El Sindykato - Vuelve A Tu País (Uruguay - 1974)

 

Vuelve a tu País es el tercer y último disco de El Sindykato. Aquí es aún más notable la inclinación hacia un sonido mas acústico. Ahora no solo está más incorporado el candombe sino también los ritmos folclóricos. La sección de percusión tiene momentos protagónicos al igual que los teclados, pero es la flauta el instrumento siempre presente, con interesantes pasajes solistas.

 

El Sindykato fue un grupo uruguayo de fines de los años 60 y primer mitad de los años 70, junto con Psiglo referente de esa época, aunque su estilo es más propio de los 60 por su orientación psicodélica que en algunos puntos recuerda a los grupos ingleses de fines de esa decada. Su música era un estilo de candombe, con rock y psicodelia. El primer ensayo de la banda tuvo lugar el 1 de setiembre de 1969 y participaron los cuatro integrantes fundadores: Juan E. Des Crescenzio , Miguel A. Livichich, Oscar Rial y J. Carlos Tizzi. Algunas semanas después se agregó al grupo Santiago Poggi. En el Festival de Musica Beat de Piriàpolis de 1969 obtuvieron el primer puesto con la canción "La fuga de la carbonería" (que fue censurada en algun medio uruguayo por supuesta apologia del delito), compuesta por su líder Miguel Livichich la cual relataba la célebre fuga del Penal del Punta Carretas de 1931. En este perìodo formò parte de la banda "Chichito" Cabral quien participò en la grabaciòn del tema "Montevideo" del primer LP.
Para el segundo álbum Miguel Livichich deja el grupo para formar Miguel y El Comite, se incorporan entonces Mario Poggi en flauta dulce y Háctor Tejera en tumbadoras. Juan de Crescenzio se ocupa de la voz solista. La orientación musical oscila entre el candombe, la canción melancólica y algunos aproximaciones al barroco. Dentro de las prolijas instrumentaciones hay que destacar un enfoque más acústico. La resultante es un álbum más reposado, sin la energía de Livichich, pero con una mayor elaboración musical.
"Vuelve a tu País" es el tercer y último disco de la agrupacion, que ahora debió sufrir la partida de de Crescenzio, Tizzi y Rial. Entrarían en sus reemplazos Mingo Roverano en batería, Bubby Paolillo y Water Venancio en bajo y Jorge Galemire en guitarra. Luego de la grabación de este muy buen LP, el grupo se separaría definitivamente.

"Las diferencias con los dos discos anteriores son muchas. Existe una nueva personalidad en composición, en interpretación y en la faz técnica. En lo primero, los temas van desde "De la pobres", que ya tiene casi un año de compuesto pero que fue retocado para la grabación, hasta "La feria" que es lo más reciente. En interpretación, dada nuestra modalidad de trabajo, donde todos colaboramos para preparar las interpretaciones, por lógica se han hecho sentir los cambios de integración. Y en cuanto a la técnica. dentro de las obvias limitaciones que impone el medio, creemos que Henri Jasa ha cumplido una labor digna de sus prestigios y a la que mucho le debe el disco". En general, hay acuerdo entre todos los "sindykalistas" en que este larga duración supera a los anteriores. "Se han subsanado deficiencias y además se ha experimentado con ritmos nuevos, como en la introducción de "Vuelve a tu país", explica. Esto último conduce la conversación hacia el ritmo del candombe, que constituye la palanca fundamental en las versiones de El Sindykato. La aclaración es que "hacemos candombe porque es nuestro, porque nos gusta y porque creemos que tiene muy buenas posibilidades. Pero tampoco estamos en una línea ultra nacionalista. Por eso también podrá verse que usamos otros ritmos y nos valemos de recursos provenientes de otros géneros". Como ya se ha dicho, a la par que se procesaba el disco, El Sindykato seguía avanzando. Prueba de esos avances los dará a fin de año, cuando grabe un par de temas con destino a un larga duración en el que el sello Macondo presentará a varios de los nombres más destacados del pop nacional. Escuchar "Vuelve a tu país" puede ser una excelente manera de quedarse aguardando la nueva placa."

                                                                                                       Nota Gráfica a El Sindikato (1974)

 

 

 

Integrantes:

 

Santiago Poggi: Teclados
Jorge Galemire: Guitarras
Mario Poggi: Flauta dulce
Héctor "Cacho" Tejera: Percusión
Mingo Roverano: Batería
Buby Paolillo: Bajo
Walter Venencio: Bajo

 

Temas:

 

01- Lena
02- Vuelve a tu pais
03- Que bien se ven
04- Caminjor Sanjor
05- Cancion de campear
06- De la pobrez
07- Teresita
08- Que fichufa
09- Siembra siembra

10- La feria 

Formato: Mp3 - 320 Kbps

 

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El Reloj - El Reloj II (FLAC - 24 Bits / 1976)

 

Esta es una obra superlativa del hard rock progresivo de Sudamérica. A diferencia de su primer álbum, que careció de una buena producción, El Reloj II significa un paso hacia adelante, tanto en la elaboración compositiva como en la faz interpretativa. De arreglos complejos y densos climas progresivos, el álbum requiere de una profunda atención por parte del escucha, para ir descubriendo, en sucesivas audiciones, su gran riqueza musical.
Último trabajo discográfico de El Reloj en su primera etapa como grupo; presentado en la nave bajo formato FLAC con una profundidad de 24 Bits.

 

La Zona Oeste de Buenos Aires empezó a tener una autonomía propia dentro del rock argentino desde que El Reloj demostró, a principios de la década de los '70, que no era estrictamente necesario presentarse en la Capital Federal. La banda debuta en el Cine Monumental en 1971, colmando su capacidad con 1100 personas y dejando gente afuera. Poco a poco, comienzan a dar recitales y a hacerse conocidos principalmente en el Oeste; tras un corto tiempo y por diferencias con el grupo Horacio "Tucata" Suárez, es reemplazado por Gregorio "Goyo" Felipes, como segunda guitarra. Continúan las presentaciones y un día antes de un recital importante en el Teatro Olimpia fallece Goyo, que es atropellado por un oficial de policía fuera de servicio y alcoholizado que huye del lugar, la banda se presenta ante 1500 personas rindiéndole un homenaje a su amigo. Tras un largo parate se incorpora Osvaldo Blanco como segunda guitarra, presentándose en el Teatro Astral y en varios lugares con gran convocatoria.
Al tiempo, tras la partida de Osvaldo Blanco, se incorpora Osvaldo Zabala, que tocaba en una banda llamada Perro Salado, como segunda guitarra de forma definitiva, presentándose en el Teatro Coliseo, Teatro Regio, en boliches y en cines, llenándolos sin material editado y sin publicidad; simplemente por el boca en boca, logrando un sonido fuerte, potente y distorsionado, realizando entre 4 o 5 shows por noche; como el show en el boliche Los Indios de Moreno, que tocaron ante 3000 personas a las 8:00 de la mañana. La popularidad del grupo, produjo el interés de las compañías discográficas, y es el productor Leo Rivas quien los lleva a RCA Víctor, que los recibe de forma rara debido a su apariencia roquera.
Finalmente luego de dos años de estar tocando la banda graba su primer simple «El mandato/ Vuelve el día a reinar» en el año 1973, que vendió 30.000 copias, ese mismo año se presentan por primera vez en televisión en Canal 7. Con la salida de su segundo simple "Alguien más en quien confiar" y "Blues del atardecer" en el año 1974, la agrupación alcanza su pico máximo vendiendo alrededor de 100.000 copias. En sus recitales usaban sonido cuadrafónico, con una potencia de 1000 watts, 250 watts por canal.
En el año 1975 se edita El Reloj, el primer trabajo discográfico de la banda, con temas como "El Viejo Serafín", el primer tema de la banda, "Alguien más en quien confiar", tema que le había escrito "Willy" Gardi a Luis tras una serie de desencuentros; "Hijos del Sol y la Tierra", cuya letra la había escrito la madre de "Willy", Mary Gardi, y "Willy" se la había pedido para la banda y con una tapa sustituta de último momento, ya que la idea original era de poner el cuadro La persistencia de la memoria de Salvador Dalí, pero como no daba con el tiempo y el presupuesto, la compañía le pidió al grupo que presente una tapa y Juan "Locomotora" Espósito, realizó un dibujo de la noche a la mañana que posteriormente sería modificado por la compañía, comprimiéndolo en un recuadro chico y poniéndole las letras, como finalmente fue editado.
En 1976, se editan los simples "El hombre y el perro" - "Camino al estucofen"; y "Al borde del abismo" - "Harto y confundido"; Omar Díaz se incorpora en guitarra por un breve periodo y posteriormente se edita su segundo disco El Reloj II, con la participación de Carlos Mira en guitarra, siendo este un trabajo más sinfónico, lo cual incrementa la popularidad de la banda, reflejo de esto fueron los dos Estadio Luna Park llenos y las extensas giras por el interior del país, lo cual produjo tensiones y diferencias entre los integrantes, lo que desembocaría en la primera separación del grupo.

En 1983 Willy Gardi decidió reflotar el nombre El Reloj para editar un nuevo trabajo, "La esencia es la misma", con una nueva formación. Gardi falleceria en un accidente automivilístico, en 1995, luego de la edición del album "Santos y verdugos". Actualmente El Reloj continúa presentándose en escenarios de todo el país. 

"¿Dónda ha quedado la música energética de El Reloj, ese grupo que nos estremecía de vitalidad en las butacas de los recitales o en la tensa audición de sus discos? Evidentemente el grupo ha cambiado, ha buscado nuevas formas expresivas. Quizás deshilvanadamente, explorando entre las sombras de un grupo que aún no parece conocer su futuro. ¿Cuál es la música que puede hacer un grupo luego de casi una confirmación de separación? Evidentemente ésta. Música de ansiedad, de percusiones, de mundos interiores, quizás brillantes pero rigurosamente atesorados. El avance técnico del grupo es copiosamente demostrado en este álbum, si se toma como parámetro el anterior. Sobre todo, es destacable el trabajo de Willy Gardi que, no sólo por ser el autor de los temas aparece claramente remarcado: su guitarra está cubriendo nuevos espectros. Quizás los mejores momentos estén dados en la melancolia del rock de Gardi, entremezclándose con los ensueños clasicistas de los teclados de Valenti. En todo caso La síntesis sería: El Reloj terrenal detenido en el espacio (donde no existe el tiempo), trabajando sobre el recuerdo de su propio futuro. ¿Cuál será el destino de este grupo?.

Tapa: Excelente dibujo (espacio, cielo negro, ni aquí, ni allá). Síntesis: El Reloj está suspendido en el espacio. ¿Cómo volverá?."

Revista Pelo - Reseña del álbum (1977)

Integrantes:

Fernando "Willy" Gardi: Guitarra líder, voz
Luis Alberto Valenti: Teclados, voz
Eduardo Frezza: Bajo, voz
Osvaldo Zabala: Segunda guitarra
Juan Esposito: Batería, voz

Temas:

01- Al borde del abismo
02- Tema triste
03- La ciudad desconocida
04- Aquel triangulo
05- Harto y confundido
06- Tema de todas las épocas
07- Aquella dulce victoria

08- Egolatría

 

 

Formato: FLAC - 48.000 Hz / 24 Bits

 

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Espíritu - Libre y Natural (FLAC - 1976)

 

 

Segundo álbum de Espíritu, concretando otro capítulo fundamental en la escena del rock sinfónico-progresivo argentino. Con la incorporación de Ciro Fogliatta en teclados, el sonido del grupo adquiere matices mas duros, densos; a diferencia de su primer álbum, "Crisalida", de arreglos mas suaves. Publicado en 1976, este nuevo trabajo conceptual marcaría el fin de la primera etapa del grupo.

 

"'Libre y Natural suena más agresivo que su antecesor, pero mantiene la misma sensibilidad melódica; las propias letras revelan una visión pesimista de la sociedad y la humanidad (en contraposición a la disposición introspectiva más animada de la letra de 'Crisálida'. Al igual que 'Crisálida', 'Libre y Natural' es un álbum conceptual que consta de una secuencia continua de ocho temas. El teclista original Gustavo Fedel había sido reemplazado por Ciro Fogliatta, quien ahora introduce un toque más duro en los sonidos de órgano y sintetizador. Además, Osvaldo Favrot lleva su forma de tocar la guitarra al terreno del jazz-fusión, al igual que la sección rítmica. Todos estos elementos fusionados dieron como resultado un álbum muy sombrío, que combina los colores habituales del progreso sinfónico y los toques típicos de la sensibilidad acústica sudamericana con la intensidad oscura de (por ejemplo) Mahavishnu Orchestra, el Yes de Relayer o Red de King Crimson. La introducción de órgano que inicia el álbum es lo suficientemente corta como para que el oyente sepa la sensación de urgencia, pronto liderada por las entradas de la guitarra, el bajo y la batería. La naturaleza suave de la pista 2 y las partes cantadas de la pista 3 son solo instancias de introspección momentánea antes de que la sensación nerviosa predominante tome el control. Los bordes más duros de este álbum están contenidos en las pistas 4 y 7, y la segunda mitad de la pista 6, hábilmente culminó en el número de cierre; Es particularmente una lástima que el atasco de cierre de la pista 4 no se expanda un poco más para crear un clímax apropiado para el material que se está llevando a cabo, pero es una objeción menor. Por otro lado, la pista 5 conserva bastante del sabor acústico del álbum debut, con un espíritu sincero y algunas hermosas líneas en el piano acústico, mientras que la guitarra acústica rítmica y las partes cantadas muestran las armonías básicas. El hecho de que la pista 5 sea básicamente una repetición acústica de la sección cantada de la pista 4 hace que sea apropiado continuar con el concepto general del álbum. En mi opinión, al tratarse de un disco más variado, acentuando los dramáticos contrastes de humor y tempo, 'Libre y Natural' es una mejora con respecto a su álbum debut (¡que también es excelente, sin duda!). En definitiva, es solo una cuestión de preferencias cromáticas: según te atraigan más los explosivos claroscuros de este disco o la emotividad "arcoíris" de 'Crisálida', preferirás el primero o el segundo disco de esta excelente banda. Mi opción personal es Libre y Natural."

Cesar Inca (progarchives.com)

 

¿Qué cambia en el grupo con la incorporación de Ciro Fogliatta como tecladista? ¿Cuál fue su aporte fundamental al grupo, viniendo de otro palo del rock?

-Aportó rock, experiencia, prestigio, y un increíble sonido de órgano Hammond. Con su incorporación todo se hizo espontáneo y muchas de las líneas que Bergé y yo compusimos fueron pensadas expresamente para el estilo de Ciro. Siendo ya una celebridad dentro del rock, Ciro entra a la banda y con una enorme humildad aportó todo su bagaje musical, logrando lo que para mí es el mejor álbum de Espíritu.

¿Cómo era para vos componer en tándem con Bergé? ¿Era una relación amistosa o solían discutir bastante por diferencias de criterios?

-Fuimos muy buenos amigos. Musicalmente, ambos nos necesitábamos. Yo tocaba una secuencia de acordes y Fernando iba tarareando la melodía encima. Él cantaba mejor que yo y sus melodías eran mejores y yo tocaba la acústica mejor que él y mis armonías eran mejores. Si yo llevaba una parte cantada, Fernando la adaptaba a su voz; y si él traía una base, yo la transformaba en un riff. Más o menos así funcionábamos. Con las letras discutíamos un poco más, porque a veces no coincidíamos en lo que significaba cada frase, y recurríamos al (diccionario de filosofía) Ferrater Mora para tratar de entender algunos conceptos...

¿En cuánto crees que cambia la propuesta conceptual de Crisálida a Libre y Natural?

-Con respecto a la parte conceptual, Libre y Natural era la continuación de Crisálida, y una tras otra, las dos letras, son parte de un mismo desarrollo. Es el mismo personaje en ambos álbumes.

Sin embargo, en lo musical, Libre y Natural sí parece estar más cercano al sonido de Yes y el rock progresivo inglés ¿Coincidís?

-Es probable que las líneas de bajo Rickenbacker que están bien marcadas den esa sensación cercana al progresivo británico, lo contradictorio es que los teclados estaban tocados por Ciro que era más blusero y con más rock argentino en su experiencia. También puede influir el hecho que Libre y Natural está compuesto íntegramente por Fernando y por mí, a diferencia de Crisálida en donde participaron en parte el resto de los integrantes. Quizás esto le da algo más de homogeneidad en el resultado.

¿Cuál es la historia de Libre y Natural?

-El tema central es la libertad y cuánto vale en nuestra vida. Ser totalmente libre no es fácil porque te hace absolutamente responsable de tus decisiones. Hay gente que prefiere dar parte de su libertad a un tercero a cambio de obtener algún beneficio, para no comprometerse o para no sentir culpas.

¿Cómo planearon y llevaron a cabo la inclusión del coro en la parte final del álbum?

-Lo propuse para dar un cierre al álbum trayendo la parte instrumental del tercer tema “Los Ecos del Silencio Interior” y cantando la misma  melodía de la guitarra y el sintetizador Moog. Ese “coro” somos Carlos Goler en falsete y yo en una y dos octavas bajas, haciendo ambos dos tomas de cada voz logrando seis voces sobre el Moog y la guitarra.

Hoy por hoy, ¿cuál de estos dos primeros álbumes de Espíritu te deja más conforme?

-Me gusta más Libre y Natural. Me parece menos pretencioso.

 

Osvaldo Favrot - Sobre Libre y Natural (iculturarock.blogspot.com)

 

 

Integrantes:

 

Fernando Bergé: Voz, doblajes
Osvaldo Favrot: Guitarras eléctricas, acústicas, voz
Ciro Fogliatta: Piano, órgano, mellotron, sintetizador
Claudio Martinez: Bajo, percusión
Carlos Goler: Bateria, percusion, voz

 

Temas:

 

01- Obertura del Desierto Luminoso
02- Libre y Natural
03- Los Ecos del Silencio Interior
04- Imagenes Tenues y Transparentes
05- Imagenes Tenues de la Voz Interior
06- La Fabrica de Sueños
07- Deselectriza tu Mente
08- Final del Sol Ardiente 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

pass: naveargenta.blogspot

 

Serú Giran - Bicicleta (FLAC - 1980) Remaster. 2006

 

 

Serú Girán logra en Bicicleta el equilibrio justo entre la lírica del álbum debut y la potencia crítica de La Grasa De Las Capitales. -"El primero es el disco de la incomprensión, después vino La Grasa, que fue el de batalla, el de converserlos. Y bicicleta para mi sería el relax, la relajación. Ya somos famosos, ya no hay problema-". Esto decía Charly Garcia acerca del que para muchos es el mejor álbum de Serú Girán. Un clásico plagado de grandes canciones, con arreglos exquisitos y letras que decían mucho acerca de la oscura realidad política que vivía el país. 

 

La idea original era grabar un disco doble, pero fue descartada posteriormente por razones de costos. Entre los temas que quedaron relegados, figuran "Parado en medio de la vida", "Veinte trajes verdes" y "José Mercado", que aparecerían en el disco Peperina (1981). Uno de los lados del disco que finalmente no fue editado iba a estar compuesto por temas grabados en vivo. Además el disco cuenta con canciones que se convertirán en clásicos de la banda como "Canción de Alicia en el país", "Encuentro con el Diablo" y la conmovedora "Desarma y sangra". Al grupo no le gustaba el solo que realizaba Charly García en "Tema de Nayla", así que David Lebón invitó al pianista de jazz Diego Rapoport para que ejecutara esa parte jazzera.
Lanzado en el año 1980, el lanzamiento se ve envuelto en un enrarecido ambiente. Músicos del rock nacional son invitados a una "reunión" con una suerte de asesor del presidente de facto Videla. El supuesto objetivo era escuchar la voz de la juventud argentina, sobre la situación que se vivía; pero con el objetivo real de que su visita se entienda como un gesto de apertura, para seguir asesinando tranquilamente. Mientras la juventud de aquel entonces estuviera tranquila, el rock no correría peligro, mientras no se pasaran los limites impuestos. Se ha dicho muchas veces de que este triste episodio se ve reflejado en la letra de la canción "Encuentro con el Diablo", pero esto no es cierto, ya que no fue compuesta originalmente con esa intención, sino que fue compuesta en la estancia de Charly y Lebón en Búzios, antes de esa "reunión", como afirmó Lebón en varias ocasiones. Una crítica a la violencia y represión militar se puede apreciar en Canción de Alicia en el país, originalmente compuesta para una película de 1976 (dicha versión no tenía aún todas las estrofas), que terminó transformándose en un testimonio contra la dictadura. A pesar de esto, la canción no fue censurada. Por otro lado 1980 es el año en el que se produce una fuerte llegada a la Argentina del sonido de la llamada New Wave, y Serú, todavía seguía fiel a su estilo. Por lo tanto en los temas "A los jóvenes de ayer" y "Mientras miro las nuevas olas", la crítica es tanto hacia los músicos de antes como los de la llamada "Nueva ola"; a los primeros por su contradicción entre sus antiguos ideales y lo que terminaron siendo y a los segundos por simular ser algo realmente nuevo, cuando en realidad son lo mismo que ya se vio antes, con otra imagen. "Desarma y sangra" muestra una actitud (en este caso de su autor, Charly García) de soledad y desamparo. "Cuánto tiempo más llevara" es una poesía que habla de lo que uno espera y desespera, pero que finalmente no llega. "Tema de Nayla" es un tema de Lebón a su hija y "Luna de marzo" es únicamente instrumental. Bicicleta es considerado el disco más serio y profundo a nivel lírico de Serú Girán.
Musicalmente hablando, Bicicleta es un disco sólido y con incursiones en el rock progresivo, apareciendo muy interesantes pasajes instrumentales, sin despegarse del lado convencional. Las composiciones y la interpretación vocal nuevamente se las reparten entre Charly García y David Lebón. Como ya es costumbre, el aporte de Charly es el que sobresale del grupo; esto evidenciado en que compone la mayor parte de canciones del álbum.
El larga duración fue presentado en el estadio Obras Sanitarias los días 6 y 7 de junio de 1980, con una asombrosa escenografía realizada por Renata Schussheim. Bicicleta le abrirá al grupo las puertas, por ejemplo, para participar en el Río Monterrey Jazz Festival en la edición de ese mismo año, de unirse con la banda argentina Spinetta Jade y hacer un show en conjunto en Obras Sanitarias y por último, la presentación de la banda en La Rural el 30 de diciembre de 1980 ante 60.000 personas.
Bicicleta es considerado por muchos como el mejor disco de Serú Girán, o por lo menos uno de los más populares y reconocidos. El disco fue lanzado en pleno régimen dictatorial en la Argentina. Justamente el contenido del disco no se calla, está cargado de una fuerte crítica contra la dictadura (con mensajes muchas veces sutiles) describiendo la realidad que aquejaba al país.

 

"El primer tema de más de 9 minutos, "A los jóvenes de ayer", tiene que ser una de las canciones centradas en el piano más impresionantes de la historia del rock argentino, y posiblemente una de las tres mejores canciones en el currículum individual de Charly García. Las palabras solo pueden describir una parte de la exquisita belleza que emana de las abundantes florituras del piano y las delicadas capas de sintetizador, que forman el núcleo del tema introductorio extendido. También digno de elogio es la entrega rítmica de Moro, que ancla el desarrollo melódico y las variaciones de manera consistente, mientras que Aznar se mantiene ocupado alternando sus roles rítmicos y melódicos en el bajo sin trastes. Esta pieza establece una combinación equilibrada de tango-fusión, jazz y progresivo- sinfónico, y justo cuando las cosas se calman un poco durante las partes cantadas, resultan ser solo una anticipación de la gloriosa sección final.

Tras esta magnífica entrada, el siguiente tema es un clásico definitivo de Serú Girán, "Cuánto tiempo más llegará" de Lebón: una semi balada que plantea una sólida mezcla de soft rock y latin jazz, debidamente ornamentada con un interludio rockero que en su mayoría sirve como una mejora de la letra existencial introspectiva.

"Canción de Alicia en el país", al igual que 'A los jóvenes de ayer', tienen letras, escritas en forma de matáforas, que reflejan la tensión social y el drama político de vivir en una dictadura (qué gran letrista solía ser García!) . Sin embargo, "Canción..." no es tan épica como el tema de apertura, sino más bien un rock sofisticado cuyo atractivo se basa en la inteligente interacción de varias guitarras y el manejo notablemente sincopado de la batería por parte del talentoso Moro; de esta manera, el tema resulta menos romántico y más espeluznante en su clima.

"La luna de marzo" es un precioso instrumental interpretado en Mini-Moog, arpegios de guitarra eléctrica y texturas de bajo: es evocador, y también lo suficientemente sutil como para que su entramado repetitivo nunca se vuelva molesto o agotador, es simplemente mágico dando la sensación de delicado surrealismo.

El lado A es el más logrado, en mi humilde opinión. Las cosas no son tan buenas para la secuencia de las cuatro pistas restantes, pero déjenme aclarar que todavía hay grandeza en la expresividad de orientación clásica de la balada basada en el piano "Desarma y sangra" (incluso con citas parciales de la música de cámara barroca); y la semibalada jazzy escrita por Lebon 'Tema de Nayla' (una conmovedora manifestación de esperanza en medio del miedo de perder a alguien tan querido). Esta última presenta al maestro Rapoport en el solo de piano eléctrico final, que retrata maravillosamente la melancolía de la canción.

Menos logrados pero también marcados por una buena calidad musical son 'Mientras miro las nuevas olas', que ofrece una reflexión irónica sobre el naciente género pop-new wave. Mientras que 'Encuentro con el diablo' ofrece otra sátira política sobre un nota de blues-rock (con toques añadidos de reggae "jazzeado")." 

 

Cesar Inca (extracto) - progarchives.com 

 

 

 

Integrantes:

 

Charly García: Piano eléctrico Yamaha , sintetizadores, Mini Moog, guitarra acústica, eléctrica, voz   
David Lebón: Guitarra eléctrica, guitarra acústica, percusión, voz
Pedro Aznar: Bajo eléctrico fretless, sintetizador Oberheim OB-X, guitarra, coros
Oscar Moro: Batería, percusión. 

Temas:

01- A los jóvenes de ayer (Charly García)
02- Cúanto tiempo más llevará (Charly García, David Lebón)
03- Canción de Alicia en el país (Charly García)
04- La luna de marzo (Pedro Aznar)
05. Mientras miro las nuevas olas (Charly García)
06- Desarma y sangra (Charly García)
07- Tema de Nayla (David Lebón)
08- Encuentro con el diablo (Charly García, David Lebón)

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

pass: naveargenta.blogspot