Pajarito Zaguri - En el 2000...(también)...(FLAC - 1994)

 

 

Uno de los discos mas representativos de esta leyenda del rock y blues porteño. Muy cuidado en su producción y con invitados ilustres, Pajarito despliega aquí sus múltiples variantes compositivas: Rock And Roll, Blues, Rhythm and Blues, Tango, Milonga...Todo bajo la personalidad interpretativa de este juglar de la bohemia urbana.

El "empaque" del cd original representaba la clásica caja de pizza de cartón (atada con piolín); el cd simulaba la pizza, además de traer servilletas, los clásicos palitos y la hoja del menú!!.

Incluí en la publicación el corto publicitario televisivo que promocionaba el disco (el cual sería impensado en la tv actual).

"En el 2000… también" (1994), es un disco en el que Pajaro se acercaba a una superproducción sin perder la espontaneidad del vivo. Acompañado de Alejandro Medina en bajo y Black Amaya en batería y con figuras de la talla de Claudia Puyó (voz); Jorge Pinchevsky (violín); Gabriel Jolivet y Nacho Smilari (guitarras); Zaguri interpreta trece temas que van desde el más puro rocanrol: 'Un camión de Rock and Roll'; blues de alta factura: 'La claridad', 'Chamuyando los blues' (con Bocón Frascino y Tito Larrosa hablando de sus ídolos musicales); Rythm & Blues en 'Floresta' (el hit del disco). El título del álbum, citando a Discépolo, da una pista de la orientación que hay en algunos temas: en 'Una misteriosa canción' recrea de forma antológica una milonga; en 'Rock burlón y compadrito', dibuja un nexo entre el tango y el rock, evocando al Polaco, el Morocho y Pichuco; y en 'Porteñito del campo' se manda con un tango hecho y derecho. El álbum se editó con un original envoltorio que simulaba una caja de pizza. "A mí se me ocurrió esa idea cuando no existía el cd - contaba el músico - Lo pensé en realidad para un long play, como un disco guardado en una caja de pizza de verdad. Yo venía hablando con un amigo mío que aún trabaja en la pizzería Las Cuarteta, y me decía: 'Si lo hacés, no puede faltar esto o esto otro….' Y al toque aparece el cd, y bueno… Lo tuve que sacar en cd, pero con los detalles, eso sí…".

Mario Cuevas

"El disco está repleto de las brillantes ocurrencias de Pájaro, desde el packaging, que era como una caja de pizza en miniatura hecha de cartón, con piolín y manchas de grasa incluidos. Cuando le comenté al cantante que el arte del disco me había parecido tan acertado como original, me dijo que su idea había sido utilizar una caja de pizza auténtica, en la cual entraba a la perfección un LP de vinilo. Pero claro, la demora en grabar había sido tanta que en el ínterin el formato había cambiado, y el concepto tuvo que adaptarse al tamaño de los CD. Casi una metáfora de las eternas postergaciones a las que fue sometido a lo largo de su carrera. Otra de sus impares ocurrencias está en el tema “Chamuyando los Blues”, donde reemplaza lo que serían los solos instrumentales de rigor en cualquier blues, por “solos de chamuyo” realizados por otros dos “underdogs”, integrantes perennes del underground, Tito Milanesa y Bocón Frascino, quienes remedan una charla de bar sobre tópicos bluseros".

Claudio Kleiman

Músicos Que Participan:

Pajarito Zaguri: Voz, alguna guitarra por ahí
Alejandro Medina: Bajo
Black Amaya: Batería
Alberto Abuelo: Guitarra Rítmica

Y Además...!!:

Claudia Puyó, Jorge Pinchevsky, Nacho Smilari, Blusero León, Tito "milanesa" Larrosa, Osvaldo "Bocón" Frascino, Gabriel Jolivet, Rocky Rodriguez, Guillermo Trápani, Jorge Capello, Ricchie Curtet, Pablo Martin, Gerardo, Chupete

Temas:

01- Super Rockero
02- La claridad
03- Descanso de filmación
04- Floresta
05- La tibieza del blues
06- Aguantame el amor
07- Rock burlon y compadrito
08- Porteñito de campo
09- Un Pájaro pesado
10- La misteriosa canción
11- Chamuyando los blues
12- Un camión de rock'n'roll
13- Floresta 2
14- Avenida Rivadavia (Bonus)  

 

 

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Almendra - En Vivo en el Teatro Del Globo (FLAC - 1969)

 

"Debutamos en Buenos Aires en el Instituto Di Tella en el mes de marzo de 1969. Unos días después, el 7 de abril, hicimos nuestra segunda presentación en el Teatro Del Globo. Lo dirigía María Luisa Bemberg. Iniciábamos un ciclo en el que también participaban La Cofradía de la Flor Solar y otros grupos importantes.
Esa noche , blandiendo un Philips de cinta abierta apareció por la puerta del teatro Amadeo Alvarez, cantante del grupo In y cálido amigo. Apoyó simplemente el grabador sobre las tablas del escenario y registró nuestro segundo concierto en vivo..."

Almendra

 

"...De ese primer recital en el Di Tella no quedó ningún registro visual ni sonoro. No eran épocas en que grabar conciertos fuese algo usual. La fecha del Teatro del Globo (cuya directora por entonces era María Luisa Bemberg) era la primera de un ciclo en el cual, entre otros, iba a tocar también La Cofradía de la Flor Solar. Esa noche apareció en el teatro Amadeo Álvarez, cantante de Los “In”, una banda beat que por entonces la había pegado. Álvarez era amigo, y cayó sin consultar con un grabador Philips de cinta abierta. El aparato era una rareza en esa época. Lo colocó sobre el escenario y puso rec. La cinta capturó todo el concierto de esa banda de principiantes en sonido ambiente. Después nadie más supo nada de esa grabación. Tampoco hubo mucho tiempo para ocuparse de ella; los dos años que siguieron a esa noche fueron meteóricos: sesiones de grabación, lanzamientos, dos álbumes y varios simples, recitales y reviente. Ascenso, auge y separación. Para fines de 1970 Almendra ya había hecho historia y también se había separado.

“Años después, Amadeo le regaló esa grabación a Litto Nebbia”, contó García mucho tiempo más tarde. “Un día me llamó y me dijo `tengo una grabación que es impresionante´. Yo ni me acordaba que existía, y escucharla fue increíble. Después se filtró por algún lado y empezó a circular en forma pirata”. Dicen que el pirata de ese concierto era lamentable. Copia de copia de copia de algo ya de por sí grabado al voleo. En el año 2004, el diario Página 12 editó la cinta junto a Almendra y la convirtió en un cd. La grabación sigue siendo precaria, lógicamente. Pero funciona. En la hora y pico que dura, se llega a apreciar muy bien el ambiente que generaba la banda en vivo en ese momento previo al estallido. Hay algo íntimo en ese clima, un orden y una disciplina rara para el rock y para la edad de los músicos. También tiene algo de sesión de jazz que se escapa del formato “recital de rock” ya estatuido por aquella época. Ni hablar de lo que hoy pensamos como show. No hay protagonismo del público ni quilombo sonoro. Y, aunque incluye el que posiblemente sea el peor solo de batería de la historia, además la grabación contiene varias canciones de Almendra que quedaron afuera de los discos como Continuación del hielo en la ciudad, Mosca muerta, Vine al planeta y Chocolate. Respecto de esta última, Spinetta mencionó: “Esa canción la hice junto a mi novia de aquel entonces, Cris, quien me ayudó con la letra. Estábamos muy enamorados, podíamos pensar casi igual. Se nota la influencia de las lecturas de Cronopios, de Julio Cortázar, y, por sobre todo, los 19 años”.

Cuando salió el disco, en 2004, Spinetta dio una nota. Refiriéndose a la grabación dijo lo siguiente: “Pareciera estar marcada para siempre. `Voy a conquistar a las naranjas… voy a ser las flores y las sillas´, comienza diciendo una letra. Es increíble lo vigente que está en el pop en castellano una frase tan inocente como ésa. Luego agrega: `Voy a hacer poner el sol temprano, las estrellas se pondrán contentas´. Hay una búsqueda poética que por momentos no repara en redundancias, también admitámoslo, pero esas partes son las menos de un todo coherente de lirismo y emoción”. 

De ese año 69, de esa explosión que fue la primera época de Almendra, Spinetta contó: “No me acuerdo de nada, excepto de la sensación de entrar en el vértigo de crecer, como nos pasa a todos en esa etapa de la vida”. En el librito que viene con el disco los Almendra escribieron que se trataba de “un grupo de muchachos en estado de ensoñación musical y energía inconsciente”. En esas declaraciones hay un tono general de inconsciencia respecto del momento aquel. Sin duda, ninguno ellos sabía el significado de lo que estaban por hacer como banda. Seguramente la historia sucede casi siempre así, de manera más o menos inadvertida. En El Globo, esa noche de hace cincuenta años, todo eso que finalmente sucedió estaba apenas germinando".

Tomás Richards (revistapaco.com)

 

 

 

Integrantes:

Luis Alberto Spinetta: Guitarra, voz
Emilio Del Guercio: Bajo, voz
Edelmiro Molinari: Guitarra, voz
Rodolfo García: Batería, voz

Temas:

 

Los temas 3, 9 10, 11, 14, 15 y 16 nunca fueron grabados por Almendra oficialmente.

01- Gabinetes Espaciales
02- Tema de Pototo
03- Hombre de Luz
04- Campos Verdes
05- Que el viento Borró tus Manos
06- Plegaria para un niño dormido
07- Hoy todo el hielo en la ciudad
08- Fermín
09- Para que me sigas
10- Continuación de hoy todo el hielo en la ciudad (Cristina Bustamante)
11- Chocolate
12- Figuración
13- Ana no duerme
14- Mosca Muerta
15- Vine al Planeta
16- Desde el Alma

 

 

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Horacio "Chivo" Borraro - Blues Para Un Cosmonauta (FLAC - 1975) Reedicón 2022

 

 

Horacio "Chivo" Borraro fue, junto al Gato Barbieri, el saxofonista y clarinetista mas importante de aquella histórica camada de jazzeros argentinos surgida a principios de la década del 60. "Blues Para un Cosmonauta", editado en 1975 por el sello Trova, es uno de los trabajos mas trascendentes y experimentales de este notable músico. 

 

El “Chivo” Borraro, clarinetista primero y saxo tenor después, nació el 6 de octubre de 1921 en Buenos Aires, en el seno de una familia de músicos no profesionales egresados de conservatorio. Comenzó tocando en clubes de barrio cuyos bailes tenían por número principal a las orquestas típica y la jazz. El primer grupo de relevancia que integró, los Rythm Makers, fue una de las primeras experiencias porteñas de búsqueda del jazz puro, no bailable, que cultivaba el estilo Chicago. Gestada por estudiantes de la Facultad de Arquitectura, no editaron discos comerciales, aunque su nombre perduró por perseguir la supremacía de la práctica improvisatoria. Los Rythm Makers fueron al jazz de los 40 y 50 lo que las bandas alternativas al rock de los 90, con la diferencia de que ninguno de ellos logró ni quiso cruzar la línea que limita lo minoritario de lo masivo. Participó del Hot Club, del que se fue en franca disidencia en 1954, para integrar la primera gran banda moderna dirigida por Lalo Schiffrin.
En una carta personal reproducida en su autobiografía escribiría años después: “[…] diles a los miembros de la Comisión Directiva del Hot Club que les tengo lugar reservado en el arca que pienso construir, ya que es mi deseo que ninguna especie animal quede sin representación dentro de ella”.
En el Bop Club ganó año tras año la encuesta anual como mejor clarinetista, hasta que gracias al préstamo del baterista Pichi Mazzei pudo adquirir su saxo tenor.
En 1966 grabó su primer disco solista, El Nuevo Sonido del Chivo Borraro, en donde muestra su evolución estilística desde el Bebop al Hard Bop, una de las corrientes en las que derivó la modernidad temprana del bop.
Borraro fue uno de los pocos músicos que supo recorrer a lo largo de su carrera todo el espectro de estilos del jazz, desde el hot hasta el free y la fusión de los setenta. Participó en innumerables proyectos, gracias a su gran reputación como músico de sonido personal. Entre los propios pudo editar una discografía relevante perdida por muchos años, posteriormente reeditada por el sello inglés Whatmusic. El notable saxofonista, impulsor del jazz moderno en la Argentina, murió en Buenos Aires, el 31 de mayo del 2012, a los 90 años de edad.

"Horacio Borraro es ya suficientemente conocido en el ambiente musical y especialmente jazzístico de la Argentina; huelgan por lo tanto las redundancias en cuanto a su capacidad técnica y creadora. Pero en este disco singular, por momentos difícil y hermético, su musicalidad llega a niveles insospechados tanto al expresarse con el saxo tenor como cuando interviene con el órgano, piano acústico o electrónico, sintetizador, xilofón, percusión y flauta dulce. En "Líneas Torcidas", hermoso tema de gran lirismo, se amalgaman con perfección las intervenciones de todos los componentes del conjunto, resaltando la prístina inspiración de Stenio Mendes y el muy buen solo de Chivo Borraro. En "Blues para un Cosmonauta", el trío crea adecuadamente un clima cósmico con la superposición de los pianos acústico y electrónico y el sintetizador. En "Canción de Cuna para un `Bebé del Áño 2.000" oímos la mejor ejecución de Fernando Gelbard y los inspirados solos del Chivo, de elevada sensibilidad y gran belleza formal. En "La invasión de los Monjes" se manifiesta el peculiar misticismo de Stenio Mendes, quien toca y vocaliza admirablemente. Resaltan la percusión y los efectos de Astarita y Rossi. Fernando pone su talento y el Chivo amalgama introduciendo el jazz. En "Mi amigo Tarzán", son excelentes los efectos logrados al principio y al final. Fernando y Chivo brillantes. Se escucha la mejor intervención de González y un ritmo fascinante. El disco todo está ampliamente logrado: en el orientalismo de "Líneas Torcidas" y "La Invasión de los Monjes", en el lirismo Coltraneano de la "Canción de Cuna", en el clima extraterreno de los Blues y en el africanismo de "Mi amigo Tarzán", donde Borraro se retrotrae a sus vivencias de infancia recreando todo ello con un brillante psicologismo musical. Solamente un artista de privilegio puede llegar a niveles tan logrados de concepción armónica, acústica, rítmica y de clima como los que escuchamos en este long-play. Y Borraro —sin ninguna duda— lo es. Es de desear que fecundas experiencias musicales como ésta, se repitan en nuestra empobrecida discografía jazzística nacional".

Dr.Ismael De Forteza (Escrito contratapa del álbum-1975)

Musicos Que Participan:

Horacio "Chivo" Borraro: Saxo tenor, teclados, flauta, percusión
Fernando Gelbard: Piano eléctrico, sintetizador Moog
Stenio Mendes: Guitarra acústica (Craviola) (Temas 1 y 4)
Jorge Gonzales: Contrabajo (Temas 1, 4 y 5)
Nestor Astarita: Percusión (Temas 1, 4 y 5)
Miguel "Chino" Rossi: Percusión, efectos especiales

Temas:

01- Líneas torcidas
02- Blues para un cosmonauta
03- Canción de cuna para un bebé del año 2000
04- La invasión de los monjes
05- Mi amigo Tarzán 

 

Bonus Tracks:

 

06- Mi amigo Tarzán (Toma alternativa) 

07- Mi amigo Tarzán (Intro)

 

 

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Los Walkers - Los Walkers + Bonus (FLAC - 1967) Remaster. 2022

 

 

Con la publicación del primer álbúm de Los Walkers completamos esta magnífica serie de reediciones de la discografía del grupo, relizada por el Instituto Nacional de la Música (INAMU), junto a la supervisión técnica de Gustavo Gauvri. Una estupenda remasterización a la altura de la calidad del debút discográfico de esta agrupación, pionera del garage y el beat rock en la argentina.

El Instituto Nacional de la Música publica la reedición de los discos de Los Walkers como parte de la recuperación del histórico catálogo de Music Hall realizado en 2016. La edición comprende los tres discos LP editados entre 1967/1969 y, a modo de extras, las canciones incluidas en los 12 simples que editaron, más dos canciones inéditas, además de mezclas alternativas. Todo esto fue rescatado de las cintas master originales por Gustavo Gauvry, quien se encargó de la digitalización del material. La gráfica original también fue restaurada digitalmente. Editados en formato CD, se pueden adquirir por separado o en un Box Set. Todo el material es reeditado por Fonocal. Estos discos no habían sido reeditados desde su edición original, permaneciendo descatalogados por más de 50 años y son piezas codiciadas por coleccionistas, tanto en Argentina como en otros lugares del mundo, donde Los Walkers son considerados artistas de culto.

El inicio de Los Walkers se remonta a agosto de 1966, en el barrio de San Telmo. El grupo estaba integrado en un principio por Carlos Altamirano en voz, guitarra y armónica, Ignacio Tata en el bajo, Roberto Antonio en batería y Roberto “Rover” Jorge en guitarra, voz y teclados. Este fue, probablemente, el grupo más exitoso después de Los Gatos. Considerado el grupo "Mod" argentino por excelencia en aquellos años, su sonido tenia una clara similitud con agrupaciones inglesas de la epoca, como The Kinks. Su primer éxito fue "La Carta", un simple del que vendieron 80.000 copias, seguido por su primer Lp, The Walkers, notable éxito que se prolongó con "Gloria" y "Agarrate", dos simples editados en 1967. Les siguieron su segundo larga duración, Nosotros Los Walkers, de que contiene los simples "Tamborín Verde" y "Jennifers Eccles", publicado en 1968.
Ese mismo año fue cuando comenzaron algunos roces entre sus integrantes, que motivaron el alejamiento de Roberto Jorge e Ignacio, reemplazado por Polo Pereira de los Mockers y Machi Rufino, años después, bajista de Pappo´s Blues e Invisible. En 1969, la nueva formación sacó "Miel Silvestre" y grabó su tercer long play: Walking up con Los Walkers, incluyendo todas composiciones propias, que al vender menos de 1.000 copias representó un estrepitoso fracaso. Al año siguiente lanzaron el simple "Piensa en Mañana" y "Tiempo", ambos temas compuestos por Litto Nebbia, pero al no alcanzar el éxito esperado, el grupo se disolvió. 

"Muy cuidadosos de sus ropas y peinados, muy al día en la estética de las cubiertas de los LPs. No solo hacian una adecuada seleccion de los temas a interpretar sino que sus instrumentaciones y arreglos eran de los mas interesantes. Publican tres álbumes: "Los Walkers" (67) que contiene unos pocos temas propios y excelente versiones de "Gloria", "The Letter" y especialmente "Bad Women" con un simple pero atractivo trabajo de órgano y bajo. "Nosotros los Walkers" con 12 covers, y un resultado algo menos cautivador aunque de todas maneras bueno. Presentan "Tin Soldier", "Lady Madonna", "Jennifer Ecles", "Dear" y otros. "Rover" se aleja de la banda ocupando su lugar Polo Pereyra de Los Mockers, banda beat uruguaya. "Walking up con los Walkers" es, más allá de la antojadiza mezcla de idiomas del título, la mejor obra de la banda. Compuesta por Carlos Altamirano y Polo Pereira, se trata de un album con muy buenas melodas. La calidad que habian mostrado en sus anteriores discos en cuanto a arreglos e instrumentaciones es superada por lo demostrado en este. El tono general del disco gira alrededor del pop psicodelico y el nivel de calidad de los temas es muy parejo, dando como resultado una de las mejores obras de este estilo en Sudamerica. Los Walkers se resisten a cantar en castellano pero cediendo a las presiones de los nuevos tiempos y de la compañía grabadora, luego de la salida de su bajista, reemplazado por Machi (futuro Invisible) editan algunos simples en este idioma antes de separarse, entre ellos una graciosa y psicodelica versión de "Balada para un Loco" de Piazzolla. Debe reconocerse que los temas de este último periodo son de un nivel inferior".

 

 

 

Formación Original:

Roberto Jorge "Rover": Guitarra, voz, teclados
Carlos Alberto Altamirano: Voz, guitarra, teclados
Roberto Antonio "Coire" Lopez: Batería
Ignacio "Tata": Bajo

Temas:

01- Agarrate (Hold Tight)     
02- Solo Puedo Darte Todo (I Can Only Give You Everything)    
03- Fuera De Tiempo (Out Of Time)    
04- Tiempo Felices (Happy Times)    
05- Silencio (Autores: Rover-Carlos-Coire-Tata)    
06- Gloria    
07- La Carta (The Letter)    
08- El Principe Gaetano Del Monte (Autores: Rover-Carlos-Coire-Tata)     
09- Es Dificil Amarte (Hard To Love You)    
10- Mujeres Perdidas (Last Woman)    
11- No Puedo Decirlo (Autores: Rover-Carlos-Coire-Tata)     
12- Camino Del Tabaco (Tobacco Road)

Bonus Tracks:

13- Las Campanas De San Francisco (The Bells Of San Francisco)
14- Puedo Tocar El Aire
15- Ella Lo Tiene Todo (She's Got Everithing)
16- Hola, Te Quiero (Hello, I Love You)
17- Chica Triste (Sade Girl)
18- Trata De Verme (Try To See Me)
19- Llámame Relampago (Call Me Lighttning)
20- Verás Feliz El Amanecer (Darkest Before Dawn)

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Alakrán - Vagabundear (FLAC - 1989)

 

Fundada por el vocalista Mario Ian (ex Hellion) y el guitarrista Gady Pampillón (que al poco tiempo ingresaría a La Torre), Alakrán fue otra de las bandas que contribuyó al resurgimiento del Metal argentino en los ochenta. Su estilo estaba influenciado, como lo afirmaba el propio Ian, en la corriente del heavy metal europeo.Este es su primer trabajo discográfico, "Vagabundear", editado en 1989 por el sello Halley, publicado ahora en la nave en formato de alta calidad. 

 

 Alakrán comenzo su carrera presentándose en vivo en el circuito under, demostrando que el metal argentino tomaba cada vez mayor importancia. Cuando Gadi Pampillón entró a tocar con La Torre, su reemplazante fué Walter Curry. En 1989 logran producir y editar su primer disco, "Vagabundear" en 1989. El ex guitarrista del grupo, Gady Pampillón, aparece como invitado en el solo de "Si todo sigue igual (Enciéndelo)", Los principales temas fueron "Vagabundear"(que fue elegido como la mejor canción del año por los miembros de la revista "Metal") y la balada "Siempre que pienso en vos", el corte de distribución del álbum. El video-clip de "Vagabundear" funcionó como demo. En sus shows siempre tuvieron buena escenografía, imagen y sonido muy cuidados, lo que los llevó a ser comparados con bandas glam. "Yo creo que hay una gran confusión con la música de Alakrán. Nosotros hacemos heavy metal, y un heavy metal muy europeo; no hacemos glam, ni rock californiano, ni nada que se le parezca", (de Mario lan a la revista. Madhouse 3). Después de mucho batallar llegaron, en 1989, a la publicación de su primer állum "Vagabundear", producido de manera independiente y editado por Halley Records. Hicieron varias presentaciones junto a Tarzen y Rata Blanca. El gran salto lo dieron en febrero de 1990. al tocar como teloneros de Bon Jovi en el estadio Velez Sarsfield, que trajo un considerable aumento de público a sus actuaciones. También participaría del festival "Metal en Acción" en el estadio de Vélez a fines de 1990 junto a otras grandes bandas del metal argentino. Con la incorporación del tecladista David Rotemberg marcaron el inicio de una segunda etapa en la que lograron un sonido más sinfónico. Al regresar de una gira por Viedma, Rosario y Buenos Aires presentaron el clip del tema "Siempre que pienso en vos". En plena pre-producción del segundo material, la banda reemplazó al baterista por Pablo Naydón, de sólo 16 años. Desaparecieron durante algunos meses pero, a fines de 1991, editaron un nuevo disco que lo explicaba todo: "Otra vez en las calles", que incluía una versión del tema "Proud Mary" de Credence y la balada "Soy libre igual"; sin embargo esta placa no estuvo a la altura de las expectativas. Paralelamente, su primer álbum fue editado en México por un sello independiente. La banda finalmente presentó "Otra vez en las calles" en la Capital y el interior del país, pero no obtuvo repercusión. Siguieron actuando, pero las diferencias internas se hicieron más fuertes, hasta que en 1993 el grupo se disolvió.  

"Mario Ian contaba ya con una cantidad suficiente de horas de vuelo acumuladas en proyectos compartidos cuando decidió tomar las riendas de uno propio. En un momento en el que el glam metal y sus derivados comenzaban una lenta retirada, Alakran decidió despedirlo con honores y, de ser posible, mantener vivo su legado. Entre chispazos guitarreros a velocidad Harley («Si todo sigue igual (Enciéndelo)»), himnos a la libertad individual (el tema que da nombre al disco) y power ballads con crescendo épico («Siempre que pienso en vos»), Vagabundear es bastante más que un ejercicio de estilo. Con el disco ya publicado, Alakran comenzó 1990 teloneando a Bon Jovi en Vélez en su primera visita al país y cerró el año como parte del festival Metal en Acción, esta vez junto a Hermética, Riff, Kamikaze y Horcas, todo un correlato de la parábola que recorrió la música pesada local y el propio grupo en menos de doce meses".

Revista Rolling Stones

 

 

 
Integrantes:

Mario Ian: Voz, guitarra acústica
Walter Curry: Guitarra lider, coros
Yulie Ruth: Bajo, coros
Ricky "Griego" Alonso: Batería

Múscos Invitados:

Mario Barbe: Teclados
Gadi Pampillón: Solo en "Enciéndelo"
Susan Car: Coros
Sergio León: Guitarras

Temas:

01- Vagabundear   
02- No Dejes De Brillar   
03- Siempre Que Pienso En Vos   
04- Alguien Nos Divide   
05- Vas A Ser Un Dominado   
06- Si Todo Sigue Igual (Enciéndelo)   
07- We Want More   
08- Rock And Roll Is Action   
09- Entre Cielo, Tierra Y Mar

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Serú Girán - Peperina (Vinilo FLAC / 24 Bits) 1981

 

 

 Grabado en los estudios ION y mezclado en Los Ángeles, Peperina nos muestra a Serú Girán en la cima de su popularidad, pero también atravesada por tensiones internas y la inminente partida de Pedro Aznar. Es un disco que respira el aire denso del final de la dictadura militar, disfrazando sus críticas con metáforas de fina ironía. Es el último trabajo de estudio antes de la primera gran separación del grupo. Un disco sin fisuras, brillante y sofisticado que, aún hoy, sigue sonando moderno.

"La canción homónima que le da el nombre al disco, inicia la travesía sonora. Trata acerca de la corresponsal en Córdoba de la revista Expreso Imaginario, llamada Patricia Perea. Siempre que tocaban en esa ciudad, ella calificaba la presentación como bochornosa. Se dice que cuando escuchó el tema por primera vez, acotó que Serú Girán seguía sin gustarle, pero que García era un buen sociólogo. Las estrofas, entran suavemente hasta la aparición rítmica que completa la agrupación.  Asciende potente hasta su mágico interludio, y desaparece repentinamente con fuertes palabras. Ya marcando una diferencia, “Llorando en el Espejo” representa la voracidad de las letras en una recia balada, siempre adornada con melodías cósmicas invaluables, entre acompañamientos contundentes. Ahora, “Parado en Medio de la Vida” es un río de tempo constante entre la voz principal, y una acústica acicalada por un piano eléctrico brillante. “Cara de Velocidad” se despierta entre una clara muestra de música clásica y poder instrumental. Se mueve vertiginosamente, hasta el solo impetuoso de guitarra sin perder la rapidez. Luego, de golpe, se presenta “Esperando Nacer”, que navega entre melancolías desatadas por la nostalgia, y los colores de la década plasmadas en acordes plaqué. Sin más, un solo desquiciado nos eleva hasta los últimos intensos minutos. Aquí, otro piano desconcertado rinde tributo a “Veinte Trajes Verdes”, que viaja sideralmentehacia las exponentes imágenes de un film. Como “Cinema Varieté”, que describe la seducción del mundo efímero en sus oraciones más cuantiosas. Arpegios de una armonía eminente, que cortejan al vocalista para deslizarnos en un sinfín de pasajes entornados por matices.
“En la Vereda del Sol” exhibe sonidos ambientales y cinemáticos, para darle el carácter a la obra. Las voces corren por doquier, e inevitablemente, se siente un aire alegre en las estrofas y en el estribillo. En “José Mercado” la percusiónsolo es un detalle, para darle espacioa un sólido groove eléctrico. Sonidos experimentales de diversos sintetizadores, atraviesan las letras en cada frase. “Salir de la Melancolía” es el espacio de virtuosismo para el bajo. Se mueve conformando la armonía, y marcando el ritmo con la batería. Los arreglos se destacan por la ejecución despiadada de un maravilloso fretless.  “Lo que dice la lluvia” es quizás, un final impredecible para tan magnánimo ensamble de composiciones trascendentes. Con un piano perspicaz, al que se suman melodías disparadas sintéticamente. Incandescente conclusión de eufonías espaciales, superpuestas por una mente solícita.
En principio, cuando Charly García y David Lebón compusieron los temas de este disco, García pensó que se trataba más de una película que de un LP. Por eso se le ocurrió la idea de poner en el recital una pantalla gigante, proyectar videos grabados especialmente, y que el grupo tocara en penumbras, acompañando a esas imágenes. Finalmente, la idea fue descartada porque el techo del estadio era demasiado bajo: la pantalla iba a tapar gran parte del escenario y ellos iban a quedar casi completamente ocultos. Por eso, se percibe notablemente el concepto arraigado en su creación. Pareciera también, que la diversidad en las composiciones aleja la homogeneidad del ensamble general, pero solo es otra muestra de la formidable creatividad que el grupo mantenía. Y a pesar de las críticas de todo tipo, se ha mantenido en el inconsciente colectivo de los seguidores durante por cuarenta años, denotando sus atributos en la performance de estudio de cada uno de sus virtuosos integrantes".

Jerson Ricardi ( nacionprogresiva.wordpress)

 

"En 1978 Seru Giran daba sus primeros y titubeantes pasos en la escena nacional. Lentamente, el grupo fue imponiendo la nueva línea musical que tantas resistencias había encontrado en los primeros tiempos. Hoy, esa música está impuesta, el grupo institucionalizado y es considerado como el más popular. "Peperina" tiene las marcas familiares de toda la música de Seru Giran: canciones melancólicas, melodías agradables sobresaltadas por algún riff ardiente, y las mismas falencias de producción que el grupo arrastra desde su primer trabajo discográfico. La gran estrella de este álbum, que ya se venía insinuando en "Bicicleta", es David Lebón. Sus composiciones son cada vez mejores, y si bien no está en el nivel de García, sus temas tienen una especie de candor muy particular. Es, además, el que mejor canta en el grupo —y uno de los mejores del rock—, y sus progresos con la guitarra se sienten con aplastante recurrencia. "Parado en el medio de la vida" tiene toda la inocencia y el misticismo que Lebón puede imprimirle a sus canciones; "Esperando nacer" (con letra de García) es un blues muy caliente en el que Lebón "derrite" las notas en una intensa intervención en guitarra. "Cara de velocidad" tiene un riff frenético y es el tema con más energía de todo el álbum. "Peperina" representa el aporte testimonial de Gárcía, aunque tal vez el viaje esta vez sea más introspectivo. "Cinema verité" refleja la capacidad de García para contar sutilmente la realidad. Sin la homogeneidad de "La grasa de las capitales", el álbum más compacto de Seru Giran, "Peperina" es un buen long play que no decepcionará a los seguidores de la banda, pero que inevitablemente plantea algunos interrogantes sobre el futuro. La inclusión de algunas canciones parece forzada y desvirtúa el contexto del álbum. "José Mercado" fue una audaz y lograda apelación en su momento, pero ahora, en el contexto de la realidad en la que aparece, resulta inocentemente banal. "20 trajes,verdes" y "Lo que dice la lluvia" son instrumentales que si no hubieran estado, nadie lo hu biera lamentado. Con momentos brillantes y también de opacidad, esta "Peperina" se digiere con facilidad. Para Seru Giran llegó el momento más difícil: están en la cima y lo que hagan puede hacerlos afirmar o tambalearse. "Peperina", en ese sentido, puede ser un toque de atención; como esa extraña y aguda señal que se escucha al comienzo de la segunda estrofa de la primera canción..."

 

Revista Pelo - Reseña del álbum (1981) 

 

 

 

 
Integrantes:

Charly García: Pianos acústicos y eléctricos, sintetizadores, órgano, Moogs, voz
Davíd Lebón: Guitarra eléctrica y acústica, percusiones varias, voz
Pedro Aznar: Bajo eléctrico clásico y fretlees, contrabajo, teclados, guitarra acústica, voz
Oscar Moro: Batería, percusión

Temas:

01- Peperina   
02- Llorando En El Espejo
03- Parado En El Medio De La Vida
04- Cara De Velocidad
05- Esperando Nacer
06- 20 Trajes Verdes
07- Cinema Verité
08- En La Vereda Del Sol
09- Jose Mercado
10- Salir De La Melancolía
11- Lo Que Dice La Lluvia

 

 

Ripeado De Vinilo

 

 

Formato FLAC (Free Lossless Audio Codec) 48.000 Hz / 24 Bits

 

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Telmo y Su Pandilla - Rock And Roll 69 (1969)

 

 

 

Telmo es una figura de culto dentro del rock and roll clásico en Argentina, conocido por su fidelidad al sonido de los años 50 y 60. Su música se caracteriza por ser un rock and roll puro y tradicional, fuertemente influenciado por figuras como Elvis Presley y Chuck Berry. Aunque desarrolló gran parte de su carrera en una época donde el rock argentino (más progresivo o de autor) ganaba terreno, Telmo se mantuvo como un referente del estilo clásico y bailable, actuando frecuentemente en circuitos de clubes y salones. Los discos que grabó en su intermitente trayectoria son muy valorados hoy en las plataformas de coleccionismo; este es el primero de ellos, registrado en 1969 en el sello RCA-Vik. 

Incluí en esta publicación el primer simple que grabara como "Telmo y Los Stones" en 1968, bajo el sello Music Hall.

 

Pedro Telmo Carranza, alias Telmo o Telmo Rock, fue un importante cantante y músico perteneciente a la generación fundacional del rock en Argentina. Telmo hizo muchas presentaciones en televisión, principalmente desde la segunda mitad de los 60, en ciclos como "Escala musical", "Sábados de la bondad" y más adelante "Feliz domingo para la juventud". A fines de los 60 grabó un disco simple para el sello Music Hall con su banda Telmo y Los Stones, un tema en un compilado de RCA, y para el mismo sello un lp mítico llamado Telmo y su Pandilla - Rock And Roll 69. Se basaba principalmente en éxitos del rock and roll de los 50 y 60 y alguna adaptación.
A fines de los 70 un simple para el sello CBS nos descubre su faceta melódica, mientras seguía con sus presentaciones de perfil rockero en lugares varios y en TV.
En 1983 editó Telmo y Sus Rockeros, que ya incluía varias composiciones propias, y una banda que incluía a Yalo López, Black Amaya, Nicky Jones, Daniel Bollert y Jorge Jacobellis bajo la producción de Rubén Amado.
Tras grabar un disco que nunca fue editado, se produce un largo paréntesis discográfico hasta que en la primera mitad de la década del 2000 publica, bajo el seudónimo Telmo Rock, dos cds independientes homenajeando a Elvis Presley y a Johnny Rivers. En ambos participa su hijo, el músico Julián Carranza. En el segundo se ocupa de tocar todos los instrumentos. En la actualidad Telmo se encuentra alejado de la vida pública.  

 

 

 

Músicos que participan:

 

Sin datos concretos.

 

Temas: 

01- María

02- No me busques mas

03- Zapatos de gamuza azúl

04- Enriqueta (Henrietta)

05- Que dije (What I say)

06. Tutti Frutti

07- Jenny, Jenny

08- Oh, mi amor

09- Agujetas de color rosa

10- La plaga

11- Listo Teddy

12- Lucía

 

Bonus Tracks:

 

13- Mi chica (Telmo y Los Stones / Simple Music Hall - 1968)

14- Nosotros decimos si (Telmo y Los Stones / Simple Music Hall - 1968)

 

 

Formato: Mp3 - 192 Kbps

 

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Alma y Vida - Vol. 1 + Simples (FLAC -1970 / 1971) Remaster. 2004

 

 

Pioneros del jazz-rock en la argentina, Alma y Vida publica su primer álbum en 1971 bajo el sello RCA, donde se observan las influencias de bandas como Chicago y Blood, Sweat & Tears. La sección de vientos tiene un rol preponderante, junto a la particular y poderosa voz de Mellino. Esto le brinda a la agrupación un sonido inédito hasta ese momento en nuestro país. El disco contiene clásicos como "Mujer, gracias por tu llanto" y "La Gran Sociedad", sin embargo hay temas muy atractivos como el intenso "Veinte Monedas" o la breve jam "Y…Esto?". Sin embargo el gran tema del album es "Lagrima de ciudad" con sus mas de nueve minutos de gran intensidad lirica en la voz de Mellino y virtuosos pasajes sonoros con aires jazzeros a cargo de la banda. Las letras del disco alternan temáticas amorosas con otras de neto compromiso social y político, elementos que serán característicos en las líricas de toda la carrera del grupo. 

Además de los bonus tracks que contiene esta edición, incluí los temas del primer simple grabado por el grupo en el sello Mandioca (1970). 

"...En cuanto al repertorio, los temas se trabajaban mucho en los ensayos. En general alguien aparecía con una idea y le íbamos dando forma. Uno proponía una frase, otro una respuesta, "acá los caños por qué no hacemos esto..." y el tema se iba ensamblando. Gustavo por lo general traía sus temas más armados, ya que él había estudiado armonía y composición e introdujo la mecánica de traer las cosas con mayor elaboración previa. Diría que de la combinación de ambos métodos salió todo el repertorio de este primer álbum. Bueno, y después alguno se ocupaba de hacer la letra. Los letristas éramos Moreno, Esteban Mellino -el hermano de Carlos, que era también nuestro manager- o yo. Si no recuerdo mal, el álbum lo grabarnos en T.N.T. de la calle Moreno. Grabar siempre tuvo un encanto muy particular, pero este LP debut fue algo especial para nosotros: era la concreción de un sueño. Porque aunque tuviésemos un espíritu un poquito más profesional y un par de años más que el resto de los músicos de rock, éramos todavía muy jóvenes, y era toda una experiencia nueva esto de ponerse a armar una banda, preparar el material y meternos a grabar. Estábamos muy felices y con toda la energía al servicio de eso. Se grababa en cuatro canales y claro, no había las posibilidades técnicas que hay ahora, donde todo se puede solucionar fácilmente. En aquel entonces, si tenías que compaginar algo o había que pegar tal parte con tal otra, se cortaba la cinta con...una tijera, era como una operación de alto riesgo, donde siempre existía el peligro de que se estropeara algo. Pero los técnicos eran muy habilidosos; tenían mucha experiencia y resolvían muy bien las cosas.
En cuanto a los temas, "Mujer, gracias por tu llanto" fue uno de los primeros clásicos de Alma y Vida, una balada bien al estilo de Carlos Mellino, con letra mía. "La gran sociedad" fue ganadora del Festival de la Canción de Mar del Plata. La banda mostró siempre en sus letras una inquietud por las cosas que pasaban en el país. Sin manifestarnos en favor de una idea política en particular, nos hacíamos eco de toda esa cosa del cambio que estaba latente en aquel momento: la perspectiva de pensar un país mejor, una sociedad más justa. La letra de "La gran sociedad" es mía y hoy cuando la escucho me resulta un poco naif, pero de alguna manera pone de manifiesto esta inquietud social que estaba en nosotros. "¿Y...esto...?" fue medio como una "zapada" que armamos en el estudio, donde creo que hay un par de trompetas sonando juntas. Es un ejemplo de nuestro afán por la experimentación, al igual que "Lágrima de ciudad". Este fue uno de los primeros que armamos y es muy extenso, con varios solos, cosas que remiten al jazz, en fin, una mezcla de cosas. Alma y Vida siempre fue un grupo con afán de experimentar. Me parece una actitud muy sana y si escuchás esta música hoy, verás que ha resistido muy bien el paso del tiempo. Lo que lamento en cierta forma es que, debido a cierto malentendido con algún medio de prensa de la época, quedamos un poco marginados del movimiento de rock. Tenemos reconocimiento popular pero mi sensación es que hay una cierta élite del rock para la cual quedamos afuera de la historia, a mi juicio injustamente..."

Entrevista a Bernardo Baraj por Alfredo Rosso (2004) 

Integrantes: 

Carlos Mellino: Teclados, voz

Gustavo Moretto: Vientos, teclados, voz
Bernardo Baraj: Saxos, flauta
Juan Barrueco: Guitarras, voz
Alberto Hualde: Batería, percusión
Mario Salvador: Trompeta (solo en el primer simple)
Carlos Villalba: Bajo

Temas:

01- Mujer gracias por tu llanto
02- Me siento dueño del mundo
03- Imaginate hace tiempo
04- Realidad de sentir
05- La morada
06- Veinte monedas
07- Lágrima de ciudad
08- Y...esto?
09- La gran sociedad 

 

Bonus Tracks:

 

10- Siempre el ocaso (Single RCA-Vik /1970)

11- Sé felíz (Single RCA-Vik /1970)

12- Paula y Nicolás (Lado B, Single RCA-Vik /1971)

13- Niño color cariño (Lado A, Single Mandioca - 1970)

14- He comprendido (Lado B, Single Mandioca - 1970)

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Raúl Porchetto - Metegol / Televisión (FLAC - 1980/1981)

 

 

 

Metegol (1980) y Televisión (1981) son dos álbumes fundamentales en la carrera de Raúl Porchetto; marcaron su transición hacia un sonido más moderno vinculado al new wave y el pop rock en argentina. El grupo de apoyo que formó Porchetto en esta etapa incluía, nada mas y nada menos, que a Pablo Guyot, Alfredo Toth y Willy Iturri, que posteriormente se unirian a la banda de Charly García y luego formarían el exitoso trío G.I.T. Metegol fue un disco que modernizó el sonido de Porchetto, respecto a trabajos anteriores. El sucesor, Televisión, continuó y afinó esa exploración sonora hacia ritmos más bailables y electrónicos. Dos discos aclamados por crítica y público en su época, que innovaron el sonido del rock argentino en el inicio de la década del 80. 

 

"Los años de lucha han sido largos para Raúl Porchetto. Mientras que otros contemporáneos suyos conocen la panacea del éxito, y otros la acritud del anonimato, él se mantuvo en un espacio intermedio. En una especie de suspensión indefinida. Respetado por el público y los músicos, no consiguió, sin embargo, aunar todos los elementos que impulsan a un artista hacia la apreciasión masiva. No se puede ignorar la parte de culpa que él lleva en todo eso y que derivó en un proceso autocritico personal y profundo. Raúl Porchetto aprendió de sus limitaciones, de los esquinazos del sistema, y de la medida de su propio talento. Entonces estuvo preparado para buscar el impulso final. Todos saben que la consagración de un artista no es obra de la casualidad, y que, generalmente, son factores externos los que alimentan el proceso. Falta saber si habrá combustible suficiente. El primer paso está dado: Porchetto hizo su mejor álbum hasta la fecha. "Metegol" incluye la luminosa presencia de Pablo Guyot en guitarra, Alfredo Toht en bajo, y Willy Yturri en batería. Como en sus anteriores formaciones, Porchetto volvió a integrar una banda de músicos talentosos, dispuestos a jugarse a fondo por su música. Este álbum tiene la virtud de haber sido el catalizador de todas las posibilidades de Porchetto, y de la eliminación (esperamos que definitiva) de los clichés que arruinaron algunas de sus mejores interpretaciones. Este álbum marca un hito en la carrera de Porchetto, no sólo por el virtuosismo o la técnica con que fue grabado, sino porque significa un cambio sustancial en su dirección musical. Las canciones se han mantenido intactas, sin que los arreglos tuvieran el efecto distorsionador y nocivo de otros discos. Las melodías aparecen más cristalinamente, y cada uno de los solos fue puesto en el lugar y el momento adecuado. La nueva tendencia de Por-chetto es muy amplia, va desde el funk, pasando por el rock'n'roll, el blues crudo, todo sin desdeñar la fuente principal que es la canción. Por fin su voz se escucha con claridad y se pueden apreciar algunos hallazgos realmente válidos en los textos. Los músicos que lo acompañaron trabajaron con empeño y talento. Pablo Guyot es uno de los guitarristas nuevos más inte-resantes que han surgido. Su trabajo es medido y eficaz, pero denota un estilo personal basado en la técnica y el conocimiento de las posibilidades timbricas del instrumento. Alfredo Toth es un bajista con mucha experiencia musical, y en este disco se lo escucha tocar con unas ganas realmente sorprendentes. Willy Yturri es un baterista hábil y fuerte, y es uno de los pocos músicos que trasuntan la alegría que sienten al tocar. Iturri es como lo fueron otros nombres en el pasado, un nuevo hallazgo de Porchetto. "Metegol" es una de las ediciones nacionales más importantes de este año y sin ninguna duda no defraudará a los oyentes. Todas las expectativas han sido satisfechas y Porchetto tiene la mejor oportunidad de acceder al gran público". 

Revista Pelo - Reseña de Metegol (1890)

"Para Raúl Porchetto su auténtica carrera musical comenzó el ano pasado, cuando editó el apabullante "Metegol". Lo demás, el pasado, servirá para los historiadores y para él como el más primario aprendizaje. El resultado es "Televisión", el álbum de rock'n'roll más moderno que se haya hecho en la Argentina. ¿Por qué? Básicamente el sonido. Porchetto tiene una de las formaciones más completas y poderosas de la Argentina, y cuando se ponen en el estudio consiguen el mejor, el más acabado sonido que jamás haya logrado un grupo nacional. Porchetto está marcando un hito en la producción discográfica, y esto inevitablemente llevará a replantear conceptos a los grupos grandes (incluso más populares que el de Porchetto) respecto al sonido hecho-en-el-toilette que prolifera.
"Televisión" no es una invectiva contra el género, Porchetto es demasiado inteligente como para perder el acetato en un tema tan vapuleado. Su propuesta es inversa: el mensaje es para los que están delante de la pantalla, alienados por una realidad-fantasía que los comprime cada día más, y que sólo deja rectángulos de cuarenta centímetros para soñar con otra vida mejor, y a todo color. "Habrá días de sol" es la apertura de un álbum en el que mayoritariamente se percibe un sentimiento de escepticismo, de melancolía. Pero también tiene mensajes de esperanza. Porchetto cree en eso, y por eso abrió el long play con ese tema, donde el amor y el optimismo están subrayados por un riff alegre sostenido por los compactos vientos de Hugo Pierre y Beny Izaguirre. "Me siento bien" es una de las mejores canciones del álbum, sobre una base bien nueva ola Porchetto canta cansinamente: una verdadera pálida. "No me dejes caer" es una simple canción de amor donde la realidad asoma como el factor desestabilizante. Esta es una de las constantes literarias de todo el álbum. Porch-tto intenta cantar realidades y no transar con metalenguajes o viajes cósmicos. "Qué chatura señor" y "En el fondo del cielo" tienen mensajes claros, de angustia, pero de defender desesperadamente la esencia del hombre: su dignidad y el respeto por la vida. A esta altura no se puede adjetivar el trabajo del grupo de Porchetto, simplemente decir que ellos grabaron el mejor disco de rock nacional que se editó este año".

Revista Pelo - Reseña de Televisión (1981)

 

 

 

Integrantes:

Raúl Porchetto: Teclados, guitarra acústica, voz

Pablo Guyot: Guitarras

Alfredo Toth: Bajo, guitarra acústica, voces

Willy Iturri: Batería, percusión

 

Músicos invitados: Ver inerts de los discos

 

Temas - Metegol (1980):

01- Metegol
02- Nunca quise entender
03- Aquí el planeta
04- Dónde hay un cine
05- Empezando la vida
06- Cruzando Buenos Aires
07- Arriba aún está el cielo
08- Algo de paz
09- Todos contra todos
10- Truenos y rayos

Temas - Televisión (1981):

01- Habrá días de sol
02- No me dejes caer
03- Me siento bien
04- Que chatura, Señor
05- Televisión, ¿Está bien o está mal?
06- Eternos necios
07- Miedo de volar
08- Boletos, pases y abonos
09- Cruzando la calle
10- Libre de culpa y cargo
11- Para salir de la duda  

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Blue's Men - Prohibido Prohibir (FLAC - 1968)

 

Esta es sin duda la joya mas preciada del garage argentino. Blue's Men fue una efímera agrupación de fines de los 60, que llegó a grabar este único y maravilloso legado sonoro, editado originalmente en 1968 por el sello Odeón. Cantado enteramente en inglés, el álbum cuenta con la poderosa voz de Miguel Witis, a menudo comparado con Eric Burdon, e incluía versiones de, entre otros temas, ‘If I Were A Carpenter’ de Tim Hardin y ‘Hush’ de Billy Joe Royal, mas algunas composiciones propias como "Prohibido Prohibir" y "Reflections of a Sun Freakout". 

La reedición compartida en la nave fué publicada en 2003 por sello holandés Mystic, en vinilo de 10 pulgadas, e incluye nueve temas de la edición original.

 

"Imaginen a The Doors, con una pátina de The Animals, pero sonando en Buenos Aires, más precisamente en sus suburbios, en 1968. Eso es Blue’s Men, con un añadido: psicodelia casera, con un sonido único e hipnotizante. Durante años, Prohibido prohibir, el único álbum que grabaron, fue un tesoro para entendidos en memorabilia rockera: siempre fue un disco difícil de conseguir, casi imposible, un rasgo que contribuyó a esculpir su estatus de obra clásica maldita. Ahora que finalmente lo tenemos en nuestras manos, Prohibido prohibir actualiza su condición de obra maestra y más: a medida que avanza, es apenas comprensible que casi ninguno de sus integrantes haya seguido vinculado al mundo de la música y que su cantante, el impresionante Miguel Witis (actualmente fallecido) –para muchos, el «Eric Burdon argentino»: alcanza con escucharlo gritar para entender su sobrenombre– no haya sido una estrella local en su momento, con decenas de discos sobre su espalda. Mención especial para la versión de Hush, primer single de unos jóvenes Deep Purple que seguramente jamás se enteraron de esta relectura sucia y poderosa en manos de un quinteto argentino perdido en el tiempo". 

www.zonadeobras.com

 

 

Ficha Personal:
 
Miguel Witis: Este extraordinario cantante cuya voz adquiere, mientras canta, un brillo y tonalidades incomparables nació hace 21 años en Buenos Aires.
Desde muy chico comenzó a modelar su voz y estudiar música; toca piano y viola. Es estudiante de medicina. Anteriormente habla actuado en tres conjuntos. Es tanatico admirador de Ray Charles. Entre su tipo de música preferida ocupa un lugar preponderante el "negro spritual".

Oscar "Quique" Alvarado: También de 21 años, se dedicó desde muy joven a estudiar música; tal es así que en este momento está considerado como uno de los pianistas mas de onda. Toca además guitarra y bajo. También el se desempeñó en varios conjuntos antes de encontrar su verdadero camino junto a los Blue's Men. Admira a nuestro gran pianista Enrique Villegas. Le encanta la música barroca y en especial Bach. Su hobby es la electrónica.

Eduardo Levi: De 18 años, toca la guitarra; aunque es muy joven todavía, actuó anteriormante en cuatro conjuntos. Divide su actividad entre la guitarra, sus estudios de Ciencias Económicas y su hobby: viajar. También admira a Ray Charles y su música preferida es el "hot jazz".

Miguel Rosales: 20 años; cuando toca la batería se entusiasma tanto que a su alrededor parece que se hiciera el vacío. Adquirió experiencia en los cuatro conjuntos en que actuó anteriormante. Todo su tiempo lo ocupan: primeramente le batería y su hobby, que es el dibujo y la publicidad. Le encanta el ritmo "afro".

Cesar Paredes: Aunque no lo representa, tiene 18 años; toca admirablemente el bajo. También actuó en dos conjuntos antes de identificarse plenamente con los "Blue's". Es un fanático del jazz, y en los ratos libres se dedica a las chicas, su hobby predilecto (sic).

Extraido de la contratapa del álbum 

Integrantes:
 
Miguel Witis: Voz
Eduardo Levi: Guitarra
Oscar "Quique" Alvarado: Piano, órgano
Miguel Rosales: Batería
Cesar Paredes: Bajo

Temas:

01- No Time to Cry
02- Silencio
03- Tu Comprendes
04- Honey on the Vine
05- The Day the World Fried My Brain
06- If I Were a Carpenter
07- Prohibido Prohibir
08- Hermosa Nena
09- Reflections of a Sun Freakout

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Luca Prodan - Time Fate Love / Perdedores Hermosos (FLAC / 1981-1983) Remaster.

 

 

Time, Fate, Love y Perdedores Hermosos, recopilan una serie de temas grabados por Luca a su llegada a la Argentina, en su estadía en las sierras de Cordoba. Las grabaciones fueron realizadas en forma casera, entre los años 1981 y 1983. En ellas podemos encontrar canciones que posteriormente formarían parte de los discos de Sumo y covers de artistas internacionales como Canned Heat, Lou Reed, David Bowie y John Martyn. Las primeras ediciones en CD ese publicaron en 1996 y 1997 respectivamente; en 2019/21 se editaron estas versiones remasterizadas, que son las que les comparto en esta publicación.

 

"Aunque sean poco conocidos, los testimonios musicales de aquellos primeros días de Luca en Argentina vieron la luz a mediados de los '90, publicados por Silly Records, el sello de Las Pelotas. En 1996 salió a la calle Time fate love, el primero de los volúmenes, y al año siguiente fue el momento de Perdedores hermosos.
¿Qué decir de estos dos discos? Primero, que por la obvia razón de ser compilaciones de temas inéditos que fueron grabados en condiciones pobres, el sonido no es súper y -especialmente a Perdedores hermosos- hay que darles un tiempo de adaptación. Cuando la oreja se acomoda, ambos son discos matadores.

 

Time fate love muestra una faceta musical de Luca casi ignorada por el gran público: las canciones folk intimistas, todas ellas notables historias de -su- vida que ayudan a comprender una personalidad única (Like London es una canción terrible, háganse el favor de escucharla). Buena parte de los temas aquí presentes vienen en plan guitarra mas voz y no mucho más, y participan en varias canciones Germán Daffunchio y Alejandro Sokol, además del Sumo perdido, Ricardo Curte. Hay canciones urgentes como "Strange things", otoñales como "Brighton past", nostálgicas como "Lament" y tristes como "Time fate love". Todas ellas nos recuerdan la influencia notoria que tuvieron en Luca personajes como John Martyn, Bob Dylan, Nick Drake y Leonard Cohen.
En la otra punta están los temas que guardan una conexión más cercana con Sumo, y que tienen una dosis tribal y minimalista similar o incluso mayor a la que logró la banda luego. En ese grupo entran "Mount Etna Erupts" y "End of August", por ejemplo, aunque la mejor muestra sea "La pequeña muerte".
Lo que destaca en Time fate love respecto de Perdedores hermosos son las versiones de temas que luego fueron clásicos de Sumo. Tal es el caso de "Virna Lisi" (TV caliente), muchísimo más desnuda y despojada respecto de la que escuchamos en Llegando los monos; "Regtest" -con un par de cambios en la letra y Luca en acústica- y la versión definitiva de "Divided by joy", así en inglés, ejecutadas estas últimas dos por aquella histórica formación de cuarteto con Stephanie Nuttal en batería y Sokol en bajo.
Como dato para nada menor, vale destacar que todas las grabaciones que integran esta grabación pertenecen a 1981, es decir, a aquellos días de vida bucólica en Córdoba. En "Like London" se escucha perfecto el ambiente, y eso le da un toque de hermosura aun mayor a un disco de por sí emocionante.

 

Perdedores hermosos, aunque en todos lados sea señalado como una continuación de Time..., tiene sus diferencias marcadas. Detalle menor o no, las grabaciones comprenden un período de tiempo más largo, desde aquel '81 hasta 1983, por lo que además de Córdoba hay grabaciones de acá nomás, o sea, Hurlingham. También aparecen nuevos componentes de lo que ya era Sumo: Diego Arnedo y Roberto Pettinato aportan lo suyo en algunos temas, en especial el bajista, que figura en la mitad de los temas encargándose del contrabajo.
En este segundo volumen, mucho más denso que el primero, se encuentran también aquellas gemas folkies que había en Time, Fate, Love, como "Luces rojas" y "Nick's song". Y nuevamente aparece esa veta en los covers de "Soul love" de Bowie y "Solid air" de Martyn, en tanto que dos de las piezas claves del disco se ven favorecidas por la inclusión de un saxo: el cover de "Billy", de Lou Reed (qué belleza) y "Perdedores hermosos", la apertura del disco, con una letra tristísima inspirada en una obra de Leonard Cohen que lleva el mismo nombre. (De alguna manera, Time fate love se ve más espontáneo que Perdedores hermosos, pero como creo que analizar y comparar discos póstumos es una locura, mejor sigo analizando.
Los temas aquí son bastante largos, las letras son poéticas y descriptivas, e Inglaterra tiene de vuelta su lugar con "Lloviendo en Londres", una canción re-Sumo que podría haber estado en su primer disco tranquilamente. Los recuerdos de tiempos pasados para Luca también están en "Red lights" (imaginarán a qué luces rojas se refiere) y en la fundamental "Huyendo" (Running away), donde vomita toda su historia de fugas y nombra a Argentina como el lugar donde resucitó en 1981, donde mató a todos los loros y donde robó todo el sol.
Para cerrar, caigo en un pequeño detalle que resume un poco los discos. Miren las tapas. Chequeen las fotos. Ahí están los dos Lucas que conocimos, el cordobés y el de Baires. Aquellos años de regalo de los que hablaba la madre de Luca, también han sido un regalo para nosotros: artistas auténticos no se encuentran todos los días."

 

Santiago Segura - lamusicaesdelaire.blogspot.com

 

 

 

 Time Fate Love / Músicos y Temas:

Luca Prodan: Voz, guitarras, caja de ritmos, bajo
Germán Daffunchio: Guitarra, percusión, voz en "Brighton past"
Alejandro Sokol: Bajo en "Regtest", "Divided By Joy", "Lament" y "Time Fate Love"
Stephanie Nuttal: Batería en "Regtest" y "Divided By Joy"

01- Regtest (Happy Valley Rock)
02- Lament
03- Going up the country (cover de Canned Heat)
04- Like London
05- End of august
06- Brighton past
07- Virna Lisi (TV Caliente)
08- Strange things
09- La pequeña muerte
10- Mount Etna erupts
11- Divided by joy (Divididos por la felicidad)
12- Time fate love

Perdedores Hermosos / Músicos y Temas:

Luca Prodan: Voz , guitarra, melódica
Germán Daffunchio: Guitarra, coros (Temas 6 y 7)
Alejandro Sokol: Bajo, coros (Temas 6 y 7)
Diego Arnedo: Contrabajo (Temas 1,3,4,9 y 10)
Roberto Pettinato: Saxo (Temas 1 y 3)

01- Perdedores hermosos
02- Red Lights
03- Every Day
04- Raining in London
05- Reggae Blues
06- Billy (Lou Reed)
07- Nick's Song
08- Soul love (David Bowie)
09- Running Away
10- Solid Air (John Martyn)

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

pass: naveargenta.blogspot