grabó un único álbum de estudio bajo esas mismas premisas de jazz fusión. Este disco fue originalmente publicado por el ecléctico sello argentino Music Hall en 1974 y, con toda probabilidad, distribuido (y vendido) en pequeñas cantidades, de ahí la rareza de este álbum y su actual precio desorbitado en el mercado del coleccionismo".

 

 

 

Integrantes:

Ricardo Lew: Guitarras (electrica, española, acustica)
Adalberto Cevasco: Bajo - piano en 2,4,5,6,8
Pocho Lapouble: Bateria - piano en 1,2

Invitada:

Patricia Clark: Vocal (temas 4 y 8)

Temas:

01- La petichita hace lo que puede
02- Albarraseis
03- Quien se llevo a mi negra?
04- Todo en su medida y armoniosamente
05- Contextos oblicuos
06- Milonga 'N Roll
07- Se acaba el recreo
08- Haceme Shaft

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

 pass: naveargenta.blogspot

 

 

Horacio "Chivo" Borraro - Cuarteto En Vivo (1960 - Publicado 2021)

 

Una joya rescatada del jazz argentino hace solo un par de años (2021). Se trata de una actuación en vivo del cuarteto del "Chivo" Borraro en la Facultad de Ciencias Exactas de la UBA, el 12 de noviembre de 1960. Aquí pueden escucharse los standards "Round Midnight", de Thelonious Monk y Cootie Wiiliams; "If I Were a Bell", de Frank Henry Loesser; y "I Love You", de Cole Porter; y un original del Chivo Borraro titulado "Blues". Sonido impecable para un registro histórico de la época de oro de nuestro jazz.

12 de noviembre de 1960, Facultad de Ciencias Exactas de la UBA, en su antigua sede de la Manzana de las Luces, corazón de Buenos Aires. Allí toca el cuarteto de Horacio Chivo Borraro (saxo tenor), que completan Fernando Gelbard (piano), Jorge López Ruiz (contrabajo) y Eduardo Casalla (batería). Ahora son todas leyendas del jazz argentino, pero en ese momento eran jóvenes músicos (ninguno llegaba a los cuarenta años) y estaban dando sus primeros pasos, en una época en la que no era nada sencillo grabar un disco.

Hay que decir que tampoco era usual registrar conciertos; la técnica de grabación en vivo no estaba desarrollada. No se editaban álbumes de actuaciones con público a excepción de grandes orquestas tocando en salas de concierto piezas sinfónicas, pero en la música popular era absolutamente infrecuente. Muchas de las grabaciones en vivo que tenemos de los años anteriores a los '70 fueron tomadas de transmisiones radiales o televisivas, o sea que no fueron hechas ex profeso para ser publicadas como discos.

En ese sentido, estos cuatro largos tracks (cuarenta minutos exactos de música y aplausos) son un tesoro único. Nos permite acceder, más de sesenta años después, a un momento de oro del jazz argentino, cuando todo estaba por suceder, en un ámbito, el universitario, que también atravesaba uno de sus períodos más fértiles, que iba a durar hasta la triste Noche de los bastones largos, en 1966.

Tres standards y un blues firmado por Borraro constituyen el tracklist del disco producido por el pianista, Gelbard, que se dedicó a esa actividad desde su exilio de 1976 en California. Con predominancia solística del saxo y del piano (no hay solos de contrabajo ni de batería), el disco permite entender en qué lugar estaba Borraro más de una década antes de Blues para un cosmonauta, el disco que presentamos recientemente como Disco del Mes

Un disco imperdible para los amantes del jazz y en particular para quienes estén interesados en la historia del género en la Argentina.

Club Del Disco

 

 

 

Integrantes:

Horacio "Chivo" Borraro: Saxo tenor
Fernando Gelbard: Piano
Jorge López Ruiz: Contrabajo
Eduardo Casalla: Batería

Temas:

 

01- Round Midnight

02- If I Were a Bell 

03- Blues

04- I Love You

 

Formato: Mp3 - 320 Kbps

pass: naveargenta.blogspot

Jorge Lopez Ruiz - JLR interpreta a JLR (1966)

 

 Segundo álbum de Jorge López Ruiz, en el que toca sus propias composiciones al frente de un quinteto increíble, donde brillan las primeras figuras del jazz argentino de esos años. Grabado en 1966 y producido por Alfredo Radoszynski, director del sello Trova.

 

"Desde la portada nos sonríe un joven Jorge López Ruiz y, pequeño a la izquierda, se lo puede ver de perfil tocando su contrabajo. A los 31 años presentaba su segundo disco, y ya llevaba un tiempo pulsando las cuerdas de ese instrumento, luego de haber comenzado en el jazz como trompetista. El disco que grabó hace 55 años incluía sólo música escrita por él, lo que nos da una idea del perfil de este músico que pronto iba a descollar como arreglador y compositor de Sandro, quizás su rol más famoso en la industria de la música, aunque también cumplió trabajos similares para otros grandes números como Piero o Leonardo Favio, y compuso y grabó música para muchísimas películas argentinas y extranjeras a lo largo de varias décadas. También, sólo un año después, en 1967, publicaría El grito, una suite para big band que sería un impacto por su originalidad y que marcaría un nuevo camino que desembocaría en Bronca Buenos Aires, de 1970, con un claro perfil político.

Pero, volviendo a este, su segundo álbum con música propia, contiene en poco más de media hora ocho temas que ya son parte de la historia del jazz argentino. En el comienzo, el track más largo del disco, "Presencia", dedicado a la memoria del Bebe Eguía, legendario saxofonista ya muerto hace tiempo en 1966, comienza con una larga introducción de acordes tríada en el piano que ya nos hablan de un lenguaje alejado de la tonalidad tradicional. En efecto, cuando comienza el tema propiamente dicho notamos la fuerte influencia de Miles Davis y su Kind Of Blue en estas tierras. Pocos acordes y melodía claramente modal, lenguaje que se continúa en "Pablo", el track 2. Luego, la "Oda para mi niña" (track 3), mucho más dulce, juega con ambigüedad entre el 4/4 y la subdivisión ternaria, y "Línea para una película", frenética, algo bopera, cierra lo que en el vinilo original era el Lado A. El segundo lado inicia con "El día de la carrera" (track 5), donde se retoma el espíritu de los primeros dos tracks del disco y tiene un claro sabor davisiano de fines de los '50, comienzos de los '60, si eso fuera posible.

Más allá del análisis tema por tema, este álbum es una notable foto de lo que era el ambiente del jazz en la Argentina, o en Buenos Aires, mejor dicho, a mediados de esa convulsionada década del 60. Se escucha muy bien, la duración tiene que ver con la limitación del LP de vinilo, y la edición no trae bonus tracks (imposibles de conseguir, por otra parte). Leyendas del jazz local como el baterista Pichi Mazzei o el pianista Buby Lavecchia completan la base rítmica con López Ruiz. Los vientos los grabaron Rubén Barbieri (trompeta, hermano del mundialmente famoso Gato) y Marito Cosentino (saxo alto). Los cinco son legendarios, todos fueron además compositores y no sólo de jazz, y en el caso de Pichi Mazzei, por ejemplo, no es tan fácil conseguir grabaciones de él tocando, no con esta calidad por lo menos."

Fuente:clubdeldisco.com 

 

 

 

 Músicos:

Jorge López Ruiz: Contrabajo, composición, arreglos
Rubén Barbieri: Trompeta
Marito Cosentino: Saxo alto
Bubby Lavecchia: Piano
Pichi Mazzei: Batería 

Temas:

01- Presencia (Bebe Eguía In memoriam)

02- Pablo

03- Oda para mi niña

04- Línea para una película

05- El día de la carrera 

06- Jota Ese

07- Marieta

08- Amigo Bud

 

 

Formato: Mp3 - 320 Kbps

 

pass: naveargenta.blogspot

Buenos Aires Jazz Fusión - Volumen 1 + Bonus (1981-1998)

 

 

 En 1981, Néstor Astarita, Baby López Furst, Fats Fernández, Litto Nebbia, Rubén Rada y otros músicos de primera línea se unieron para desarrollar una propuesta por demás interesante: la de generar una música emparentada directamente con el Río de la Plata, pero desde los territorios del jazz. El resultado, música ciudadana de alto vuelo, con mucho ritmo, y solos hechos a la medida de tal fusión de músicas.

 

"Buenos Aires Jazz Fusión es un proyecto, justamente de jazz fusión, de los más emblemáticos de Argentina. Nace en 1981, liderado por el baterista Néstor Astarita, quien encabeza la idea, que constaría de una agrupación de distintas bandas y formaciones de jazz que se unirían para dar distintos conciertos, tanto en capital federal como por el interior del país. De este movimiento participaron grandes músicos de la escena nacional (argentina), el saxofonista Chivo Borraro, el pianista Jorge Navarro, el trompetista Fats Fernandez, el pianista Horacio Larumbe, entre otros. Entre Abril y Septiembre de 1981, Néstor Astarita encabeza el lanzamiento de un álbum que también se llamaría ‘Buenos Aires Jazz Fusión’, este lanzamiento seria el símbolo de esta pequeña/gran movida que promulgaba el jazz y el jazz fusión; que era encabezado por Atarita pero que contaba con muchos aportes que por detrás formaban todo el proyecto.

La grabación del primer volumen de ‘Buenos Aires Jazz Fusión’ se dio entre Abril y Septiembre de 1981, en los estudios ‘ATC’, con excepción de algunos temas particulares que fueron grabados en estudios ‘Fonema’, y fue publicado ese mismo año. Este lanzamiento cuenta con el aporte especial de muchos músicos de enorme calidad, que se sumaron a la grabación para contribuir con su visión personal y así de reafirmar aún más la idea original del proyecto, que es la de un grupo de amigos haciendo jazz. De este lanzamiento participarían: Bernardo Baraj en saxo, Dino Saluzzi en bandoneón, el uruguayo Jorge ‘Negro’ Gonzales en contrabajo, Lito Nebbia en voz y teclados, Norberto Machine, Roberto ‘Fats’ Fernandez en trompeta, Ruben ‘Baby’ Lopez Furst en piano, Norberto Minichilo en vibráfono, el uruguayo Ruben Rada en voz y percusión, Horacio ‘Chivo’ Borraro en saxo, y obviamente Nestor Astarita en batería. De estos asombrosos nombres surgiría el sonido de este primer lanzamiento, un grupo de músicos provenientes de distintos extractos y estilos, pero unidos con la misma idea de música libre. En este ambiente descontracturado, las distintas visiones, influencias y estilos, de los tantos músicos participantes se van volcando y unificando, surgiendo así un sonido sin identidad fija; aparecen extractos de candombe, milonga, zamba, afro, tango, sonidos obviamente latinoamericanos, unidos bajo la fusión de un jazz sin fronteras ni límites. 

Los temas están constituidos no tanto por estructuras fijas sino por ambientes y pasajes improvisados, instrumentales, inciertos. Hay una característica como de eventualidad en el sonido, de sesión improvisada en el momento, lo que le da a las estructuras de los temas una amplitud y calidad mayor; esto pareciera ser el resultado propio de la improvisación de un grupo de músicos de enorme nivel que parecen crear los temas en el momento, con soltura, sin mayor esfuerzo…Si hay algo de, por así decirlo, ‘estructurado’ en el sonido es por las aportaciones Lito Nebia, que es un músico acostumbrado también a la canción propiamente dicha, a la composición de canciones, aportando en esta caso también un par de temas de su autoría, con estructuras más sencillas a lo que se escucha en el resto del disco pero con esplendidas armonías que están a la altura del jazz fusión que hacen en su totalidad. Otro aporte de Nebia, sumado por supuesto también a Rubén Rada, seria en la voz, ambos aportan sus voces en las letras y otros agregados vocales que tiran en las sesiones.

Tras algunos años, 1998, un nuevo grupo bajo la misma idea de ‘Buenos Aires Jazz Fusion’, y siempre liderados por Astarita, grabó y publicó unos 4 temas más, estos fueron publicados junto a una reedicion en cd del primer volumen lanzado por la banda, todo en el mismo disco. Estos temas nuevos fueron grabados en Estudio ‘Nuevo Mundo’, de Buenos Aires, durante los comienzos de 1998, y demuestran un sonido más íntimo y relajado, más abocado al jazz particularmente, y con fusiones de otros estilos no tan abrupta, sino mas sutiles.

Lamentablemente hay muy poca información precisa circulando sobre los pasos de este grupo y sus presentaciones en vivo, según dicen el proyecto siguió funcionando hasta hoy en día inclusive, cuando siguen tocando en vivo. Actualmente, está integrado por el baterista Néstor Astarita , Bernardo Baraj en saxos, Alejandro Kalinoski en piano, el bajista Bucky Arcella y Pocho Porteño en percusión."

 

Fuente de información: delicias psicodelicas.blogspot

 

 

 

Musicos Que Participan:

Néstor Astarita: Batería
Bernardo Baraj: Saxofón
Dino Saluzzi: Bandoneón
Jorge "Negro" González: Contrabajo
Litto Nebbia: Voz, Teclados
Norberto Machline: Piano
Roberto "Fats" Fernández: Trompeta
Rubén "Baby" López Furst: Piano
Norberto Minichillo: Vibráfono
Rubén Rada: Voz, percusión
Horacio "Chivo" Borraro: Saxofón
Alejandro Kalinoski: Piano
Bucky Arcella: Bajo
Pocho Porteño: Percusión

Temas:

01- Telmo San
02- Deseos Para José
03- Tema Para Trane
04- Toledo
05- Un Hombre, Un Amanecer
06- Desde Muy Abajo

Bonus Tracks (1998):

07- Abril
08- Amargueti
09- De Entre Casa
10- Tan Cálida y Tormentosa 

 

 

Formato: Mp3 - 320 Kbps

 

pass: naveargenta.blogspot 

 

 

Aquí En Formato FLAC:

 

https://naveargenta.blogspot.com/2025/11/buenos-aires-jazz-fusion-volumen-1.html 

 

Lois Blue - Lois Blue (Vinilo FLAC - 1972)

 

 

Paradojas de nuestro país: la mejor cantante del jazz argentino, es practicamente desconocida por muchos escuchas. En su extensa trayectoria, llegó a grabar este único long play en 1972, acompañada por el cuarteto de Jorge Anders. El disco fué editado por el sello independiente Redondel, bajo el número de serie SL-10509. El ripeo compartido en esta publicación pertenece a esa primera edición del vinilo original. 

 

"Muy pocos recuerdan a Lucía Claudia Augusta Bolognini Míguez, nacida el 23 de agosto de 1912, y bautizada mucho después como Lois Blue en el territorio del jazz. Quizá porque su vida musical se constriñó a bares y reductos de iniciados, y por razones culturales y de época no accedió a grandes teatros. La chica rubia había partido hacia una interminable excursión del canto desde un hogar donde mamá era poeta y papá pintor y fundador de la escuela de Bellas Artes de Cuba 1823, que lleva su nombre. Instalada primero en la ciudad de La Plata, Lucía Claudia Augusta se radicaría en esta capital, donde se recibió de maestra normal y estudió piano. Parece ser que varias personas debieron intervenir en ese año 1935 para empujarla a cantar en el Alvear Palace Hotel, y luego en la audición "Astros y estrellas del jazz", en Radio La Voz del Aire. El otro espaldarazo fue durante sus vacaciones en Mar del Plata, en el Torreón. Se lo dio Rudy Ayala al proponerle cantar junto a su orquesta. Estos pasos le permitieron acceder a Radio Belgrano, donde empezó cantando junto a un grupo de piano, trompeta, guitarra y contrabajo, y donde participó en varios programas que le abrieron las puertas para ingresar en el ancho mundo de la célebre conductora Blackie. Tras su paso y ulterior grabación por el recordado grupo Santa Paula Serenaders, se encuentra a Lois cantando -como siempre: acompañándose en piano- en Radio Splendid.
A partir de 1944, y por tres años, alcanza a grabar 23 temas con la Orquesta de Jazz de Héctor Lomuto. Lois se desempeñó como actriz en algunas películas argentinas ("Días de odio", "El cielo en las manos", "La patrulla chiflada", "La voz de la ciudad", "Suegra último modelo") y tanto en la televisión como en el teatro se consideró notable su vis actoral. Como compositora cabe recordar temas como "Romance para trompetas" y variada música tropical para películas de Blanquita Amaro, Amelita Vargas y Alfredo Barbieri. Como un hito de su carrera quedará su actuación de cantante solista en la orquesta de Cab Calloway, en Montevideo, donde incluso hizo dúo con el músico en "St. Louis Blues" y "Rosa Madreselva".
Nestor Astarita, que supo regentear el bar Jazz & Pop, de la esquina de Chacabuco y Venezuela, la recuerda como una cantante-música, al estilo Tony Bennett, Joao Gilberto, Ray Charles. Porque "tocar con ella era estar con otro músico con el cual se entabla una conversación musical. Lois era capaz de zapar desde las 9 de la noche hasta las 4 de la mañana. Lo más importante para ella era improvisar. Uno de los mojones de su trayectoria es el disco que grabamos con Jorge Anders (clarinete, saxo y dirección), el negro González (en contrabajo), Santiago Giacobbe (en piano) y yo en batería". Astarita la recuerda como "una flaca rubia de ojos claros que era amiga de todos los músicos, empezando por el Mono Villegas, a la que siempre veíamos acompañada por su hija. Su repertorio era amplísimo, desde Ellington, Porter y Gershwin hasta páginas de música moderna, incluso temas como "Las hojas muertas". Nunca dejó de cantar. Sólo le importaba eso en su vida". Lois Blue supo unir desparpajo y musicalidad. Como el gran Villegas."

René Vargas Vera

 

 

 

"En el mundo entero han sido —y son—muy pocas las verdaderas, las auténticas cantantes de jazz. El aislamiento de los grandes centros jazzísticos hizo que sólo la "elite" argentina sepa que nuestro país se vio, en un determinado momento, favorecido con varias cantantes que sabían sentir y no sólo decir el jazz. Más asombroso aún resulta que quienes así sentían la música negra eran blancas, contrariamente a lo que sucedía en el país de origen de esta música. Por eso, desde sus comienzos, cuando los grandes del jazz pasaban por Buenos Aires y escuchaban cantar a Lois Blue no podían comprender cómo conseguía expresar con tanta justeza su música esta mujer blanca que, además, no había vivido, en su real dimensión, la angustia del negro, su dolor latente y reprimido, su añoranza, fluyendo en cada nota de su genuina expresión musical.
Y es que Lois Blue, escuchando a las viejas cantantes de color -desde el disco, por supuesto— había descubierto que todo su ser se estremecía ante el nostalgico latir de la raza que vibraba en cada una de las inflexiones de su canto. Ella reconoce que Ethel Waters fue su maestra. Nosotros pensamos que, más que su maestra, fue la inspiradora de un estilo que, recibido el pri-mer impulso exterior, se canalizó por cauces personales. De un estilo que la convierte, con el tiempo, en una creadora, y en el que no es posible distinguir reminiscencias. Por eso es que Louis Armstrong, el gran Satchmo, luego de haberla escuchado, al descubrirla en la platea la noche de su despedida de Buenos Aires, la hace subir al escenario para que comparta con él la ovación de esa noche.
Y Duke Ellington, en otra oportunidad, se sienta al piano para acompañarla en su "Solitude".
Y Cab Calloway canta con ella en el Teatro Solís de Montevideo.
Y Coleman Hawkins... Y Roy Elridge... y Gene Krupa...
Los "y" podrían seguir un largo rato porque todos los músicos de jazz que llegaron a Buenos Aires y dexcubrieron a Lois Blue, sintieron que pertenecía a su núcleo, al núcleo de aquellos a quienes el jazz les nace de adentro.
Por eso, quienes hace años —bastantes, dice ella— escuchábamos a esa joven rubia de voz negra que nos hacía estremecer en nuestro asiento, al volver a escucharla hoy, nos damos cuenta que nada ha cambiado.
Porque el paso de los años puede perjudicar a un cantante deteriorando su voz, pero Lois no es una voz, es un sentimiento. Y los sentimientos no se destruyen tan fácilmente.
No nos asombra, entonces, que los jóvenes de hoy la aplaudan en sus presentaciones con el mismo entusiasmo con que nosotros la aplaudíamos. Ello nos da la seguridad de que tanto los jóvenes como los mayores se sentirán transportados, al escuchar este disco, a ese mundo peculiar de Lois en el que se mezclan armoniosamente la nostalgia de "Misty" o de "Según pasan los años" con la agilidad de "Tengo ritmo" y con la acariciante expresividad del clásico "Summertime", Todo ello en el marco creado por Jorge Anders, uno de los nuevos valores de nuestro jazz, con la valiosa colaboración de tres músicos de la jerarquía de Santiago Giacobbe, de Jorge González y de Néstor Astarita. Un marco que se compenetra con la cantante en el acompañamiento y pasa a un primer plano de elevada jerarquía cuando la voz está ausente."

Carlos Mayon - Escrito interior de álbum

 

 

 

Musicos Que Participan:

Lois Blue: Voz

Jorge Anders: Saxo tenor, clarinete

Santiago Giacobbe: Piano

Jorge González: Bajo

Néstor Astarita: Batería

Carlos Piriz: Técnico de grabación

Temas:

01- I’ve got rhythm (Gershwin)
02- She’s funny that way (Moret-Whiting)
03- But not for me (Gershwin)
04- Misty (Garner)
05- Summertime (Gershwin)
06- Saint Louis Blues (Handy)
07- Body and soul (Green-Heyman-Sour-Eyton)
08- As time goes by (Hupfeld)
09- Sweet Georgia Brown (Bernie-Pinkard-Casey)
10- Mood indigo (Ellington-Mills-Bigard)

 

Muestra Gráfica De La Grabación Sin Pérdida De Audio Original

Ripeado De Vinilo

Formato: FLAC (Free Lossless Audio Codec) 48.000 Hz - 16 Bits

 

pass: naveargenta.blogspot