15 de octubre de 2021

Gabriela - Gabriela + Simples (FLAC - 1972)

 

 
Considerada la primera cantante del movimiento de rock argentino, Gabriela debutó antes más de 5.000 personas en el BARock junto a Edelmiro Molinari, David Lebón, Moro y Litto Nebbia que la acompañaban como banda. Cuenta Gabriela en el libro Historias del rock de acá de Ezequiel Abalos “El BARock fue uno de los momentos claves de mi vida. Una vez que subí canté tres temas, uno que había traducido de Dylan que se llamaba “Andando por ahí”, “Rodando” y “Campesina del sol”, cuando termine la gente empezó a pedir otra y yo no tenia otra, entonces me acerque al micrófono para decirles, disculpen pero no tengo otra, ¿quieren que cante alguna que les cante?, pero el micrófono ya había sido cortado y nadie me escucho”.
Luego de participar del acusticazo y editar un par de simple con los temas “Abre el día”, “Campesina del sol” y "Mamá mercurio a venido por mí" en 1972 edita su primer álbum llamado simplemente Gabriela, demostrando que las mujeres también podían tomar un micrófono y cantar rock en serio. El disco mostró una clara tendencia hacia la música folk acústica en la que se destacaban no solo las virtudes de Gabriela sino la sólida base de acompañamiento de los músicos invitados.
Cabe aclarar que más allá del simple editado por mandioca con la cantante Cristina Plate, este disco junto con los primeros simples de Gabriela fueron considerados los primeros de una cantante de rock argentino propiamente dicho.
 

"Argentina, 1972. Recuerdo el miedo, las fronteras cerradas, la oscuridad, caminos que se bifurcaban sin dirección. Recuerdo a muchos jóvenes que, como mariposas nocturnas, nos estrellábamos contra la luz en nuestro afán de encontrarla. En el mundo se hablaba de paz, de amor. John Lennon componía Imagine. Los cambios eran estructurales y sin vuelta. En Buenos Aires un movimiento de música progresiva atraía cada vez más público y ya nada podía detenerlo. Así fue como yo, integrante de ese movimiento y la primera de las mujeres que se animó a expresarse cantando, acabó grabando este LP. No sé bien cómo sucedió, ya que Edelmiro Molinari se hizo cargo de todo. Desde el contrato con la grabadora hasta los arreglos musicales. Detalles de producción. sonido. etc.. Sólo recuerdo la amplia sala de los estudios Phonalex. La pasión con que trabajaba Norberto Orliac detrás de la consola. Mi energía adolescente, la urgencia por cantar todo lo que no podía hablar con mis padres, mi necesidad de pertenecer a una sociedad más abierta. Este disco fue grabado en vivo en 4 canales, con toda la fuerza y el dinamismo que eso implica. Es un grito profundo, visceral, y proyecta toda la furia de aquella epoca." 

Gabriela (Abril-1990)
 
"Este es un long play que contiene una música inusual para la Argentina, no sólo porque lo interprete la primer solista de rock del país. Lo es también por su sonido total y por una pulida técnica. Y esto último se debe a Edelmiro Molinari que, por más que se escude detrás de un tímido "E.M." en el rubro producción, destila, chorrea casi, toda su cosa musical en la mayoría de los temas. Obviamente pudo conseguir eso porque obtuvo la colaboración de un grupo de músicos de una calidad y sutilidad que probablemente no se pueda dar en otro disco: Emilio Del Guercio, Litio Nebbia, Jorge Cutello, David Lebon, León Gieco, Miguel y Eugenio y el baterista Oscar Moro. Esa enumeración de nombres y un trabajo ampuloso cuando fue necesario y sutil por lo habitual podría haber aplastado a Gabriela que, con muchas fuerzas demostró que es algo más que "una campesina del sol". Su trabajo vocal supera los dos registros anteriores conocidos y a lo que cualquiera pueda haber evaluado en actuaciones. Gabriela pudo sortear el trance (a veces tener muy buenos músicos —y para colmo famosos— puede ser un peligro) por una cuestión muy sencilla: la mayoría de los temas le pertenecen y eso le desata una intensidad, un convencimiento en la interpretación que realmente la pone en el plano de solista, que es, obviamente, la finalidad del álbum. Con todo, sus composiciones más que poseer un sentido ecléctico parecen estar sufriendo los vuelcos y búsquedas de un intento autoral que no logra delinearse en este álbum. Es evidente que Gabriela parte del folk norteamericano (la elección del único tema sin su firma pertenece a Melanie y eso no es casual) y algunas composiciones como "Rodando..." es-tá abiertamente en esa línea. "Voy a dejar esta casa papá" recuerda los negros spirítuals pero no abandona un cierto sonido folk. "La Raíz de todo" es, a su vez, un tema del sur de los Estados Unidos que, evidentemente tiene arreglos de Molinari ya que es muy similar (en realidad parece una segunda parte o una contestación de Gabriela) a una composición registrada en el último álbum que grabara Almendra. Pero por otra parte Gabriela parece querer acercarse a ciertas raíces folklóricas locales: "Hombre de las cabras blancas'', por ejemplo, tiene todas los connotaciones de una vidala o un tristecito y este tema quizás sea el realizado con mas cuidado y pasión por todos los que trabajaron en él. También en "Es la lluvia..." Gabriela apela a giros y vocalizaciones folklóricas. Esta batalla autoral que, aparentemente, compite en la cantante quizás quede solucionada en sus próximos trabajos. Mientras tanto Gabriela demuestra que está llevando sus interpretaciones a calidades que van mucho más allá de lo que algunos creían que podía dar. Tapa: en pocas palabras: sobria, excelentes fotos, con un clima adecuado a las intenciones del álbum. No tiene grandielocuencias ni golpes de efecto baratos. Síntesis: En este álbum Gabriela se muestra así misma pero también deja claro que las "nenas" más que cantar como adornos pueden hacerlo en serio y además componer. Integralmente el álbum es excepcional por su sonido y el trabajo de los músicos acompañantes."
 
Revista Pelo - Reseña del álbum (1973)
 
 

 
Músicos Que Participan:

Gabriela: Voz
Edelmiro Molinari: Guitarras
Lito Nebbia: Teclados
Moro: Batería
David Lebón: Bajo, guitarra
Leon Gieco: Voces, charango
Miguel y Eugenio: Voces
Emilio Del Guercio: Flauta
Jorge Cutello: Flauta
Luis Gambolini: Batería, harmónica
Santiago Giacobe: Teclados
Vitico: Bajo
Raul Porchetto: Guitarra
Chango Farias Gomez: Bombo
Manolo Juarez: Teclados

Temas:

01- Voy a Dejar esta Casa, Papá
02- Es La Lluvia y Nada Mas
03- Rodando mis Ideas al Revés
04- Haz tu Mente al Invierno del Sur
05- Para mi Padre (For My Father)
06- Hombre de las Cabras Blancas
07- Día Extraño
08- La Raíz de Todo

Bonus Tracks:

09- Campesina del Sol - Lado 1 / Simple Microfón 3766 (1972)
10- Abre el Día - Lado 2 / Simple Microfón 3766 (1972)
11- Mamá, Mercurio ha Venido por Mi (parte 1) - Simple Talent 4004 (1974)
12- Mamá, Mercurio ha Venido por Mi (parte 2) - Simple Talent 4004 (1974)


Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits


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8 de octubre de 2021

Pappo's Blues - Vol. 3 (Vinilo FLAC / 24 Bits - 1973)

 

Ripeo de vinilo en 24 bits de este álbum emblemático del rock y blues argentino. La digitalizacion corresponde a la primera edición del Long Play, publicado por el sello Music Hall en 1973.

Tercer disco de Pappo's Blues, lanzado en 1973. La agrupacion tiene nuevos integrantes: el baterista Héctor "Pomo" Lorenzo (ex baterista de la primera formación de Los Abuelos de la Nada y futuro baterista de Invisible) y el bajista Carlos Alberto Machi Rufino (ex Los Walkers y futuro bajista de Invisible). Esta formación duraría solo este disco, pero seria muy recordada ya que Pomo y Machi le dieron una autonomia de vuelo muy importante al trio, que pudo registrar este album fundamental del rock argentino. Un tema más "Con Elvira es otra cosa", tambien registrado por el trio, saldria en el volumen venidero.
Este disco contiene una de las canciones más emblematicas de Pappo, "Sucio y Desprolijo". Otra de las canciones principales del álbum es el famoso blues de Pappo, "Siempre es lo Mismo Nena" . "Siempre es lo Mismo Nena" junto a "Sucio y Desprolijo" son las canciones de más larga duración del álbum. Tambien contiene una canción como introducción llamada "Stratocaster Boogie", un solo algo largo, rápido con estilo de rock al estilo de Alvin Lee , que según Machi Rufino se trata de una improvisación grupal, aunque firmada por Pappo. Sin contar la introducción o instrumental, el álbum contiene varias pistas de duración entre 1 y 3 minutos como "Trabajando en el Ferrocarril", "El Sur de la Ciudad" o "Caras en el Parque", todas canciones clásicas.
Todas las pistas del álbum fueron grabadas en vivo en el estudio Ion , por el ingeniero Carlos Piriz, sin overdubs, con la producción de Jorge Álvarez y Billy Bond . El sonido de Pappo fue logrado con una guitarra Fender Telecaster , propiedad de Claudio Gabis (ex Manal), distorsionado con un amplificador Robertone fabricado en Argentina , solamente aplicando su volumen al maximo. No hay otros efectos en el album, a excepción de ruidos incidentales en "Sandwiches de miga" y palmas en "Trabajando en el Ferrocarril".
El arte de tapa de este álbum estuvo a cargo de la artista plastica Cristina Villamor. Incluso se dice que la letra de "El brujo y el tiempo" estuvo inspirada por dicho dibujo.

 


 "El mismo día que llegué a Buenos Aires tocaba Pappo, no sé si en el "Broadway" o en un teatro de Flores por Rivadavia y... por hay por Flores, ese mismo día ya fui al concierto de él y ya me invitó y toqué un par de temas en la batería, no sé con quién tocaba en ese momento, y ya, desde esa misma noche, yo llegué un día a la mañana o a la tarde, y esa misma noche, estaba tocando con él. Después de ese concierto ya nos metimos a ensayar, tocaba el repertorio viejo de él que era "El  tren de las 16", el segundo, el "Volumen 2". Ya después lo llamamos a Machi, Pappo ya le había echado un poquito el ojo. Machi en esa época era como un músico de sesión, y, nada, me decía de que había un bajista, no sé qué, fuimos a la casa y tenía un "sonidazo", tenía un Fender y un "sonidazo" y le dijimos que vamos a hacer un trío con él y ya empezamos a ensayar los temas nuevos, "Sándwiches de miga" y toda esa historia e hicimos el Volumen 3."
 
"Pomo" Lorenzo (sobre Pappo's Blues Vol.3)
 
"Un día aparece Héctor Starc por casa y me dice: -¿A que no sabés quién vino?- y se asoma la cara de Pappo, acababa de llegar de Londres, y, entonces, ahí nomás se habló de tocar esa noche después de la presentación de un grupo que llamaba "La Máquina". 
El grupo que iba a tocar era el grupo de Héctor Starc, Black y yo, una vez más, ya éramos como los tres mosqueteros, y Pappo, bueno, y tocamos, o sea, tocó La Máquina y después de ellos salimos nosotros. La gente se enfervorizó cuando lo vieron a Pappo, lo vieron a Héctor, y cuando terminamos de tocar Pappo me dice aquello de: -Tenemos que hablar-, el tenemos que hablar era: me propuso tocar con él, y, bueno, me dijo: -Mirá, yo estoy con Pomo...- me dice. Yo sabía de Pomo pero nunca había tocado ni nada, y, bueno, y ahí aparecí con Pomo, en lo que fue la experiencia Pappo's Blues. Lo que sí me acuerdo es que lo primero que tocamos...la primer cosa que tocamos los tres fue aquel tema de Bol Dylan, pero a la versión de Jimi Hendrix: "All around the watch tower", "Mirando desde la torre", eso fue lo primero que tocamos. Y después, bueno, ensayábamos en la casa de Pappo allá en la calle Artigas, y grabamos el "Volumen 3".
Esa grabación fue un grabación prácticamente en vivo, cuando Pappo hace los solos de guitarra no hay otra guitarra sobregrabada, o sea, es una actuación en vivo. No hay dubbing de guitarra, no hay dos violas, o sea que eso es lo más exacto que hay a lo de una actuación en vivo, faltaba la gente nada más, pero es actuación en vivo. Está muy bien grabado, lo grabó Carlos Piriz.
 El tema que yo canté, "El sur de la ciudad", no lo compuse yo, lo compuso Pappo, creo que fue él que me dijo que lo cantara; yo compuse con el un tema que no canté, que es "Sándwiches de miga". Lo que sí me acuerdo es de una anécdota fenomenal y es que cuando salió el disco, al poco tiempo, hubo una carta en el correo de de la revista Pelo donde un tipo hablaba del disco y qué sé yo, y decía que él no le gustaba que cantara Pappo, que le parecía que Pappo cantaba muy mal, que esto y lo otro -A menos que cante como "En el sur de la ciudad"- decía, o sea, el tipo además creía que Pappo había podido cantar un tema de una manera distinta a lo que normalmente podía hacer, esa fue tremenda. 

"Machi" Rufino (sobre Pappo's Blues Vol.3)
 
 

 
 Integrantes:
 
Norberto "Pappo" Napolitano: Guitarra eléctrica, voz principal
Carlos Alberto "Machi" Rufino: Bajo, voz en "El sur de la ciudad" 
Hector "Pomo" Lorenzo: Batería, percusión

Temas:

01- Stratocaster Boogie
02- Pájaro metálico
03- Sucio y desprolijo
04- El sur de la ciudad
05- Sandwiches de miga
06- El brujo y el tiempo
07- Trabajando en el ferrocarril
08- Caras en el parque
09- Siempre es lo mismo nena 

 

Muestra Gráfica De La Grabación Sin Pérdida De Audio Original

 
Ripeado De Vinilo
 
Formato: FLAC (Free Lossless Audio Codec) 48.000 Hz / 24 Bits

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1 de octubre de 2021

Moro - Satragni / Idem (FLAC - 1983)

 

 
“Moro-Satragni” fue el unico álbum del dúo compuesto por el baterista Oscar Moro (antiguo miembro de Los Gatos, Huinca, Color Humano, La Máquina de Hacer Pájaros, y Serú Girán), y el uruguayo Beto Satragni (antiguo componente del grupo Raíces y de Spinetta Jade), en bajo y voz.
 
Especial agradecimiento  al navegante Pedro Rock, que generosamente comparte esta perlita perteneciente a su colección personal.
 
El grupo comienza a presentarse en 1983, unos meses después de la separación de Serú Girán. Moro comentaba que formó el grupo para mostrarse como músico independiente, luego de ver como sus compañeros Charly García, David Lebón y Pedro Aznar sacaban discos solistas. Posteriormente lanzaron su único disco, que se llamó Moro-Satragni e incluye ocho composiciones, mayormente compuestas por Satragni. Si bien en esta grabación tocan diversos músicos como Charly García, David Lebón, Leo Sujatovich, Oscar Feldman, Pablo Rodríguez, Oscar Kreimer, Osvaldo Fattoruso, Luis Alberto Spinetta, Gustavo Bazterrica, Ricardo Mollo, Lito Epumer y Diego Rapoport. La banda se presentaba con Rubén Goldín en guitarras, y Alejandro Pires en teclados.  

"Ocurrió que luego de la separación de Serú Girán, la compañía grabadora les ofreció grabar un disco a cada uno de los integrantes, así fue que Moro se asoció con Satragni para esta aventura. El disco no tuvo mucha repercusión a pesar de calidad del álbum y de la de sus invitados, en su mayoría compañeros y amigos en común.
Satragni había sido el bajista en “Alma de diamante”, primer disco de Spinetta Jade, de modo que no fue extraño que participaran en “Moro-Satragni” Leo Sujatovich y Diego Rapoport en teclados, y Lito Epumer en guitarra, todos músicos de Spinetta, y hasta el propio Flaco, que grabó su viola en un tema suyo, ‘Mirada azul’.
Por el lado de Moro estaba el guitarrista Gustavo Bazterrica (compañero en La Máquina de Hacer Pájaros); y David Lebón, voz y guitarra en ‘Todo lo que pueda hacerme bien’, la canción que cerraba el disco (escrita por Lebón y Moro); y Charly García, que aportó voz y teclados en su tema, ‘Como me gustaría ser negro’ (los dos compañeros en Serú Girán).
En cuanto a las canciones de “Moro-Satragni”, aparte de las ya citadas, Oscar Moro aportó el instrumental ‘Canción de alguien’ y Satragni cuatro temas, uno de ellos ‘Canecandombe’, de la época de Raíces.
El dúo Moro-Satragni tuvo una corta vida, habían debutado en el Festival de primavera del Circuito KDT pero luego de algunos shows con músicos invitados cada uno emprendió caminos diferentes: Moro ingresó a Riff, participó en “Me vuelvo cada día más loca”, de Celeste Carballo y en “Detectives”, de Fabiana Cantilo; Satragni tuvo un breve paso por la banda de Lebón, luego formó El 60 junto al guitarrista Héctor Starc, grabaron un solo álbum y se disolvieron.
“Moro-Satragni” quedó como un bello recuerdo de la unión de dos grandes músicos que se fueron demasiado pronto."
Mario Cuevas
 
"Tras más de un año de trabajo conjunto, el primer fruto de la unión entre el baterista Oscar Moro y el bajista Beto Satragni por fin vio la luz. Acompañados por un auténtico "seleccionado" de músicos (Lito Epumer, Diego Rapoport, Charly García, David Lebón, Luis Alberto Spinetta, Leo Sujatovich, Oscar Feldman, Osvaldo Fattorusso, Pablo Rodríguez, Oscar Kreimer, Gustavo Bazterrica y Ricardo Mollo), Moro y Satragni hicieron un disco marcadamente emparentado con la música de Raíces, algo lógico si se tiene en cuenta que Satragni es el autor de la mayor parte del material.
La música de "Moro-Satragni" se basa en el candombe, con ciertos aires de fusión y algo de jazz, en especial en los teclados y en los solos. Satragni asume correctamente la mayoría de las partes vocales y tres de los invitados también participan en ese aspecto: García, Spinetta y Lebón. Los temas más logrados del álbum son "Canecandombe", "Como me gustaría ser negro" y "Todo lo que pueda hacerme bien". También es un hallazgo el tema de Moro, "Canción de alguien", con un brillante trabajo de Oscar Feldman en saxos. "Moro-Satragni" es un trabajo interesante de dos músicos idoneos en lo suyo que supieron rodearse de los instrumentistas ideales como para llevar adelante su propuesta."
Revista Pelo - Reseña del disco (1983)
 
 

 

Integrantes:

Beto Satragni: Bajo, voz, guitarras acústicas, coros
Oscar Moro: Batería, percusión

Musicos Que Participan:

Lito Epumer: Guitarras
Diego Rapoport: Piano
David Lebon: Guitarra, voz (En tema 8)
Luis Alberto Spinetta: Guitarra (En tema 7)
Leo Sujatovich: Teclados
Oscar Feldman: Saxos
Charly Garcia: Voz, teclados, coro (En tema 4)
Pablo Rodriguez: Saxos
Osvaldo Fattoruso: Percusión, tumbadoras
Oscar Kreimer: Saxos
Gustavo Bazterrica: Guitarra
Ricardo Mollo: Guitarra

Temas:

01- Aguantando con fiebre
02- Canecandombe
03- Dale amor a tu tierra
04- Como me gustaría ser negro (con Charly García)
05- Tan sólo un lugar
06- Canción de alguien
07- Mirada azul (con Luis Alberto Spinetta)
08- Todo lo que pueda hacerme bien (con David Lebón)


Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits


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24 de septiembre de 2021

Litto Nebbia - Muerte En La Catedral (FLAC - 1973)

 

 
Recién en estos días me di cuenta de que aún no había compartido con ustedes esta inmensa obra de Litto Nebbia. Logrado el cometido, puedo decir que me siento en paz conmigo mismo... Ahora solo resta que estas canciones, una vez más, logren conmoverlos, como me sucede a mí cada vez que regreso a escucharlas.
 
"Este fue el primer Long Play que hicimos con el trío que mantuvimos más de 6 años Jorge González en contrabajo, Néstor Astarita en batería y yo en guitarra, piano y canto. Participan muchos músicos invitados. Incluso está producido por mí junto a Ciro Fogliatta, mi gran amigo y ex compañero de Los Gatos. La portada de Peres Celis surgió un día que me lo encuentro por la calle y me comenta que muchas veces pintó oyendo algo de mi música. Entonces, le sugiero que haga un original para el nuevo álbum que estaba haciendo.
Tanto "Muerte en la Catedral" de 1973, como el del siguiente año "Melopea", son discos realmente muy maduros, en los que planteo compsitivamente una ruptura con lo que en ese momento se denomina rock. Yo no tengo ningún problema con los géneros y nunca le puse un mote a la música que escribio. Pero en ese momento tenía la preocupación de que quería hacer otra cosa, y me enfrentaba contra la identificación masiva que la gente tenía por lo anterior.
La idea central en "Muerte en la Catedral" es que nadie tiene más fe, porque eso es lo que pasaba en el país en ese momento, por los milicos, por el sindicalismo, por lo que fuere, había un descreimiento total. Entonces es un tema que recorre las letras del álbum, porque 'El revólver es un hombre legal” también habla de eso, es como decir que una expresión de violencia se acepta que está bien, como si fuera una moneda corriente.
Es un álbum variado, que comienza con un aire folclórico, en el tema "Vals de mi hogar", sigue con el toque funk de "El revólver es un hombre legal" y "con Señora Muerte" que trae partes de guitarra casi psicodélicas. "Mendigo de la luna" y "La operación es simple" marcan el comienzo de mi colaboración con la poeta Mirtha Defilpo, que escribió la letra de ambas, y en "El otro cambio, los que se fueron" -que se volvió uno de mis temas más conocidos- toco con una orquesta grande, de unas veinticinco cuerdas, incluyendo a los violinistas Antonio Agri y Fernando Suárez Paz, y arreglos de Alchourrón. "Dios en más" es el tema más rockero, con un gran solo de guitarra de Roque Narvaja, y la propia canción "Muerte en la Catedral" tiene como tema central la pérdida de la fe en las cosas en las cuales creés, la crisis de la espiritualidad. No tiene nada que ver con política partidaria sino con una cuestión espiritual."
 
Litto Nebbia - Sobre "Muerte En La Catedral"
 
"Decir que este es el mejor álbum de Nebbia puede ser en su expresión total bastante confuso. Lo es por pocos motivos fundamentales: 1) trasluce su decidida necesidad de ampliar las posibilidades de su música; 2) contiene la maduración literaria más notable entre sus últimos trabajos; 3) los músicos que lo acompañaron sabían de que el trabajo debía ser serio y responsable. Litio Nebbia se está escapando del rock, del rock elemental, Esto es sano y evolutivo en algunos aspectos. Lo que no parece estar demasiado claro es cierto ocultamiento de su rock: como si le diera verquenza. El trío básico que elaboró este long play (Nebbia„ González y Astarita) es un resultado sintético de la aleación musical que Nebbia está intentando con su Música desde que comenzó (más aquí o más allá] su carrera corno solista. Nunca antes había conseguido algo tan parecido a sus intensiones ideales porque nunca antes había tenido cómo y con quién desarrollarlos.
Otros músicos que lo acompañan de su generación rockera podrían quizás haber sido utilizados musicalmente para liberar a Nebbia de su prurito con el rock. Sin embargo "'Muerte en la Catedral" le abre a Nebbia el campo del jazz (algo que ya había intentado en Nebbia s Band y, aunque no parezca, mucho más en Huinca. La colaboración de su mujer en algunas letras significa para el autor la primera apertura con el compartimiento de la creación, lo que le reporta nuevos horizontes aunque quizás apresuradamente sobreintelectuatizados. Esto es quizás el producto de la vehemente ansiedad de Nebbia por jerarquizar su música y sus trabajos para evitar la confusión con la ligereza rockera, que parece querer agitar el movimiento que él mismo alguna vez cimentara junto a otros. 
Tapa: una pintura de Perez Celis, cuya inclusión quizás responda los mismos propósitos de seriedad. El interior contien las letras y datos del personal que grabó. 
Síntesis: difícilmente haya álguien tan decididamente volcado a la esencia de la música como Litto Nebbia. Es realmente un apasionado: un loco de la búsqueda. A veces suele convertirse en su propio martirio: su ansiedad gira más rápido que sus discos. Dentro de poco este álbum será historia para él. Pero indudablemente este es el mejor de su carrera. Pero por muchas cosas más que el simple hecho de estar registrado como último."    
 
Revista Pelo - Reseña del disco (1973)
 
 
Litto Nebbia y el artista plástico Pérez Celis, diseñador de la portada del disco


Integrantes:

Litto Nebbia: Voz, guitarra, órgano, piano eléctrico, coros
Jorge González: Contrabajo eléctrico, acústico
Néstor Astarita: Batería 
 
Músicos Invitados:
 
Ciro Fogliatta: Piano, órgano 
Roque Narvaja: Guitarra en "El revólver es un hombre legal"
Bernardo Baraj: Saxo tenor, flauta traversa.
Gustavo Moretto: Trompeta, trombón
Ciro Fogliatta: Piano, órgano
Oscar Moro: Batería en "Dios es más"
Rodolfo Alchourrón: Arreglos y dirección de cuerdas, arpa y corno
Mirtha Defilpo: Letras de "La operación es simple" y "Mendigo de la luna"
Domingo Ferreyra: Asistente técnico de “El Trío”
 
Temas:
 
01- Vals de mi hogar
02- El revólver es un hombre legal
03- Señora muerte
04- Mendigo de la luna
05- El otro cambio, los que se fueron
06- La operación es simple
07- Dios en más
08- Muerte en la Catedral
09- Despedida del trabajo N°2
10- Señora vida (Bonus Track)
 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits


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17 de septiembre de 2021

Los Bárbaros - En Juan De Los Palotes (1972)

 
 
 
Segundo long play de Los Bárbaros, publicado en 1972. El disco recrea una grabación en vivo en la discoteca Juan de los Palotes, donde solían presentarse con regularidad. En los temas fueron agregados aplausos e introducciones habladas, intentando reproducir un ambiente de show en vivo. El grupo se maneja con profesionalismo y calidad, interpretando clásicos internacionales dentro del género soul.
 
A fines de los ’60, en plena “beatlemanía” y tras un paso por su Italia natal, los hermanos Vitale (Marcelo, Loyd y Rino) regresan al país, donde se encontraba parte de su familia, y junto a un organista forman Los Bárbaros . Ellos se constituyeron de alguna forma en precursores de un estilo tanto estético como musical: pantalones anchos, botas de cuero, poleras, camisas modernas y peinados que todavía no eran moneda corriente. En lo musical el estilo de Los Bárbaros estaba emparentado con el soul, el rock, pero también con la balada romántica. El repertorio, en esta primera etapa del grupo, estaba integrado por composiciones propias y covers de artistas extranjeros, en su mayoría cantados en ingles.
En 1970 se editó su primer disco: “Los Bárbaros”, cuyo corte de difusión fue “Esto es un adiós”. A eso le siguió una década de éxitos, con un pico de popularidad en 1976 gracias al tema “Adiós Paul, John, George y Ringo”, un homenaje a The Beatles que vendió 500 mil copias y marcó un récord de ventas para la agrupación.

"A veces, las grandes estrellas del show-business mundial suelen darse el gusto de grabar un LP en su lugar de trabajo, recogiendo el cálido eco del público en contra canto a su labor. Desde Las Vegas hasta Nueva York, pasando por el Olimpia de Paris o el Talk of the Town de Londres, público y artista se han trasladado al disco "en vivo", registrando en el acetato el vibrante momento del espectáculo. Los Bárbaros también queríamos tener el placer de "detener el tiempo", apresando indefinidamente nuestra música y el eco de los amigos del “ruido", en la felicidad de expresarnos ante un auditorio inmerso en nuestra actuación. Para otorgarnos ese placer elegimos Juan De Los Palotes. El famoso boliche de Ramos Mejía, capo de todos los lugares bailables del Oeste, se prestó mágicamente para lograr con plenitud nuestros deseos, no solo por su estupenda acústica, sino también por la elegancia del medio, y porque (debido a nuestra actuación allí) estamos acostumbrados a la gente "joven" que ha hecho de ese lugar su lugar de cita. Es sin dudas el público más amable, divertido y bullicioso del mundo. Sin su contacto no hubiéramos podido expresarnos con la calidez y emoción que este LP derrama en el surco. El presente álbum constituye un enorme gustazo que Los Barbaros, por intermedio de discos Music Hall, se han dado a sí mismos. Estamos seguros que idéntica felicidad obtendrán nuestros amigos de Juan De Los Palotes, muchas de cuyas voces y risas quedan aquí indelebles para su recuerdo y para que las hagan escuchar a sus nietos, cuando en el año 2000 vengan a provocarlos con el sonido de su tiempo. Gracias!!"
 
Los Bárbaros - Escrito en la contratapa del disco (1972) 




Integrantes:

Lucas Scantlebury: Voz, percusión
Marcelo Vitale: Teclados, voz
Rino Vitale: Batería, voz
Enrique Londaits: Guitarra, voz
Jorge Pereira: Bajo, voz
 
Temas:
 
01- Estas Lista? 
02- Puedo Oír Tu LLamado
03- Juego Simple
04- Angelitos Negros
05- Iglesia Barroca
06- Ayer
07- Te He Estado Amando Demasiado Tiempo
08- Acuario
09- Extiendete Que Me Encontraras
10- He Encontrado Un Nuevo Amor


Formato: Mp3 - 320 Kbps


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10 de septiembre de 2021

Nito Mestre y Los Desconocidos De Siempre - Saltaba Sobre Las Nubes (1979)

 

 
Tercer y último trabajo discográfico de Los Desconocidos de Siempre, publicado en 1979. Un álbum varias veces pedido a la nave y muy difícil de conseguir. Como era costumbre en esta agrupación, destaca el sutil trabajo de los arreglos instrumentales, acompañando las ricas armonías vocales. Un verdadero seleccionado de músicos talentosos, compenetrados en el enriquecimiento de las composiciones mas que en el lucimiento individual.
 
"Para mi fue muy importante tomar la separación de Sui Generis como un comienzo y no como un final". Así fue como el ex compañero de Charly García decidió a fines de 1976 formar su propia banda junto a María Rosa Yorio, Alfredo Toth, Rodolfo Gorosito, Paco Pratti y Leo Sujatovich (teclados). Luego de algunas presentaciones y antes de comenzar con la grabación de su primer álbum, Leo Sujatovich fue reemplazado por Osvaldo Caló. "Mi etapa en este momento no es demasiado prtensiosa, pero creo que lo que intento trasmitir con el grupo es una cierta simplicidad, a pesar de que los temas tienen algunos 'arreglitos'. Quiero hacer temas directos que lleguen a la gente, comunicar todo lo que nosotros estamos sintiendo en este momento. Quiero hacer una música optimista, a pesar de que las letras a veces no lo sean, porque reflejan una realidad que tampoco lo es. Además me siento más seguro en el plano personal como musical." (A la revista Roll N° 3, marzo de 1977). Presentando el LP homónimo desfilaron por teatros diversos y locales de toda la provincia. Por entonces Osvaldo Caló no pudo continuar con el conjunto y even-tualmente fue sustituido por Alejandro Lerner y Eduardo Zvetelman. En 1978 establecieron su formación con Ciro Fogliatta en teclados y el Mono Fontana en batería, y así ingresaron en estudios para plasmar su segundo trabajo, que a diferencia de su antesesor, no consiguió la difusión esperada. Claudio Kleiman desde las páginas del Expreso Imaginario dijo del LP: "Nito sigue con su manera tranquila de hacer las cosas, pausada y sin estridencias, construyendo un trabajo sólido y asentado sobre bases firmes, con una concepción clara de sus objetivos musicales. Uno de los mejores LPs nacionales del año." En sus presentaciones, el público decreció y la banda cayó en un momentáneo impasse, pero pronto reaparecieron con Claudio Martínez en batería y el Mono Fontana en teclados. "Los Desconocidos de Siempre durarán hasta que tengan que durar. A veces me harto de hacer shows, a veces no; a veces me gustaría cambian, a veces me parece que estamos muy bien, otras que vamos para atrás, son épocas." (De Nito Mestre, a la revista Expreso Imaginario N° 26.) Con esperanzas renovadas volvieron a ingresar en estudios para registrar un nuevo LP que fue bautizado como "Saltaba sobre las nubes". A pesar de haber recibido un gran apoyo de la crítica, la postura del público no cambió y la banda cayó en un pozo del que nunca se recuperó. El 19 de abril de 1980 se presentaron en Obras junto a León Gieco y semanas más tarde el grupo se disolvió. 
 
"El año pasado no fue un buen año para Nito Mestre y su banda, aunque en el balance general ocurrieron algunas cosas altamente positivas. Los Desconocidos estuvieron casi inactivos durante toda la temporada, y los problemas de la banda comenzaron a reflejar las agudas tensiones internas. Los inconvenientes empezaron con los cuestionamientos acerca del conenido del segundo álbum de del grupo, que marcó una notoria introspección en el estilo fresco y abierto de Mestre. Además, a mediados de año comenzaron a rondar los rumores acerca de la probable separación del pianista Giro Fogliatta. Hasta aqui, los hechos negativos. Ahora hablemos de los positivos. Los cuestionamientos de Mestre para con sus musicos y su música, y viceversa, desembocaron en un descarnado proceso de autocrltica, que resultó, en definitiva, la única manera de sanear la banda. Consecuentemente con los replanteos, se comenzó a grabar un nuevo álbum, y posteriormente se alejó Fogliatta. Todos estos cambios configuran una nueva etapa para el alicaído Mestre y su grupo. Saltaba sobre las nubes contó con la participación de Fogliatta en casi todos los temas, pero igual representa la nueva dirección musical de la banda. Este nuevo estilo no es otra cosa que el retorno a las fuentes de las cuales broto la mejor música de Mestre. El tema que da titulo al álbum es el primer exponente de que la capacidad de la banda para hacer buena musica está intacta aún. En ese mismo lado, se destaca la fuerte interpretación de "Y qué te dicen tus hijos". compuesto por Mestre y Leon Geno. Un rock and roll que retrotrae las mejores épocas de Los Desconocidos. "Un saludo al mar" es una cálida composición de Mestre, en la que describe su preocupación por mantener el fuego sagrado de la creación. Le sigue "Sonrisas sordas", una invectiva ecológita con un completo desarrollo instrumental donde se destacan Fogliatta en piano y Fontana en baterla y Mellotron. "Iba acabándose el vino' es una canción compuesta por Charly Garcia que narra una trágica historia de amor en pocas palabras. El clima de las guitarras y las ajustadas vocalizaciones hacen del tema una entrega convincente. "De qué nos sirve llorar (qué humedad)" es el tema final, compuesto por Rodolfo Gorosito. El piano de Fogliatta y la ajustada vocalización de Alfredo Toth le dan al tema un clima de boogie rancio. Es indiscutible que este nuevo álbum es una nueva aprehensión de la música por parte de Mestre y su banda. Con la mayor participación de Maria Rosa Yorio y las adecuadas intervenciones de los demás. Los Desconocidos realizaron un trabajo intenso, que transmite fuerza y convicción en cada nota. También merece destacarse el hecho de que se incluyeron dos canciones de otros autores, magníficamente recreadas en el disco, lo cual abre un nuevo panorama al grupo.
Tapa: Excelente, no sólo por la brillante idea gráfica de Bozzolo, sino por el material con que fue confeccionada. Hay que destacar que finalmente una compañia se decidió a editar los discos con la presentación que merecen, y lo más importante es que se haya hecho con música nacional.
Síntesis: Los ratos amargos parecen haber quedado atrás, y estos Desconocidos de Siempre tienen la potencia y calidad primitivas. "Saltaba sobre las nubes" es un disco de gran nivel, tanto lírica como musicalmente, y permite abrigar las mejores expectativas sobre el futuro de esta banda."

Revista Pelo - Reseña del álbum (1980) 
 
 


Integrantes:

Nito Mestre: Guitarra acústica, flauta, voces
Maria Rosa Yorio: Voces
Rodolfo Gorosito: Guitarra eléctrica, acústica, voces
Alfredo Toth: Bajo, guitarra acústica, voces
Ciro Fogliatta: Pianos, órgano, mellotrón
Mono Fontana: Batería, teclados, guitarra acústica

Temas:

01- Saltaba Sobre Las Nubes
02- Oh! Vieja Tristeza
03- Y Que Te Dicen Tus Hijos
04- Gin Y Amor
05- Un Saludo Al Mar
06- Sonrisas Sordas
07- Iba Acabandose El Vino
08- De Que Nos Sirve Llorar (Que Humedad)


Formato: Mp3 - 320 Kbps
 

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3 de septiembre de 2021

Orion's Beethoven - Superangel (FLAC - 1973)

 


Orion's Beethoven fue una agrupación pionera en fusionar rock con música clásica. Se caracterizaron por tener un estilo único, experimental y oscuro, que los distinguía fácilmente de cualquier banda de su generación. Ese sonido tan personal quedó plasmado en este primer álbum publicado en 1973.
 
Formados desde mediados de 1968 bajo el liderazgo de los hermanos Bar, con la incorporación de José Luis González en batería empezaron a hacer pequeñas apariciones en clubes de barrio y en programas de TV como Pop News. Al año siguiente intervinieron en el festival organizado por la revista Pin Up y a partir de allí comenzaron a trabajar en la música de un espectáculo organizado por Martha Minujin que nunca llegó a estrenarse. En el mismo tiempo hicieron un ciclo de recitales en el Instituto Di Tella, donde empezaron a aparecer con eventuales tecladistas y a congregar un público propio. Entrado el año siguiente estuvieron en la primera edición del festival B.A.Rock y a los pocos meses marcharon para Bariloche donde, además de actuar todas las noches en un club nocturno, hicieron sus propias actuaciones. Los carnavales de ese verano los tuvo como protagonistas por las zonas Sur y Oeste y luego dieron un ciclo de presentaciones en la Federación de Empleados de Comercio, donde además participaron L. A. Spinetta, La Banda del Oeste y el conjunto del fallecido Julio Ocampo "Natural". En abril de 1972 tocaron con éxito en el Teatro Premier. Impulsados por la afluencia de público emprendieron una gira por el interior del país y de regreso hicieron dos funciones en el Teatro Atlantic. El hecho de querer fusionar la música clásica con el rock les dio cierto aire de vanguardia y el conjunto empezó a tener un público diferente. Por agosto de ese año ingresaron a estudios con producción de Leo Rivas para registrar su primer álbum. Además de un productor artístico, el conjunto encontró su sonido con la ayuda de una psicoterapeuta que gravitó a la hora de mediar entre los aportes de cada uno de los miembros. "Superangel" recién fue editado un año más tarde por el sello Phonogram, siendo la primera banda argentina de rock en entrar a su catálogo internacional. Con el disco en las bateas el conjunto reemplazó a González por Jorge Liechtenstein. La prensa del momento comparó el sonido del conjunto con bandas como Cream, por la cuota de psicodelia y distorsión sonora que obtenía el grupo. Luego actuaron en la tercera edición del festival B.A.Rock, donde se presentaron con Chachi Ferreira en saxo. Su show fue filmado y formó parte del film "Hasta que se ponga el sol". Paralelamente emprendieron una larga búsqueda para incorporar definitivamente a un tecladista, pero no tuvieron éxito y continuaron como trío actuando en una gira por la costa atlántica junto a Roque Narvaja. La gran cantidad de dificultades que se les opusieron para poder editar su segundo LP llevaron al conjunto a tener problemas internos y la banda tuvo una extensa impasse que desembocó en formaciones de poca duración. En 1977 regresaron definitivamente con Petty Gualache en voz y González en batería. Como cuarteto registraron "Tercer milenio", su tan esperado segundo álbum. Acerca del mismo dijo Alfredo Rosso en la revista Expreso Imaginario: "Este LP tiene —en estado embrionario—algunas ideas conceptuales que pueden llegar a desarrollarse plenamente en un futuro trabajo." Tras su edición, el disco fue presentado en diversos escenarios, hasta que en 1980 volvieron a tener problemas internos e incorporaron a dos miembros, pero al poco tiempo prefirieron cambiar su nombre por el de Orion's. 

"Este disco tiene una temática muy definida y los temas están anexados unos con otros. Comenzando por el lado 1: este lado es precisamente "Superangel”. Es una unidad subdividia en tres temas o subtemas sin cortes o bandas entre si. Las partes son las siguientes a) El camino de los superhombres. b) Soy el sol y c) Normanakaya. La idea en cuanto a la temática se mantiene en toda la cara del disco. Es la evolución del hombre hacia la espiritualidad, hacia los caminos de la mente. Se va desarrollando hasta convertirse en un superhombre y por medio del des-arrollo de su mente se convierte en algo más perfecto aún: un superángel, como culminación de esta evolución. El lado dos comienza con "Retrato de alguien". Luego la sigue "Hijo del relámpago'', y por último la sinfonía en Si menor de Schubert, fragmento. La sinfonía está arreglada para tres instrumentos de rock.
La música de Orion's Beethoven es algo especial, esencialmente fuera de lo que es rock o blues o lo que suene, nosotros queremos dar con cada frase musical una imagen de algo. motivar al público más que contarle algo. Musicalmente reunimos varios estilos: rock, blues, y hasta hay cosas semiacústicas. Hay también puentes de jazz y música clásica, todo arreglado y reunido para la música de rock. Además de sus instrumentos originales Orion's Beethoven utilizó otros instrumentos. Ronan toca todos los teclados, Adrian las guitarras acústicas. También colabora ron: Chachi Ferreira en saxo, José Corriale en timbales y Daddy (un amigo del grupo) en percusión. Los arreglos y la dirección del álbum pertenecen al grupo.
Para nosotros este año se divide en dos partes, antes del velódromo y después de el. Con esto pretendo dejar aclarado la importancia que tiene para nosotros el evento. Allí pensamos presentar Superangel completo en la medida que sea posible. Ademas llevaremos equipos nuevos." 
 
Ronan Bar - Sobre Superangel (Revista Pelo-1973)
 
 

 
 Integrantes:
 
Adrián Bar: Guitarras, guitarra acústica. voz
Ronan Bar: Bajo, bajo de ocho cuerdas, órgano, primera voz
José Luis González: Batería, percusión

Músicos invitados:
 
"Chachi" Ferreyra: Saxos en Nirmanakaya
Héctor "Daddy" Antogna: Congas en Nirmanakaya
Luz Kerz: Voz en Retrato De Alguien e Hijo Del Relampago
José Corriale: Timbales en Sinfonía No 8 En Si Menor

Temas:

01- Superangel
      a) El Camino De Los Superhombres        
      b) Soy El Sol        
      c) Nirmanakaya        
02- Retrato De Alguien   
03- Hijo Del Relampago   
04- Sinfonía No 8 En Si Menor (Fragmentos) (Franz Schubert - arr.Orion's Beethoven)


Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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