Billy Bond y La Pesada Del Rock And Roll - Vol. 4 (FLAC - 1973)

 

 

El cuarto álbum de Billy Bond y La Pesada apareció en 1973, cuando el grupo se hallaba en estado casi inactivo. Ya había dejado de presentarse en vivo, debido a la fuerte represion que existia en aquel momento y a los graves incidentes ocurridos en el Estadio Luna Park, el año anterior, junto a la edición del tercer disco titulado "Tontos (Operita)".

Este disco marcaría el final de la banda, siendo un trabajo que combina el hard rock con el blues rock, de una manera más o menos ortodoxa, sustancialmente distinta al experimental y catártico Tontos. No obstante una vez más se incluyen detalles extravagantes, como el sonido pregrabado de animales domésticos o fieras emitiendo sus características onomatopeyas, las cuales se usaron a modo de separación entre cada una de las canciones. La sarcástica y jovial "Gracias al Cielo" (con un joven Charly García en piano) obtuvo notoriedad en los años 2000, al ser elegida como cortina musical del programa televisivo de Roberto Pettinato, Duro de domar. Del mismo modo, el álbum incluye una corta versión del célebre bolero "Perfidia", de Alberto Domínguez, cantada por Billy Bond.

 

"En este LP canto 9 temas de rock muy simples, basicos, con una introducción, medio, solo y fin, con bandas sonoras entre musica y musica, con ruidos de animales de la selva rugiendo entre tema y tema. Ganamos el "premio" por el mejor disco de rock del año...!!!"
Despues me fui del pais cuando las cosas realmente se pusieron muy pesadas. Yo era casi boleta: estaba en la lista negra de los militares (el segundo en la lista por orden alfabético). Mi musica estaba prohibida en las radios...el Luna...la Marcha de San Lorenzo...Tontos...Los del rock que no eran del rock, las farsas, la represión. Estaban matando a mis amigos de a millares, Tanguito...el negro Carlos...el Rulo. Estaba en la mira y entonces...Chau!!!Hasta la vista Baby...me escapé como refugiado".

Billy Bond

 

"Para editar su cuarto álbum, Billy Bond a vuelto a recurrir al grupo eventual de La Pesada, que después de algunos años, a pesar de mantener su eventualidad y variabilidad, parece haber solidificado un estilo musical y —lo que aparece como más importante— un incansable ejercicio burlón e ideológico desvastador. Billy Bond es (lo quieran algunos o no) una especie de sintetizador de esas ideas en cuanto a la parte musical. El otro mentor (ya en el terreno quizás ideológico), es Jorge Alvarez. En este álbum la dupla Alvarez-Bond funciona en casi todos los temas y eventualmente colaboran en las autorías algunos músicos viajantes por La Pesada. Y no es casual que sea así porque, al parecer, el dúo Alvrez-Bond ha querido cargar las tintas en el mensaje oral más que en el musical. Este long play es quizás uno de los primeros intentos —en serio— de rock ideológico (no necesariamente político) que se realizan en la Argentina. Cuando no se dedican a realizar rocks de común factura, se inclinan por la burla y la destrucción. Es un intento anterior (Tontos), aspiraron a lo mismo tratando masacrar las formas. Esta vez acometen contra el espíritu de este reino y organización proletaria. Los resultados, esta vez,son más saludables y divertidos. Billy Bond es en músico curioso: tiene más detractores que admiradores. Admitámoslo. Se le reprochan muchas cosas. Todos tienen algo que decir. Pero en éste álbum, más allá de la música, está clarificando el camino para que algunos más entiendan qué es lo que quiere hacer. Bond no es un creador musical, es en cambio un habilidoso artesano. Socorrido por la colaboracion de Alvarez y los músicos ya conocidos, ha realizado una obra destructora de lo establecido y moldes erigidos y valorados por la pequeña burguesía, siempre tendiente a lo complaciente. Cantar el bolero "Perfidia" y hacer de ese trabajo algo más que una maqueta es destruir. Empalagarse con un blues al estilo de los años '40 también. Obviamente, entonces, ante las dudas de una creación importante, Bond opta por la destrucción de ciertos valores, que es, también, una forma de luchar. Y después de todo: quién nos asegura que la destrucción no es creación??
Tapa:. Gatti se dio el gusto de hacer un colage con todo lo que le gusta: la turgencia y lo Infantil de los años '40.
Síntesis: en el trabajo anterior Bond quiso atacar las formas ("Tontos") con resultados no logrados; esta vez destruye valores, ridiculiza, toma el pelo, se ríe (quizás también del rock) y consigue su mejor long play".

 

 Revista Pelo - Reseña del álbum (1974)

 Integrantes:

Billy Bond: Voz
Kubero Díaz: Guitarra
Claudio Gabis: Guitarra
Alejandro Medina: Bajo
Jorge Pinchevsky: Violín
Isa Portugheis: Batería

Temas:

01- No nos paran mas
02- Hacia algun lugar
03- Pinchevsky rock
04- Gracias al cielo
05- Estamos hartos
06- Que sepa volar
07- Perfidia
08- Concientemente todo lo podras lograr
09- Algo está por suceder

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Hugo y Osvaldo Fattoruso – La Bossa Nova De Hugo y Osvaldo (FLAC -24 Bits) Uruguay-1969

 

 

Luego de la separación de Los Shakers, en 1969, los hermanos Fatorusso debían un disco a la discográfica Emi Odeón para finalizar su contrato con el sello. Bajo estas circunstancias surge la idea de grabar esta particular obra en clave de bossa nova, con arreglos de jazz, aires de rock y psicodelia beatle. Temas propios y versiones de Burt Bacharach, George Harrison y Manolo Guarda hacen de este disco una joya que no tuvo mucha repercusión en su momento, pero que hoy es altamente valorada entre coleccionistas y melómanos alrededor del mundo. Ahora en la nave podemos disfrutar de esta obra tal como fué grabada originalmente, con sonido monoural, digitalizado en alta calidad con una profundidad de sonido de 24 bits. 

La Bossa Nova de Hugo y Osvaldo ha sido un un disco tanto olvidado. El documental Fattoruso (2017), cuando repasa su discografía, no lo menciona, y solo se ha reeditado en CD en Italia, en 2006, por el sello Circolo Del Disco Produzione. En la discografía de los hermanos Fattoruso, ha quedado en medio de dos discos muy reconocidos en el Río de la Plata: La conferencia secreta del Toto's bar (1968) de Los Shakers y Goldenwings (1977) de Opa.
Fue un álbum realizado para cumplir el contrato con la compañía discográfica que había editado a Los Shakers. No había presión por parte de la discográfica y los hermanos grabaron con libertad. El disco sigue la línea ligera de temas como “Nunca nunca”, o “Adorable Lola”, que los hermanos habían grabado con Los Shakers. Los arreglos son muy delicados y pueden evocar a Jobim, aunque aparece la impronta de Hugo Fattoruso y hay psicodelia. Grabaron temas nuevos, de Los Shakers, y versionaron a Burt Bacharach, Los Beatles y al pionero del candombe beat Manolo Guardia. Las canciones las cantaron en inglés. En 2022 fue reeditado en vinilo por el sello Guerssen.

"En 1969, Hugo y Osvaldo vivían en Buenos Aires y tenían aún un contrato que cumplir con el sello Odeón. Según recuerda hoy Hugo, la idea de grabar un disco de bossa nova con temas propios y algunas versiones, donde él y Osvaldo se ocuparan casi en exclusividad de todos los instrumentos; partió de ellos.
“Fue una propuesta de nuestra parte a Miguel Ángel Rota —productor de Emi Odeón en esa era—”, recuerda Hugo. “Estábamos ociosos, recién separados Los Shakers, tocando con Billy Bond y haciendo además algo de jazz. Tuvimos total libertad para elegir el repertorio. Había un sistema en que teníamos que dar el nombre del tema que íbamos a grabar días o semanas antes. En muchos de los temas propios primero pusimos el nombre y después los armábamos con Osvaldo”.
El disco muestra el talento, la apertura musical y la temprana originalidad como creadores de Hugo y Osvaldo. Tiene una pizca del toque beatle de Los Shakers, mucho del oído jazzístico que ambos curtieron desde su infancia, una novedosa lectura de la bossa nova mezclada con otros ritmos regionales y un espíritu de libertad y frescura que estaba en los Shakers y seguiría con otros rumbos en su posterior experiencia.
“Ese tipo de propuesta nos era familiar, las fusiones siempre nos acompañaron, nunca fuimos puristas”, dice Hugo acerca de la propuesta del álbum.
Lo más particular de La Bossa Nova de Hugo y Osvaldo es su mezcla entre una propuesta de bossa más convencional con ciertos arreglos y giros armónicos y melódicos que se apartan completamente de ese ambiente. El “Poema de las cinco rosas” es el mejor ejemplo de esto: una maravillosa mezcla de bossa nova y pop sicodélico, que podría haber inaugurado un género musical. Hay mucho más, además de nuevas relecturas de temas de Los Shakers (“Never, Never”, “El pino y la rosa”), versiones de los Beatles (“You Like Me Too Much”) y Burt Bacharach (“This Guy's in Love with You”). Las canciones propias “Sueño y realidad”, “Amaneciendo” y “La larga noche” dan cuenta del amor de los hermanos Fattoruso por Tom Jobim, haciendo una adaptación del universo bossanovístico muy parecido al que habían hecho con los Beatles en la experiencia de Los Shakers. La versión de “Chicalanga” de Manolo Guardia, cantada en inglés como el resto de las canciones del álbum, muestra no solo la influencia fundamental que Guardia significó para los dos hermanos, sino un camino musical que ambos desarrollarían ampliamente en los años siguientes".

Andrés Torrón (latidobeat.uy)

 

 

 

Músicos:

Hugo y Osvaldo Fattoruso: Todos los instrumentos

Temas:

01 - Sueño o Realidad
02 - Este Muchacho Está Enamorado de Ti
03 - Samba Doble
04 - Ojos Oscuros
05 - La Larga Noche
06 - Chicalanga
07 - Hechizo
08 - Me Gustas Demasiado
09 - Poema de Las Cinco Rosas
10 - Nunca Nunca
11 - Amaneciendo
12 - El Pino y La Rosa

Formato: FLAC - 48.000 Hz / 24 Bits

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V8 - Luchando Por El Metal (FLAC - 1983)

Por fin aborda la nave esta legendaria banda del metal argentino. El motivo de la demora se debía a mi obsesión de encontrar el material en verdadero formato de alta calidad. Hoy, gracias al aportazo del amigo navegante Claudio (DRF Metal Rec), que ripeó este álbum personalmente, podemos disfrutar de esta banda pionera del heavy metal de los 80.
Fundada en 1979 por Ricardo Iorio y Ricardo Moreno, es una de las agrupaciones más emblemáticas e influyentes del heavy argentino. Su álbum debut publicado en 1983, Luchando por el metal, de escaso éxito en su época, ganó valor simbólico con el tiempo, llegando a ser una de las influencias más destacadas del género, e incluso es considerado como uno de los mejores álbumes del rock argentino.
Muchísimas gracias Claudio por compartir este material con la calidad que merece!!! (Y habrá algo mas de V8 en el futuro...) 

 

Luchando Por El Metal es el álbum debut de la pionera banda argentina de heavy metal V8, publicado el 10 de abril de 1983 por el sello discográfico Umbral. Este disco resulta ser el más importante de la banda, ya que es el que los dio a conocer, y que, junto a Riff, los transformó en los máximos exponentes del heavy metal argentino de principios a mediados de los 80s.
Previamente, V8 se habían presentado en el festival B.A. Rock, a fines de 1982, donde varias canciones de este disco fueron presentadas en vivo; al mismo tiempo la banda había registrado un demo por medio de Pedro Leontjew, su primer mánager, en el estudio El Jardín. La cinta contenía "Asqueroso cansancio", "Vomitando heavy metal", "Maligno", "Hiena de metal", "Juicio final", "Parcas sangrientas" y "Voy a enloquecer". Cabe señalar que "Maligno" permaneció inédito hasta su recopilación en la caja Antología del año 2001, mientras que "Juicio final", "Vomitando heavy metal" y "Asqueroso cansancio" fueron reescritos y regrabados para sus siguientes discos. Este álbum se gestó y publicó en tiempos convulsos en la Argentina post-Malvinas, antes del retorno a la democracia en el país, durante los últimos meses del Proceso de Reorganización Nacional, lo que se deja entrever en algunas de las letras.
Las canciones más populares del álbum son "Destrucción", "Brigadas metálicas", "Muy cansado estoy" y, con la participación de Pappo, "Hiena de metal". No obstante la idea original era usar el sonido de un motor V8 para la intro de "Destrucción", al no encontrar el automóvil adecuado, fue usado el de un Torino, grabado por el bajista Ricardo Iorio en un garaje que estaba a la vuelta del estudio.
En 1992, Radio Trípoli lo reedita en CD, junto al resto de la discografía de la banda, mientras que junto con Un paso más en la batalla, fue lanzado en edición limitada en vinilo en 2012 en Europa, por el sello español Beat Generation.

"Este prologo es necesario para entender quienes eran V8 en sus comienzos. Un cuarteto irritable en vivo, y enojado en sus canciones. Y creo entender que eran realmente auténticos, no una pose ni una imagen prefabricada, a diferencia de Riff cuya imagen fue deliberadamente elegida para romper con el rock que se hacía en Argentina, inclusive con Pappo’s Blues. Porque V8 tenía más que ver con el  barrio obrero; y lo que el punk hizo en Londres, acá lo hizo el heavy metal, empezando por V8. Letras reivindicativas, sociales y recriminadoras, y una música furiosa.
Si bien V8 venía desde 1980, la formación que grabó el primer LP se estabilizó en 1981. El  show de BARock (1982) donde se trenzaron a puteadas con el público que los abucheaba y revoleaba naranjazos, de algún modo les hizo mayor publicidad. Tanto Iorio como Zamarbide habían trabajado como plomos de Dr. Rock y Dulces 16, respectivamente. Esto les hizo ver el ambiente y, entre otros, conocer a Pappo, quien les dio una mano tanto para presentarse con ellos, como para llegar al disco.
Antes de BARock, hubo alguna nota donde expresaban su mal humor social. Para Iorio, V8 era “un autentico grupo de metal pesado”, y en cuanto al mensaje, “no nos queremos poner en profetas, pero tampoco podemos dejar de hablar un poco de lo que nos pasa. Nos suceden las mismas cosas que a cualquier tipo, sabemos cómo se siente, y queremos que ese tipo vaya a un recital nuestro y se descargue”. Zamarbide hablaba en el mismo sentido: “queremos que la gente reciba toda la energía que podemos darle. Claro que el recital es una forma de canalizar la energía, pero hay que hacerlo en forma inteligente, para que después no digan que somos unos tarados que no entendemos nada”. Años después, el mismo Zamarbide, hablando del show en BARock, recordaba que increpó a uno del público que se la había agarrado con Iorio: “Me raye y le dije: ¡Vení, hippie de mierda, subí acá que te reviento! ¡Y justo me acordé que eso estaba saliendo en directo por la radio! Se armo un quilombo, pero nos cagábamos en todo, no nos importaba nada”.
Y así llegamos a Luchando por el metal, el álbum debut de V8. Y apropiadamente, también debe decirse que es el primer álbum genuinamente de heavy metal hecho por una banda argentina. Lo primero que debo reconocer (afortunadamente) es que el desorden que les vi en directo, no se refleja  en el disco. Luchando por el metal es un gran álbum, y definitivamente rompe aguas en su género en el país; un LP que debe mucho (quizás muchísimo) a la labor de Osvaldo Civile en la guitarra.
Musicalmente hablando, Luchando por el metal es variado, pero recicla de alguna forma las diferentes variantes metaleras del momento, lo que por el otro costado lo pone como previsible, ya que  bastante del material tiene las ondas del trash y del speed metal que se oían en grupos ingleses o americanos. Grabado en un estudio regular, a pesar de disponer de algún equipo o instrumento prestado para sonar mejor, el sonido final no es gran cosa y contribuye a que el cuarteto no consiga lo mejor de sí mismo. Pero las nueve canciones, que en conjunto no alcanzan la media hora, son una amalgama de música hecha para desatar esa energía de la que hablaban. Y dentro de esa amalgama, como decía antes, Osvaldo Civile es la estrella, con muy buenos solos y rítmicas, que elevan la categoría de todo el disco. Por su parte, Alberto Zamarbide no es lo que se dice una voz de amplio rango, pero cumple con lo suyo, aún  perjudicado por el sonido general y una mezcla mediocre. Gustavo Rowek empuja mucho con su batería, y Ricardo Iorio hace lo suyo sin destacar demasiado.
Dentro de un listado de canciones parejas, particularmente me gustan más los dos temas más conocidos, “Destrucción” y “Muy cansado estoy”, que junto “Brigadas metálicas” y “Ángeles de las tinieblas”, son lo más destacable del disco.
Recuerdo que la publicidad de la edición original argumentaba la presencia de Pappo como invitado, pero su participación se reduce a un breve y mediocre solo en “Hiena de Metal”, que es opacado por la interpretación de Civile en el mismo tema.
Del lado de las letras, la cosa venia más pareja. Enojados con la sociedad careta, la onda del “manso y tranquilo” y el mundo en general, no era sorpresa encontrarse con versos que nada tenían de complacencia o corrección política.
Debo concluir entonces que Luchando por el metal es un muy buen LP. No es excelso, pero es lo suficientemente bueno para oírlo y entender a esta banda bastante bardera en el escenario, pero realmente genuina a quienes se podrá calificar de cualquier cosa, menos de caretas”.

elholocaustodepabloalekssander.wordpress

 

 

 

Integrantes:

Alberto Zamarbide: Voz
Osvaldo Civile: Guitarra
Ricardo Iorio: Bajo, voz
Gustavo Rowek: Batería

Músicos invitados:

Pappo: Guitarra en “Hiena de metal”
Marcelo Vitale: Teclado en “Si puedes vencer al temor”

Temas:

01- Destrucción
02- Parcas sangrientas
03- Si puedes vencer al temor
04- Ángeles de las tinieblas
05- Tiempos metálicos
06- Muy cansado estoy
07- Brigadas metálicas
08- Torturador
09- Hiena de metal

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Miguel Abuelo - Simples (FLAC - 1968/1970)

 

 

Otro gran aporte del navegante Pedro Rock, que en esta ocasión compartiendo un compilado, realizado por el mismo, de los simples grabados por Miguel Abuelo entre los años 1968-1970. Con portada diseñada por el propio Pedro y sonido de alta calidad. Inmenso agradecimiento para el por su colaboración.

 
Miguel “Abuelo” Peralta nació el 21 de Marzo de 1946. Hijo de Virginia Peralta, nunca supo la identidad de su padre. Pasó su infancia viviendo en un orfanato y luego bajo la protección de una pareja mayor que lo apadrinó. Pero Miguel tuvo una personalidad inquieta y rebelde desde chico. Desafiaba a los mayores sin temor y fue expulsado de muchas escuelas. No obstante, se formó como un hombre culto al leer mucha filosofía y literatura. Siempre ingenioso, se las arreglaba para salirse con la suya gracias a su voluntad innata de subsistir y gracias a su personalidad entradora y simpática (así como también a veces prepotente). La personalidad de Miguel era inestable. Era un hombre hiperactivo, acelerado y difícil de tratar. Pero sin lugar a dudas un genio irrepetible considerado el mejor poeta del rock argentino. Hacia el ´68 comienza a frecuentar el boliche de la calle Corrientes, "La Cueva" donde conoce a Javier Batman, Litto Nebbia, Tanguito, Claudio Gabis, Spinetta, Los Gatos, Los Beatniks, Manal, Moris, Vox Dei y Billy Bond. Pasa un tiempo viviendo en una pensión compartiendo el cuarto con su amigo Pipo Lernoud y luego se mudan a la casa de su madre, Mabel Lernoud. En 1968 formó Los Abuelos de la Nada, inspirado en una frase del libro de Leopoldo Marechal, "El Banquete de Severo Arcángelo". Así es como reúne con la ayuda de su inseparable amigo, el poeta y periodista, Pipo Lernoud, la primera formación de "Abuelos" reclutando músicos en Plaza Francia (lugar donde la juventud hippie argentina solía congregarse a fines de los ´60). Claudio Gabis, guitarrista de Manal, participa de la grabación del primer single de Los Abuelos de la Nada: "Diana Divaga", pero el papel de la guitarra sería ocupado por Norberto Aníbal Nappolitano, mejor conocido como Pappo. El resto de la banda la conforman "Mayoneso" Fanacoa, Miky y Alberto "Abuelo" Lara y Pomo. Esta primera generación de Los Abuelos estaría más ligada a la psicodelia. Miguel se destaca componiendo temas brillantes y clásicos del rock nacional como "Diana Divaga", "Oye Niño", ¿"Nunca te miró una vaca de frente?", "Tema en Flú sobre el planeta" y "Mariposas de Madera" entre otros. Algunos registrados junto con Los Abuelos y otros como solista bajo el sello Mandioca. Por otro lado, esta primera etapa con la agrupación es corta. Hacia el 69 Miguel cede el liderazgo de la banda a Pappo orientándose entonces al blues. Sin embargo, la agrupación hace un par de presentaciones y se desarma. Forma entonces una nueva banda llamada "El Huevo" junto a “Pomo” Lorenzo y Carlos Cutaia, pero dicha agrupación no dura ni trasciende. Miguel se siente frustrado. Está sumido en la depresión que le causa no poder desenvolverse bien como profesional y eso le juega malas pasadas ya que su ambición más grande era ser considerado un buen artista y publicar su obra. Harto además del tenso clima social que se vive bajo la dictadura de Onganía, Miguel decide viajar a Europa para escapar de un sistema político opresor, en búsqueda de nuevos horizontes artísticos. Allí daría comienzo una nueva etapa, tanto en su vida como en su carrera artística.

Temas:

01- Oye niño (simple 1968)
02- ¿Nunca te miró una vaca de frente? (simple 1968)
03- Estoy aquí parado, sentado, acostado (grabación Mandioca 1968 - previamente inédito)
04- Mariposas de madera (Version 1969)
05- Levemente o triste (1969)
06- Hoy seremos campesinos (simple 1970)
07- Mariposas de madera (simple 1970)

Tema 1 y 2 originalmente del simple “Oye niño” de 1968
Tema 6 y 7 originalmente del simple “Hoy seremos campesinos” de 1970
Tema 1, 2, 3, 7 extraído de “Los solistas de Mandioca” (1970)
Tema 4 y 5 extraído de “Mandioca Underground” (1969)
Tema 6 extraído de “Colección simples de Mandioca”

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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David Lebón - Siempre Estaré / Si De Algo Sirve (FLAC - 1983-1985)

 

 

 Luego de la separacion de Seru Giran en 1982, David Lebón tuvo una prolífica carrera solista a lo largo de esa década. Grabó, entre otras obras, estos dos albumes en los años 1983 y 1985 respectivamente. Discos difíciles de conseguir en la actualidad, que no han tenido reedición oficial y por lo tanto se encuentran descatalogados.

 

 En 1982 Serú Girán se separó y David Lebon se volcó de lleno a su carrera como solista. Ese mismo año presentó con gran éxito su tercer disco, "El tiempo es veloz", con el que demostró una vez más su enorme talento como músico. Pero el éxito no se detuvo ahí, sino que acompañó a David en los años siguientes.
En 1983 grabó "Siempre Estaré". Este disco se caracteriza por sus baladas y melodías pop rock, con temas exitosos como "No llores por mí, reina", "Quiero regalarte mi amor", y en menor medida "Despertándome sigo soñando" o "Dicha y luz". No obstante hay incursiones más cercanas al rock, como "Bonzo" (dedicado al baterista de Led Zeppelin, John Bonham), o "El rock de los chicos malos", canción con sabor boogie y letra irónica acerca de los fans, y la cultura del heavy metal.
La famosa canción navideña "White Christmas" cierra el disco, en versión castellana cantada a dúo por David con su hijo, David Lebón (h). El álbum cuenta con las participaciones entre otros de Claudia Puyó, Osvaldo Fattoruso, Daniel Colombres y Beto Satragni. Este disco fue presentado a fin de año, en 1983, en unas inolvidables funciones en el Teatro Coliseo de Buenos Aires.Un año más tarde graba "Desnuque", un homenaje al rock and roll, que contó con la producción de Charly García en algunos temas -"Contigo qué pasa", "No lo ves, tonto", "Rock de la cárcel" y "La cadena se rompió"- y la colaboración de Celeste Carballo en "Hacelo hoy conmigo". El álbum fue presentado ese mismo año con tres recitales en Obras, a estadio completo.
En 1985 publica "Si de algo sirve", disco que marca el inicio de su contrato con la multinacional CBS. Es un album tranquilo, de un pop más melódico, aunque sin dejar de rockear en temas como "Todos en un cuarto", una de las canciones más difundidas, juno con "Y si de algo sirve" y "Un día que no fue". Participaron Daniel Castro en bajo y Luis Gurevich (talentoso pianista, futuro colaborador de León Gieco) en teclados, como nuevos integrantes de su banda de apoyo. Este trabajo es una especie de resumen de los dos últimos álbumes de Lebón, "Desnuque" y "Siempre estaré".
Luego, en 1986, editaria "7x7", con temas que se destacaron como "Puedo sentirlo", en el 87 "Nunca te puedo alcanzar", para culminar su prolifica decada del ochenta con el album "Contactos" en 1989.

 

"David Lebón tiene una línea fácilmente reconocible más allá de los músicos que eventualmente la interpreten. Todos los discos solitas de Lebón tienen el mismo sello compositivo y una marcada continuidad estilística. Y "Siempre estaré" no es la excepción. El guitarrista grabó una nueva serie de canciones bluseadas y rocks fuertes con su ya clásica temática romántica, obteniendo, otra vez, resultados muy interesantes. "Quiero regalarte mi amor", "Bonzo", "Siempre estaré cerca", "No llores por mí, reina" son algunos de los temas más logrados de un álbum sumamente parejo en el que David Lebbn ratificó todas sus dotes como cantante, guitarrista y compositor. "Siempre estaré" es un disco excelente, con climas muy logrados y una serie de temas decididamente cautivantes".

 

Revista Pelo - Reseña de "Siempre estaré" (1984) 

 

 

 

 
Musicos y Temas en "Siempre Estaré" (1983):

David Lebón: Guitarras, voz, bajo, armonica, mandolina
Osvaldo Fattorusso: Percusión
Beto Satragni: Bajo
Daniel Colombres: Batería
Diego Rapoport: Teclados
Hector Starc: Guitarra
Omar Mollo: Coros
Claudia Puyó: Coros
Mercedes Backer: Coros
David Lebón (h): Voz en "Navidad blanca (White Christmas)

01- Siempre estaré cerca
02- Quiero regalarte mi amor
03- Tu canción me hace daño
04- Miro el sol
05- Despertandome sigo soñando
06- Bonzo
07- Dicha y luz
08- Rock de los chicos malos
09- No llores por mi reina

Musicos y Temas en "Si de Algo Sirve" (1985):

David Lebón: Guitarra, voz, órgano Hammond, piano Rhodes
Daniel Colombres: Batería, coros
Daniel Castro: Bajo, bajo Moog, coros
Luis Gurevich: Teclados, coros

01- Todos en un cuarto
02- Ya debes ser feliz
03- Nadie sabe escuchar
04- Un día que no fue
05- Sólo sos vos
06- Y si de algo sirve
07- Y me sucedió a mí
08- Si yo pudiera ser tu amigo
09- El mejor amor
10- Hace siete días
11- Y si de algo sirve (final) 

 

 

Formato FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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La Barra de Chocolate - Idem + Bonus (FLAC - 1969-1970)

 

La Barra de Chocolate fue una mítica agrupación de Beat-Rock de nuestro pais, de muy corta vida. Tan solo duró un año, entre 1969 y 1970. Su lider y cantante era el legendario "Pajarito" Zaguri, ex Beatniks y ex Los Naufragos. La formación se completaba con otro grande: el guitarrista Nacho Smilari, Miguel Monti en bajo, Jorge "Yoryo" Mercury en órgano y Quique Sapia en batería.

Esta es una edición del sello independiente Munster Records, publicada en 2011. Contiene el único LP grabado por el grupo, mas ocho bonus tracks pertenecientes a diferentes discos simples del grupo y de Pajarito como solista.

 

"La Cueva ya era un recuerdo cuando Pajarito le propuso a Smilari formar una banda. El músico tenía un conjunto con el que acompañaba a cantantes como Vico Berti o Freddy Tadeo. El primer convocado fue el bajista de aquel combo: Miguel Monti. Su apodo era “Fender”, pues había sido el primero de los “cueveros” en tener un bajo de esa marca. La agrupación se completó con el tecladista Jorge Mercury y el baterista Enrique Sapia, quienes habían sido parte de Los Comanches. El artista plástico Martín “Poni” Micharvegas fue quien le otorgó el nombre al grupo: La Barra de Chocolate, en alusión a la barra de hachís. A mediados de 1969, apareció el primer simple. El lado A traía “Hippies y todo el circo”, un frenético relato de Zaguri sobre las reacciones que despertaba cuando caminaba por la calle. Su autor lo definió, ante quien esto escribe, como “el primer rap del rock argentino”. La faz B presentaba “¿Cuál es la forma?”, una balada de tinte pacifista con reminiscencias guitarrísticas de The Byrds.
En septiembre de 1969, en el Teatro El Nacional, se realizó el Primer Festival Nacional de la Música Beat. El certamen consagró ganador a un tema inédito de La Barra de Chocolate. “Alza la voz” era un grito de rebeldía que reflejó el espíritu revolucionario de su época. “Cierta vez, un pibe me dijo 'por esa canción me hice comunista’”, comentó Pajarito en aquel reportaje de 2003. “La escribí en cinco minutos”. La entrega contaba con un punzante solo de Smilari y unos precisos arreglos de vientos de su autoría. “Se los tarareé a Francisco “Bubby” Lavecchia, quien los reprodujo en el piano y luego, los escribió en una partitura”, revela el guitarrista. La composición, lanzada en un simple, vendió más de 50.000 unidades. El año culminó con una consagratoria actuación en el Festival Pinap de la Música Beat & Pop ’69. Ambos triunfos allanaron el camino para la concreción de un álbum. Antes de su publicación, aparecieron otras dos piezas: la soñadora “Vivir en las nubes” y la, por momentos, hilarante “El Malecón”.
El elepé del quinteto llegó a las disquerías en abril de 1970. Los acordes introductorios del Farfisa de Mercury definían el mid tempo de “Si supiera esta niña”. “Algunas veces tocamos en Áfrika, un boliche de Barrio Norte. Allí, Pajarito se levantó una mina que era hija de un militar”, recuerda Nacho. La pieza retrataba ese vínculo, obstaculizado por diferencias de clase. “Era como ‘La rubia tarada’ de Sumo, pero con más respeto”, la describió Zaguri. La entrada secuencial del bajo, el órgano, la guitarra y la batería marcaban el pulso de “Buenos Aires Beat”. Retrato cuasi tanguero de una ciudad a punto de despertarse. “Proyectos de un ladrón prisionero” enmarcaba, en una atmósfera psicodélica, un texto escrito por el cantante durante una temporada a la sombra. Tras “Alza la voz”, llegaba “¿Usted sabe lo que es fe?”. Un rhythm and blues, nacido en las sesiones de grabación, con la gran urbe como escenario y citas a otras canciones del combo. El lado uno cerraba con “Otro lugar, cual puede ser” donde el compositor planteaba un escape hacia otro sitio, ya fuese físico o mental. El tema contenía arreglos de Smilari hechos con un pedal wah wah.
El lado dos comenzaba con “Ella, la doncella”, una balada inspirada en “Juan, el noble caballero”, de Moris. La pieza, con arreglos de vientos y cuerdas en sintonía con “She´s a rainbow” de The Rolling Stones, describía a una mujer a la espera de su amado. Seguía “El divagante”, un entrañable retrato de Tanguito. El sólido bajo de Monti, el órgano de Mercury con guiños a la sonoridad de The Doors, y las intervenciones de Nacho, a través de un pedal fuzz, se amalgamaban para construir una gema pop. En “Beatnick waltz” se criticaba a una sociedad que anteponía el progreso material al amor. El tema contaba con otra ajustada participación del tecladista. “El gigante” mostraba a la banda en estado de gracia. Los aportes de la guitarra de doce cuerdas de Smilari, la decisiva presencia de Mercury y la base de Monti y Sapia daban marco a una gran interpretación de Zaguri, quien apuntaba contra los arrogantes y ególatras. El final llegaba con “¿Viste?” una pirotécnica zapada de casi ocho minutos surgida en el estudio. En ella, el cantante desechaba, a viva voz, todo lo que le impedía vivir en libertad.
La fotografía de la carátula del disco mostraba al quinteto posando en la entrada de un bar que, según rememoraba Zaguri, quedaba en la intersección de las calles Paraguay y Reconquista. En la contratapa, un texto del vocalista informaba que las canciones habían sido compuestas mientras soñaba “con una expresión beat netamente argentina en el contenido de sus letras”. Los temas fueron plasmados en el estudio Audión, ubicado en Ayacucho 614, con una consola de cuatro canales. El autor de las piezas era Pajarito, pero éstas adquirían su forma definitiva gracias a Smilari. “Me mostraba las melodías, con los acordes básicos, en una guitarra criolla. Después, yo las envolvía en papel celofán y les ponía un moñito”, grafica Nacho. El proceso de registro fue arduo. “Llegábamos a las tomas finales tras varios intentos, porque Monti y Sapia se iban de tiempo”, afirma. “Los técnicos no entendían nuestra estética. Entonces, cuando la aguja del magnetófono marcaba en rojo, paraban la grabación”, relata aún con asombro.
El conjunto aparecía en televisión y ostentaba una nutrida agenda de conciertos en Capital Federal, Gran Buenos Aires y el interior del país. “Ganábamos mucha guita. ¡Hasta club de fans teníamos!”, exclama Nacho. El combo, incluso, llegó a la pantalla grande en Con alma y vida, film dirigido por David José Kohon. En septiembre de 1970, apareció un nuevo simple. El lado A presentaba “Voces en la calle”, donde se describía a una “Reina del Plata” un tanto hostil. El lado B traía “Doña Lucía”, un soberbio rock and roll con un Zaguri en llamas y un Smilari descollante. Para entonces, el quinteto sufría una profunda escisión motivada por diferencias musicales. Tras regresar de un viaje por Estados Unidos, el guitarrista abandonó el grupo. Su lugar fue ocupado por Juan “Gamba” Gentilini, ex integrante de Conexión Número 5. Sin su arquitecto sonoro, La Barra de Chocolate tenía los días contados. En diciembre de ese año, Pajarito comunicó su disolución". 

Gabriel Cócaro (pagina12.com.ar)

 

 

Integrantes:

Pajarito Zaguri: Voz
Ignacio Smilari: Guitarra
Jorge Mercury: Teclados
Miguel Monti: Bajo
Quique Sapia: Batería

Temas:

01- Si Supiera Esta Niña
02- Buenos Aires Beat
03- Proyectos De Un Ladron Prisionero
04- Alza La Voz
05- Usted Sabe Lo Que Es Fe?
06- Otro Lugar, Cual Puede Ser
07- Ella, La Doncella
08- El Divagante
09- Beatnick Waltz
10- El Gigante
11- Viste?

 

Bonus Tracks (La Barra):

12- El Malecón (Simple 1970)
13- Doña Lucia (Simple 1970)

 

Pajarito Solista:

14- Un Diablito En El Cielo (Simple-1969)
15- Navidad Espacial (Simple-1969)
16- El Pampero Libertad (Simple-1973)
17- Copado Y Colocado (Simple-1973)
18- Presidente Del País (Simple-1971)
19- Hombre Sin Nombre (Simple-1971)

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

 

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Litto Nebbia y Los Músicos Del Centro - En Vivo en Obras 1982 (FLAC - 1983)

 

 

Mucho tiempo pasó desde la útima vez que publiqué un disco en vivo oficial de alguno de nuestros artistas. No son muchas las producciones de este tipo de álbumes en nuestro país, dado el costo y la limitaciones técnicas que significaban para nuestros músicos lograr un producto de buena calidad décadas atrás. Por eso es valorable cada uno de estos escasos registros que dan cuenta de momentos artísticos únicos e irrepetibles. El caso de Litto Nebbia y Los Músicos Del Centro es uno de ellos. Grabado en en el mítico estadio Obras, en un año muy doloroso para nuestro país. Litto conmueve (una vez mas) desde el escenario con canciones que llegan al alma, acompañado por el virtuosismo de Los Músicos Del Centro.

"La música que contiene este disco es solamente 39 minutos de la que interpretaron Litto & Los Músicos del Centro durante más de dos horas en el estadio Obras Sanitarias la noche del 11 de diciembre de 1982. Este LP está dedicado a la gente que no puede parar".

"Habitualmente, los recitales en vivo se hacen con grandes éxitos. Acá grabamos casi sin red. Ese mismo día estrenamos las canciones, que con el tiempo se hicieron muy populares. Suena muy bien, como si el material fuese viejo."

                          Litto Nebbia

 

"Litto Nebbia cerró su ciclo de actuaciones de 1982 en Capital Federal con un concierto en el estadio Obras titulado "Canciones para conocernos mejor" Acompañado por Oscar Moro, Los Músicos del Centro y una gran cantidad de invitados (Facundo Cabral, un músico que debería ser rescatado por el rock, Alejandro Del Prado y Bernardo Baraj, entre otros), Nebbia mostró un repertorio compuesto en su amplia mayoría por temas de reciente producción. Según sus propias palabras, en el show hubo un "ochenta y tres por ciento" de material inédito. Estas canciones serán editadas en poco tiempo más ya que el concierto fue grabado en vivo. Los nuevos temas de Nebbia siguen la línea de los conocidos en sus últimos discos, con una temática directa y una marcada tendencia hacia lo latino en el ritmo. Canciones como "Tengo un rock'n'roll en mi cabeza" dejaron traslucir una intención de brindar un mensaje comprensible y una propuesta musical directa y efectiva. Y si bien por momentos algunas de sus composiciones rozan peligrosamente lo tedioso, en la mayor parte del concierto apareció su talento como compositor e intérprete. Así lo reconoció la gente cuyo promedio de edad era significativamente menor que el habitual entre el público de Nebbia, que aplaudió con calidez al final de cada tema.
Los músicos que acompañaron a Nebbia en este concierto brillaron, tanto individual como colectivamente. Los Músicos del Centro funcionan con la precisión de una máquina de relojería y técnicamente son todos irreprochables. Oscar Moro, por su parte, tuvo una feliz reaparición ante el público con un avasallante trabajo percusivo. Litto Nebbia, en tanto, reafirmó sus dotes de tecladista y cantó afinadamente con su ya característico régistro. El pico más emotivo del recital fue cuando Nebbia -guitarra en mano- hizo a coro con el público una buena versión de "Sólo se trata de vivir", uno de los mejores temas que compuso en los últimos tiempos. En síntesis, entre sus clásicos monólogos al final de cada tema y entre los también ya clásicos pedidos de temas como "La balsa", Nebbia redondeó una buena actuación que sirvió para ratificar el excelente momento que atraviesa su carrera, la fidelidad del público que lo sigue y el brillante nivel de los músicos que lo acompañan".

 

Revista Pelo - Crónica del concierto en Obras (1983)

 

 

 

Integrantes:

Litto Nebbia: Teclados, guitarras, canto
Mingui Ingaramo: Guitarras, teclados, coros
Juan Carlos Ingaramo: Teclados, coros
Oscar Feldman: Saxos, flautas
César Franov: Bajo eléctrico
Oscar Moro: Batería, percusión

Músicos Invitados:

Bernardo Baraj: Saxo tenor en "Tierra, viento & fuego" y "El secreto de la vida"
Pelusa Navarro: Teclados en "Los locos de B. Aires" y "El secreto de la vida" / Acordeón en "Cuando yo me transforme"
Alejandro del Prado: canto en "cuando yo me transforme" y "Los locos de B. Aires" / Coros en "El secreto de la vida"

 

Temas:

01- Tengo Un Rocanrol En Mi Cabeza
02- Sólo Se Trata De Vivir
03- Tierra, Viento & Fuego
04- Cuando Yo Me Transforme
05- Nueva Zamba Para Mi Tierra
06- Me Gusta Cuando Juegas
07- Los Locos De Buenos Aires
08- El Secreto De La Vida
 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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