29 de diciembre de 2022

Luis Alberto Spinetta - Mondo Di Cromo (Vinilo FLAC / 24 bits ) 1983

 

 
 Mondo Di Cromo marca el comienzo de una renovación tecnológia en el sonido de Luis Alberto, acorde a los tiempos que corrían en materia musical en el mundo. La era digital se avecinaba y Luis comenzaba a experimentar aquí lo que luego profundizaría en futuros trabajos discográficos.
Charly García y Pedro Aznar venían incorporando a su sonido una caja de ritmos Roland TR-808. Sujatovich, por su parte, había incorporado un sintetizador Prophet 5, aportando toda una nueva sonoridad y una revolución en el papel de los teclados. 
 
El álbum fué grabado entre febrero y mayo de 1983, cuando la Argentina se preparaba para iniciar la campaña política hacia las elecciones generales de 1983, a través de la cual se recuperó la democracia en la Argentina, poniendo fin a la dictadura terrorista que gobernara entre 1976 y 1983. El disco se presentó apenas siete días antes de que asumiera la presidencia Raúl Alfonsín.
En esa coyuntura, Spinetta aparece optimista pero a la vez preocupado, por el choque entre el pasado y el futuro, en un contexto mundial de agudización de la Guerra Fría, riesgo de un holocausto nuclear y exacerbación de la tecnología y el consumismo.
Este disco vuelve al estilo eléctrico que no había tenido en Kamikaze, un álbum netamente acústico; y fue presentado en vivo junto con Bajo Belgrano, disco de la banda Spinetta Jade, editado ese mismo año. Spinetta cuenta en el libro Spinetta: crónica e iluminaciones, que los demos de las canciones de este disco fueron grabados en la casa de Spinetta con una "máquina de ritmos" que le había prestado Charly García. 

 "Mondo Di Cromo tiene el material acumulado durante el período de un año y medio, y que es diferente de la música de Jade, que ya está lista y se llama "Bajo Belgrano". Como era imposible mezclar esas canciones y hubiera sido un desperdicio no utilizarlas después del trabajo de elaboración realizado, decidí sacarlas de esta manera. "Mondo ..." fue elaborado de una manera totalmente diferente a cualquier álbum de Jade. Primero grabé yo la batería electrónica, las guitarras y los bajos de las bases, y después llamé a los músicos para que vinieran a tocar: Pomo regrabó las baterías, Hugo Villareal el bajo, David cantó y tocó también la batería y Leo los teclados. Esto es muy diferente de lo de Jade, donde el material se trata en una forma más grupal.
Una vez que el material está compuesto, yo puedo discernir cuál será utilizado para la banda y cuál para mí. Jade tiene como ciertas pautas musicales preestablecidas, en función del sonido y el concepto grupal. En cambio yo puedo intentar experiencias como la de que Machi toque el bajo y David la batería. Por ejemplo, en "Mondo ..." hay una preeminencia de guitarras en el sonido, mientras que en Jade son los teclados los que tienen el papel preponderante. La definición surge naturalmente de escuchar el tema, a medida que uno visualiza las posibilidades se hace más concreta la orientación que tiene, si va para el grupo o para mí."
Luis Alberto Spinetta (1983)
 
 

 
Con respecto al significado del título, Spinetta explicó que se trata de una metáfora relacionada con el proceso químico de cromación, proceso que él asociaba con la enajenación tecnológica en conflicto con la energía y la frescura que mostraba la juventud:

"Yo hace tiempo que vengo con la obsesión de gente que está cromada. Es como si la hubiesen sometido al proceso de cromación, que está provocado por la tecnología, el smog, todas las pálidas, en contraste con la gente que tiene toda la energía para dar que son los jóvenes, que están frescos, que no están cromados y que representan el futuro. Esa comparación, esa relación está dada en el concepto general del disco y en algunas letras. Inclusive hay un instrumental al final del disco que se llama «Tango cromado». Ahora, al ponerle el título, la palabra cromada no entraba con las otras cosas que quería poner. Entonces finalmente decidí ponerle Mondo di Cromo... No sé por qué, la verdad... Me resulta algo con un dejo de humor. Y concuerda con el material, concuerda con la tapa, con todo."
Luis Alberto Spinetta (entrevista de Juan Alberto Badía, en 1983)
 
 
"Poco es lo que puede agregarse ya sobre Luis Alberto Spinetta; la importancia que reviste su figura dentro de la música nacional (tanto por lo dilatado como por la calidad de su obra) se encuentran más allá de toda discusión posible. Ahora, y en tanto la edición de "Bajo Belgrano" continúa demorada, llega al público "Mondo di Cromo", un nuevo trabajo individual de Spinetta. Formado por trece temas (cinco de los cuales son instrumentales), "Mondo di Cromo" es el disco más logrado que Spinetta produjo en su carrera como solista. Sereno, un tanto melancólico, irónico a veces e invariablemente lúcido, "Mondo di Cromo" es una obra plena de madurez artística. El disco es por demás parejo y el resultado global más que interesante; sobresalen temas como "Yo quiero ver un tren", el instrumental "Simil Bahión", el sereno "Cuando vuelva del cielo" y "No te alejes tanto de mí", probablemente el punto más alto del disco.
La producción del álbum. estuvo a cargo del mismo Spinetta y merece ser remarcada como también el aporte de músicos invitados de la talla de Leo Sujatovich, Pomo, Da-id Lebón, Machi, Gustavo Pires y Hugo Villareal. La edición del disco está a la altura de su calidad, con un interesante despliegue de producción que incluye un sobre interior con las letras de las can-ciones. "Mondo di Cromo" es un disco notable dentro de la música nacional y, aún, de la carrera de un músico como Spinetta."
Revista Pelo-Reseña del disco (1983)




Músicos Que Participan:

Luis Alberto Spinetta: Guitarras, bajo, silbatos, voz, coros
David Lebón: Bajo, guitarra solista, guitarra rítmica, tumbadoras, batería, percusión, voces, coros
Héctor "Pomo" Lorenzo: Batería, timbaletas, percusión, platillos "voladores"
Carlos Alberto "Machi" Rufino: Bajo
Leo Sujatovich: Prophet-5 ,bajos, cuerdas OBX, bajo Multimoog
Gustavo Pires: Piano Fender
Hugo Villarreal: Bajo

Temas:

01- Paquidermo de luxe (Instrumental)
02- Yo quiero ver un tren
03- La rifa del viento
04- Herido por vivir
05- Simil bahion (Instrumental)
06- Cuando vuelva del cielo
07- Lo siento en mi corazón
08- Será que la canción llegó hasta el sol
09- Días de silencio
10- El bálsamo (Instrumental)
11- Para valen (Instrumental)
12- No te alejes tanto de mí
13- Tango cromado (Instrumental)
 
 
Muestra Gráfica De La Grabación


Ripeado De Vinilo
Formato: FLAC (Free Lossless Audio Codec) 48.000 Hz / 24 Bits

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23 de diciembre de 2022

Leo Antúnez - Un Tal Leo Antúnez (FLAC / Uruguay - 1972)

 

Leo Antúnez es un poeta uruguayo de la generación de los 70s. Hacia 1972 publicaba, luego de la edición de un single, el album "Un tal Leo Antúnez". Acompañado de ilustres músicos del medio local de la época, Antúnez brindaba un formato de canción no escuchado ni visto hasta ese momento. Una propuesta casi recitada, versos cantados, dichos con vehemencia, con ganas, con la palabra por delante de una música de corte "pesada", blusera, proto punk; un formato que Zitarrosa bautizaria como "Contracanción".

Visceral, atrevido y disidente, como características mas palpables, Leo Antúnez es considerado por muchos el primer "punk" de Uruguay, adelantado a toda una generación que ni siquiera estaba por gestarse. Revolcandose por distintos escenarios de festivales o shows, escupia su repudio a una sociedad blasfema.
En el año 72 los estudios Sondor fueron testigos de la grabación del único album que registrara Leo. En este larga duracion es acompañado por un poderoso grupo de apoyo: Jorge Barral en guitarras, Jorge Silva en bajo y Yamandú Pérez en bateria y percusion. Pero esta no fue la unica grabacion que nos dejara este artista. Un año antes en los mismo estudios registro el simple "La Jauría", con numero de catalogo 2002 y editado bajo un supuesto sello X, Leo nos dejaba 2 temas: "La Jauría" y "Padre Nuestro", los cuales venian con una tapa en la que aparecian perros comiendole las entrañas a un hombre desangrado en el piso.

"El menos acogido por el público de su tiempo y portador de una extraña avanzada desde el punto de vista musical y literario, fue Leo Antúnez. Incomprendido, denostado y olvidado, musicalmente se anticipó a la aparición de Patti Smith, el punk y el rap, y en su marcado escepticismo, llegó a describir a la sociedad uruguaya con más precisión que mucha prédica esperanzada en un futuro mejor."

“Lo de Leo fue impresionante”, asevera Fernando Peláez. “Parecia fuera de epoca y tanto su propuesta musical como su manera de actuar sobre el escenario o el tipo de letras que cantaba, eran cosas muy dificiles de entender por las audiencias de entonces. Sin embargo lo que hizo Leo Antúnez fue una cosa original, nueva, y no tenía referencias de haber visto algo igual y haber dicho ‘voy a hacer eso mismo’. Su idea de escribir algunos textos y acompañarse con un trio de rock que tocaban sus instrumentos siguiendo el recitado, era una onda que en aquella época provocaba repulsión.”

Fuentes de informacion: http://fotolog.com/warpigs
http://parasentarseaescuchar.blogspot
http://revistaarteycultura.webnode.com
Fernando Pelaez
 
 

Músicos:

Leo Antúnez: Voz (Autor de todos los textos)
Jorge "Flaco" Barral: Guitarras (Autor de todas las musicas)
Jorge Silva: Bajo
Yamandú Pérez: Bateria, percusion

Temas:

01- Epitafio
02- Adriana Rojo
03- Canción de cuna
04- Montevideo
05- Necesito
06- La muerte hermano
07- Dile que las calles estan danzando
08- Gris
09- Estatutos del consecuente
10- Mujer de pan
11- Natalia

 
Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits
 

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16 de diciembre de 2022

Serú Girán - Idem (FLAC - Remasterizado 2021)

 

 
Llega a la nave la versión remasterizada 2021 de este clasicazo del rock argento. Pedro Aznar junto a Ariel Lavigna y Gustavo Gauvri en la producción, lograron darle un renovado marco sonoro a estas grandes canciones, dotándolas de un brillo que las revitaliza y las coloca en una actualizada dimensión.
Disfruten navegantes. Y los que puedan compren el disco!!
 
"La misma tormenta perfecta detrás de la impecable e impactante reedición de Grasa de las Capitales repite el logro con Serú Girán. Una suma de voluntades aplicadas al auténtico rescate sonoro de obras capitales del rock argentino, con el conocimiento, la habilidad técnica, la experiencia para llevarlo a cabo. La recuperación del catálogo de Sicamericana (empresa propietaria de los sellos Music Hall, Sazam y TK) por parte del Instituto Nacional de la Música fue un primer e importantísimo paso, al que le siguió la entrega de esas canciones a sus legítimos dueños, los compositores.
En un caso cercano al milagro, en esa gestión virtuosa del organismo creado en 2012 se recuperaron cintas de respaldo de media pulgada: un soporte que habilitaba a un auténtico trabajo de remasterización para la edición en vinilo. Y dos personajes clave para llevarlo a cabo, Pedro Aznar y el ingeniero Ariel Lavigna, que realizaron el pasaje a audio de alta resolución y se aplicaron artesanalmente a la corrección de ruidos y fallas en la cinta, copia del master original. Gustavo Gauvry, de la Asociación Argentina de Técnicos e Ingenieros de Audio, y Diego Boris, presidente del Inamu, completaron junto al sello de edición y distribución digital Altafonte el equipo que produjo una nueva perla de Serú para atesorar.
Por eso hay que comenzar diciendo lo mismo que con Grasa: en un universo de reediciones de rock argentino que a menudo no pueden acceder a las cintas originales (simplemente porque ya no existen), la versión 2021 de Serú Girán logra sonar mejor que el original. Sobre todo teniendo en cuenta que, aún con el cuidado obsesivo del melómano, las copias originales no pueden sino reflejar el efecto de miles de escuchas.
Porque ahí está el corazón del asunto: estas canciones han sido escuchadas miles de veces, por la poderosa razón de su altísima inspiración artística y excelencia de performance. Serú Girán es el perfecto enlace entre la banda que produjo un terremoto en la escena local en solo cuatro años y La Máquina de Hacer Pájaros, aquel experimento de García siempre necesitado de un mayor reconocimiento. Es la explosión de ideas entre Charly y Lebon, y el perfecto entendimiento entre Pedro y Moro, y Billy Bond dándoles rienda suelta, a veces entrando en choque pero retirándose a tiempo porque lo que importaba era lo que estaba sonando.
¿Lo que estaba sonando? Si las primeras presentaciones en vivo de Serú se toparon con cierta resistencia de un público que no terminaba de digerir ciertas ironías musicales, un disco que arranca con algo como "Eiti Leda" no podía sino estar destinado a la historia. La ambición de los dos arranques de lado, ese inicio y "Serú Girán" -siete minutos de grandiosidad instrumental y de neolengua que intensifica el sentido de viaje onírico-, revelan la identidad del cuarteto en un contraste tan atractivo como el blanco y negro de las fotos inéditas incluidas en la lujosa edición, responsabilidad de José Luiz Pederneiras. Entre San Pablo y Los Angeles, la banda registró un debut autoconsciente de su grandeza. Tenía sus razones.
El rescate 2021 agrega disfrute al repasar las 8 estaciones del tren de la tapa. Aquí el bombo de Moro parece vibrar en las paredes de la habitación; las laburadísimas armonías vocales de García, Lebon y Aznar, esa influencia enriquecedora de The Beatles y Beach Boys, aparecen de modo cristalino; el entretejido elimina todo empaste y da espacio a las líneas de bajo de Aznar, entre el moño que siempre cierra perfecto y la nota gorda que apoya una explosión rockera. Sí, parece mucha preocupación por el audio en tiempos de archivos comprimidos sonando en parlantitos, pero es una obviedad apuntar que el público que espera este lanzamiento aun conserva la obsesión por ciertos ritos, sutilezas y hasta caprichos de disfrute.
Serú Girán es el album en el que Charly entrega un minuto y medio glorioso, preludio de los tiempos que vendrían bajo su único nombre, en "Separata". El disco que señala que "se está yendo todo el mundo" -hola, 1978- y trae a Serú esos giros latinos también existentes en La Máquina. "Autos, Jets, Aviones, Barcos" es también uno de esos momentos-Lebon que indicaban un balance que Charly nunca pudo conseguir con Gustavo Bazterrica, Carlos Cutaia y José Luis Fernández. El Ruso brilla allí y en "El mendigo en el andén" -el pueblo fantasma donde nunca pasa el tren- y en "Voy a mil", ese tema que comienza como un rockito cualquiera y se va zambullendo en toda clase de caminos alternativos.
Y claro, "Seminare", una de las canciones más perfectas del rock argentino. En esa cumbre del disco, la memoria emotiva traerá miles de recuerdos asociados a la vida sociopolítica y cultural de este país desde la aparición de Serú Girán. Porque Serú fue sus grandes, enormes canciones, y su ambición y su buen gusto, pero también banda de sonido de un país tan gris como ese vagón de tren, con un subsuelo de alimento cultural esperanzador. En tiempos en que la historia del rock de los '80 ya es material del Museo Malvinas y el Museo Histórico Nacional, la reedición de Serú Girán viene a dar la prueba más contundente de los por qué: esta es música sencillamente eterna. Y merecía sonar de esta manera.
Eduardo Fabregat (pagina12.com.ar)
 
 

 
Integrantes:

Charly García: Piano de cola, sintetizadores, guitarra acústica, voz
David Lebón: Guitarra eléctrica, guitarra acústica, voz
Oscar Moro: Batería, percusión
Pedro Aznar: Bajo eléctrico, bajo fretless, coros

Temas:

01- Eiti Leda
02- El mendigo en el anden
03- Separata
04- Autos, jets, aviones, barcos
05- Serú Girán
06- Seminare
07- Voy a mil
08- Cosmigonon 

 
Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits
 

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9 de diciembre de 2022

Relax - Padre (FLAC - 1977)

 

 
Un álbum muy pedido a la nave el de esta enigmática agrupación. Relax está considerada como una banda "fantasma", ya que no se conoce oficialmente actividad artística alguna. Solo el importante legado de este único disco, aparentemente grabado en 1975 en el sello independiente "Vedette", y publicado en 1977.
 El estilo del grupo se enmarca dentro del hard-rock progresivo, con el predominio de riffs y fraseos a cargo de sus dos guitarristas, sin olvidar la sutileza de los arreglos en varios pasajes de las composiciones. 
 
"Relax es una de las bandas del rock argentino que ‘’no tiene historia’’, poco se sabe de ellos y de sus actividades en su época. Esta oculta banda argentina, de hard rock, estaba compuesta por Daniel A. Grasso en voz, flauta y guitarra rítmica, Ruben H. Campás en guitarra líder, Hector C. Grasso en bajo y Jorge R. Rodriguez en batería y percusión. Entre sus influencias se encontraban bandas como Led Zeppelin, Deep Purple, entre otras, de las cuales también interpretaban temas. Entre las argentinas podríamos compararlos con los primeros años de El Reloj o Plus, y la influencia de la escuela de los grandes guitarristas argentinos.
En 1977, entre algunos inconvenientes económicos, logran sacar su primer álbum, un trabajo muy interesante de rock pesado setentero. El sonido tiene su magia, sin duda se trata de una agrupación que es propia del under y por ende cuentan con su rusticidad, lo que no es más que un condimento más de su sonido cosmico y rockero. Las piezas se construyen en base al juego y dialogo que mantienen constantemente las dos guitarras, cuando una se encarga de las bases y otras de los solos, ambas son el fundamento del sonido, a puro riffs, arpegios y solos. Se trata de hard rock con guitarras crudas y buenas baladas pesadas y/o temas rock pesados, que se desarrolla hacia algunos arreglos que tímidamente tienden hacia lo progresivo sin necesariamente serlo. 
El condimento especial, como muchas bandas de la época, son las letras cósmicas y mágicas que llevaban adelante, y que hacen referencia a la unión de la humanidad, la paz, el encuentro con el cosmos y la erradicación del materialismo. Este concepto cósmico puede verse representado en la extensa introducción del tema ‘’Padre, un amigo que se fue’’, un auténtico sonido dentro de un ambiente cósmico y volátil.
No se trata de un disco emblemático pero por su carácter oculto, under, la poca información que existe de la banda y la dificultad de hallar una copia del disco original de la epoca, entonces la banda ha despertado cierto interés entre coleccionistas y conocedores del rock de la epoca.
Lamentablemente por la dificultad económica que existía para grabar un disco en esa época, para ellos que eran "Under", solo pudieron grabar un solo LP y un simple, aunque tenían más proyectos de su autoría, como por ejemplo una Opera-Rock basada en la vida de Cristo (como lo hizo Vox Dei con la Biblia) que nunca se pudo grabar y se perdió completamente."
Fuente: delicias-psicodelicas.blogspot
 
 

 
 Integrantes:
 
Daniel Grasso: Primera guitarra, primera voz, flauta dulce
Rubén Campas: Segunda guitarra 
Hector Grasso: Bajo, segunda voz
Jorge Raúl Rodríguez: Batería, percusión 

Temas:

01- Al umbral del futuro
02- Correr del tiempo
03- Padre un amigo que se fue
04- Ganar el sol
05- Fruto de un deseo
06- Esencia real


Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits


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3 de diciembre de 2022

Rodolfo Mederos y Generacion Cero - Fuera De Broma (FLAC - 1976)

 


Primer álbum del eximio bandoneonista Rodolfo Mederos al frente de la agrupación Generación Cero. Fué grabado en 1973, pero publicado recién en 1976. El disco cuenta, ademas de Mederos, con la participación de dos bandoneonista mas: Juan José Mosalini y Daniel Binelli. Tres bandoneonistas crecidos bajo la influencia del tango más renovador de Astor Piazzolla y Horacio Salgán, además de la música progresiva de la época y el jazz contemporáneo.
 
 "Me dijo una vez un amigo, refiriéndose a aquellos músicos que temen “contaminarse” con otras músicas: "Toda frontera que impide entrar, también impide salir". Lo recordé siempre.Mi campo operativo fue durante una época el Tango. Un día sentí como si tocara un límite.Me di cuenta que había llegado a un umbral y que a partir de allí me quedaría adentro o intentaría salir ampliándolo, creciendo. Recordé aquel asunto de las fronteras. Repasé entonces cuidadosamente mi relación con la música toda y comprendí que sin duda yo disfrutaba de alguna manera con ciertos aspectos del jazz, del rock, del soul, de la música “pop” y obviamente del tango en sus formas nuevas (Astor Piazzolla), y alguna tradicional (O. Pugliese, H. Salgán). Me puse a trabajar con alegría y sin preconceptos. Pensé luego en la agrupación que debería tocar esta música y así naturalmente surgió la idea del bloque de bandoneones y sección rítmica. Agregué luego el color del saxo y flauta, y estaba resuelto. Ensayamos, nos presentamos en vivo y grabamos el presente L.P. Comprobé que nos gustaba y nos divertíamos y comprendí de alguna manera que habíamos dado un paso más allá del famoso límite. “Generación Cero” no existe hoy como grupo constituido, pero deja este documento a consideración de aquellos que también sienten la necesidad de ampliar esos límites, sus propios límites."
Rodolfo Mederos (Escrito en la contratapa del álbum)
 
"Grabado en 1973 y publicado en 1976, este disco de Rodolfo Mederos y Generación Cero está más cerca de la música progresiva (como se llamaba entonces al movimiento del rock sinfónico) que del tango. Cuando esta grabación se editó comercialmente por primera vez, Generación Cero, una fuerte apuesta renovadora de Rodolfo Mederos, ya era historia. Porque este disco se grabó y se presentó en 1973, cuando su ideólogo, compositor y arreglador tenía ya 33 años. Pese a esto, en las notas del disco editado en enero de 1976, Astor Piazzolla lo nombra como uno "de los músicos jóvenes" que necesita la música de Buenos Aires. De aquí se puede extraer una conclusión más que obvia: la juventud no se lleva en la fecha de nacimiento sino en la mirada frente al mundo que se tiene. Piazzolla también era joven, entonces.
En las misma notas, concisas, arriesgadas y clarísimas que dejó Piazzolla sobre su asistencia a un recital en el Auditorio de SADAIC el 6 de julio de ese mítico 1973 dice que "Generación Cero tocó música beat o rock, o como se llame. No tocó tango." Así de difícil es definir géneros, porque esa música solo se podría haber pensado en el Río de la Plata. Y, pese a los intentos de despegarse, la influencia del propio Astor se ve, aún en las piezas con menos rítmica tanguera, como Shuata (track 3), en las progresiones armónicas inevitables. A continuación, Balada para Generación Cero (track 4) tiene también un inocultable sello piazzolliano.
Lo que más acerca al tango a esta música progresiva es la presencia de los tres bandoneones: Rodolfo Mederos, Juan José Mosalini y Daniel Binelli, nada menos. El bajo de Ricardo Salas bien adelante, la batería de Pocho Lapouble y el saxo (o flauta) de Arturo Schneider nos ponen en un plano más rockero o jazzero. Es un momento de mucha libertad en todo sentido, y esto se traduce a la música, claro. Si alguien quisiera saber por qué el joven Mederos dio tanto que hablar en los años '70, esta es la mejor explicacion."
Club del Disco
 
"En Argentina, a mediados de los ´70, el Rock Progresivo caló bien hondo en los huesos de una generación, y por supuesto tuvo algunos ejemplos también de Fusión. Estos casos fueron aislados y no contaron nunca con el apoyo masivo por parte del público como así también de la crítica. De todas maneras, más allá de que hoy por hoy a la distancia tampoco tengan una gran revalorización de su trabajo, existe un nicho de público tanto a nivel nacional y quizás aún mucho más extranjero que celebra esas bandas de “culto” que nuestro país a sabido albergar. Ejemplos de grupos y solistas que hayan “coqueteado” con el Jazz Rock y diversas variantes dentro de la Fusión hay de sobra pero no todos gozaron de gran reconocimiento. A saber, Alma y Vida, Alas, Bubu, Sanata y Clarificación, algunos discos de Nebbia y la lista sigue. De todas maneras, y volviendo unos párrafos más arriba, la Fusión podría ser alimentada de acuerdo al lugar de origen de donde es ejecutada y uno de los ejemplos que cae como anillo al dedo es el de Rodolfo Mederos.
Mederos es un bandoneonísta que entre otras cosas dentro de su extensa y aún vigente carrera musical, supo fusionar el Rock con el Tango. Vale aclarar que no hay que confundir el Tango Electrónico -caso Bajofondo, Gotan Project- con lo que hizo Mederos en los ´70 con su grupo Generación Cero.
Mederos estaba influenciado -al igual que muchos de su generación- por el trabajo, el legado y la revolución que introdujo Astor Piazzolla dentro del Tango. Más allá de haber sido participe de la orquesta de Piazzolla y de Osvaldo Pugliese y haber colaborado con algunos rockeros de la época -con Spinetta en Invisible-, Mederos quiso abrirse camino por sí solo y encontró en el grupo Generación Cero un refugio donde dejar volar su imaginación y gusto musical. Esta banda logró realizar una fusión de tres géneros musicales, el Rock, el Jazz y el Tango. Obteniendo con este último un sello personal, distintivo, nacional y por supuesto bien porteño.
Esta propuesta musical, más allá de tener un alto grado de influencia por sonidos típicos nacionales como es el Tango, no contó con el apoyo masivo en nuestro país. Incluso se valoró y valora mucho más estas obras dentro del mercado extranjero que suele buscar y coleccionar estos tipos de trabajo con pasión y fervor."
 
elaticodelrock.blogspot
 
 

 
Integrantes:

Rodolfo Mederos: Bandoneón, música, arreglos, dirección
Daniel Binelli: Bandoneón
Juan José Mosalini: Bandoneón
Arturo Schneider: Saxo, flauta
Ricardo Salas: Bajo
Jorge "Pocho" Lapouble: Batería

Temas:
 
01- Fuera de broma
02- Generación cero
03- Shuata
04- Balada para generación cero
05- Fuera de mí
06- Conspiración
07- Poco que perder
08- Al diablo con el diablo
09- Paula viene
10- Homo sapiens 
 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits


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25 de noviembre de 2022

Pastoral - Generación (1982)

 

 
 Generación es el primer álbum de Patoral luego de la ruptura del dúo tres años antes, como también su último trabajo original antes del fallecimiento de Alejandro De Michele. El álbum en el momento de su lanzamiento sorprendió a todos por su sonido de rock fuerte, con una batería marcada, sintetizadores y guitarras eléctricas. Fué grabado entre enero y abril de 1982 en los estudios ION y publicado bajo el sello Interdisc.
 
Pastoral había experimentado un desgaste profundo, producto de continuos lanzamientos, cuatro álbumes musicales y un EP. Ello sumado a los descontentos legales con su anterior sello discográfico Sazam Records y con su exproductor Oscar López, terminaron por fracturar al dúo. Volvieron a encontrarse en 1981, decididos a reconstruir a Pastoral. Los eventuales problemas legales con su anterior discográfica y productor se subsanaron y comenzaron una nueva etapa en su carrera musical.
La conformación del álbum se dio en el contexto de la Guerra de Malvinas y el malestar popular con el régimen militar argentino. Esta situación social y política se vio reflejada en la temática del mismo, más pesimista y con letras cargadas de ironía. El sonido se manifestó intenso y eléctrico, con fuerte base rítmica.
El álbum fue lanzado oficialmemte durante el segundo semestre de 1982. Gozó de una buena recepción comercial y llegó a los primeros puestos en las posiciones de venta. A pesar de la demanda de entradas para shows y recitales, Pastoral tocó en un principio Generación en lugares con pequeños afores, como si se tratase de una banda amateur. El 4 de septiembre, tocaron en el teatro Obras, ante una gran audiencia.
A comienzos del siguiente año, se editó una recopilación con sus obras más célebres, titulado Todo Pastoral. Coincidiendo con el décimo aniversario del dúo, se presentan nuevamente en el Estadio Obras Sanitarias el 30 de abril de 1983, ante un marco de público aún más amplio. Se ubicaron sistemas de sonido en la calle frente al estadio para que el numeroso público sin entrada pudiera escuchar el concierto. En esta oportunidad, se puso un cuidado especial en la escenografía (una mina de carbón diseñada por De Michele), y así el dúo hizo su aparición en el escenario ataviado como mineros, casi a oscuras, y llevando cascos con linternas. La primera mitad del concierto fue eléctrica y llena de un rock and roll intenso y emocional. Luego, la banda desapareció tras una cortina de humo, para volver al escenario que ahora aparecía cubierto por parvas de pasto. De inmediato dio comienzo el set acústico clásico.
Con el dúo consolidado una vez más, De Michele tenía en mente nuevos horizontes creativos para Pastoral: más experimentación, nuevos sonidos y una firme incursión en el terreno del video. También planeaba su propio disco solista, Cuarto transitorio. En la madrugada del 20 de mayo de 1983, el Ford Falcon de Alejandro De Michele embistió un árbol frente al Velódromo Municipal, provocándole la muerte. La tragedia de Alejandro implicó también el final de Pastoral, ante la decisión de Erausquin de no continuar con el nombre del dúo sin su compañero de toda la vida.

"Este disco es una sorpresa agradable. Y es una sorpresa porque no tiene prácticamente nada del viejo Pastoral de las voces sobre agudas y las guitaras acústicas. Alejandro de Michele y Miguel Angel Eurasquin seguramente podrían haber hecho un disco siguiendo la Lírica que tanto éxito les habla dado en el pasado; pero no, ellos eligieron jugarse a todo o nada y hacer algo distinto. Y eso sólo ya de por si constituye todo un mérito. Pero lo positivo es que la nueva música del grupo, una vez que pasó la sorpresa del primer momento, realmente impacta. Mucho más directa y electrónica que en el pasado, la propuesta actual de Pastoral da la sensación de estar más acorde con el tiempo que se vive. Temas como "Babany", "Todas patinan" o "Generando" son una clara demostración de cómo se puede hacer una música actual sin tener que caer en rótulos gastados como "nueva ola" o cosas por el estilo. Pastoral parece haber encontrado la fórmula para hacer una música distinta sin caer en la hibridez estilistica.
Sin dudas, el tema de mayor Impacto es "Peleándose", una canción calma con una muy buena melodia de piano como base. En este tema se muestra lo que será una constante en toda la placa: las letras directas, sin el hermetismo de otras épocas. Y pese a los diferentes estilos de los dos miembros (De Michele es más rebuscado, Eurasquin más simple), la propuesta es la misma.
"Generación" es un álbum que, en principio, va a sorprender y que, con el tiempo, va a recibir el reconocimiento que indudablemente se merece."
Revista Pelo - Reseña del disco (1982)
 
 

 

Integrantes:

Alejandro De Michele: Guitarra, voces
Miguel Ángel Erausquin: Guitarras, voces

Músicos invitados:

Gustavo Donés: Bajo
Daniel Colombres: Batería
Fernando Muscolo: Teclados
Mario Herrerias: Piano, arreglos en "Peleándose"

Temas:

01- Peleándose   
02- Generando   
03- Circular   
04- Anestesiados   
05- Cuidarán   
06- Desprendiéndonos   
07- Sexto "C"   
08- Babany   
09- Saca Las Brujas   
10- Todas Patinan


Formato: Mp3 - 192 Kbps


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18 de noviembre de 2022

Fe - Fe (FLAC - 1972)

 

 
Una perlita olvidada rescatada por la nave, ahora en formato FLAC. Se trata de Fe, una fugáz agrupación que en 1972 publico este único álbum, con la supervisión de Jorge Alvarez y Billy Bond.

Dos de los músicos de esta banda (Biscione y Alvarado) habian pertenecido anteriormente a Los Mentales. Fue uno de los primeros grupos en tener un LP en la calle sin haber editado un simple como adelanto, y con solamente una presentación en vivo (dentro del marco de la segunda edición del Festival B.A Rock).
Al momento de salir a la calle su material, el cantante Carlos Etcheverry se desvinculó de la agrupación dejando su puesto a Alejandro Jelicie, ex compañero de andadas de Black Amaya y Bocón Frascino.
"Fe" es un disco de rock y blues con un importante apoyo de vientos. Sus letras, seleccionadas por Jorge Alvarez, muestran una ácida ironía. Ejemplo de esto es el tema "Mirá que viene sin título", dedicado a algunos productores complacientes. El álbum contiene también una muy buena versión de "No Pibe" de Manal y el mítico himno olvidado del Rock Argentino, "Salve Salve, Rock and Roll".

"Las cosas están cambiando y los tiempos se deslizan cada vez más escurridizos. Algunos años atrás no se concebía la aparición de un conjunto en la escena del consumo sin la puntillosa aparición de un disco simple que tanteara las posibilidades. Hoy eso está comenzando a ocurrir porque la absorción por parte del público es diferente: ya no importa un disco simple, se necesita la obra completa, la demostración total de una línea musical. Eso es lo que ha conseguido, por primera vez dentro del rock and roll, la banda Fe, una agrupación que para muchos resultará desconocida y a la que otros sólo habrán visto en el festival B. A. ROCK del año anterior. Su aparición es sorpresiva: no hubo grandes anuncios ni campañas publicitarias. Sin embargo, en algunas semanas más, aparecerá su long play con elementos, también, bastante insólitos en materia de producción de discos dentro de América latina.
El grupo responde a la producción del dueto Jorge Álvarez y Billy Bond. Las 10 bandas del álbum exhiben un esmerado, novedoso, trabajo por parte de Bond que, junto a los cinco integrantes de Fé, consiguió realmente un nuevo sonido dentro del rock argentino. Jorge Álvarez se ocupó de las letras, una selección de oratorios nada poéticos, ácidos, irónicos y bastante pontificantes, un tipo de delirio mesiánico que, en las condiciones actuales hace falta dentro del rock and roll argentino. Entre ellos destaca el idiomático sicólogo "¿Locura estás? Me estoy poniendo el sistema", "Qué revolución" donde por primera vez se insiste en el temita ese y "Mirá que viene sin título", una especie de irónica dedicatoria a algunos complacientes productores o a uno en especial.
El grupo se dedica a tocar con fuerza y ganas honestamente singulares, algo que, sin embargo, no demostró en B. A. ROCK. Para subsanar eso cambiaron el cantante: el que figura en la placa es Charlie Etcheverry (ya desvinculado) y el cantante oficial (desde hace un mes) es Ricardo un ex compañero de Bocón y Black (que emigraron con Spinetta). El grupo se completa con Jorge Luis Canavés (trompeta), Pablo Kusselman (saxo tenor), Quique Alvarado (bajo y piano), Rubén Biscione (guitarra) y Pablo Hernández (batería).
Ellos tiene fe en todo lo que hacen y en todo lo que hicieron (para ninguno de ellos es la primera experiencia) quizás crean en sus oraciones de "Salve, salve rock and roll". Ellos rezan: "Cantemos todos juntos, vivamos así, y veamos qué pasa. Las conclusiones las sacaremos luego". Pero seguramente otra que ellos utilizan y que pertenece a John Lennon es más certera: "Hemos crecido un poco todos nosotros, ha habido un cambio y todos somos un poco más libres. Pero todavía sigue el mismo juego".
Revista Pelo (1971)
 
 

 
Integrantes:

Carlos Echeverry: Voz
Rubén Biscione: Guitarra
Enrique Alvarado: Bajo y piano
Jorge Cánaves: Trompeta
Pablo Kusselman: Saxo tenor
Pablo Hernández: Bateria 

Temas:

01- Buen Día, Señor Sol
02- La Tanda
03- Que Sepa Volar
04- Fernandez's Blues
05- Salve Salve, Rock And Roll
06- Que Revolución?
07- No Pibe
08- Locura Estás? Me Estoy Poniendo El Sistema
09- Mirá Que Viene Sin Titulo
10- Palabras Y Risas 
 
 
Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits
 

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11 de noviembre de 2022

Pappo's Blues - Triángulo (Vol. 5) FLAC - 1973

 

 
A fines de 1974 Pappo's Blues entra a estudios para grabar Triángulo, el quinto LP del grupo. Esta vez aparecen Daniel Eduardo "Fanta" Beaudoux en bajo y Eduardo Garbagnati en la batería, acompañando a Napolitano. Este es un disco con cierto aire experimental, que refleja un estilo de heavy europeo, totalmente distinto a todo lo que produjo el grupo en el pasado (y en el futuro también). Hay grandes temas como "Hubo distancias en un curioso baile matinal (parte II)" o "El buzo", con León Gieco en voz, que muestran, uno, la veta clásica del Carpo, y el último, una rara incursión instrumental en guitarra acústica, dominada por lo atonal. Al finalizar la grabación, Pappo viaja nuevamente hacia Inglaterra; y esta vez se quedará dos años.
 
"Como es costumbre en Pappo’s Blues, nuevamente se cambia la formación manteniendo la figura hegemónica de Pappo, acompañado de nuevos músicos para conformar otro Power Trío. Esta vez, para grabar Triangulo, aparecen Daniel Eduardo “Fanta” Beaudoux en bajo y Eduardo Garbagnati en la batería.
Triangulo a diferencia de sus anteriores trabajos es un disco en el que Pappo’s Blues experimenta más desde el blues rock. Las canciones del álbum no son meros cortes instrumentales, trazan ritmos, vaivenes y melodías un poco más complejas pero igual de poderosas que sus discos anteriores. El virtuosismo del Carpo y sus nuevos compañeros se sigue notando, pero parecen abocados a hacer algo un poco menos genérico y más improvisado, como si fueran sesiones en las que estaban explorando.
En general el disco es sólido, aunque no hay claros clásicos para destacar en forma instantánea. De todas formas se puede resaltar lo que logran en “Hubo distancias”, especialmente la segunda parte que representan el momento más aplastante del grupo, son 10 minutos en los que desbordan rock. Y también hay que mencionar a “El Buzo”, una rareza acústica con un aire fantasmagórico que tuvo la colaboración de Leon Gieco en las voces. Por todo esto Volumen V termina siendo un muy buen disco de Pappo’s Blues, otro más dentro del gran repertorio del Carpo."
 
persimusic.com
 
"Se han dicho muchas cosas del gran Norberto Napolitano. Una que no se dice lo suficiente es que como músico no era ningún cabeza, como nos quieren hacer creer los que toman a su prosa como pura literalidad y a su música como un carbónico de cierta tendencia estadounidense o europea. Más allá de desarticular constantemente los argumentos antes expuestos, Pappo era un estudioso de su género (el blues y el hard rock, por supuesto). Viajaba constantemente a Europa -especialmente a Inglaterra- y Estados Unidos donde se imbuía de las novedades en instrumentos, equipos y estilos. Después de uno de estos viajes es que decide cambiar radicalmente la dirección del grupo que era la máscara de su carrera solista, Pappo’s Blues.
Hasta entonces, sus álbumes venían más por la senda del blues y el hard rock tradicionales, cancioneros, transitando entre lo más pesado y lo más blusero casi en partes iguales. Pero para la grabación de su quinto LP, el Carpo tendría una idea fija: había estado en Gran Bretaña, había visto la NWOBHM y quería hacer algo que combinara toda la dureza y pesadez de ese género con su espíritu zapador, de improvisación. La elección de Fanta Beaudoux y Eduardo Garbagnati, dos amigos personales y músicos acostumbrados a esa dinámica, no fue antojadiza. Y Triángulo, el resultado, es una muestra perfecta de la búsqueda que sintetizaría en Aeroblus y emprendería en Riff: riffs -justamente- de gran pesadez, oscuridad, agresividad combinada en este caso con mucha aptitud instrumental. Quizás la mejor muestra de esto sea la extensa “Hubo Distancias En Un Curioso Baile Matinal (Parte II)”, momento álgido de un igualmente fantástico álbum."
demidiscoteca.cc
 
"Hay triángulos que no van mas alla de sus propias tumbas. Lo que se piensa en un minuto de existencia y lo que sucede a cada instante solo nosotros lo vivimos. El triángulo, como conjunto, esta mas alla de la vida de un pensamiento deslizandose delante nuestro. Hay una historia facil de comprender si la observamos.
 
Pappo (Escrito en  la contratapa el disco)
 
 

 
Integrantes:

Pappo: Guitarra, voz
Eduardo Daniel "Fanta" Beaudoux: Bajo
Eduardo Garbagnati: Batería

Musicos Invitados:

León Gieco: Voz en "El buzo"
Nacho Smilari: Voz en "El buzo"

Temas:

01- Malas compañías
02- Nervioso visitante
03- Mirese adentro
04- Hubo distancias en un curioso baile matinal (parte I)
05- Hubo distancias en un curioso baile matinal (parte II)
06- El buzo
 
 
Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits
 

pass: naveargenta.blogspot 
 
 

4 de noviembre de 2022

Avatar - Mejor Es Hoy (FLAC - 1982)

 

 
Guiados por el ex Arco Iris Horacio Gianello y basados en las composiciones de Carlos Piegari, ex integrante de Sui Generis en sus comienzos, Avatar fué un grupo de experimentación que debutó a casi dos años de formado. Los seis músicos de esta agrupación exploran, en su único trabajo discográfico, una fusión de jazz-rock, ritmos afro-brasileños y música urbana, con letras que recrean historias cotidianas.
 
En 1977, Carlos Piegari, integrante original de Sui Generis, retirado del grupo por problemas personales, encontro otros musicos para poder plasmar sus ideas, inclinadas hacia una canción elaborada y ritmos de fusion. Con la ayuda del ex-baterista de Arco Iris, Horacio "Droopy" Gianello, Avatar fue también una cooperativa de trabajo con estudio de grabacion propio y escuela de musica. Este fue uno de los pocos grupos argentinos en utilizar dos set de batería: la primera comandada por "Droopy" Gianello , y la segunda a cargo de Daniel "Olaf" Mele. Más tarde, Gianello abandono las filas, cediendole el paso a Daniel Fernández. En 1983, Avatar pudo registrar de manera independiente su primer album "Mejor es hoy". A causa de no obtener buena difusion, el grupo fue distanciando sus presentaciones hasta que. en 1984, decidieron cambiar de imagen y volcarse sorpresivamente al rock "moderno" bajo el nombre de Cinema.

"El motivo de mi separacion de Sul Generis en 1973 fue que ya no tenia afinidad musical con Charly y Nito; esteticamente no me interesaba lo que estaban haciendo ellos. El indice de cual era la musica que yo quería hacer entonces está en el grupo que formé después, América Libre, con el que grabé un disco y actué en Italia. Tuve algunos problemas con la propiedad de dos temas de aquella época, con letras mías: el que hizo Porsuigieco, 'Tu alma te mira hoy', y el de Sui Generis. 'Natalio Ruiz'. Me incliné por una poesia más adulta. En Avatar todos aprendimos mucho; para nosotros fue una escuela musical y humana. También tenemos una visión madura del grupo, por la que no hay liderazgos y se considera tan importante componer como arreglar, y nadie hace problemas si se bochan temas o letras suyas." 
 Carlos Piegari (1980)
 
"Mi participación en Avatar no implica imposición de un encuadre al grupo, sino que intento interpretar sus temas. Siendo más objetivo por estar más o menos lejos de ellos y con una completa sinceridad, mi meta fue estudiar a fondo la capacidad del grupo para interpretar sus propios temas. y luego busqué pulir, hacer coincidir eso con sus composiciones Ese trabajo, que realicé con Carlos y Adolfo (Martínez), definió la personalidad de Avatar. Los proyectos del grupo son viajar a los Estados Unidos para reequiparse y luego preparar. a principios de abril, dos conciertos en la sala Planeta (donde debutaron), además de planear actuaciones en el Gran Buenos Aires."
La similitud entre la bossa nova brasileña y el jazz de la costa oeste norteamericana ofrecía un margen para la investigación. Pero, de todos modos, Avatar no realiza pura y exclusivamente música brasileña, sino que se encamina hacia el jazz-rock. En lo que los norteamericanos llaman 'fusión'. la base debe ser —y no debe por capricho sino por una lógica armónica— un acorde de jazz, aunque a eso en el grupo se le agrega armonía y melodía de rock. Por supuesto que esta definición no es algo sectario o deliberado, que nos propusimos cuando se formó el grupo. La investigación rítmica se inició a medida que iba saliendo la música. La cantidad de variantes que resultan involucradas en la música de Avatar la hace de dificil clasificación, pero, a pesar de todo, tiene una cohesión y coherencia que la hace ser Avatar, y ninguna otra."
Horacio "Droopy" Gianello (1980)
 
 

 
Integrantes:

Carlos Piegari: Teclados, voz, guitarra
Adolfo Martinez: Primera Guitarra, voz, guitarra acústica
Horacio "Droopy" Gianello: Percusión, voces
Daniel "Olaf" Mele: Batería, percusión, tumbadoras
Daniel Fernandez: Batería, percusión
Edgardo Fernandez: Bajo Alembic

Temas:
 
01- Todo bien
02- Todos los cuentos
03- Casi sin cesar
04- Tiempo adicional
05- El estadio
06- Nueva York en salsa
07- Quien se anima
08- Mejor es hoy
09- Cuatro Julias
10- Orangu


Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits


pass: naveargenta.blogspot

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