Quinteplus - Quinteplus (FLAC - 1971/72) Reedición 2007

  

 
La historia de Quinteplus tiene sus comienzos en el año 1969 y su música esta mas emparentada con el jazz que con el rock, de todas formas sus talentosos integrantes reconocían y practicaban un amplio abanico de influencias musicales. Mediante su tecladista, Santiago Giacobbe, (que utilizaba piano eléctrico Fender) fueron pioneros en la incorporación de sonidos eléctricos al jazz.
Esta edición, publicada por el sello Vampi Soul en 2007, contiene el único disco de estudio grabado por Quinteplus (menos un tema), mas cuatro tomas en vivo registradas en octubre de 1972 en el teatro Santa María del Buen Ayre.

Quinteplus fue una suerte de supergrupo integrado por los jazzeros criollos Gustavo Bergalli en la trompeta, Jorge Sanders en el saxo, Santiago Giacobbe en los teclados, Jorge Gonzalez en el bajo y la batería de Carlos Pocho Lapouble. Fueron una de las bandas más solidas del jazz argentino de los setenta. Tocaron mucho en directo pero grabaron muy pocos discos, sólo dos, uno en estudio (“Quinteplus”) y otro en directo (“En vivo”), que tuvieron escasa repercusión, sobretodo porque su propuesta musical y su estilo se adelantaron mucho a su tiempo. Pero así es como se escribe muchas veces la historia de la música.
Surgido en un momento en el que en las venas de los músicos argentinos parecieron mezclarse sanamente con alguna inyección de rock, los Quinteplus se dejaron llevar por la transformación arrolladora del jazz que por esos días soplaba gente como el Gato Barbieri, pero de una manera mucho más fresca y relajada.
Tambien es evidente la influencia del Miles Davis más eléctrico –el “Silent way” y el “Bitches Brew” están muy presentes- y del jazz-rock que por aquel tiempo hacía su aparición. Esto no era excusa para que no se interesasen, ademas, por los ritmos folkloricos argentinos. “El pasito de Nano”, “La vuelta del Elefantor”, “Loberman, el hombre lobo”, o “Blackman, el justiciero”, títulos que de paso permiten contestar también aquella pregunta de Frank Zappa acerca de si música y humor pueden ser compatibles. Ah, un lugar bien destacado se gana la versión imperdible del clásico “Los ejes de mi carreta” de don Atahualpa Yupanqui.

 

"Fueron una de las bandas más sólidas del jazz argentino de la década de los setenta. Tocaron mucho en directo pero grabaron muy pocos discos, sólo dos, uno en estudio (“Quinteplus”) y otro en directo (“En vivo”), que tuvieron escasa repercusión, sobretodo porque su propuesta musical y su estilo se adelantaron mucho a su tiempo. En su música se conjugaba un jazz con evidentes influencias del Miles Davis más eléctrico –el “Silent way” y el “Bitches Brew” están muy presentes- y del jazz-rock que por aquel tiempo hacía su aparición. Esto no era óbice para que no se preocupasen por la música de su Argentina natal, y de esta manera también se interesaban por el trabajo de, por ejemplo, el folclorista y cantante Atahualpa Yupanqui, del que hacen una introspectiva versión de su célebre “Los ejes de mi carreta”.
Estos discos, grabados el primero en 1971 y el segundo un año después, mantienen un vigor y una frescura sorprendentes; es más, si se hubiesen grabado en este año a (casi)nadie sorprendería. La música de Quinteplus iba desde el ya mencionado folclorismo a escarceos con el free, como en “La vuelta de elefantor”, pasando por los sonidos que recuerdan a Herbie Hancock y sus Headhunters, en piezas como “Loberman, el hombre lobo”.
Esto es jazz compacto, vital, tocado por músicos imaginativos que creían en lo que hacían. Una magnífica oportunidad de descubrir a un quinteto deslumbrante".

José Manuel Pérez Rey (distritojazz.es)

"En realidad, un día apareció el Negro González y nos dijo: “Muchachos, ¿por qué no dejamos por un tiempo de tocar ‘Las hojas muertas’ y nos ponemos a componer nuestros propios temas?”. El único que entonces lo hacía en el jazz argentino era Rodolfo Alchourrón. Y nos largamos a componer, todos: Pocho Lapouble –el baterista–, Giacobbe, el Negro, Bergalli y yo. Sucede que a mí me gustaba mucho el tema de Yupanqui, y le hice un arreglo. Pero lo gracioso fue que la prensa nos rotuló como banda de rock, quizá porque Giacobbe tocaba el teclado Wulitzer, lo más moderno de aquellos días..."

Jorge Anders (Saxofonista de Quinteplus)

 

 

Integrantes:

Gustavo Bergalli: Trompeta
Jorge Anders: Saxo tenor
Santiago Giacobbe: Piano eléctrico
Jorge Gonzalez: Bajo, contrabajo
Carlos Pocho Lapouble: Batería

Temas:

01- Loberman, el hombre lobo
02- Los ejes de mi carreta
03- Blackman, el justiciero
04- El marques (Parte 1,2 y 3)
05- El pasito de Nano
06- Zamba de mis pagos
07- El rapidón no se rinde (Grabado en vivo, 1972)

08- Pochoclito (Grabado en vivo, 1972)

09- Ode to Billy Joe (Grabado en vivo, 1972)

10- José Blues (Grabado en vivo, 1972)

 

 

Formato: FLAC - 14.100 Hz / 16 Bits  

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Sumo - Llegando Los Monos (Vinilo FLAC - 1986)

 

 

Llegando los monos es uno de los álbumes fundacionales de los ochenta. Un manifiesto de las diversas corrientes musicales que predominaban en la década y que Sumo supo amalgamar dándole una identidad propia. Un múltiple abanico estilístico que abarca desde el reggae de "No good" y "Que me pisen", el punk de "El ojo blindado", el post punk de "Estallando desde el océano", la new wave en "T.V. caliente", la balada autobiográfica "Heroin", la experimentación electrónica "Cinco magníficos", hasta el irónico intento de "hit comercial" con "Los viejos vinagres".
Todo esto en un grupo que combinaba desfachatez, insolencia y la capacidad de incorporar y devolver una música hasta ese momento inédita en nuestro país, hasta el día que llegaron los monos...

 
"Para mediados de los ochenta, la despedida definitiva de la dictadura había desencadenado una primavera cultural y social producto de la esperanza generalizada por el fin del terror. El rock argentino vivió un momento de explosión con la aparición de Soda Stereo, Los Redondos, Fito Páez y Los Violadores, las innovadoras búsquedas personales de Charly García y Spinetta, y el crecimiento de Virus, Los Abuelos de la Nada y otros tantos. Pero una banda en particular llamaba la atención de algunos pocos atentos a la escena under del oeste: Sumo.
La banda de Hurlingham fue clave en este contexto para traer, de la mano de Luca Prodan, nuevos sonidos que hasta entonces eran desconocidos en el país. Nacido el 17 de mayo de 1953 en Roma, hijo de una familia acomodada, Luca estudió en un prestigioso colegio de Escocia donde fue compañero del príncipe Carlos y mamó la movida cultural de la Londres de los setenta. En esta época, al ya afianzado punk y post punk se le sumaba la aparición de la influencia jamaiquina, como el reggae y el ska, que tomaron fuerza por una gran ola migratoria proveniente de la isla caribeña.
Su llegada al país tuvo que ver con un escape de un terrible enemigo al que no olvidaría jamás: la heroína. Su adicción, sumado al suicidio de su hermana -que había estado relacionado con el mismo consumo, y al cual el propio Luca la había iniciado- llevaron al italiano a rehabilitarse en las sierras de Córdoba, donde vivía Timmy McKern, un amigo argentino de origen escocés con quien había estudiado y que más tarde sería manager de Sumo.
Luego se instaló en el oeste bonaerense, donde terminó de conformar la banda y comenzó a maravillar a una población que quedó alucinada, no solo con los nuevos sonidos que traía Sumo, sino también con él: un pelado (en tiempos de raros peinados con gel) que cantaba en inglés y un español italianizado, con una simpleza y rebeldía que distaba mucho de los músicos mainstream de la época. En esta zona su figura creció a pasos agigantados, al igual que la banda. Y pronto comenzaron a ser reconocidos fuera de la escena under.

El 22 de mayo de 1986, Sumo publicó su segundo disco de estudio con el que comenzaron a hacer cosquillas a los grupos más consolidados: Llegando los monos. Antes, habían publicado el demo Corpiños en la madrugada (1983) –del cual se hicieron solo 300 copias- y el considerado primer álbum, Divididos por la felicidad (1985). El nombre del segundo disco tiene que ver con una divertida anécdota en el verano de 1984 en Villa Gesell, cuando la cancelación de unos shows a partir de un exabrupto de Luca los mandó a auto promocionarse por la playa con un altavoz: “No es una alucinación. Está Sumo en Villa Gesell… llegando los monos”.
La tapa muestra una obra que hizo el artista búlgaro Christo Javacheff en 1961, un bulto empaquetado y atado con soga, de forma bastante desprolija y compacta. Podría pensarse que el paquete alude a un rejunte, en el mejor sentido de la palabra, donde prima el desorden, la desprolijidad, y también el misterio que implica un envoltorio cerrado de esa forma. La tapa refleja un poco la esencia misma de una banda que invitaba a abrir ese paquete y destapar un increíble caos.
Que se entienda que la palabra desorden no implica una valoración negativa. Llegando los monos contiene una diversidad sonora que se salta del punk rabioso en castellano, como “El ojo blindado”, a un suave reggae en inglés, como “No Good”, y aún así logra una identificación propia sin necesidad de etiquetas. El grupo también se dio el lujo de jugar con un collage de sonidos superpuestos en los tracks homónimos del disco que abren y cierran la obra, lo que transmite también esta idea de lo casero, experimental y distendido que caracterizó a la banda.
“Estallando sobre el océano”, uno de los momentos bisagras del disco, es un post punk bien ochentoso cantado en inglés que el propio Germán Daffunchio definió como el pico de Sumo, donde habían logrado una fusión entre las distintas personalidades de los integrantes. El tema nos lleva de paseo por las colinas, las praderas y todos los sitios que el protagonista menciona hasta estallar desde el océano.
En “Heroína”, Luca habla de su pasado en Europa y cómo su vida cambió al venir a Argentina, aunque asegura que esa maldita droga que le quitó a su hermana y casi lo mata a él aún está presente en su memoria y lo lleva a tener pensamientos suicidas. Es una canción que, si bien comienza con un suave saxo y un ambiente pacífico, es en realidad bastante oscura, llena de dolor y bronca. Luca deja los pulmones en cada estribillo para gritar con toda la furia el nombre de ese fantasma que lo atosiga.
Ideada para ser un hit, “Los viejos vinagres” es una canción divertida y bailable que deja algunas de las frases más recordadas del vocalista italiano, como “Para vos lo peor es la libertad” o “Juventud, divino tesoro”. Es también una crítica a las personas conservadoras, más allá de su edad biológica: “Es gente con una mentalidad. Hay chicos de 12 años que son más reaccionarios que una persona de 50. Y encima son más idiotas”, dijo Luca en un show de 1987. También podría interpretarse como una crítica hacia otros grupos como Virus y Soda Stereo, de quienes Luca decía que se preocupaban más por su look y sus poses que por su música.
Sumo marcó una época y dejó un legado. Mientras la dicotomía de esos años estaba entre el new wave y el rock pesado, un extranjero llegó para romper con los estereotipos, consagrar un grupo absolutamente contracultural y forjar una identidad propia desde la falta de identificación de tanta gente con la música ofertada. Si no hubiera sido por Luca y Sumo, el rock nacional no habría sido igual".

Sebastián Bruno (indiehoy.com)

 

 

 

Integrantes:

Luca Prodan: Voz, percusión, coros
Ricardo Mollo: Guitarra (eléctrica y sintetizada), coros
Germán Daffunchio: Guitarra, coros
Roberto Pettinato: Saxo (alto y tenor), acordeón, coros
Diego Arnedo: bajo, coros
Alberto "Superman" Troglio: Batería, percusión, coros

Temas:

01- Llegando los monos
02- El ojo blindado
03- Estallando desde el océano
04- TV Caliente
05- NextWeek
06- Cinco magníficos
07- Los viejos vinagres
08- No Good
09- Heroin
10- Que me pisen
11- Llegando los monos (Reprise)

 

 

Muestra Gráfica De La Grabación

Ripeado De Vinilo

 

Formato: FLAC (Free Lossless Audio Codec) - 48.000 Hz / 16 Bits

 

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Pajarito Zaguri - Pájaro y La Murga Del Rock And Roll (FLAC - 1976)

 

 

El mítico Pajarito Zaguri, graba entre 1975 y 1976, esta joyita de culto del rock y blues argento. Lo acompañan, entre otros, músicos de la talla de Rudy Marcolongo (futuro guitarrista de Dulces 16), dos históricos de la ciudad de La Plata, el "cófrade" Kubero Díaz y Willy Pedemonte. Cuenta además con la participacón especial de Pappo al piano y el órgano en dos temas, y la voz de la mejor cantante de jazz de la argentina, Lois Blue, en "El vago del Oeste". 

 

Luego de la separación de Piel de Pueblo, armamos La Murga del rock and roll con Rudy Marcolongo (también de Ramos) y Daniel "El Ruso" Beiserman, en 1974 más o menos. Una banda que se llevo consigo un disco muy marcado por la firma de Ramos Mejía. Con Alfredo Valman Lavia en la batería, Eduardo Vallejos, Kubero Díaz (de La Cofradía de la flor solar, como invitado) e inclusive la magistral participación de Lois Blue y Pappo, quien casualmente también era una especie de habitué de los barcitos de Ramos. Era una banda con mucha locura encima, la misma que se puede apreciar en el disco que dejamos grabado. Había mucha complicidad entre todos, ya que veníamos de compartir experiencias fantásticas rondando por los barrios, discutiendo y debatiendo sobre la vida y nuestra forma de estar en ella. Lamentablemente, la formación duró poco tiempo. A fin de año tomé la decisión de irme a vivir a las sierras de Córdoba. A causa de esto La Murga se disolvió y de ahí se armó un desprendimiento groso de donde salieron varias bandas que marcaron: Rudy pasó a La Blues Banda para luego formar parte de Dulces 16 y el Ruso formó e integró Memphis la Blusera.

Pajarito Zaguri, "La esencia es la misma"

 

 

Temas:

01- Buscando el Rock and Roll °
02- Deja que ya escuche su oración *
03- El secreto difundido*
04- El vago del oeste °
05- Buenas tardes, como estás °
06- Descubrir la realidad *
07- Intentando los Blues °

Músicos:

° Grabado en noviembre de 1976 por
Pájaro y La Murga del Rock and Roll:

Pájaro Zaguri: Voz
Rudy Marcolongo: Guitarra
Eduardo Vallejos: Guitarra
Daniel Belserman: Bajo
A.A. Valman: Bateria

* Grabado en mayo de 1975 por Pájaro
y músicos de la Ciudad de La Plata:

Pájaro Zaguri: Voz
Kubero Díaz: Guitarra
Willy Pedemonte: Guitarra
Gastón Cubillas: Saxo tenor
Topo D´Aloisio: Bajo
Guillermo Migoya: Bateria

Invitados:

Pappo: Piano en "El vago del Oeste", organo en "Intentando los blues"
Lois Blue: Voz en "El vago del Oeste"

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Javier Martinez - Corrientes (FLAC - 1994)

 

En 1993 Javier Martinez forma una nueva banda, la Javier Martínez Blues Band, acompañado por Antonio García López en bajo, Carlos Vidal en teclados, Pino Callejas en guitarra y Enrique Weimann en armónica. Esta excelente formación graba en 1994 su disco "Corrientes", rock y blues con letras muy porteñas y un extensivo uso del lunfardo.

Javier Martinez: Músico, poeta urbano, bohemio, artista (1946 - 2024)

Javier se inició musicalmente en La Cueva, el mítico reducto del rock nacional. De allí surgió como líder de Manal, entre 1967 y 1973. Una vez disuelto este historico trío, se incorporó a La Pesada del Rock and Roll, el grupo de Billy Bond, con el cual grabó dos discos.
Tras radicarse en Barcelona, regresó al país para la reunión de Manal en 1980, pero este proyecto duró menos de un año. Para fines del ’81 comenzó una carrera solista que lo llevaría a editar “Sol del sur” en 1983 y presentarse en el B.A.Rock de 1982. Volvió a Europa, para radicarse esta vez en Francia. Allí permaneció hasta su retorno definitivo, en 1987.
Aunque el Libro Guiness de los Records no lo registra, Martínez tiene el record mundial de permanencia en la batería: 41 horas y media, parando solamente 5 minutos por hora para alimentarse. El evento tuvo lugar en 1985, fue auspiciado por la Municipalidad de la ciudad de Toulón y apoyado por muchos músicos de todo el mundo que se acercaron para acompañarlo.
En 1993 formó la Javier Martínez Blues Band, acompañado de Antonio García Lopez (bajo), Enrique Weimann (armónica), Pino Callejas (guitarra) y Carlos Vidal (teclados). «Estoy rodeado por un seleccionado de los mejores músicos de blues de la Argentina», declaraba (Clarín, 10.04.93). El fruto de esta unión fue “Corrientes” (1994), un disco de «rocanrol y letras porteñas, de ahí que haya tanto lunfardo». En 1994 se produjo un nuevo retorno de Manal con Medina pero sin Gabis.
En el 2003 editó “Basta de boludos”, su cuarto disco solista. Este trabajo lo firmó como Manal Javier Martínez, “porque esa palabra la inventé yo”. En ese momento, reconoció que no volvería a juntarse con sus ex compañeros de ruta. La banda que lo acompañó estuvo integrada por Maxi Delli Carpini (guitarra), Javier Acuña (teclados) y Oscar “Mono” López (bajo). Y desde ese momento continuó tocando el repertorio de Manal y de su carrera solista.

 

"Corrientes es un álbum de blues moderno. En sonido y concepción, con invitados de nivel y muy buena difusión, a lo que no estuvo ajeno el hecho de que grabara bajo la producción de Rinaldo Rafanelli y el sello de Daniel Grinbank (DG discos), por entonces dueño de la FM más popular del país. El propio Martínez estaba muy contento: “El sonido es fresco, primitivo y salvaje…volver a los orígenes y escapar de la excesiva sofisticación” decía en una entrevista. “Es un disco clásico pero no innovador”.

El tema de apertura es el pegadizo “Corrientes”, tema de difusión del álbum, un gran blues con reminiscencias del viejo “Avenida Rivadavia” en el título, pero totalmente actual, muy bien llevado por el piano, el bajo y la guitarra de Pappo. A este le sigue, “Amor Secreto”, otro blues movido llevado por la guitarra y el sonido Hammond. Y a continuación, “Quiero Estar Mejor” cambia un poco la onda, pasando a un rock más potente y directo, inusual en Martínez. “Los Tipos De La Cueva” es un nostálgico viaje al pasado, con vividas imágenes sobre esos tiempos y sus personajes; en contrapartida, “El Tiempo Nunca Vuelve y Vivirlo es lo Mejor” es un R&B que es contracara del anterior, con lucidos pasajes de piano y guitarra.

En líneas generales, el disco mantiene la misma onda musical, es veloz y con swing, intercalados a veces con otros temas más lentos. Otras cosas para apuntar son las guitarras  funkys de “Amor Intemporal”, el “olor” al viejo clásico de  Booker T. & the MG’s, “Green onions” en “San Telmo Harlem”; el solo de batería en “Juan Despierta Ya”, y el cierre formal de “Rouge Et Champagne”, un blues con gran intervención del “Negro” García López.

En cuanto a las letras, no vamos a encontrar mayores variantes. Como siempre Javier Martínez pone música a sus reflexiones y vivencias. El amor, las mujeres, la sociedad, el tiempo, todos tópicos que palpa con su inusual forma de cantar. Javier Martínez es un músico que ama el blues desde siempre, y encontró en ésta década su lugar, con éste LP y su sucesor, Swing (1998). Y si uno quiere realmente oír a este talentoso fuera de lo que fue Manal, ambos LPs son de escucha obligatoria".

elholocaustodepabloalekssander.wordpress

Músicos:

Javier Martinez: Bateria, voz

Pino Callejas: Guitarra
Carlos Vidal: Teclados
Antonio García Lopez: Bajo
Enrique Weimann: Harmonica

Músicos Invitados:

 

Pappo: Guitarra en temas 1 y 9
Carlos García López: Guitarra en tema 14
Willy Crook: Saxo en tema 6

 

Temas:

01- Corrientes
02- Amor secreto
03- Quiero estar mejor
04- Los tipos de la Cueva
05- El tiempo nunca vuelve
06- Como siempre
07- Amor intemporal
08- Casanova
09- San Telmo Harlem
10- Hoy dejé el escabio
11- Juan despierta ya
12- La felicidad de las almas
13- Mujer del viento
14- Rouge et champagne
15- Los tipos de la Cueva (Instrumental)

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Ricardo Soulé - Ricardo Soulé (FLAC - 1985)

 

 

Una disco un tanto olvidado en la discografía de Ricardo Soulé, dificil de encontrar. Me refiero a su tercer álbum solista, grabado en el sello EMI en 1985. Lo acompañan Julio Rodríguez en bajo y Alejandro Pensa en batería . El disco incluye temas como "El tren esta partiendo" y "Aunque esté de traje y limousine". Rock clásico y baladas, con cierto aire pop de los 80, bajo el sello distintivo del gran Soulé.

Precursor del rock argentino, Ricardo Soulé, comienza su romance con la música desde los 6 años cuando aprendió a usar el violín de su padre, el grueso de su carrera la desarrolla cuando integra "Vox Dei", entre 1969 y 1981, periodo durante el cual Soulé participa como compositor de "La Biblia" y algunos de los discos más importantes del grupo, como "Jeremías Pies de Plomo". Se lanza como solista brevemente en 1976, con el apoyo de Carlos Calabro en batería y Enrique Avellaneda en Bajo, luego de editar "Vuelta a casa" retorna con "Vox Dei" hasta fines de 1981. Alejado del grupo, retoma su carrera solista publicando "Romances de gesta" en 1982 y "Ricardo Soulé" en 1985. Pese a ser un gran compositor de nuestra música, sus discos no alcanzan mucho éxito en cuanto a lo comercial. En 1991 editó "Osadía", un trabajo grabado en España con acompañamiento de cuerdas. Habría que esperar hasta el año 2006 para escuchar un nuevo disco, en este caso grabado en vivo y lleva por nombre "Soulé en Río Turbio". A finales de 2008 Soulé edita un nuevo trabajo de estudio llamado "Buddy Middler" junto a su banda La Bestia Emplumada, formada por Soulé en guitarra y voz, su hijo Gabriel Soulé en guitarra y coros, Colautti en bajo y Nable en batería. En octubre de 2011, Ricardo nuevamente junto a La Bestia Emplumada edita un nuevo álbum, llamado "Dolmen", en el mismo participa Chizzo Nápoli como invitado en uno de los temas. En 2015, Fonocal edita "Vulgata", octavo de su producción como solista, yendo más allá del clásico disco conceptual para posicionarse como autor de un tratado filosófico - teológico en clave de rock, dando cabida a temáticas como Elías el Profeta, el Mio Cid y los Caminos de Santiago.

 

 

Integrantes:

Ricardo Soule: Guitarras, voz
Julio Rodríguez Saavedra: Bajo
Alejandro Pensa: Bateria

Temas:

01- El tren esta partiendo
02- Dulces ojos claros
03- Madre tierra, vuelvo al vientre
04- Melancolia de estar asi
05- Irrealidades simples
06- El canto de las ballenas
07- El rock del egoista
08- Es un impostor
09- Una vez tendra que ser
10- Aunque este de traje y limousine

 

 Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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