De Las Cuevas Al Solís - V.A (Uruguay / 1965-1974)

 

 

En el año 2002, la editorial "Perro andalúz, editaba el primer volumen de lo que en mi opinión es la mejor cronología escrita sobre los orígenes y el desarrollo del rock uruguayo. El escritor de los libros de "De las cuevas al Solís" es el señor Fernando Peláez, quien investigó y recopiló todo el material histórico que abarca desde el año 1965 a 1974.
El segundo volumen de esta biografía incluía un cd con 24 temas clásicos, inéditos y rarezas de los grupos y solistas uruguayos más destacados de la época. Un compilado que nos brinda un panorama muy completo de la evolución del rock rioplatense.

 

 "La selección realizada no pretende ser una muestra representativa de los grupos y solistas de mayor trascendencia durante la época que abarca este trabajo. De hecho, la mayoría de las grabaciones de Tótem, Psiglo, Shakers, El Kinto, Los Mockers, Ruben Rada, Génesis, Montevideo Blues, Urbano (entre otros) ya han sido reeditadas en formato compacto como puede comprobarse en el apéndice correspondiente. En otros casos, como Los Delfines y Jesús Figueroa, hay buenas posibilidades de que ello ocurra. Nos basamos entonces en tres criterios: el valor testimonial de algunas de las piezas, el carácter de "inéditas" de otras, y la poca probabilidad de reedición de las restantes. En el primero de los casos fue fundamental el aporte de Eduardo Rivero quien, desde hace treinta años, conserva en muy buen estado una cinta cassette con grabaciones en vivo de Tótem y Epílogo de Sueños. Nunca nos vamos a cansar de agradecerle tanto cariño por la música uruguaya. Por el lado de algunos de los temas inéditos debemos agradecer la colaboración de los propios músicos quienes cedieron generosamente sus temas no sin antes aclarar "que ahora hacen cosas mucho mejores". Y en el último rubro contamos con la buena disposición de la empresa Sondor y su actual director Rafael Abal quienes abrieron sus archivos para nuestro deleite (mantienen además de su propio catálogo las ediciones de los sellos De La Planta, Clave, Macondo y RCA Uruguay), permitiéndonos insertar algunas joyas que quizás nunca más vieran la luz. Nuestro más profundo agradecimiento a la familia Abal por compartir estos tesoros con nosotros. (Temas 1, 6, 7, 8, 9,10, 13, 14, 15, 16, 17, 18, 19, 21 y 24).

La oportunidad de generar este espacio nos permitió gozar de muy buenos momentos. Así logramos sacar del cajón de unos pocos algunas canciones que creemos deben estar a disposición de todos los oídos atentos.También el tiempo de escucha y selección en los estudios Sondor junto al técnico Wilson González fue, más que agotador, sumamente disfrutable.

Por último, el armado y masterización final corrió por cuenta de un excelente técnico y mejor amigo: Riki Musso, quien hizo todo lo posible por mejorar el estado francamente deplorable de algunas de las piezas. Vale esta última aclaración sobre todo en el material extraído de los discos de vinilo (por no haber encontrado las cintas originales), que preferimos incluirlo por su valor histórico a pesar de sus defectos sonoros". 

Angel Atienza y Fernando Peláez

 

 

Intérpretes y Temas:

01- Horacio "Corto" Buscaglia / Sueño de una noche de mermelada
02- Los Gatos / I you need me
03- Los Mockers / Oh, baby, we got agood thing going
04- Los Shakers / No llames más por teléfono
05- Los Crabs / Daydream believer
06- Horacio "Corto" Buscaglia / Fabula moderna
07- Roberta Lee con El Kinto / Penas de sal
08- Toni Henderson / Sol de la mañana
09- Leo Antunez / Padrenuestro
10- Opus Alfa / Casa de huéspedes
11- Totem / Solo de batería
12- Totem / El tábano
13- Hojas / Sin tí (Without you)
14- Días de Blues / Cada hombre es un camino
15- Demos / Ciudad Vieja
16- Tiempo de rock / Sueños (Megalomanías)
17- Elegía / No brilla el sol en tus ojos
18- Ceibo / Mira bien
19- Horacio "Corto" Buscaglia / La palabra pan
20- Urbano / Caminar detrás
21- Jorge Barral / Guachita mía
22- Opa / I come to this country
23- Epílogo de sueños / Bahiao de Gastón
24- Manolo Guardia y su conjunto / Las manzanas

Formato: Mp3 - 192 Kbps

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Billy Bond – O Heroi (FLAC - 1979)

 

 

O Heroi es considerado un álbum de culto y un testimonio del período de Billy Bond en Brasil, mostrando su versatilidad y su capacidad para adaptarse a las nuevas corrientes musicales de aquel momento, como el punk y la new wave. En la grabación contó con la colaboración de músicos brasileños, lo que influyó en la diversidad estilística del disco.

"Giuliano Canterini se convirtió en Brasil en un exitoso productor de obras teatrales musicales. Sin embargo, la biografía de Canterini, conocido como Billy Bond en su juventud rockera, incluye un pasado artístico conocido por pocos. Nacido en Italia el 19 de noviembre de 1944, pero criado en Argentina desde pequeño, Canterini integró una importante banda de rock, "La Pesada del rock and roll", durante su estancia en Buenos Aires en la década de 1970, años antes de llegar a Brasil, exiliado por las circunstancias políticas de su país.
Fue aquí en Brasil donde, con el nombre artístico de Billy Bond, el cantante y compositor fue pionero en coquetear con la nuevas tendencias musicales cuando se convirtió en el cantante principal de Joelho de Porco en la segunda mitad de los años 1970, período en el que el grupo paulista se unió al punk que revolucionó la música en Estados Unidos y, sobre todo, en Inglaterra.
Pero Bond pronto se embarcó en una carrera individual, lanzando su primer álbum en solitario en estas tierras, O Herói, en 1979, que ya mostraba la inspiración punk en la foto de portada. Hasta entonces, rarísimo, este álbum –producido por el propio Bond y editado por el sello discográfico Som Livre– que luego fué reeditado por primera vez en formato CD por el sello carioca Discóricas. 

O Heroi permite redescubrir el sonido rockero de Bond, compañero de Pisca en la canción que da título al álbum y en composiciones como Porco de Ouro, Yanka (Ela) y Mick Jagger. Detalle: El repertorio totalmente original de O Herói también incluye dos colaboraciones, "Amigo da Sua Família" y "Tudo o Que Eu Quero É um Fixo", entre Bond y Lee Marcucci, guitarrista y compositor del grupo Tutti Frutti.
Incluso sin la furia virulenta del genuino punk, el sonido de Billy Bond influiría en nombres del futuro rock brasileño, como el legendario multimedia Kid Vinil (1955 – 2017). Curiosamente, fue durante la temporada de shows promocionales del álbum O Herói que Billy Bond comenzó a involucrarse con el teatro, dejando los reflectores para trabajar detrás de escena como Giuliano Canterini".

Mauro Ferreira (globo.com)

 

 

 

Músicos:

Billy Bond: Voz
Pisca: Guitarras
Lee Marcucci: Bajo
Netinho: Bateria

Temas:

01- Porco de Ouro
02- Superaohomem (2ª Parte)
03- Amigo da Sua Família
04- Yanka (Ela)
05- Tudo O Que Eu Quero é Um Fixo
06- Quatro Dias de Folias
07- Mick Jagger
08- O Herói
09- Pensando Nos Teus Ossos
10- A Mágica de Oz

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Buenos Aires Jazz Fusión - Volumen 1 + Bonus (FLAC - 1981/1998)

 

 

 En 1981, Néstor Astarita, Baby López Furst, Fats Fernández, Litto Nebbia, Rubén Rada y otros músicos de primera línea se unieron para desarrollar una propuesta por demás interesante: la de generar una música emparentada directamente con el Río de la Plata, pero desde los territorios del jazz. El resultado, música ciudadana de alto vuelo, con mucho ritmo, y solos hechos a la medida de tal fusión de músicas.

Uno de los discos mas valorados en la nave (para mi sorpresa), que ameritaba una publicación en formato FLAC.

"Buenos Aires Jazz Fusión es un proyecto, justamente de jazz fusión, de los más emblemáticos de Argentina. Nace en 1981, liderado por el baterista Néstor Astarita, quien encabeza la idea, que constaría de una agrupación de distintas bandas y formaciones de jazz que se unirían para dar distintos conciertos, tanto en capital federal como por el interior del país. De este movimiento participaron grandes músicos de la escena nacional (argentina), el saxofonista Chivo Borraro, el pianista Jorge Navarro, el trompetista Fats Fernandez, el pianista Horacio Larumbe, entre otros. Entre Abril y Septiembre de 1981, Néstor Astarita encabeza el lanzamiento de un álbum que también se llamaría ‘Buenos Aires Jazz Fusión’, este lanzamiento seria el símbolo de esta pequeña/gran movida que promulgaba el jazz y el jazz fusión; que era encabezado por Atarita pero que contaba con muchos aportes que por detrás formaban todo el proyecto.

La grabación del primer volumen de ‘Buenos Aires Jazz Fusión’ se dio entre Abril y Septiembre de 1981, en los estudios ‘ATC’, con excepción de algunos temas particulares que fueron grabados en estudios ‘Fonema’, y fue publicado ese mismo año. Este lanzamiento cuenta con el aporte especial de muchos músicos de enorme calidad, que se sumaron a la grabación para contribuir con su visión personal y así de reafirmar aún más la idea original del proyecto, que es la de un grupo de amigos haciendo jazz. De este lanzamiento participarían: Bernardo Baraj en saxo, Dino Saluzzi en bandoneón, el uruguayo Jorge ‘Negro’ Gonzales en contrabajo, Lito Nebbia en voz y teclados, Norberto Machine, Roberto ‘Fats’ Fernandez en trompeta, Ruben ‘Baby’ Lopez Furst en piano, Norberto Minichilo en vibráfono, el uruguayo Ruben Rada en voz y percusión, Horacio ‘Chivo’ Borraro en saxo, y obviamente Nestor Astarita en batería. De estos asombrosos nombres surgiría el sonido de este primer lanzamiento, un grupo de músicos provenientes de distintos extractos y estilos, pero unidos con la misma idea de música libre. En este ambiente descontracturado, las distintas visiones, influencias y estilos, de los tantos músicos participantes se van volcando y unificando, surgiendo así un sonido sin identidad fija; aparecen extractos de candombe, milonga, zamba, afro, tango, sonidos obviamente latinoamericanos, unidos bajo la fusión de un jazz sin fronteras ni límites. 

Los temas están constituidos no tanto por estructuras fijas sino por ambientes y pasajes improvisados, instrumentales, inciertos. Hay una característica como de eventualidad en el sonido, de sesión improvisada en el momento, lo que le da a las estructuras de los temas una amplitud y calidad mayor; esto pareciera ser el resultado propio de la improvisación de un grupo de músicos de enorme nivel que parecen crear los temas en el momento, con soltura, sin mayor esfuerzo…Si hay algo de, por así decirlo, ‘estructurado’ en el sonido es por las aportaciones Lito Nebia, que es un músico acostumbrado también a la canción propiamente dicha, a la composición de canciones, aportando en esta caso también un par de temas de su autoría, con estructuras más sencillas a lo que se escucha en el resto del disco pero con esplendidas armonías que están a la altura del jazz fusión que hacen en su totalidad. Otro aporte de Nebia, sumado por supuesto también a Rubén Rada, seria en la voz, ambos aportan sus voces en las letras y otros agregados vocales que tiran en las sesiones.

Tras algunos años, 1998, un nuevo grupo bajo la misma idea de ‘Buenos Aires Jazz Fusion’, y siempre liderados por Astarita, grabó y publicó unos 4 temas más, estos fueron publicados junto a una reedicion en cd del primer volumen lanzado por la banda, todo en el mismo disco. Estos temas nuevos fueron grabados en Estudio ‘Nuevo Mundo’, de Buenos Aires, durante los comienzos de 1998, y demuestran un sonido más íntimo y relajado, más abocado al jazz particularmente, y con fusiones de otros estilos no tan abrupta, sino mas sutiles.

Lamentablemente hay muy poca información precisa circulando sobre los pasos de este grupo y sus presentaciones en vivo, según dicen el proyecto siguió funcionando hasta hoy en día inclusive, cuando siguen tocando en vivo. Actualmente, está integrado por el baterista Néstor Astarita , Bernardo Baraj en saxos, Alejandro Kalinoski en piano, el bajista Bucky Arcella y Pocho Porteño en percusión."

 

Fuente de información: delicias psicodelicas.blogspot

 

 

 

Musicos Que Participan:

Bernardo Baraj: Saxofón
Dino Saluzzi: Bandoneón
Jorge "Negro" González: Contrabajo
Litto Nebbia: Voz, Teclados
Norberto Machline: Piano
Roberto "Fats" Fernández: Trompeta
Rubén "Baby" López Furst: Piano
Norberto Minichillo: Vibráfono
Rubén Rada: Voz, percusión
Horacio "Chivo" Borraro: Saxofón
Alejandro Kalinoski: Piano
Bucky Arcella: Bajo

Nestor Astarita: Batería
Pocho Porteño: Percusión

Temas:

01- Telmo San
02- Deseos Para José
03- Tema Para Trane
04- Toledo
05- Un Hombre, Un Amanecer
06- Desde Muy Abajo

Bonus Tracks (1998):

07- Abril
08- Amargueti
09- De Entre Casa

10- Tan Cálida y Tormentosa 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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La Torre - La Torre (FLAC - 1982)

 

 

Sin duda la década del ochenta fue el pico de mayor popularidad del rock argentino, y La Torre una de las bandas emblemáticas de ese período. La combinación de hard rock con elementos de jazz rock latino y la potente presencia de su frontwoman Patricia Sosa, fué un cóctel que sedujo a buena parte del público rockero.  Este primer álbum se grabó en tan solo 76 horas, pero ya contenía el que sería su primer "hit": "Colapso nervioso". Un disco dificil de conseguir hoy en día, que no ha sido reeditado en los últimos años.

 

Patricia Sosa: "Estamos juntos desde setiembre del año pasado. En esa época empezamos a trabajar con Oscar, en la composición del material. Después de un año, la primera presentación fue la del Bambalinas. Es muy difícil tocar. Por ejemplo, para el debut el apoyo de la grabadora fue moral. Económicamente, lo solventamos nosotros."
Oscar Mediavilla: "Hace bastante tiempo que teníamos en la cabeza la idea de armar un grupo que matara. No sé si lo logramos, pero al menos las intenciones fueron las mejores en cuanto a disciplina, conducta de trabajo, voluntdad."
La posibilidad de grabar un álbum para la compañía RCA surgió a través de Alejandro De Michele, integrante de Pastoral, el año pasado.
P.S.: "En un principio. De Michele iba a ser el productor de nuestro disco, pero cuando empezamos a trabajar con él, nos tiraba para una onda muy Nueva Ola, que no encajaba con nuestra propuesta original. Sonaba bien, pero no era lo que nosotros queríamos hacer."
O.M.: "Aparte la lucha con un tipo que tiene un ego tan grande como De Michele ya era imbancable, por lo que decidimos abrirnos. Si hubiéramos seguido se hubiera acortado el camino porque llegar a la compañía de la mano de él nos abría las puertas ya que es un potencial vendedor de discos. Nosotros llegamos a tener fecha de grabación, pero el día que fuimos, De Michele nos dejó plantados y nos tuvimos que volver con todos los equipos a cuestas. Pero como ya teníamos el enganche con la grabadora, seguimos trabajando y al final pudimos grabar el disco con nuestra onda original."
Los músicos que integran La Torre provienen de distintas corrientes, y ellos mismos aclaran que la música del grupo trata de conjugar esas vertientes.
O.M.: "Estamos buscando, nuestra línea musical. Hay muchas corrientes dentro del grupo y creo que bien conjugadas se pueden enriquecen entre sí. Hay. momentos en que mezclamos una onda latina con una vertiente más rockera y el resultado es bueno. Tenemos un tema que se llama 'Salsamil' que es una salsa pero con guitarras bien pesadas, bien de rock metálico."

Patricia Sosa y Oscar Mediavilla (1982)

 

"Con avasallarte rapidez, La Torre se ha convertido en el grupo revelación de 1982. lo que seguramente será reafirmado cuando toquen en el escenario del festival B.A.Rock IV. La principal atracción de esta nueva formación la constituye la inclusión de Patricia Sosa, una de las mejores vocalistas femeninas que han surgido en los últimos años. Su timbre, su fraseo, y su arrolladora potencia confirman que en el rock nacional hay talento de sobra y sin distinción de sexos. Además de cantar, Patricia Sosa compone todas las letras del grupo, muy simples y hasta primitivas pero de transparente ideología. Algunos logros y algunos lugares comunes muestran una saludable intención que puede mejorar ostensiblemente en el futuro. Musicalmente, La Torre grabó este álbum con el apuro y la fogosidad de los que recién comienzan reuniendo varias tendencias dentro del disco En esencia, el rock metálico es el que capitaliza mayor adhesión, pero también hay otras incursiones sumamente interesantes. "Buenos cimientos" y "Colapso nervioso" tienen la tuerza y el pulso del rock duro, mientras que "Triste Susana" y "Vuelvo a anclar en mi lugar" son agradables baladas intensamente bluseadas. La guitarra de Oscar Mediavilla —autor de la música del disco— incursiona con comodidad en varios solos destacables, eficientemente complementado por los teclados de un Múscolo. La rítmica, integrada por los hermanos Giles, cumple ajustadamente, especialmente el bajista que apoya los arreglos con sus solos. Un álbum debut de gran nivel para un grupo que recién empieza y tiene todas las posibilidades de llegar hasta el final del camino. La Torre es otra de las bandas que llegan para abrir y airear un ambiente cargado de polvo y rancio perfume".

    Revista Pelo - Reseña del disco (1982)

 

 

 

Integrantes:

Patricia Sosa: Voz lider
Carlos "El Negro" García López: Guitarra, congas, voz
Oscar Mediavilla: Guitarra, voz
Luis Alberto Múscolo: Teclados
Gustavo Giles: Bajo, voz
Ricardo Giles: Batería

Temas:

01- Buenos Cimientos
02- Tiempo de Tregua
03- Ser o Morir
04- Triste Susana
06- Colapso Nervioso
07- Era una Estrella de Cine
08- Vuelvo a Anclar en Mi Lugar
09- La Lucha por el Poder
10- Para Animarse a Salir de Vacaciones

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Redd - Tristes Noticias del Imperio + Bonus (FLAC - 1978)

 

 

Otro gran representante de la musica del interior del país que llega en formato flac. Agrupación originaria de Tucumán, Redd se formó en enero de 1977 por dos ex integrantes de "La pequeña banda de Trícupa": Juan Escalante y Luis Albornoz a quien se  le sumó Estaban Cerioni. Grabaron dos álbumes en forma independiente, siendo "Tristes Noticias del Imperio" su debút discográfico. Un magnífico exponente del mejor rock progresivo argentino que no contó con la difusión de sus pares capitalinos mas conocidos.

Su debut se produce el 10 de Junio de 1977 teloneando a L.A. Spinetta en una presentación en Tucumán, ya en diciembre de 1977 viajan a Buenos Aires y toman contacto con el grupo "MIA", con el fin de conocer mas sobre la edición independiente.
Nuevamente en Tucuman el grupo decide lanzar su sello incependiente, y en abril de 1978 volvieron a Buenos Aires a grabar su primer album. Con el disco terminado regresan a su provincia a presentarlo en vivo, poniendo enfasis en el aspecto visual de las presentaciones, al haber conseguido un importatnte equipo de luces.
Luego de un replanteo en el que buscaron ensanchar sus posibilidades musicales, los componentes de Redd decidieron incorporar al tecladista Enrique Mondino.
Por su sello, Covoclo, editaron, en marzo del 79, "Tristes Noticias del Imperio", su primera placa, que se vendio casi en su totalidad en la provincia de Tucuman.
Acerca del material, el periodista Claudio Kleiman dijo en la revista Expreso Imaginario: "El sonido de este LP me retotrae en cierta maner a los comienzos del rock nacional, aunque no se muy bien por que. Quizas sea el espiritu que campea por sus surcos, una cierta ingenuidad que no se muy bien como definir. Quzas sea el sonido, en el que se detectan ecos de, por ejemplo, los primeros discos de Almendra y Manal."
En 1979, el grupo comenzo a sufrir variaciones en sus filas debido a disputas internas. Dejando atras una agotadora busqueda de integrantes, empezaron a actuar con eventuales musicos, muchos de ellos de gran renombre como Marco Pussineri (bateria), Pollo Raffo (teclados) y Oscar "Pajaro" Inmoff (voz). Con esta formación graban el segundo álbum: "Cuentos del Subsuelo", disco que permaneció inédito hasta mediados de los noventa, en que fué editado en formato CD. Luego de esta grabación, la banda, por aquellos años, decidió disolverse. La última presentación en vivo fue el 7 de Agosto de 1981 en el "Encuentro de Música Contemporánea" organizado en el estadio Obras por la revista HUMOR y el pub La Trastienda.

"El proyecto de Redd surgio a partir de la idea de reciclar conjuntamente las influencias de Invisible, King Crimson (el lado melodico) y Genesis para crear un prog sinfonico evocativo, melancolico, con una densidad especial, casi magica. Su musica esta rebosante de energia, pero principalmente Redd elabora un repertorio no muy trepidante, trabajando mas bien con compases y cadencias reposadas, y melodias mas tiradas hacia lo sutil que hacia lo fastuoso; el trabajo de los arreglos pone enfasis en una interconexion delicadamente equilibrada entre los ejecutantes, manteniendo siempre la sutileza, aunque sin ocultar tampoco la destreza tecnica. Esto se nota especialmente en la labor esforzada de escalante, quien con sus redobles y notable manejo de los platillos se encarga de llenar espacios y meter algo de frescura en un material tan denso.
El tema homonimo de apertura es el mas extenso (dura mas de 9 minutos), alternando pasajes rockeros densos, con otros mas blueseados, pasando por un interludio languido, generando asi un impacto dramatico expresivo. Tras el hermoso instrumental de tono acustico “Kamala”, en el cual dos guitarras acusticas arman un dueto muy dinamico sobre un compas folklorico, viene uno de los temas mas celebrados de la trayectoria de Redd, “Reyes en Guerra”, que tiene la urgencia propia de todo manifiesto anti-belicista y anti-militarista, siempre manejada bajo las coordenadas sutiles propias de la banda. “Matinee” es un blues arrebatador que destila un irresistible aire de misterio. Con “Nocturno de Enero” seguimos con la densidad emocional que constituye la irrenunciable constante de Redd, incorporando en esta ocasion un interludio rockero efectivo, y “Kamala II” retoma la vena acustica del primer instrumental.

Los bonus tracks provienen de presentaciones en vivo - algunos suenan en verdad desastrosamente, pero se puede atisbar en ellos la fuerza expresiva de la banda".

Cesar Mendoza (La Caja De Música)

 

 

Integrantes:

 

Luis Albornoz: Guitarras eléctricas y acústicas, voz
Esteban Cerioni: Bajo, mellotron, voz
Juan Escalante: Batería, percusión, piano, sintetizador, voz 

Temas:

01- Reyes En Guerra
02- Kamala 2
03- Kamala
04- Nocturno De Enero
05. Matinée
06- Tristes Noticias Del Imperio

Bonus Track:

07- Parche Armónico (Ensayo, 1977)
08- Después De Un Mes (En vivo, 1978)
09- Tristes Noticias Del Imperio (En vivo, 2003)
10- Matinée (En vivo, 2003)
11- Parto (En vivo, 2003)

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Jorge Navarro - Navarro Con Polenta (FLAC - 1977)

 

 

"En 1978, y luego de una gira exitosa por Latinoamérica y los Estados Unidos, el pianista Jorge Navarro reunió a una troupe de grandes músicos para grabar el que es considerado como el primer disco de funk criollo: Navarro con polenta". Esto comentaba Bobby Flores sobre este increíble álbum, una rara avis dentro de la música argentina. Y si bien la base de las composiciones es el funk instrumental, todo se desarrolla bajo el marco estilístico del jazz-rock y el jazz latino, como no podía ser de otra manera viniendo de un eximio jazzista como Jorge Navarro.

 

Navarro con polenta fué grabado en 1977 y etiquetado en su portada como Jazz rock. Su primer track es una versión de Black Dog, el clásico de Led Zeppelin. A la manera de Chick Corea, Navarro toca el Fender Rhodes en casi toda la placa, con un wah wah, acompañado por un grupo de notables, que incluye a Ricardo Lew en guitarras y Norberto Minichillo en batería, con Weather Report casi como espejo. “Decidí abrir el disco con la versión de Zeppelin porque cuando escuché ese tema por primera vez me di cuenta de que con esos acordes y esa melodía se podía improvisar. Creo que eso ayudó a que se haga más conocido el disco, que grabamos en los estudios Ion, en una o dos noches”, recuerda jorge Navarro. Y se entusiasma: “Llamativamente, me sigue gustando. Por lo general, todo lo que grabo no me gusta y no lo vuelvo a escuchar más, queda en el pozo. Pero este disco, de vez en cuando lo escucho y digo: «Pucha, pensar que esto fue hecho en el año 77 y todavía está bueno, suena fresco".

 

Fantástica fusión funky de la escena argentina de los 70. Un set que arranca con una versión espectacular de "Black Dog" de Led Zeppelin, y que a partir de ahí se vuelve aún más rítmico. Jorge Navarro lidera al grupo al piano, Hammond y Fender Rhodes, y la agrupación, con guitarra, bajo, batería y percusión, forma una sólida combinación rítmica que se adapta a la perfección al dinamismo del trabajo de Jorge en los teclados, mientras recorre estilos de fusión de los 70 y jazz latino en una maravillosa gama de grooves. Por momentos, Navarro no teme usar frases funky en sus teclados eléctricos, al estilo de Herbie Hancock, y en otros, se sumerge por completo en el groove y se entrega por completo.

 

" En 1976 Jorge Navarro, un músico inevitablemente asociado a las expresiones más melódicas y un fino cultor de aquellas obras que integran el canon jazzero devenido de las comedias musicales, regresa al país luego de cinco años de actuación y residencia en los Estados Unidos.
Poco menos de un año después edita Navarro con polenta, un registro distinto, absolutamente diferenciado del resto de su discografía, en el que el pianista busca un nuevo repertorio para asumirse a tono con los nuevos sonidos que por entonces poblaban el universo jazzero.
Y precisamente esa inusual línea estilística es la que le da valor y significado histórico al registro de 1977, donde el pianista se suma a lo eléctrico, para entregar un puñado de nuevas y personales versiones de un repertorio que hasta aquí se le presumía ajeno.
Desde un inicio mismo el disco pone las cartas sobre la mesa. El arranque es con Black Dog, todo un himno de la banda inglesa Led Zeppelin, publicado en su cuarto álbum de 1971, que ocupa un lugar protagónico entre las 500 mejores canciones del rock según una encuesta de la revista Rolling Stone. En medio de un trabajo de percusión y teclados, Ricardo Lew en guitarra eléctrica, sobrevive sin fisuras a la ardua tarea de aportar singularidad lejos del espejo original de Jimmy Page.
Destaca también el Lucky Southern, de Keith Jarret, aquí con un fuerte toque latino y el Great George de Joe Farrell, con Navarro en teclados, sostenido por la fuerte línea de bajo de Juani Amaral y la percusión siempre presente y medida de Norberto Minichilo y Roberto Valencia.
Los temas de Navarro no desentonan en este contexto de fuerte condimento funk, como en Vamos quedando pocos, para finalizar con Después de la polenta, con Navarro al piano, desplegando un arte que entiende como pocos. Una especie de remanso final luego de un viaje tan inesperado como audaz. Un auténtico y genuino testimonio de época".

Fernando Ríos (argentjazz.com)

 

 

Músicos:

 

Jorge Navarro: Piano Steinway, Fender, órgano Hammond
Ricardo "Rubberman" Lew: Guitarra eléctrica
Juani Amaral: Bajo eléctrico
Norberto Minichilo: Batería
Roberto Valencia: Percusión

Temas:

01- Black Dog
02- Vamos Quedando Pocos
03- Lucky Southern
04- Repartamos El Funky
05- Funk Yourself
06- Great George
07- Después De La Polenta

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Conexión Nº 5 - Idem (FLAC - 1968)

 

Sí, estimados navegantes, Conexión Nº 5 en formato FLAC. Impensado hace unos años cuando publiqué este material en mp3, allá en 2017. Este es el L.P. debút de la agrupación comandada por Carlos Bisso, dentro del estilo que sería la marca de fuego de su trayectoria: soul, beat y rock, en un repertorio que se basaba principalmente en covers de temas consagrados de artistas extranjeros. Varios de ellos publicados antes que sus versiones originales, una estrategia marketinera ideada por la discográfica que rendía buenos dividendos.

"El primer disco de la Conexión Nº5 con la formación original salió en la navidad de 1968. Se hizo famoso por temas como “Vuelve, nena (Baby, come back)” de The Equals, con su ritmo ¨shake¨ o “Hazme una señal (Gimme a little sign)”, un tema soul interpretado originalmente por Brenton Wood. Pero también se destacaban versiones más de riesgo como la versión que cierra el lado A, “Hey Joe” popularizado en el mundo por Jimi Hendrix con su versión de medio tempo. La Conexión se despachó con una versión larga y psicodélica de más de 5 minutos con sonidos de cintas dadas vueltas, gritos de Bisso, punteos ácidos desde la guitarra de Marcelo Reinaldo Trull modificados a través del pitcht de la cinta y mucho feedback tipo delay… ¿De dónde habrán sacado ese adminículo en esa época en que no había ni pedales en Argentina?!!.

Data extra: Esta versión fue incluida en el compilado homenaje al rey de la guitarra The Stars That Play With Dead Jimi’s Dice del sello de EEUU Twisted Village, en vinilo, en el año 1992… ¿Qué tal?

Todas estas canciones desconocidas en el país salieron editadas en la Argentina por un grupo nuevo como Conexión Nº 5; obviamente era un negocio editorial de las compañías pero algunas como “Hey Joe” por Hendrix jamás se editaron. Así que la elección de estas versiones le da un valor extra".

www.instagram.com/carlosbissook

 

Con su pelo negro prolijamente engominado, su campera de cuero y sus enigmaticos guantes negros, Carlos Bisso irrumpio en la escena porteña a fines de los años '60. Su banda Conexion Numero Cinco, por la que tuvo un breve paso el gran Roberto "Pappo" Napolitano, debuto en 1969 y se caracterizo por la calidad instrumental y la elaboración de los arreglos. La formacion inicial estaba integrada por Carlos Bisso en voz, Raúl 'Cuervo' Tortora (bateria), Marcelo Trull (guitarra), Mario Ricciardelli (teclado) y Ruben Blanco (bajo). Lugo de la grabacion de este primer disco, Bisso se separa en 1970 para continuar con su propia banda, Carlos Bisso y su Conexion Nº 5, mientras que la original continuo con Amadeo Alvarez como vocalista.. Bisso, quien era un excelente cantante, de timbre grave y profundo, fue rotundamente rechazado por el publico de rock al presentarse junto a la banda de Alchourron "Canto y Clarificacion". Evidentemente era considerado representante de la "musica comercial", que para un cierto sector del publico no tenía posibilidades de evolucionar en su propuesta.
Como parte de su producción discográfica quedaron numerosos discos simples y tres albumes con diferentes formaciones y títulos similares: Conexión número 5, Carlos Bisso con su Conexion numero 5 y Carlos Bisso y su Conexion numero 5. Varios de sus temas figuraron en el el ranking musical argentino durante varias semanas, entre otros Sing Sing Barbara, Dong Dong Diki Diki Dong, Venus y Orgullosa Mary.
En 1970 Carlos Bisso fue declarado triunfador en el Primer Festival de la Cancion Argentina Para el Mundo, organizado por RCA y CBS en el Luna Park, con el tema "Que Difícil es Vivir Entero".
La trayectoria del cantante incluye además un breve paso por el cine, como actor. En 1971 tuvo un papel protagonico en "Los buenos sentimientos, de Bernardo Borenholtz, meses despues sufriria un choque automovilístico que lo tuvo entre la vida y la muerte, pero del que no tardo en recuperarse.
Fallecio a los 63 años, en el año 2005, en su casa del partido bonaerense de Tigre.

Integrantes:

Carlos Bisso: Voz
Marcelo Trull: Guitarra
Mario Ricciardelli: Teclado
Ruben Blanco: Bajo
Raul 'Cuervo' Tortora: Bateria

Temas:

01- Vuelve, Nena (Baby, Come Back)
02- El Globo Rojo (The Red Balloon)
03- Calma... Ni Una Palabra A María (Hush... Not A Word To Mary)
04- Chewy-Chewy
05- Deja Que Comiencen Las Penas (Let The Heartaches Begin)
06- Hey Joe
07- Hazme Una Señal (Gimme A Little Sign)
08- Sigue (Keep On)
09- Buscandote
10- Yo Pretendo (I Pretend)
11- Demasiado, Para Ser Tan Chico (Too Bit Manchild)
12- Jesamine

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

pass: naveargenta.blogspot