Astor Piazzolla y Su Nuevo Octeto - Tango Contemporáneo (FLAC-1963)

 

 

Con el lanzamiento de Tango Contemporaneo, el escucha se encuentra con otro conjunto de grabaciones esenciales de Piazzolla. Astor abandona el formato de quinteto de sus dos álbumes anteriores y retorna a la formación de octeto que había utilizado en la década del 50.

Para los amantes de la música del maestro, este es otro disco imprescindible de su discografía.

Hay algunas piezas memorables en este álbum. Una de ellas, "Lo Que Vendra", reelaborando una veta musical que Piazzolla extraería una y otra vez a lo largo de su carrera. A esto le sigue "Divagacion", que presenta una serie de instrumentos, como la flauta, que rara vez se usan en el tango. "Introduccion a Heroes Y Tumbas" arroja un manto musical adecuadamente fúnebre que termina con una emotivo recitado, a cargo de Ernesto Sábato, autor de la novela de título similar. Este tema formaba parte de una obra teatral que nunca llegó a completarse. "Noposepe" es una alegre excursión musical intercalada con interludios jazzísticos que precede a la complicada pero gratificante "Ciudad Triste", compuesta por Osvaldo Tarantino. "Sideral" es un trabajo tremendo. El penúltimo corte del álbum presenta el acecho de "Réquiem Para Una Malandra" que, al igual que el tercer corte, termina en un recitado a cargo del gran Alfredo Alcón, basado en un poema escrito por la hija de Piazzolla, Diana. Finalmente, el último track está integrado por dos tangos con música de Enrique Delfino (compositor, pianista y letrista de tango): “Recuerdos de bohemia” (con letra de Manuel Romero) y “Milonguita” (con letra de Samuel Linning), que en ambos casos canta el ex vocalista del quinteto (ahora octeto) Héctor de Rosas. 

 

"Entre medio de sus grabaciones con el Quinteto en 1963, año de grabación y publicación de este álbum, Astor funda un nuevo proyecto al que llamará Astor Piazzolla y su Nuevo Octeto. Esencialmente incorpora a su quinteto estable flauta, cello y percusión. Logrando así una nueva estética sonora en la cual Piazzolla da un rol protagónico a estos instrumentos, resultando una sonoridad más rica en matices y colores. La incorporación de Barone, Bragato y Jacobson a su conjunto además vino acompañada de dos recitantes: el escritor Ernesto Sábato y el actor Alfredo Alcón, nada menos. Además de la ya habitual participación del cantante Héctor de Rosas en la canción que cierra el álbum. Tango contemporáneo es un disco con grandes arreglos, algunas nuevas versiones de clásicos de su repertorio y una impronta que atraviesa música y poesía. Se destaca el nuevo arreglo del tema fetiche de Astor, "Lo que vendrá"; el polirrítmico y volado "Divagación" donde la flauta tiene un rol protagónico y la brillante "Nopsepe" compuesta por Eduardo Bragato" .

Review by Pablo4U

 

 

 

Integrantes:

 

Astor Piazzolla: Bandoneón

Antonio Agri: Violín

Jaime Gosis: Piano

Oscar López Ruiz: Guitarra eléctrica

José Bragato: Cello

Jorge Barone: Flauta

Kicho Díaz: Contrabajo

Leo Jacobson: Percusión

Héctor De Rosas: Canto

 

Artistas Invitados:

 

Ernesto Sábato: Recitado En "Introducción a héroes y tumbas"

Alfredo Alcón: Recitado En "Réquiem para un malandra"

 

Temas:

 

01- Lo que vendrá (Astor Piazzolla)
02- Divagación (Astor Piazzolla)
03- Introducción a héroes y tumbas (Astor Piazzolla - Ernesto Sábato)
04- Noposepe (José Bragato)
05- Ciudad triste (Osvaldo Tarantino)
06- Sideral (Emilio Balcarce)
07- Réquiem para un malandra (Astor Piazzolla - Diana Piazzolla)
08- Recuerdos de bohemia - Milonguita (Enrique Delfino) 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Banana - Aún Es Tiempo De Soñar + Bonus (1979/1980)

 

 

Una rara avis dentro de la discografía de Cesar Pueyrredón. Con su grupo Banana, en 1979 editaba "Aún Es Tiempo De Soñar", un álbum de neto corte Progresivo Sinfónico, con influencias de Genesis, Focus, Camel y Crucis. Esta etapa tendría cierta continuidad en dos discos posteriores: Licuado (1980), del cual fueron extraídos los bonus tracks de esta publicación y De Entrecasa (1983). En 1984 el grupo se separaría y Cesar daría inicio a una exitosa carrera como solista dentro de la canción pop y la balada romántica.

 

A lo largo de más de 50 años de trayectoria, César "Banana" Pueyrredón consiguió dar forma a una exitosa carrera en el pop melódico argentino, con una trascendencia internacional que, incluso, lo llevó a tocar en varios países latinoamericanos. Sin embargo, pocos saben que en 1979, en un período situado entre su popular grupo Banana y su posterior carrera solista a partir de los 80 –época en donde el nombre de ese grupo se convertiría en su sobrenombre-, César editó Aún es tiempo de soñar, un disco de rock progresivo en sintonía con el mismo tipo de música que hacían grupos internacionales como Genesis, Yes y ELP, o La Máquina de Hacer Pájaros, Crucis y Espíritu en el rock argentino. Lo que desentrañaremos en esta nota es el trasfondo, las circunstancias creativas, históricas y vitales que llevaron a este tecladista, vocalista y compositor, cuya trayectoria parecía situada a años luz del mundo del rock argentino, a grabar un álbum que no tiene nada que envidiarle a otros clásicos de la época de este género.
Aún es tiempo de soñar es una producción que contiene canciones de larga duración como “El Escultor y la Estatua”, “Víspera” y “Preguntas al Cielo”, que alcanzan casi los 10 minutos; más temas de gran vuelo lírico e imaginación como “Un Hombre en la Hoguera”, “Quien se Acordará” y “Aún es Tiempo de Soñar”. Justamente, esta última canción fue la más famosa y la que resumió el concepto de este disco en donde prima el despliegue instrumental y una gran ambición musical. Además, por si fuera poco, su producción artística de primera línea le sacó un cuerpo de ventaja a varios discos del rock argentino de los 70, deficitarios en este aspecto. En resumen, un disco curioso, y casi una perla oculta.

"-Yo Venía escuchando mucho la música de Focus, un grupo holandés que me encantaba. Es más, ya con Banana, además de hacer nuestro repertorio de baladas, hacíamos covers de temas de Gentle Giant, Genesis, “Roundabout” de Yes; y, a partir de 1975-76, empezamos a tener un vuelco más rockero a partir de la incorporación de Pablo Guyot y Willy Iturri, con ellos llegamos a hacer hasta material de Deep Purple, como el clásico “Smoke on the Water”. Hasta el día de hoy, cuando me encuentro con JAF me cuenta de la vez que nos vio tocando ese tema en un boliche de Villa Devoto, y no podía creer lo bien que lo hacíamos. En esa época, también, estudiaba Composición en la Universidad Católica (UCA), y sonaban mucho Genesis y Crucis. Esta última banda nos impactó a los músicos argentinos, porque era la primera vez que se escuchaba un rock sinfónico nacional con nivel, con un gran desarrollo de acordes, armonías; entonces empecé a tener ganas de ir para ese lado. Estudiar en la Facultad generó en mí el deseo de hacer cosas más elaboradas, y en el 77, efectivamente, empecé a escribir de otra manera, a escribir antes de la canción, a inspirarme en libros y poesías que leía, en películas. Hasta ese entonces, mis canciones, por ejemplo “Conociéndote”, no tenían esa pretensión, hablaban de cosas simples, como conocer a una mina, y demás. En su momento tuve cambios de opinión con mi primo Alejandro Giordano, bajista original de Banana, y el que más sabía de manejo empresarial en la banda, cuando le comenté que quería hacer un viraje estilístico en la música del grupo para este lado más roquero y progresivo, y que para ello tenía que poner músicos que tocaran ese estilo, a lo cual me respondió que podía hacer esa misma música como solista. Yo me negué porque mi desafío era hacerlo con Banana, y él decidió irse. Eso fue un dolor inmenso para mí, pero era necesario tener otros músicos para poder realizar ese salto artístico que quería hacer; por eso mi hermano Daniel también dejó la banda y se dedicó a manejar la parte de sonido en el vivo.
Cuando planteé esta intención en la EMI tuve la suerte de encontrar a un tipo maravilloso como Chacho Ruiz, presidente de la compañía en ese momento, que me apoyó sin tener problemas con este giro artístico en mi carrera. También fue posible debido a un cambio de mentalidad en los productores artísticos de la compañía. Me acuerdo mucho de las caras de los tipos el día que les presenté el disco terminado. Cuando Chacho y otros ejecutivos de la compañía escucharon mi trabajo, uno de ellos dijo: “Pero esto es una rapsodia…”; dando a entender que no se lo iban a poder vender a nadie; no obstante, Chacho lo apoyó. El disco, comercialmente, no funcionó pero fue un impacto. Honestamente, para mí fue un gusto el llevar a Banana -que era un grupo de música melódica, divertida y pop- hacía un plano más profundo, más desarrollado, y poner al grupo a hacer canciones con textura rockera.
Aún es Tiempo de Soñar no es una cosa aislada en mi vida, una locura que se me ocurrió y que no tenía nada que ver con lo que hice antes y después. No, porque contiene un concepto implícito de plasmar algo de lo que yo pensaba en relación a lo que estaba viviendo. No surgió a partir de algo que me dijo un productor. Inclusive, yo ni sospechaba que este álbum encajaría en el estilo de rock sinfónico, cuyo furor, además, había pasado. Simplemente, lo hice a partir de mi necesidad estética de ese momento. Sí, es una rara avis. Pero no una producción que se aleje de lo que yo pienso, y me gusta, acerca de la música en general-."

Cesar Pueyrredón por Emiliano Acevedo (iculturarock.blogspot.com)

 

 

 

 Temas:

 
01- El escultor y la estatua
02- Un hombre en la hoguera - incluye:
       a) Preparación    
       b) Sacrificio    
       c) Humo y cenizas    
03- Aun es tiempo de soñar
04- Víspera
05- Preguntas al cielo
06. Quien se acordará

 

 Bonus Tracks (Licuado -1980):

 

07- Preludio antesala (LP 'Licuado' / 1980)

08- Barrilete al cielo (LP 'Licuado' / 1980)

09- Dónde te escondes niña del viento (LP 'Licuado' / 1980)

10- Igual cantaré mi canción - Parte II (LP 'Licuado' / 1980)

11- Huellas de la tierra  (LP 'Licuado' / 1980)

 Músicos que Participan:

Teclados y Voces: Cesar Pueyrredon
Guitarras: Juan Gelly (Todos), Alberto Bengolea (5), Pablo Guyot (4)
Bajo: Fori Mattaldi (1,2,3), Miguel Cerviño (4,5,6)
Bateria: Jose Luis Meniño (1,2,3), Arturo Perona (4, 6), Toro Martinez (5)
Saxo: Jose Torres Zavaleta (6)

 

 

Formato: Mp3 - 320 Kbps

 

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Gabriela - Gabriela + Simples (FLAC - 1972)

 

 

Considerada la primera cantante del movimiento de rock argentino, Gabriela debutó antes más de 5.000 personas en el BARock junto a Edelmiro Molinari, David Lebón, Moro y Litto Nebbia que la acompañaban como banda. Cuenta Gabriela en el libro Historias del rock de acá de Ezequiel Abalos “El BARock fue uno de los momentos claves de mi vida. Una vez que subí canté tres temas, uno que había traducido de Dylan que se llamaba “Andando por ahí”, “Rodando” y “Campesina del sol”, cuando termine la gente empezó a pedir otra y yo no tenia otra, entonces me acerque al micrófono para decirles, disculpen pero no tengo otra, ¿quieren que cante alguna que les cante?, pero el micrófono ya había sido cortado y nadie me escucho”.
Luego de participar del acusticazo y editar un par de simple con los temas “Abre el día”, “Campesina del sol” y "Mamá mercurio a venido por mí" en 1972 edita su primer álbum llamado simplemente Gabriela, demostrando que las mujeres también podían tomar un micrófono y cantar rock en serio. El disco mostró una clara tendencia hacia la música folk acústica en la que se destacaban no solo las virtudes de Gabriela sino la sólida base de acompañamiento de los músicos invitados.
Cabe aclarar que más allá del simple editado por mandioca con la cantante Cristina Plate, este disco junto con los primeros simples de Gabriela fueron considerados los primeros de una cantante de rock argentino propiamente dicho.

 

"Argentina, 1972. Recuerdo el miedo, las fronteras cerradas, la oscuridad, caminos que se bifurcaban sin dirección. Recuerdo a muchos jóvenes que, como mariposas nocturnas, nos estrellábamos contra la luz en nuestro afán de encontrarla. En el mundo se hablaba de paz, de amor. John Lennon componía Imagine. Los cambios eran estructurales y sin vuelta. En Buenos Aires un movimiento de música progresiva atraía cada vez más público y ya nada podía detenerlo. Así fue como yo, integrante de ese movimiento y la primera de las mujeres que se animó a expresarse cantando, acabó grabando este LP. No sé bien cómo sucedió, ya que Edelmiro Molinari se hizo cargo de todo. Desde el contrato con la grabadora hasta los arreglos musicales. Detalles de producción. sonido. etc.. Sólo recuerdo la amplia sala de los estudios Phonalex. La pasión con que trabajaba Norberto Orliac detrás de la consola. Mi energía adolescente, la urgencia por cantar todo lo que no podía hablar con mis padres, mi necesidad de pertenecer a una sociedad más abierta. Este disco fue grabado en vivo en 4 canales, con toda la fuerza y el dinamismo que eso implica. Es un grito profundo, visceral, y proyecta toda la furia de aquella epoca." 

Gabriela (Abril-1990)

 

"Este es un long play que contiene una música inusual para la Argentina, no sólo porque lo interprete la primer solista de rock del país. Lo es también por su sonido total y por una pulida técnica. Y esto último se debe a Edelmiro Molinari que, por más que se escude detrás de un tímido "E.M." en el rubro producción, destila, chorrea casi, toda su cosa musical en la mayoría de los temas. Obviamente pudo conseguir eso porque obtuvo la colaboración de un grupo de músicos de una calidad y sutilidad que probablemente no se pueda dar en otro disco: Emilio Del Guercio, Litio Nebbia, Jorge Cutello, David Lebon, León Gieco, Miguel y Eugenio y el baterista Oscar Moro. Esa enumeración de nombres y un trabajo ampuloso cuando fue necesario y sutil por lo habitual podría haber aplastado a Gabriela que, con muchas fuerzas demostró que es algo más que "una campesina del sol". Su trabajo vocal supera los dos registros anteriores conocidos y a lo que cualquiera pueda haber evaluado en actuaciones. Gabriela pudo sortear el trance (a veces tener muy buenos músicos —y para colmo famosos— puede ser un peligro) por una cuestión muy sencilla: la mayoría de los temas le pertenecen y eso le desata una intensidad, un convencimiento en la interpretación que realmente la pone en el plano de solista, que es, obviamente, la finalidad del álbum. Con todo, sus composiciones más que poseer un sentido ecléctico parecen estar sufriendo los vuelcos y búsquedas de un intento autoral que no logra delinearse en este álbum. Es evidente que Gabriela parte del folk norteamericano (la elección del único tema sin su firma pertenece a Melanie y eso no es casual) y algunas composiciones como "Rodando..." es-tá abiertamente en esa línea. "Voy a dejar esta casa papá" recuerda los negros spirítuals pero no abandona un cierto sonido folk. "La Raíz de todo" es, a su vez, un tema del sur de los Estados Unidos que, evidentemente tiene arreglos de Molinari ya que es muy similar (en realidad parece una segunda parte o una contestación de Gabriela) a una composición registrada en el último álbum que grabara Almendra. Pero por otra parte Gabriela parece querer acercarse a ciertas raíces folklóricas locales: "Hombre de las cabras blancas'', por ejemplo, tiene todas los connotaciones de una vidala o un tristecito y este tema quizás sea el realizado con mas cuidado y pasión por todos los que trabajaron en él. También en "Es la lluvia..." Gabriela apela a giros y vocalizaciones folklóricas. Esta batalla autoral que, aparentemente, compite en la cantante quizás quede solucionada en sus próximos trabajos. Mientras tanto Gabriela demuestra que está llevando sus interpretaciones a calidades que van mucho más allá de lo que algunos creían que podía dar. Tapa: en pocas palabras: sobria, excelentes fotos, con un clima adecuado a las intenciones del álbum. No tiene grandielocuencias ni golpes de efecto baratos. Síntesis: En este álbum Gabriela se muestra así misma pero también deja claro que las "nenas" más que cantar como adornos pueden hacerlo en serio y además componer. Integralmente el álbum es excepcional por su sonido y el trabajo de los músicos acompañantes."

 

Revista Pelo - Reseña del álbum (1973)

 

 

 

Músicos Que Participan:

Gabriela: Voz
Edelmiro Molinari: Guitarras
Lito Nebbia: Teclados
Moro: Batería
David Lebón: Bajo, guitarra
Leon Gieco: Voces, charango
Miguel y Eugenio: Voces
Emilio Del Guercio: Flauta
Jorge Cutello: Flauta
Luis Gambolini: Batería, harmónica
Santiago Giacobe: Teclados
Vitico: Bajo
Raul Porchetto: Guitarra
Chango Farias Gomez: Bombo
Manolo Juarez: Teclados

Temas:

01- Voy a Dejar esta Casa, Papá
02- Es La Lluvia y Nada Mas
03- Rodando mis Ideas al Revés
04- Haz tu Mente al Invierno del Sur
05- Para mi Padre (For My Father)
06- Hombre de las Cabras Blancas
07- Día Extraño
08- La Raíz de Todo

Bonus Tracks:

09- Campesina del Sol - Lado 1 / Simple Microfón 3766 (1972)
10- Abre el Día - Lado 2 / Simple Microfón 3766 (1972)
11- Mamá, Mercurio ha Venido por Mi (parte 1) - Simple Talent 4004 (1974)
12- Mamá, Mercurio ha Venido por Mi (parte 2) - Simple Talent 4004 (1974)

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Pappo's Blues - Vol. 3 (Vinilo FLAC / 24 Bits - 1972)

 

Ripeo de vinilo en 24 bits de este álbum emblemático del rock y blues argentino. La digitalizacion corresponde a la primera edición del Long Play, publicado por el sello Music Hall en 1972.

Tercer disco de Pappo's Blues, lanzado en 1972. La agrupacion tiene nuevos integrantes: el baterista Héctor "Pomo" Lorenzo (ex baterista de la primera formación de Los Abuelos de la Nada y futuro baterista de Invisible) y el bajista Carlos Alberto Machi Rufino (ex Los Walkers y futuro bajista de Invisible). Esta formación duraría solo este disco, pero seria muy recordada ya que Pomo y Machi le dieron una autonomia de vuelo muy importante al trio, que pudo registrar este album fundamental del rock argentino. Un tema más "Con Elvira es otra cosa", tambien registrado por el trio, saldria en el volumen venidero.
Este disco contiene una de las canciones más emblematicas de Pappo, "Sucio y Desprolijo". Otra de las canciones principales del álbum es el famoso blues de Pappo, "Siempre es lo Mismo Nena" . "Siempre es lo Mismo Nena" junto a "Sucio y Desprolijo" son las canciones de más larga duración del álbum. Tambien contiene una canción como introducción llamada "Stratocaster Boogie", un solo algo largo, rápido con estilo de rock al estilo de Alvin Lee , que según Machi Rufino se trata de una improvisación grupal, aunque firmada por Pappo. Sin contar la introducción o instrumental, el álbum contiene varias pistas de duración entre 1 y 3 minutos como "Trabajando en el Ferrocarril", "El Sur de la Ciudad" o "Caras en el Parque", todas canciones clásicas.
Todas las pistas del álbum fueron grabadas en vivo en el estudio Ion , por el ingeniero Carlos Piriz, sin overdubs, con la producción de Jorge Álvarez y Billy Bond . El sonido de Pappo fue logrado con una guitarra Fender Telecaster , propiedad de Claudio Gabis (ex Manal), distorsionado con un amplificador Robertone fabricado en Argentina , solamente aplicando su volumen al maximo. No hay otros efectos en el album, a excepción de ruidos incidentales en "Sandwiches de miga" y palmas en "Trabajando en el Ferrocarril".
El arte de tapa de este álbum estuvo a cargo de la artista plastica Cristina Villamor. Incluso se dice que la letra de "El brujo y el tiempo" estuvo inspirada por dicho dibujo.

 

 "El mismo día que llegué a Buenos Aires tocaba Pappo, no sé si en el "Broadway" o en un teatro de Flores por Rivadavia y... por hay por Flores, ese mismo día ya fui al concierto de él y ya me invitó y toqué un par de temas en la batería, no sé con quién tocaba en ese momento, y ya, desde esa misma noche, yo llegué un día a la mañana o a la tarde, y esa misma noche, estaba tocando con él. Después de ese concierto ya nos metimos a ensayar, tocaba el repertorio viejo de él que era "El  tren de las 16", el segundo, el "Volumen 2". Ya después lo llamamos a Machi, Pappo ya le había echado un poquito el ojo. Machi en esa época era como un músico de sesión, y, nada, me decía de que había un bajista, no sé qué, fuimos a la casa y tenía un "sonidazo", tenía un Fender y un "sonidazo" y le dijimos que vamos a hacer un trío con él y ya empezamos a ensayar los temas nuevos, "Sándwiches de miga" y toda esa historia e hicimos el Volumen 3."

"Pomo" Lorenzo (sobre Pappo's Blues Vol.3)

 

 

"Un día aparece Héctor Starc por casa y me dice: -¿A que no sabés quién vino?- y se asoma la cara de Pappo, acababa de llegar de Londres, y, entonces, ahí nomás se habló de tocar esa noche después de la presentación de un grupo que llamaba "La Máquina". 

El grupo que iba a tocar era el grupo de Héctor Starc, Black y yo, una vez más, ya éramos como los tres mosqueteros, y Pappo, bueno, y tocamos, o sea, tocó La Máquina y después de ellos salimos nosotros. La gente se enfervorizó cuando lo vieron a Pappo, lo vieron a Héctor, y cuando terminamos de tocar Pappo me dice aquello de: -Tenemos que hablar-, el tenemos que hablar era: me propuso tocar con él, y, bueno, me dijo: -Mirá, yo estoy con Pomo...- me dice. Yo sabía de Pomo pero nunca había tocado ni nada, y, bueno, y ahí aparecí con Pomo, en lo que fue la experiencia Pappo's Blues. Lo que sí me acuerdo es que lo primero que tocamos...la primer cosa que tocamos los tres fue aquel tema de Bol Dylan, pero a la versión de Jimi Hendrix: "All around the watch tower", "Mirando desde la torre", eso fue lo primero que tocamos. Y después, bueno, ensayábamos en la casa de Pappo allá en la calle Artigas, y grabamos el "Volumen 3".

Esa grabación fue un grabación prácticamente en vivo, cuando Pappo hace los solos de guitarra no hay otra guitarra sobregrabada, o sea, es una actuación en vivo. No hay dubbing de guitarra, no hay dos violas, o sea que eso es lo más exacto que hay a lo de una actuación en vivo, faltaba la gente nada más, pero es actuación en vivo. Está muy bien grabado, lo grabó Carlos Piriz.

 El tema que yo canté, "El sur de la ciudad", no lo compuse yo, lo compuso Pappo, creo que fue él que me dijo que lo cantara; yo compuse con el un tema que no canté, que es "Sándwiches de miga". Lo que sí me acuerdo es de una anécdota fenomenal y es que cuando salió el disco, al poco tiempo, hubo una carta en el correo de de la revista Pelo donde un tipo hablaba del disco y qué sé yo, y decía que él no le gustaba que cantara Pappo, que le parecía que Pappo cantaba muy mal, que esto y lo otro -A menos que cante como "En el sur de la ciudad"- decía, o sea, el tipo además creía que Pappo había podido cantar un tema de una manera distinta a lo que normalmente podía hacer, esa fue tremenda. 

"Machi" Rufino (sobre Pappo's Blues Vol.3)

 

 

 

 Integrantes:

 

Norberto "Pappo" Napolitano: Guitarra eléctrica, voz principal

Carlos Alberto "Machi" Rufino: Bajo, voz en "El sur de la ciudad" 

Hector "Pomo" Lorenzo: Batería, percusión

Temas:

01- Stratocaster Boogie
02- Pájaro metálico
03- Sucio y desprolijo
04- El sur de la ciudad
05- Sandwiches de miga
06- El brujo y el tiempo
07- Trabajando en el ferrocarril
08- Caras en el parque
09- Siempre es lo mismo nena 

 

Muestra Gráfica De La Grabación Sin Pérdida De Audio Original

 

Ripeado De Vinilo

 

Formato: FLAC (Free Lossless Audio Codec) 48.000 Hz / 24 Bits

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Moro - Satragni / Idem (FLAC - 1983)

 

 

“Moro-Satragni” fue el unico álbum del dúo compuesto por el baterista Oscar Moro (antiguo miembro de Los Gatos, Huinca, Color Humano, La Máquina de Hacer Pájaros, y Serú Girán), y el uruguayo Beto Satragni (antiguo componente del grupo Raíces y de Spinetta Jade), en bajo y voz.

 

Especial agradecimiento  al navegante Pedro Rock, que generosamente comparte esta perlita perteneciente a su colección personal.

 

El grupo comienza a presentarse en 1983, unos meses después de la separación de Serú Girán. Moro comentaba que formó el grupo para mostrarse como músico independiente, luego de ver como sus compañeros Charly García, David Lebón y Pedro Aznar sacaban discos solistas. Posteriormente lanzaron su único disco, que se llamó Moro-Satragni e incluye ocho composiciones, mayormente compuestas por Satragni. Si bien en esta grabación tocan diversos músicos como Charly García, David Lebón, Leo Sujatovich, Oscar Feldman, Pablo Rodríguez, Oscar Kreimer, Osvaldo Fattoruso, Luis Alberto Spinetta, Gustavo Bazterrica, Ricardo Mollo, Lito Epumer y Diego Rapoport. La banda se presentaba con Rubén Goldín en guitarras, y Alejandro Pires en teclados.  

"Ocurrió que luego de la separación de Serú Girán, la compañía grabadora les ofreció grabar un disco a cada uno de los integrantes, así fue que Moro se asoció con Satragni para esta aventura. El disco no tuvo mucha repercusión a pesar de calidad del álbum y de la de sus invitados, en su mayoría compañeros y amigos en común.
Satragni había sido el bajista en “Alma de diamante”, primer disco de Spinetta Jade, de modo que no fue extraño que participaran en “Moro-Satragni” Leo Sujatovich y Diego Rapoport en teclados, y Lito Epumer en guitarra, todos músicos de Spinetta, y hasta el propio Flaco, que grabó su viola en un tema suyo, ‘Mirada azul’.
Por el lado de Moro estaba el guitarrista Gustavo Bazterrica (compañero en La Máquina de Hacer Pájaros); y David Lebón, voz y guitarra en ‘Todo lo que pueda hacerme bien’, la canción que cerraba el disco (escrita por Lebón y Moro); y Charly García, que aportó voz y teclados en su tema, ‘Como me gustaría ser negro’ (los dos compañeros en Serú Girán).
En cuanto a las canciones de “Moro-Satragni”, aparte de las ya citadas, Oscar Moro aportó el instrumental ‘Canción de alguien’ y Satragni cuatro temas, uno de ellos ‘Canecandombe’, de la época de Raíces.
El dúo Moro-Satragni tuvo una corta vida, habían debutado en el Festival de primavera del Circuito KDT pero luego de algunos shows con músicos invitados cada uno emprendió caminos diferentes: Moro ingresó a Riff, participó en “Me vuelvo cada día más loca”, de Celeste Carballo y en “Detectives”, de Fabiana Cantilo; Satragni tuvo un breve paso por la banda de Lebón, luego formó El 60 junto al guitarrista Héctor Starc, grabaron un solo álbum y se disolvieron.
“Moro-Satragni” quedó como un bello recuerdo de la unión de dos grandes músicos que se fueron demasiado pronto."

Mario Cuevas

 
"Tras más de un año de trabajo conjunto, el primer fruto de la unión entre el baterista Oscar Moro y el bajista Beto Satragni por fin vio la luz. Acompañados por un auténtico "seleccionado" de músicos (Lito Epumer, Diego Rapoport, Charly García, David Lebón, Luis Alberto Spinetta, Leo Sujatovich, Oscar Feldman, Osvaldo Fattorusso, Pablo Rodríguez, Oscar Kreimer, Gustavo Bazterrica y Ricardo Mollo), Moro y Satragni hicieron un disco marcadamente emparentado con la música de Raíces, algo lógico si se tiene en cuenta que Satragni es el autor de la mayor parte del material.
La música de "Moro-Satragni" se basa en el candombe, con ciertos aires de fusión y algo de jazz, en especial en los teclados y en los solos. Satragni asume correctamente la mayoría de las partes vocales y tres de los invitados también participan en ese aspecto: García, Spinetta y Lebón. Los temas más logrados del álbum son "Canecandombe", "Como me gustaría ser negro" y "Todo lo que pueda hacerme bien". También es un hallazgo el tema de Moro, "Canción de alguien", con un brillante trabajo de Oscar Feldman en saxos. "Moro-Satragni" es un trabajo interesante de dos músicos idoneos en lo suyo que supieron rodearse de los instrumentistas ideales como para llevar adelante su propuesta."

Revista Pelo - Reseña del disco (1983)

 

 

 

Integrantes:

Beto Satragni: Bajo, voz, guitarras acústicas, coros
Oscar Moro: Batería, percusión

Musicos Que Participan:

Lito Epumer: Guitarras
Diego Rapoport: Piano
David Lebon: Guitarra, voz (En tema 8)
Luis Alberto Spinetta: Guitarra (En tema 7)
Leo Sujatovich: Teclados
Oscar Feldman: Saxos
Charly Garcia: Voz, teclados, coro (En tema 4)
Pablo Rodriguez: Saxos
Osvaldo Fattoruso: Percusión, tumbadoras
Oscar Kreimer: Saxos
Gustavo Bazterrica: Guitarra
Ricardo Mollo: Guitarra

Temas:

01- Aguantando con fiebre
02- Canecandombe
03- Dale amor a tu tierra
04- Como me gustaría ser negro (con Charly García)
05- Tan sólo un lugar
06- Canción de alguien
07- Mirada azul (con Luis Alberto Spinetta)
08- Todo lo que pueda hacerme bien (con David Lebón)

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

pass: naveargenta.blogspot