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12 de junio de 2026

Tribemol - Demos (Mar Del Plata / 1981-1983)

 


Tribemol es una histórica agrupación de Mar Del Plata de jazz-rock y rock progresivo, fundada en marzo de 1981. Liderada por el bajista, compositor y productor Fabián Spampinato, el grupo se destacó por su participación en el festival B.A. Rock IV en 1982. En aquella década no llegaron a grabar oficialmente ningún álbum, pero queda el testimonio de esta grabación demo que demuestra la excelencia su música con categórica personalidad marplatense.
 
Tribemol fue una banda de jazz-rock progresivo de Mar del Plata que se formó en 1981. Estuvieron activos dos años, tocando asiduamente en el circuito de Mar del Plata y la zona, viajando en tres ocasiones a Capital Federal. Su participación en el B.A. Rock IV en noviembre de 1982 ante 15.000 personas, junto a Riff, Gieco, Spinetta y otros popes de la época fue un espaldarazo grande en épocas de cambio en la política socio-económica argentina. Con el gobierno militar a punto de caer, el contrato para editar su primer álbum no llegaba. Tanto es asi que Joey Cedrón, el guitarrista, regresó a USA y el grupo se disolvió, pero no la amistad. En el 2000, Joey regresó por unas semanas y se reunieron a zapar en fm d-rock! de Mar del Plata. En el 2006, con la producción del álbum triple "Al Flaco...dale gracias" (Homenaje a Spinetta), se reunieron virtualmente para grabar "La Herida de París". Joey, desde USA, Luis Morello afincado en Mallorca, el resto en Mar del Plata y con el invitado Guillermo Cides en Barcelona, fueron enviando los tracks para la versión final, editada en febrero del 2007. 
 
 

 
Integrantes:

Joey Cedrón: Guitarras, voz (desde 1982)
Luis Morello: Piano, Rhodes, sintetizadores
Fabián Spampinato: Bajo
Fernando Romairone: Batería
Mario Orbe: Guitarra (en 1981)

Músicos Invitados:

Carlos Rizzo (Voz 1982 y 1983)
Walter Silva (Voz 1981)

Temas:

01- Aire de la Mañana
02- Leve Mejoría
03- Dando ese Paso
04- Lo que Más Quiero
05- Antes de Volver
06- Aire de la Mañana (2º versión)
07- Ya No Podés Mirar al Cielo
08- La Lucilla (pt 1)
09- El Mensaje de tus Ojos (La Lucilla, pt 2)
10- Aire de la Mañana (3º versión)

Bonus Tracks:

11- Gin Tónic (en vivo en 1981)
12- Lapislázuli (en vivo en 1982)


Formato: Mp3 - 160 Kbps


pass: naveargenta.blogspot


29 de mayo de 2026

Los Abuelos De La Nada - Vasos y Besos (FLAC - 1983)

 

 
Si el primer álbum significó el despegue, este "Vasos y Besos" trajo consigo la consagración de Los Abuelos de La Nada como uno de los grupos mas importantes y populares de los ochenta. Profundizando su personal cruce de estilos, fusionando pop, funk, reggae, rítmos latinos y jazz rock, el disco contiene clásicos imperecederos como "No se desesperen", "Chala man", "Así es el calor", Yo soy tu bandera" y el inefable "Mil horas".
 
"A diferencia del disco debut, producido por Charly García, este trabajo fue producido por la propia banda. Los choques de egos entre García y Abuelo habían llegado a un punto de no retorno: cuentan que Miguel discutía todos los aportes de Charly, llegando incluso -según las distintas versiones- a una trompada o un cachetazo. Además, Miguel acusó a Charly de «robarle» los músicos para grabar «Piano bar».
Así que para la grabación de «Vasos y besos» decidieron encargarse de la producción los Abuelos mismos. También se encargarían, ellos, todos, de componer y tocar el nuevo material.
Pero a pesar del ego de Miguel Abuelo, nunca dudó en darle el espacio necesario a sus músicos. Su lugar en el escenario era cedido sin problemas a sus compañeros, permitiendo el crecimiento de los demás. Así, Calamaro se embarcaría pronto en una carrera solista, Melingo se iría para sumarse definitivamente a Los Twist y López comenzaría a dedicarse a la producción de otros artistas no solo en la Argentina, sino en diferentes puntos de América Latina.
Volviendo a «Vasos y besos», el álbum abre con el ritmo de «No se desesperen», una creación de Bazterrica que se transformaría en uno de los hits radiales del disco. Luego aparece «Así es el calor», un tema que Calamaro había compuesto con su amigo Gringui Herrera para la Elmer’s Band. Con el tiempo, Herrera terminaría remplazando a Bazterrica en la banda.
«Yo soy tu bandera», escrita por Miguel Abuelo y Cachorro López, es una balada pop con un novedoso saxo a cargo de Daniel Melingo. «Sintonía americana», con los mismos compositores, tiene arreglos novedosos que anticipan lo que vendría después. «Espía de Dios», con música de Bazterrica y letra de Abuelo, precede al cierre del lado 1 con «Cucarachón de tribunal», compuesta por Bazterrica y cantada por el propio autor y Miguel Abuelo.
«Vamos al ruedo», compuesta por la dupla Calamaro-López, da inicio al lado 2. Entonces llega «Mil horas», escrita por Calamaro con su amigo Cuino Scornik y con la voz del primero, transformada en el gran éxito del disco. La canción ha sido reversionada infinidad de veces, por artistas tan dispares como Los Tipitos, Alex Ubago, Rubén Rada, Los Enanitos Verdes, Sindicato Argentino del Hip-Hop y La Sonora Santanera, entre muchos otros.
Sigue «Hermana Teresa», del tándem Abuelo-López, y luego la gran creación de Daniel Melingo: «Chalaman». Es otro de los momentos inmortales del disco, reversionada por Diego Torres para abrir su álbum debut de 1992. El cierre de «Vasos y besos», «Mundos in mundos», es una vieja canción de Miguel rescatada para este proyecto.
Como «La dicha en movimiento» de Los Twist, aunque tal vez con menos desenfado, «Vasos y besos» es un testimonio del momento que se vivía en la Argentina a pocos días del regreso de la democracia. Sin dudas es una joya que acreciente su valor con el paso de los años. La trilogía de discos de estudio con la formación que incluía a Miguel Abuelo, Calamaro, Cachorro López, Bazterrica y Polo Corbella se cerraría un año después con «Himno de mi corazón». Quedaría un registro en vivo y «Cosas mías, de 1986, con una alineación que solo mantendría a Miguel Abuelo y Corbella".
http://crock.com.ar
 
 

 

 Integrantes:
 
Miguel Abuelo: Voz, coros, congas, timbales, percusión
Gustavo Bazterrica: Guitarras, voz, coros, percusión
Andrés Calamaro: Teclados, voz, coros, percusión
Daniel Melingo: Saxo alto, clarinete, voz, percusión
Cachorro López: Bajo, coros, cuica, percusión
Polo Corbella: Batería, coros, percusión

Temas:

01- No se Desesperen
02- Asi es el calor
03- Yo Soy tu Bandera
04- Sintonía Americana
05- Espía de Dios
06- Cucarachón de Tribunal
07- Vamos al Ruedo
08- Mil horas
09- Hermana Teresa
10- Chalamán
11- Mundos in Mundos


Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits


pass: naveargenta.blogspot
 

15 de mayo de 2026

Demo - Lumpen (FLAC - 1983)



Demo estaba integrado por dos históricos del rock argentino: Rinaldo Rafanelli (ex Color Humano, Sui Generis, Polifemo), y un muy joven Ricardo Mollo (posteriormente guitarrista de Sumo y actualmente lider de Divididos). Junto al guitarrista Daniel Leis y al baterista Beto Topini grabaron este único álbum en 1983, que ahora podemos disfrutar en formato FLAC.

"La historia del rock en Argentina encierra un puñado de discos y grupos ocultos y olvidados, cuyas grabaciones y actuaciones fueron, sin embargo, el precedente de momentos de gran popularidad y muestra de verdadero talento. Uno de estos casos es el grupo Demo, que tenía como líder e integrante más conocido a Rinaldo Rafanelli, quien fuera bajista en la última etapa de Sui Generis y miembro clave de Polifemo, junto a David Lebon. Para formar Demo, Rafanelli convocó al baterista Beto Topini (luego reemplazante de Jota Morelli en La Torre) y a dos guitarristas: Daniel Leis y Ricardo Mollo, quien inmediatamente después pasó a Sumo. Demo llegó a presentarse en festivales como el B.A. Rock 82 y el olvidado HidroAero Rock de 1983 pero no tuvo continuidad y sólo nos queda como legado este, su único álbum, registrado en 1984. Musicalmente muestra un rock pesado con toques de reggae y gran lucimiento de los solos de guitarra, claramente influenciados por Jimi Hendrix. Podría considerarse un eslabón perdido entre el rock de fines de la década del setenta (los festivales Escalera al Cielo) y el inicio de una fusión aggiornada, que tenía como mayor exponente a Sumo".

Marcelo Fernández Bitar

"Definir la musica de Demo es un poco complicado , aunque básicamente es una fusión de rock y reggae. Tratamos de hacer una música compacta en la que las letras jueguen un papel importante.   Es rock, la característica principal es la energía que transmite. Nos fijamos mucho en el contenido. Además, es una música fresca y con polenta. Eso se debe a la personalidad de cada uno de nosotros cuatro".
Mollo y Rafanelli (Revista Pelo-1982)
 
"Lumpen está dedicado a todos los que se sientan extraños en su propia casa, en su propio cuerpo, en el mundo..."
 
(Escrito contratapa del álbum)
 
 

 
Integrantes:

Ricardo Mollo: Guitarra, voz, coros
Daniel Leis: Guitarra, voz, coros
Rinaldo Rafanelli: Bajo, voz, coros
Beto Topini: Bateria

Temas:

01- Perinola (Nadie pone sin tomar)
02- Esclavo de la oscuridad
03- Boomerang (Todo viene y va)
04- Cuidado con la fria hoz
05- Robotina
06- Niño gris
07- Figuras de paz
08- Sin edad (Duende azul) 


Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits
 

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27 de febrero de 2026

Luca Prodan - Time Fate Love / Perdedores Hermosos (FLAC / 1981-1983) Remaster.

 

 
Time, Fate, Love y Perdedores Hermosos, recopilan una serie de temas grabados por Luca a su llegada a la Argentina, en su estadía en las sierras de Cordoba. Las grabaciones fueron realizadas en forma casera, entre los años 1981 y 1983. En ellas podemos encontrar canciones que posteriormente formarían parte de los discos de Sumo y covers de artistas internacionales como Canned Heat, Lou Reed, David Bowie y John Martyn. Las primeras ediciones en CD ese publicaron en 1996 y 1997 respectivamente; en 2019/21 se editaron estas versiones remasterizadas, que son las que les comparto en esta publicación.
 
"Aunque sean poco conocidos, los testimonios musicales de aquellos primeros días de Luca en Argentina vieron la luz a mediados de los '90, publicados por Silly Records, el sello de Las Pelotas. En 1996 salió a la calle Time fate love, el primero de los volúmenes, y al año siguiente fue el momento de Perdedores hermosos.
¿Qué decir de estos dos discos? Primero, que por la obvia razón de ser compilaciones de temas inéditos que fueron grabados en condiciones pobres, el sonido no es súper y -especialmente a Perdedores hermosos- hay que darles un tiempo de adaptación. Cuando la oreja se acomoda, ambos son discos matadores.
 
Time fate love muestra una faceta musical de Luca casi ignorada por el gran público: las canciones folk intimistas, todas ellas notables historias de -su- vida que ayudan a comprender una personalidad única (Like London es una canción terrible, háganse el favor de escucharla). Buena parte de los temas aquí presentes vienen en plan guitarra mas voz y no mucho más, y participan en varias canciones Germán Daffunchio y Alejandro Sokol, además del Sumo perdido, Ricardo Curte. Hay canciones urgentes como "Strange things", otoñales como "Brighton past", nostálgicas como "Lament" y tristes como "Time fate love". Todas ellas nos recuerdan la influencia notoria que tuvieron en Luca personajes como John Martyn, Bob Dylan, Nick Drake y Leonard Cohen.
En la otra punta están los temas que guardan una conexión más cercana con Sumo, y que tienen una dosis tribal y minimalista similar o incluso mayor a la que logró la banda luego. En ese grupo entran "Mount Etna Erupts" y "End of August", por ejemplo, aunque la mejor muestra sea "La pequeña muerte".
Lo que destaca en Time fate love respecto de Perdedores hermosos son las versiones de temas que luego fueron clásicos de Sumo. Tal es el caso de "Virna Lisi" (TV caliente), muchísimo más desnuda y despojada respecto de la que escuchamos en Llegando los monos; "Regtest" -con un par de cambios en la letra y Luca en acústica- y la versión definitiva de "Divided by joy", así en inglés, ejecutadas estas últimas dos por aquella histórica formación de cuarteto con Stephanie Nuttal en batería y Sokol en bajo.
Como dato para nada menor, vale destacar que todas las grabaciones que integran esta grabación pertenecen a 1981, es decir, a aquellos días de vida bucólica en Córdoba. En "Like London" se escucha perfecto el ambiente, y eso le da un toque de hermosura aun mayor a un disco de por sí emocionante.
 
Perdedores hermosos, aunque en todos lados sea señalado como una continuación de Time..., tiene sus diferencias marcadas. Detalle menor o no, las grabaciones comprenden un período de tiempo más largo, desde aquel '81 hasta 1983, por lo que además de Córdoba hay grabaciones de acá nomás, o sea, Hurlingham. También aparecen nuevos componentes de lo que ya era Sumo: Diego Arnedo y Roberto Pettinato aportan lo suyo en algunos temas, en especial el bajista, que figura en la mitad de los temas encargándose del contrabajo.
En este segundo volumen, mucho más denso que el primero, se encuentran también aquellas gemas folkies que había en Time, Fate, Love, como "Luces rojas" y "Nick's song". Y nuevamente aparece esa veta en los covers de "Soul love" de Bowie y "Solid air" de Martyn, en tanto que dos de las piezas claves del disco se ven favorecidas por la inclusión de un saxo: el cover de "Billy", de Lou Reed (qué belleza) y "Perdedores hermosos", la apertura del disco, con una letra tristísima inspirada en una obra de Leonard Cohen que lleva el mismo nombre. (De alguna manera, Time fate love se ve más espontáneo que Perdedores hermosos, pero como creo que analizar y comparar discos póstumos es una locura, mejor sigo analizando.
Los temas aquí son bastante largos, las letras son poéticas y descriptivas, e Inglaterra tiene de vuelta su lugar con "Lloviendo en Londres", una canción re-Sumo que podría haber estado en su primer disco tranquilamente. Los recuerdos de tiempos pasados para Luca también están en "Red lights" (imaginarán a qué luces rojas se refiere) y en la fundamental "Huyendo" (Running away), donde vomita toda su historia de fugas y nombra a Argentina como el lugar donde resucitó en 1981, donde mató a todos los loros y donde robó todo el sol.
Para cerrar, caigo en un pequeño detalle que resume un poco los discos. Miren las tapas. Chequeen las fotos. Ahí están los dos Lucas que conocimos, el cordobés y el de Baires. Aquellos años de regalo de los que hablaba la madre de Luca, también han sido un regalo para nosotros: artistas auténticos no se encuentran todos los días."
 
Santiago Segura - lamusicaesdelaire.blogspot.com
 
 

 
 Time Fate Love / Músicos y Temas:

Luca Prodan: Voz, guitarras, caja de ritmos, bajo
Germán Daffunchio: Guitarra, percusión, voz en "Brighton past"
Alejandro Sokol: Bajo en "Regtest", "Divided By Joy", "Lament" y "Time Fate Love"
Stephanie Nuttal: Batería en "Regtest" y "Divided By Joy"

01- Regtest (Happy Valley Rock)
02- Lament
03- Going up the country (cover de Canned Heat)
04- Like London
05- End of august
06- Brighton past
07- Virna Lisi (TV Caliente)
08- Strange things
09- La pequeña muerte
10- Mount Etna erupts
11- Divided by joy (Divididos por la felicidad)
12- Time fate love

Perdedores Hermosos / Músicos y Temas:

Luca Prodan: Voz , guitarra, melódica
Germán Daffunchio: Guitarra, coros (Temas 6 y 7)
Alejandro Sokol: Bajo, coros (Temas 6 y 7)
Diego Arnedo: Contrabajo (Temas 1,3,4,9 y 10)
Roberto Pettinato: Saxo (Temas 1 y 3)

01- Perdedores hermosos
02- Red Lights
03- Every Day
04- Raining in London
05- Reggae Blues
06- Billy (Lou Reed)
07- Nick's Song
08- Soul love (David Bowie)
09- Running Away
10- Solid Air (John Martyn)
 
 
Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits
 

pass: naveargenta.blogspot
 
 

8 de agosto de 2025

Virus - Agujero Interior (FLAC - 1983)

 


El tercer  álbum de Virus representó un cambio en la carrera del grupo. Con un sonido mucho más roquero, en gran medida, gracias a la producción de los hermanos Michel y Danny Peyronel (músicos de Riff en aquél momento), el grupo deja de lado el estilo new wave mas ligero de sus dos primeros discos para adentrarse en el terreno del power pop mas duro. El álbum fué muy bien recibido por la crítica y marcó el comienzo del reconocimiento y la popularidad de Virus.
 
Federico Moura: "Cuando comenzamos a trabajar en el nuevo disco decidimos buscar un productor artístico porque necesitábamos la opinión de alguien de afuera por una cuestión de objetividad. En principio se barajaron varias posibilidades. Una fue la de grabarlo en Brasil con Billy Bond. Cuando llegó Danny lo hablamos y decidimos hacerlo con él y Michel."
Julio Moura: "Una persona ajena al grupo siempre tiene una mayor noción del resultado global.
Los integrantes de Virus aseguran que el mayor cambio que sufrió su material al trabajar con una producción artística detrás fue el aspecto sonoro.
J.M.: "En este disco hay una gran diferencia en lo que se refiere al sonido porque se logró el mismo que tenemos en vivo. En los dos discos anteriores no habíamos podido conseguir eso."
F.M.: "Estilísticamente no hemos cambiado en relación a los anteriores discos. A lo mejor el sonido hace pensar distinto, pero nosotros creemos que no es así. la gente que nos escuchó en vivo se va a identificar con el sonido del álbum porque es similar al de las actuaciones."
A principios de diciembre, Julio y Federico Moura viajaron a España para preparar el lanzamiento en ese país de Virus. En Madrid, los músicos regrabaron algunas partes del master original de "Agujero interior" para poder editar un simple adecuado a las exigencias del mercado español.
J.M.: "Todo comenzó a raíz del viaje de Carlos Rodríguez Ares, nuestro productor. El realizó contactos con la CBS española y como el material gustó, nos llamaron para que fuéramos a retocarlo. La versión que hicimos allá de '¿Qué hago en Manila?' tiene alterado el tiempo. Acá salió como una balada y allá saldrá como una especie de reggae. En principio se va a editar —más o menos en febrero próximo— un single y después un maxi. El disco será lanzado por CBS con mucho apoyo y si tiene una buena respuesta iríamos a tocar allá."

Federico y Marcelo Moura (Revista Pelo-1983)
 
"Un LP totalmente diferente a todo lo que la banda hizo antes…y después. Un LP totalmente rockero, con mucho punch. Luego de Recrudece, Virus dejó el sello que los tenia contratados y pasó a CBS. Decididos a tener un productor para contar que “la opinión de alguien de afuera, por una cuestión de objetividad”, tras hablar con Billy Bond y Danny Peyronel, se decantaron por éste ultimo y su hermano Michel. Con ellos en la consola, el grupo se metió en los estudios Moebio para plasmar once canciones, de las que por lo menos tres quedarían como clásicos de su carrera.Aunque años después Federico Moura se quejaría amargamente del sonido de la banda en este disco, lo cierto es que en el momento decía que “llegamos a este disco con las cosas más claras, y este álbum es más identificatorio de la imagen de Virus”.
Los tres primeros temas, de algún modo son uno. Por una decena de minutos, la música enciende los motores del oyente y éste no puede dejar de mover la patita ni cantar los estribillos. Aun cuando el teclado de Marcelo Moura está omnipresente, los riff de guitarras llevan la batuta y crean una atmosfera de rock que el grupo nunca volvería a alcanzar.
Tras este clímax, el LP baja las pulsaciones con la balada ¿Qué hago en Manila?, con su guitarra arpegiada, su colchón de teclas y su batería sintetizada, que preanuncia lo que vendrá más adelante. El sonido de guitarras rock vuelve con “Ellos nos han separado”, un mensaje sobre el pasado y el porvenir. “Juegos postergados” es quizás el único tema que recuerda al Virus de Recrudece, aun cuando no se priva de un solo de guitarra.
La cara B vuelve a arrancar a todo vapor con “Buenos Aires Smog” y “Carolina”, este el otro hit del disco; a continuación otros dos temas en una onda más pop, para terminar con “Los sueños de Drácula”, otra gran canción, y un gran cierre para un gran disco.
En general, las guitaras y los teclados se complementan para lograr un sonido afilado y a la vez moderno. En cuanto a las letras, la ironía presente en los primeros trabajos son reemplazados gradualmente por inspiradas letras introspectivas o reflexivas. Otro punto a favor.
Agujero Interior es claramente un gran disco en la carrera de Virus, que cumple a la vez la función de ser una rara avis y recuperar al grupo para las masas, luego de la escasa difusión que tuvo el anterior álbum".

https://elholocaustodepabloalekssander




 Integrantes:

Federico Moura: Voz, coros
Julio Moura: Guitarras eléctricas, coros
Ricardo Serra: Guitarras
Marcelo Moura: Piano, sintetizador, coros
Enrique Mugetti: Bajo
Mario Serra: Batería

Temas:

01- En mi garaje
02- El probador
03- Hay que salir del agujero interior
04- Qué hago en Manila?
05- Ellos nos han separado
06- Juegos postergados
07- Buenos Aires smog
08- Carolina
09- Mundo enano
10- Autocontrol
11- Los sueños de Drácula
12- Que hago en Manila / versión española (Bonus Track)
 
 
Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits
 

 pass: naveargenta.blogspot

 

27 de junio de 2025

Hugo Racca - Vienen por Vos (FLAC - 1982)

 

 
 Hugo Racca, bajista y compositor de la mítica banda Plus, graba en 1982 este primer y unico album solista, ahora presentado en la nave en formato FLAC. El estilo que aborda en esta nueva etapa va desde el rock'n'roll hasta el folk, pasando por las canciones y las baladas suaves. Nacido en la provincia de La Pámpa, Hugo Racca fallecio en 1998.

Cuando Hugo Racca se separó de Plus, dudó. Atrás quedaban más de diez años de tocar junto a sus ex compañeros. Atrás quedaba también un pasado con mucho rock'n'roll y tres discos en este estilo. Pero él estaba inseguro. No sabia si continuar su romance con los riffs pesados o si por el contrario profundizar en el folk, una línea que afloraba en su música cada vez que tomaba una guitarra. El tiempo pasó sin apuro y Racca encontró los músicos que lo secundarían en su nueva etapa. Y así nació "Vienen. por vos", su primer trabajo solista. Y en este álbum, el ex integrante de Escarcha y Plus conjugó su pasado y su presente grabando rock'n'roll, folk y canciones calmas.

"Cuando se disolvió Plus, yo tenía la idea de salir solo, en una línea folk. Un día vino a casa Rubén Pace y le gustó lo mío. El estaba tocando con unos chicos (que son los que ahora tocan conmigo) que querían hacer una onda similar a la que yo venía elaborando. A ellos les gustó mucho mi material y a mí me gustaron los arreglos que ellos hacían a mis temas. Asi fue como empezamos a ensayar informalmente. Yo en esa época no estaba muy seguro de lo que iba a hacer en el futuro, pero con el tiempo me decidí".
"Hay veces en que tengo ganas de tocar rock pesado y otras en que quiero hacer folk. Son estados de ánimo. Cuando estoy solo en casa, tomo la guitarra acústica y hago canciones. Yo creo que hay momentos para todo tipo de música. Pienso que ningún estilo es mejor que el otro. Una onda te descongestiona de la otra. Al trabajar con los chicos notamos que las canciones tenían mucha fuerza y que había temas que, siendo canciones. tenían tanta fuerza como un rock".
"En un principio me costó adaptarme al nuevo grupo porque yo venía de trabajar muchos años seguidos con la misma gente y sentí el cambio. La posibilidad de grabar el primer álbum surgió en una forma un tanto fortuita. Empezamos a ensayar formalmente en una casa de Castelar. Al tiempo decidimos grabar un demo con tres temas para mostrarlo. Fuimos a los estudios Audion y grabamos con Oscar Larroca. Un tiempo después me llamó Oscar y me comentó que le gustaba mucho lo nuestro y que quería mi autorización para presentar el demo en algunas grabadoras. Lo presentó en dos y una -Cabal- se interesó. Así fue como grabamos el álbum. Lo hicimos muy rápido".
En el disco los temas figuran firmados por Hugo Racca y Oscar Larroca, pese a que las composiciones son del ex bajista de Plus. "Esto se debió, según Racca, al agradecimiento que sentía por lo hecho por Larroca. En un principio, él iba a ser el productor del disco. Poco a poco se fue interesando a fondo en el material e incluso sugirió cambios y arreglos. Además, se preocupó por la difusión y la promoción. Un día le dije que quería compartir los temas con él para expresarle mi agradecimiento por todo lo que había hecho por nosotros".
"En todos los temas tienen mucho que ver Rubén Pace y Julio César Smith, quienes hicieron los arreglos. Yo me limité a tocar la guitarra acústica y cantar". Cuando se le pregunta a Racca si esta nueva etapa de su carrera la asume como solista o junto a un grupo que lleva su nombre, no duda en afirmar que es un auténtico grupo. "En muchos lados salió que yo era un solista y no es asi. En un principio pensé en largarme solo, pero cuando me encontré con los chicos cambié de idea. Ahora tormamos un verdadero grupo, aunque lleve ni nombre". El debut oficial de Hugo Racca con su nueva formación se produjo en el festival paralelo de La Falda. 

Hugo Racca - Revista Pelo (1982)
 
 
 
 
 Integrantes:

Hugo Racca: Guitarra ritmica, voz
Ruben O. Pace: Primera Guitarra, guitarra ritmica
Julio Cesar Smith: Bajo
Carlos Gabriel Parolari: Batería, percusión

Temas:


01- Bienvenido Rock and Roll
02- Sin Ver Mas
03- Desideratum
04- Primavera en el Parque
05- Todo el Día
06- Bang Bang
07- Vienen Por Vos
08- Mañanas en el Campo
09- No Quiero Ser Errante
10- La Radio a Full 
 
 
Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits
 

 pass: naveargenta.blogspot


23 de mayo de 2025

Memphis La Blusera - Alma Bajo La Lluvia (FLAC - 1983)

 

 
La aparición del primer álbum de Memphis La Blusera fué una anomalía en el panorama del rock argentino de los 80, dominado por corientes musicales como el pop, la new wave, y la música de fusión. Memphis retomaba estilisticamente el camino del blues urbano argentino que habían fundado artistas como Manal, Pajarito Zaguri o Pappo, pero con una impronta mas arraigada al rhythm and blues y al jazz. Este debút discográfico contenía ya varios clásicos como "Moscato, pizza y fainá", "Blues de las 6 y 30" o "El estibador", que contribuyeron a consolidar al grupo como uno de los mas populares de aquella década y uno de los mas importantes dentro de la historia del blues rioplatense.
 
"La década  del 80, entre la retirada de los milicos, la efervescencia con la vuelta de la democracia y el posterior desencanto popular, llevaba por entonces la banda de sonido del pop foráneo, reciclado en Argentina con mayor o menor suerte por la mayoría. Pero el blues era algo inexistente. De hecho, fueron diez años en que el género fue puesto a dormir, aquí y en el mundo. ¡Si hasta tipos como Clapton sacaron álbumes mediocres con teclados que intentaban generar un interés entre las masas de jóvenes amantes de Madonna y M Jackson. Por lo tanto, en Adrián Otero y compañía recae el merito de mantenerse firmes y ser (que yo sepa) el único grupo de blues en actuar y grabar dentro de una década poco amigable con ese género. Ya llegarían los años 90, con el renacer del blues en el mundo, y la aparición de otros intérpretes en el país.
Esta ya mítica banda de blues porteño se armó en 1977, con Adrián Otero, Emilio Villanueva, Daniel Beiserman, Eduardo Vallejos, Raúl Lafuente y otros miembros cuyo  nombre se perdió en el tiempo. Reunidos alrededor de la estación de Floresta y la recientemente desaparecida pizzería La Universal inmortalizada en su primer álbum, el grupo fue creciendo con algún que otro parate, producto de la época. Bautizados como Memphis La Blusera por el solo hecho de no ponerse de acuerdo sobre cuál de los dos nombres usar (“Memphis” y “La Blusera”), llegaron por fin a grabar su primer álbum, Alma bajo la lluvia. Como previamente habían participado de BARock 82, hubo críticas positivas que le consiguieron un contrato en RCA. Igual no quedaron muy satisfechos: “No quedamos conformes con el disco; nos dieron 50 horas y 8 canales para grabar” recordaba Adrian Otero.
Si hay algo que Memphis tuvo, es el urbanismo acendrado de sus letras (Otero: “Soy un muchacho porteño ¿Sobre qué querés que escriba?”). Oír a Memphis es rememorar los paisajes urbanos descritos más de diez años antes por Javier Martínez en los álbumes de Manal. Y definitivamente eso separa al grupo de otros posteriores del mismo estilo: la interesante descripción de lugares y personajes tan de ciudad, muy bien manejados por la pluma de Adrian Otero, lo mismo que un sonido menos purista que, por ejemplo, Durazno de Gala. Dicho sea de paso, las letras no dejan de ser hoy políticamente incorrectas, un eufemismo que utilizo por no decir machistas, aunque mucho de esto se ve recién en el segundo álbum. Pero también debieron corregir la letra de “El estibador”: “El tema decía ‘blues obrero, blues bien grasa’, y el productor decía que la gente se pone mal si se le dice grasa, así que tuvo que salir ‘blues bien blues’.
Este LP es corto, ocho canciones y 33 minutos. Pero lo compensa con mucha vibra y buenos clásicos. “Moscato, pizza y fainá” inicia el disco con su contagiosa música y su estribillo simple, y la descripción de una noche en el centro porteño. La siguiente canción, “Alma bajo la lluvia”, es un lamento por un amor, otra gran letra llevada por el saxo de Emilio Villanueva. El movedizo “Boogie mama” antecede a “El trepador”, el típico retrato de quien no tiene ética ni moral, solo sus ansias de llegar alto pisoteando a quien se ponga delante. El lado 2 comienza con el otro gran clásico de Alma bajo la lluvia, “Blues de las 6 y 30”, el notable relato del laburante sin reconocimientos. Junto con “Moscato…”, esta canción bien valen hacerse del LP. “Lo mismo boogie” deja lugar a “El estibador”, otro valiosa pintura del puerto y de los obreros de los muelles. El cierre con “En todas las ciudades”  opera como el broche de cierre adecuado para el primer disco de Memphis.
Musicalmente, el grupo está en gran forma, con una valiosa labor de Villanueva al saxo, la gran voz de Adrián Otero, ronca a la vez que capaz de pasar del lamento a la sorna en un santiamén. El resto, sin desmerecer a nadie, cumple, con algún buen solo de guitarra de Vallejos, mientras la banda empuja e invita al baile. Muy diferente de Manal, Memphis La Blusera retoma de aquél sin embargo las imágenes de ciudad y los suburbios,  antes que sentarse a cantar lugares comunes sobre las minas y el auto; realmente son letras para oír y degustar.
Una rara avis total dentro del panorama argento de esos días, que se estaba dividiendo entre punk, heavy y pop en cualquiera de sus variantes, Memphis La Blusera fue sin embargo un ensamble musical absolutamente necesario para que la grilla rockera argentina no estuviera incompleta. Y Alma bajo la lluvia se constituyó por merito propio en el gran debut de este grupo".
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Memphis La Blusera en 1981


Integrantes:

Adrián Otero: Voz
Eddy Vallejos: Guitarra
León Almará: Guitarra, armónica
King Alfano: Guitarra rítmica, coros
Emilio Villanueva: Saxo tenor
Gustavo Villegas: Piano, órgano, Rhodes
Daniel Beiserman: Bajo, contrabajo, voz, coros
Raúl Lafuente: Batería

Temas:

01- Moscato, pizza y fainá
02- Alma bajo la lluvia
03- Boogie mama
04- El trepador
05- Blues De Las 6 Y 30
06- Lo Mismo Boogie
07- El Estibador
08- En Todas Las Ciudades


Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits


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1 de noviembre de 2024

B.A.Rock '82 - Varios Artistas (FLAC -1983 / Reedición 2003)

 

Uno de los discos mas solicitados en la nave, llega ahora en formato FLAC. Gentileza del navegante Pedro Rock, que comparte con nosotros la única reedición que hubo hasta ahora de este histórico evento, publicado por Página 12 en 2003. Un material descatalogado y muy dificil de conseguir, que ahora podremos disfrutar con óptima calidad de sonido gracias al aporte de Pedro Rock.

Este importante documento fue registrado durante cuatro sábados de noviembre , en el transcurso del festival B.A.Rock '82, realizado en las canchas de Obras Sanitarias, en Buenos Aires. El festival se llevó a cabo en los años 1970, 1971 y 1972, y recién en noviembre de 1982 se concretó su cuarta edición. En esta oportunidad, participaron gran cantidad de músicos que se habían presentado en la época fundacional y compartieron el escenario con los intérpretes más importantes de las nuevas generaciones. En las cuatro ediciones de B.A.Rock participaron la mayoría de los músicos que generaron, mantuvieron y desarrollan el movimiento de rock en el país. De algún modo, esta grabación es la síntesis de ese extendido proceso artístico que, indudablemente, tiene un importantísimo lugar en la historia del arte popular de la Argentina.


El B.A.Rock '82 representó la consolidación de este género musical en el país. Ese 1982 quedó en la historia del rock nacional. La Guerra de Malvinas y la prohibición de pasar música en inglés en las radios le dieron cierta popularidad a nuestro rock. Para noviembre de ese año, y a lo largo de cuatro sábados (6-13-20 y 27), Daniel Ripoll, director de la revista Pelo, volvió con sus festivales B.A. Rock (Buenos Aires Rock), esta vez a las canchas del estadio de Obras Sanitarias.
Grandes figuras del rock nacional pasaron por ese escenario a lo largo de las jornadas. León Gieco, Raúl Porchetto, Spinetta Jade, Litto Nebbia, Pedro y Pablo, Héctor Starc, David Lebon, Piero, Riff, Cantilo & Punch, Tantor, Rubén Rada, Los Abuelos de la Nada, Zas, Alejandro Lerner, Orions, V8, La Torre, entre otros, fueron los más esperados por el público. También fue la oportunidad de presentación para nuevas bandas como Los Encargados (accidentada presentación) y Demo, con un joven Ricardo Mollo en la guitarra. En la presentación de Tantor (Starc, Lebon, Rafaneli y Moro) apareció de forma sorpresiva un elefante entre el público. “Fue una idea del productor Oscar López. Fue a un circo, lo alquiló y lo paseó entre la gente. Nos dejaron de escuchar a nosotros para ver al animal”, destacó Starc.
En cada una de las cuatro fechas se mantuvo un buen nivel musical. Cada sábado, un artista reconocido era el encargado de cerrar. También, fue un encuentro de distintos estilos sobre el escenario. La gente, en su mayoría con una imagen con resabios de la época hippie (pelo largo, jean, vinchas, símbolos de la paz) disfrutó de la buena música. La dictadura le fue dejando lugar a la democracia y miles de jóvenes tuvieron la posibilidad de disfrutar de otra manera este tipo de eventos.
En 1972, durante la edición de B.A. Rock III, se realizó una película que se estrenó bajo el nombre “Rock hasta que se ponga el sol” y contó con la dirección de Aníbal Uset. Para esta ocasión, se volvió a filmar a los principales artistas, pero en esta ocasión, bajo las órdenes del director de Héctor Olivera.

"Si hay algo que inmediatamente forzará la comprensión del oyente es que difícilmente un álbum pueda volver a reunir en sus bandas un espectro de músicos y estilos tan importantes y dliferentes. "B.A.Rock" es la resultante de las cuatro actuaciones realizadas durante noviembre del año pasado; y durante las cuales desfilaron antela multitud la mayoría de los grupos y solistás que caracterizan el amplicimo catálogo que se da en llamar "rock nacional". Este.álbum representa la captación de un hecho histórico. que además se vio consolidado por las diferentes combinaciones y uniones de personal logradas por única vez: Muy dificilmente Piero, Gieco, Cantilo y Porchetto vuelvan a ocupar juntos un escenario, y otras uniones eventuales hacen pensar en la posiblídad de que aparezca un segundo volumen de estos conciertos en vivo.
El sonido de este álbum no es perfecto, pero al menos conserva la atmósfera festiva que tuvieron las presentaciones. Ese clima. esa energía están patentizadas en cada una de las bandas, desde que Rada arranca con su clásico histrionismo hasta el gran final de "Sólo le pido a Dios". Las interpretaciones de este álbum doble pueden ser catalogadas como los grandes éxitos, por los clásicos, excepto por dos excepciones. La primera es La Torre, una banda con una potencia y un sonido compactó capaz de hacer tambalear a más de un "clásico". Patricia Sosa reafirma todo lo que se viene diciendo de su capacidad como cantante, toda la banda suena aguerrida y confiada. La otra excepción es Zas, un grupo relativamente nuevo que sin demasiado ruido ha ido afirmandose y puliendo su propuesta musical. "En la cocina (huevos)" es una pequeña pero contundente muestra del poderío de este cuarteto, que aquí contó con el refuerzo vocal de Miguel Cantilo. El resto son recreaciones de temas conocidos pero remozados por el calor de la actuación. Riff hace una feroz versión de "Mundo nuevo" y sus seguidores seguramente enloqueceran ante la posiblidad del próximo disco en vivo. Porchetto canta su himno a la paz y Gieco, por fin, grabó su tema nuevo.
"B.A.Rock" es un fiel testimonio de lo ocurrido durante las cuatro jornadas del festival, y seguramente, el tiempo lo ascenderá a la categoría de documento histórico de la música."
Revista Pelo - Reseña del álbum (1983)




 Temas e Intérpretes:

01- Blumana / Rubén Rada
02- Colapso nervioso / La Torre
03-Los sueños de la cultura / Cantilo y Punch
04- Hasta que salga el sol tocando en una banda de rock'n'roll / Orion's
05- Mediodías con amor / Alejandro Lerner y La Magia
06- Mundo nuevo / Riff
07- Coplas de mi país / Piero
08- El loco carnaval del estar bien / Pedro y Pablo
09- Llanto / Claudia Puyó
10- En la cocina (Huevos) / Zas
11- Canción de los plomos / León Gieco
12- Nueva zamba para mi tierra / Litto Nebbia
13- Algo de paz / Raúl Porchetto
14- Solo le pido a Dios / Gieco-Porchetto-Cantilo-Piero
 
 
Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits
 

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20 de septiembre de 2024

V8 - Luchando Por El Metal (FLAC - 1983)



Por fin aborda la nave esta legendaria banda del metal argentino. El motivo de la demora se debía a mi obsesión de encontrar el material en verdadero formato de alta calidad. Hoy, gracias al aportazo del amigo navegante Claudio (DRF Metal Rec), que ripeó este álbum personalmente, podemos disfrutar de esta banda pionera del heavy metal de los 80.
Fundada en 1979 por Ricardo Iorio y Ricardo Moreno, es una de las agrupaciones más emblemáticas e influyentes del heavy argentino. Su álbum debut publicado en 1983, Luchando por el metal, de escaso éxito en su época, ganó valor simbólico con el tiempo, llegando a ser una de las influencias más destacadas del género, e incluso es considerado como uno de los mejores álbumes del rock argentino.
Muchísimas gracias Claudio por compartir este material con la calidad que merece!!! (Y habrá algo mas de V8 en el futuro...) 
 
Luchando Por El Metal es el álbum debut de la pionera banda argentina de heavy metal V8, publicado el 10 de abril de 1983 por el sello discográfico Umbral. Este disco resulta ser el más importante de la banda, ya que es el que los dio a conocer, y que, junto a Riff, los transformó en los máximos exponentes del heavy metal argentino de principios a mediados de los 80s.
Previamente, V8 se habían presentado en el festival B.A. Rock, a fines de 1982, donde varias canciones de este disco fueron presentadas en vivo; al mismo tiempo la banda había registrado un demo por medio de Pedro Leontjew, su primer mánager, en el estudio El Jardín. La cinta contenía "Asqueroso cansancio", "Vomitando heavy metal", "Maligno", "Hiena de metal", "Juicio final", "Parcas sangrientas" y "Voy a enloquecer". Cabe señalar que "Maligno" permaneció inédito hasta su recopilación en la caja Antología del año 2001, mientras que "Juicio final", "Vomitando heavy metal" y "Asqueroso cansancio" fueron reescritos y regrabados para sus siguientes discos. Este álbum se gestó y publicó en tiempos convulsos en la Argentina post-Malvinas, antes del retorno a la democracia en el país, durante los últimos meses del Proceso de Reorganización Nacional, lo que se deja entrever en algunas de las letras.
Las canciones más populares del álbum son "Destrucción", "Brigadas metálicas", "Muy cansado estoy" y, con la participación de Pappo, "Hiena de metal". No obstante la idea original era usar el sonido de un motor V8 para la intro de "Destrucción", al no encontrar el automóvil adecuado, fue usado el de un Torino, grabado por el bajista Ricardo Iorio en un garaje que estaba a la vuelta del estudio.
En 1992, Radio Trípoli lo reedita en CD, junto al resto de la discografía de la banda, mientras que junto con Un paso más en la batalla, fue lanzado en edición limitada en vinilo en 2012 en Europa, por el sello español Beat Generation.

"Este prologo es necesario para entender quienes eran V8 en sus comienzos. Un cuarteto irritable en vivo, y enojado en sus canciones. Y creo entender que eran realmente auténticos, no una pose ni una imagen prefabricada, a diferencia de Riff cuya imagen fue deliberadamente elegida para romper con el rock que se hacía en Argentina, inclusive con Pappo’s Blues. Porque V8 tenía más que ver con el  barrio obrero; y lo que el punk hizo en Londres, acá lo hizo el heavy metal, empezando por V8. Letras reivindicativas, sociales y recriminadoras, y una música furiosa.
Si bien V8 venía desde 1980, la formación que grabó el primer LP se estabilizó en 1981. El  show de BARock (1982) donde se trenzaron a puteadas con el público que los abucheaba y revoleaba naranjazos, de algún modo les hizo mayor publicidad. Tanto Iorio como Zamarbide habían trabajado como plomos de Dr. Rock y Dulces 16, respectivamente. Esto les hizo ver el ambiente y, entre otros, conocer a Pappo, quien les dio una mano tanto para presentarse con ellos, como para llegar al disco.
Antes de BARock, hubo alguna nota donde expresaban su mal humor social. Para Iorio, V8 era “un autentico grupo de metal pesado”, y en cuanto al mensaje, “no nos queremos poner en profetas, pero tampoco podemos dejar de hablar un poco de lo que nos pasa. Nos suceden las mismas cosas que a cualquier tipo, sabemos cómo se siente, y queremos que ese tipo vaya a un recital nuestro y se descargue”. Zamarbide hablaba en el mismo sentido: “queremos que la gente reciba toda la energía que podemos darle. Claro que el recital es una forma de canalizar la energía, pero hay que hacerlo en forma inteligente, para que después no digan que somos unos tarados que no entendemos nada”. Años después, el mismo Zamarbide, hablando del show en BARock, recordaba que increpó a uno del público que se la había agarrado con Iorio: “Me raye y le dije: ¡Vení, hippie de mierda, subí acá que te reviento! ¡Y justo me acordé que eso estaba saliendo en directo por la radio! Se armo un quilombo, pero nos cagábamos en todo, no nos importaba nada”.
Y así llegamos a Luchando por el metal, el álbum debut de V8. Y apropiadamente, también debe decirse que es el primer álbum genuinamente de heavy metal hecho por una banda argentina. Lo primero que debo reconocer (afortunadamente) es que el desorden que les vi en directo, no se refleja  en el disco. Luchando por el metal es un gran álbum, y definitivamente rompe aguas en su género en el país; un LP que debe mucho (quizás muchísimo) a la labor de Osvaldo Civile en la guitarra.
Musicalmente hablando, Luchando por el metal es variado, pero recicla de alguna forma las diferentes variantes metaleras del momento, lo que por el otro costado lo pone como previsible, ya que  bastante del material tiene las ondas del trash y del speed metal que se oían en grupos ingleses o americanos. Grabado en un estudio regular, a pesar de disponer de algún equipo o instrumento prestado para sonar mejor, el sonido final no es gran cosa y contribuye a que el cuarteto no consiga lo mejor de sí mismo. Pero las nueve canciones, que en conjunto no alcanzan la media hora, son una amalgama de música hecha para desatar esa energía de la que hablaban. Y dentro de esa amalgama, como decía antes, Osvaldo Civile es la estrella, con muy buenos solos y rítmicas, que elevan la categoría de todo el disco. Por su parte, Alberto Zamarbide no es lo que se dice una voz de amplio rango, pero cumple con lo suyo, aún  perjudicado por el sonido general y una mezcla mediocre. Gustavo Rowek empuja mucho con su batería, y Ricardo Iorio hace lo suyo sin destacar demasiado.
Dentro de un listado de canciones parejas, particularmente me gustan más los dos temas más conocidos, “Destrucción” y “Muy cansado estoy”, que junto “Brigadas metálicas” y “Ángeles de las tinieblas”, son lo más destacable del disco.
Recuerdo que la publicidad de la edición original argumentaba la presencia de Pappo como invitado, pero su participación se reduce a un breve y mediocre solo en “Hiena de Metal”, que es opacado por la interpretación de Civile en el mismo tema.
Del lado de las letras, la cosa venia más pareja. Enojados con la sociedad careta, la onda del “manso y tranquilo” y el mundo en general, no era sorpresa encontrarse con versos que nada tenían de complacencia o corrección política.
Debo concluir entonces que Luchando por el metal es un muy buen LP. No es excelso, pero es lo suficientemente bueno para oírlo y entender a esta banda bastante bardera en el escenario, pero realmente genuina a quienes se podrá calificar de cualquier cosa, menos de caretas”.
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Integrantes:

Alberto Zamarbide: Voz
Osvaldo Civile: Guitarra
Ricardo Iorio: Bajo, voz
Gustavo Rowek: Batería

Músicos invitados:

Pappo: Guitarra en “Hiena de metal”
Marcelo Vitale: Teclado en “Si puedes vencer al temor”

Temas:

01- Destrucción
02- Parcas sangrientas
03- Si puedes vencer al temor
04- Ángeles de las tinieblas
05- Tiempos metálicos
06- Muy cansado estoy
07- Brigadas metálicas
08- Torturador
09- Hiena de metal


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23 de agosto de 2024

Litto Nebbia y Los Músicos Del Centro - En Vivo en Obras 1982 (FLAC - 1983)

 

 
Mucho tiempo pasó desde la útima vez que publiqué un disco en vivo oficial de alguno de nuestros artistas. No son muchas las producciones de este tipo de álbumes en nuestro país, dado el costo y la limitaciones técnicas que significaban para nuestros músicos lograr un producto de buena calidad décadas atrás. Por eso es valorable cada uno de estos escasos registros que dan cuenta de momentos artísticos únicos e irrepetibles. El caso de Litto Nebbia y Los Músicos Del Centro es uno de ellos. Grabado en en el mítico estadio Obras, en un año muy doloroso para nuestro país. Litto conmueve (una vez mas) desde el escenario con canciones que llegan al alma, acompañado por el virtuosismo de Los Músicos Del Centro.

"La música que contiene este disco es solamente 39 minutos de la que interpretaron Litto & Los Músicos del Centro durante más de dos horas en el estadio Obras Sanitarias la noche del 11 de diciembre de 1982. Este LP está dedicado a la gente que no puede parar".
"Habitualmente, los recitales en vivo se hacen con grandes éxitos. Acá grabamos casi sin red. Ese mismo día estrenamos las canciones, que con el tiempo se hicieron muy populares. Suena muy bien, como si el material fuese viejo."
                          Litto Nebbia
 
"Litto Nebbia cerró su ciclo de actuaciones de 1982 en Capital Federal con un concierto en el estadio Obras titulado "Canciones para conocernos mejor" Acompañado por Oscar Moro, Los Músicos del Centro y una gran cantidad de invitados (Facundo Cabral, un músico que debería ser rescatado por el rock, Alejandro Del Prado y Bernardo Baraj, entre otros), Nebbia mostró un repertorio compuesto en su amplia mayoría por temas de reciente producción. Según sus propias palabras, en el show hubo un "ochenta y tres por ciento" de material inédito. Estas canciones serán editadas en poco tiempo más ya que el concierto fue grabado en vivo. Los nuevos temas de Nebbia siguen la línea de los conocidos en sus últimos discos, con una temática directa y una marcada tendencia hacia lo latino en el ritmo. Canciones como "Tengo un rock'n'roll en mi cabeza" dejaron traslucir una intención de brindar un mensaje comprensible y una propuesta musical directa y efectiva. Y si bien por momentos algunas de sus composiciones rozan peligrosamente lo tedioso, en la mayor parte del concierto apareció su talento como compositor e intérprete. Así lo reconoció la gente cuyo promedio de edad era significativamente menor que el habitual entre el público de Nebbia, que aplaudió con calidez al final de cada tema.
Los músicos que acompañaron a Nebbia en este concierto brillaron, tanto individual como colectivamente. Los Músicos del Centro funcionan con la precisión de una máquina de relojería y técnicamente son todos irreprochables. Oscar Moro, por su parte, tuvo una feliz reaparición ante el público con un avasallante trabajo percusivo. Litto Nebbia, en tanto, reafirmó sus dotes de tecladista y cantó afinadamente con su ya característico régistro. El pico más emotivo del recital fue cuando Nebbia -guitarra en mano- hizo a coro con el público una buena versión de "Sólo se trata de vivir", uno de los mejores temas que compuso en los últimos tiempos. En síntesis, entre sus clásicos monólogos al final de cada tema y entre los también ya clásicos pedidos de temas como "La balsa", Nebbia redondeó una buena actuación que sirvió para ratificar el excelente momento que atraviesa su carrera, la fidelidad del público que lo sigue y el brillante nivel de los músicos que lo acompañan".
 
Revista Pelo - Crónica del concierto en Obras (1983)
 
 

 
Integrantes:

Litto Nebbia: Teclados, guitarras, canto
Mingui Ingaramo: Guitarras, teclados, coros
Juan Carlos Ingaramo: Teclados, coros
Oscar Feldman: Saxos, flautas
César Franov: Bajo eléctrico
Oscar Moro: Batería, percusión

Músicos Invitados:

Bernardo Baraj: Saxo tenor en "Tierra, viento & fuego" y "El secreto de la vida"
Pelusa Navarro: Teclados en "Los locos de B. Aires" y "El secreto de la vida" / Acordeón en "Cuando yo me transforme"
Alejandro del Prado: canto en "cuando yo me transforme" y "Los locos de B. Aires" / Coros en "El secreto de la vida"
 
Temas:

01- Tengo Un Rocanrol En Mi Cabeza
02- Sólo Se Trata De Vivir
03- Tierra, Viento & Fuego
04- Cuando Yo Me Transforme
05- Nueva Zamba Para Mi Tierra
06- Me Gusta Cuando Juegas
07- Los Locos De Buenos Aires
08- El Secreto De La Vida
 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits


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5 de julio de 2024

Alas - Pinta To Aldea + Bonus (FLAC-1983) Remaster. 2022

 


Pinta tu aldea es el segundo álbum de Alas. La agrupación estaba formada en ese momento por los integrantes originales Gustavo Moretto en teclados y Carlos Riganti en batería, mas la incorporación de un jovencísimo Pedro Aznar en bajo y sintetizador, en reemplazo de Alex Zucker. Grabado en 1977, el disco recién salió a la venta en 1983, cuando la banda llevaba ya cinco años separada.
 
Este álbum se caracterizó por su orientación hacia géneros como el jazz y el tango mezclado con el rock progresivo. Esto se debió principalmente al compromiso de Gustavo Moretto con la música tradicional de Buenos Aires. Ya anteriormente en 1976 participó como músico invitado en un show tanguero ofrecido por Atilio Stampone en el teatro del Carmen, donde estuvo a cargo de los sintetizadores y donde también tuvo la oportunidad de tocar con Alas y una orquesta que interpretó «Pinta tu aldea». Fue esta misma canción, tomada de una cita atribuida a León Tolstói "pinta tu aldea y serás universal", la que terminó por darle nombre también al disco, que no fue lanzado oficialmente hasta 1983, a pesar de haber sido producido y grabado en 1977. El álbum también fusionaba estilos musicales como el jazz, influencia aportada por Moretto por su participación en bandas de jazz-rock como Alma y Vida, cuando era joven, como también folclore tradicional argentino y el candombe.
Fue el último trabajo editado por la efímera banda. Al ser publicado recién en 1983 el álbum no alcanzó las expectativas en ventas, en parte por su sonido de rock fusión con el tango (que tuvo su auge en la década de los 70) y por haber sido lanzado cinco años después de la disolución oficial de Alas, cuando el panorama musical argentino había cambiado considerablemente.

"El segundo disco de Alas, ‘Pinta Tu Aldea’, requiere de una "mirada de Jano" para ser apreciada y evaluada oportunamente, pues se trata ciertamente de un disco “bicefalo”. La entrada del joven y muy talentoso bajista Pedro Aznar ayudo a capitalizar el empuje masivo de la seccion ritmica, asi como a proporcionar un mayor dinamismo a la vision musical de Moretto, el compositor principal de la banda: el hecho de que Aznar fuera desde su juventud un musico ingenioso y versatil explica por que se sintio tan comodo en aportar intervanciones adicionales de sintetizador y flauta dentro del entramado sonoro de Alas. ‘A Quienes Sino’ es posiblemente la mejor y mas explosiva pieza de toda la historia del grupo. Se inicia con una introducción de mas de 3 minutos basada en capas flotantes de sintetizadores, casi cosmicas, adornadas con elegantes lineas de flauta y trompeta. Cuando finalmente viene el motif principal, el grupo irrumpe con suma energia, creando un progresivo melodico fuertemente alimentado por el fuego de la fusion bajo las pautas marcadas por los teclados de Moretti - algo parecido a lo que Patrick Moraz hizo en Refugee y en sus dias en Yes. Tambien me suena afin a lo que M.I.A. hacia en sus momentos mas agresivos, solo que Alas pone aun mas polenta al asunto. En fin, este tema hace circunvalaciones sobre motivos recurrentes de manera solida y fluida. Luego viene el tema homonimo, mas empapado de aires arrabaleros de tango, lo cual nos puede remitir parcialmente a la primera suite del album debut (‘Buenos Aires es Solo Piedra’): a pesar de que hay un fuerte predominio de los aires de jazz-fusion y tradición tanguera, aun se nota vibrante la fuerza del progresivo de un modo semejante al de la pieza precedente. El interludio de piano electrico funciona como una brisa fresca de introspeccion, creando asi un logrado contraste con el energico (y muy tanguero) motivo central.  
Desafortunadamente, tras la pieza homonima llegamos a un estado de aborto de la gloriosa gestacion que se estaba preparando. La partida del baterista Riganti no fue sucedida por un reemplazo de turno, por lo que el grupo empezo a funcionar sin una seccion percusiva, lo cual altero el desarrollo potencial del repertorio restante. Ahora las cosas se ponen mas notoriamente etereas, se sienten incluso un poco mas “libres”, por asi decirlo, en relacion con las expansiones que se desatan a partir de ciertas ideas melodicas basicas, pero el ensamble en si ya no tiene un orden, carece de un esquema nuclear que ayude a explotar las ideas de una manera satisfactoriamente efectiva. Lo que parece quedar claro es que Moretto y Aznar se sentian seguros de poder seguir el sendero musical trazado sin una seccion ritmica propiamente dicha. Y dicho sea de paso: las ideas musicales contenidas en ‘La Caza del Mosquito’ y ‘Silencio de Aguas Profundas’, son excelentes, portando una magia peculiar, producto de un ahondamiento en el jazz fusion y el tango. Pero tambien parece ser cierto que la musica supera el poder de control de los musicos, lo cual lleva a una falta de consistencia dificil de esconder: un ejemplo de ello esta en los pasajes de bossanova de ‘La Caza del Mosquito’, los cuales hubieran recibido un beneficio adecuado de parte de una seccion de haber existido esta. Estas dos piezas deben ser apreciadas principalmente como ambientes sonoros, y no como las dos primeras piezas, que son sendos prodigios de melodia, ritmo y ambiente.
A pesar de estas observaciones y reservas, “Pinta Tu Aldea” merece una valoracion positiva por lo que debio haber sido – una obra magna del rock progresivo-fusion de Argentina. Este segundo disco de Alas se quedo en un disco tan bonito como irregular, brillante como un sol en sus momentos mas fulgurantes".
Cesar Mendoza
 
 

 

 Integrantes:

Gustavo Moretto: Teclados, sintetizadores, flauta, trompeta, percusión
Pedro Aznar: Bajo, guitarra acústica, sintetizador, flauta
Carlos Riganti: Bateria, percusión (Temas 1 y 2) 

Músicos Invitados:
 
Cecilia Tanconi: Flauta (Tema 3)
Daniel Binelli: Bandoneon (Tema 2)
Nestor Marconi: Bandoneon (Tema 4)
 
Temas:
 
01- A Quienes Sino
02- Pinta Tu Aldea
03- La Caza del Mosquito
04- Silencio de Aguas Profundas 
 
Bonus Tracks:

05- Live session (En vivo)
06- Buenos Aires solo es piedra (En vivo) 
07- La Caza Del Mosquito (En vivo)
08- Pinta Tu Aldea (En vivo)
 
 
Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits
 

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8 de marzo de 2024

Spinetta Jade - Bajo Belgrano (Vinilo FLAC - 1983)

 

 
"Este disco es bien porteño... Interviene ese río tan perlado que nos ha dado una añoranza tremenda, una permanente melancolía. Yo soy de ahí, y siento esa realidad del bajo que ahora está mezclado con tanta muerte que hubo injustamente en la Argentina".
Luis Alberto Spinetta
 

“Bajo Belgrano es el tercer álbum de estudio publicado en 1983 de Spinetta Jade. Ahora los integrantes cambiarían por César Franov, reemplazando a Frank Ojstersek en el bajo, y Diego Rapoport (teclados), se terminaría yendo. El grupo se completó con el propio Spinetta (guitarra y voz), Leo Sujatovich (teclados), y Pomo Lorenzo (batería). De este modo la banda deja de tener dos teclados, un elemento esencial que había caracterizado el sonido de Spinetta Jade en sus primeros dos álbumes, y pasaría a ser un cuarteto. En este álbum el sonido de Spinetta, atenúa la influencia del jazz que venía dominando la música de Spinetta desde 1976, y se vuelca más hacia el pop, retomando también algunos elementos del tango. La presentación oficial sería junto al sexto trabajo solista de Spinetta, Mondo di Cromo, el 3 de diciembre de 1983, en el Teatro Coliseo.
El primer track ya nos enseña el sonido general de la banda, mencionando el nombre del disco, y generando un clima sobre una atmósfera en movimiento constante. Mas adelante con un potente ritmo funk, nos encontramos en medio de “Vas a Iluminar la Casa”. Se destaca por sus sonidos variados, y su bajo percutido. Un fade out nos aleja hasta llegar a “Maribel se Durmió”, que tiene unas melodías vocales verdaderamente indiscutibles para recordar. Cierta nostalgia atraviesa los agudos, hasta las notas de reposo, aunque no pareciera tener una conclusión concreta. Canción dedicada a Las Abuelas de Plaza de Mayo. El piano nos envuelve a continuación, para presentarnos “Vida Siempre”. Una balada jazz en compás ternario que gira en torno al ensamble generado por el fretless, y la batería. Unos considerados solos entre las teclas, y la guitarra nos llevan de viaje por pasajes inconmensurables. La suavidad del flaco al cantar, inunda de majestad la canción.
Ahora un sintetizador abre “Ping Pong” exponiendo una improvisación contundentemente rítmica, y llena de compases impredecibles. La ejecución de gran nivel se ve reflejada tanto en las bases armónicas, como melódicas. Un encanto de virtuosismo, seguro. Y casi como una continuación, entra “Mapa de tu Amor” destilando la clásica poesía,que solo un compositor versátil puede ofrecer. El solo de teclado, irrumpe en medio de las estrofas y estribillo. Una serie de ricos sonidos percusivos, acompañan hasta su inevitable final, que va desapareciendo poco a poco. Por eso, “Resumen Porteño” no duda en comenzar inmediatamente, expresando palabras sobre los jóvenes y desaparecidos por la última dictadura cívico-militar (1976-1983). Un tema elegido para cerrar el histórico recital gratuito en las Barrancas de Belgrano, organizado por el nuevo gobierno democrático.
Sigilosamente, se nos introduce “Era de Uranio”, con infinitas cadencias armónicas del pianista. Extenso y necesario preámbulo, para las bellas eufonías que sostienen cada una de las inspiradas frases cantadas. “Cola de mono” levanta el tempo con ímpetu, relacionada con la bebida chilena, hablándole a una mujer. Pareciera haber un ritmo muy parecido al twist. Ahora adentrándonos prácticamente en el final, el tarareo de la voz con los acordes y arpegios, solo nos llevan hacia el groove potente de las baquetas golpeando la batería: “Viaje y Epílogo”. La continuidad de la vida, y el impulso a seguir en movimiento, trasciende para concluir la travesía lograda sabiamente en un épico final.
Tanto la portada, como sus canciones, aluden reiteradamente a los horrores de la dictadura, los desaparecidos, y la esperanza que abría la democracia en ese año. El sonido del álbum, confirma la línea de evolución iniciada en el LP anterior, (Los niños que escriben en el cielo). Se sigue buscando un sonido pop y menos complejo, sin descuidar la calidad, y las novedades tecnológicas. Al mismo tiempo, se retoman sonidos fusionados con el tango, recordando líneas que ya había explorado en los primeros temas de Almendra, y en El Jardín de los Presentes de Invisible. En palabras del flaco, “El disco es bien porteño. Precisamente, al momento de morir, Spinetta dejaría establecida su voluntad de que sus cenizas fueran arrojadas al Río de la Plata, en el Bajo Belgrano, al lado del lugar en el que se encuentra el Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado".

Jerson Ricardi (nacionprogresiva.wordpress)
 
 
 

"Desde mi niñez, cuando con mi padre íbamos caminando hasta el río, se siguen produciendo dentro de mi todas las emociones y las pasiones provenientes de la profunda actividad de este enorme lugar de agua dulce, que aunque lo intente no puede doblegar su instinto de evolución hacia un más vasto océano... Es entonces importante para mí expresar que la música del Río de la Plata es aquella respuesta inmediata y sin concesiones que se antepone a las diferencias entre los pueblos, las lenguas, los credos. Yo soy de ahí y siento esa realidad del Bajo que ahora está mezclado con tanta muerte que hubo injustamente en Argentina. Además, desde su poesía, la música del río de la Plata ha resistido la injusticia tantas veces inscripta en nuestros pueblos, dibujando la voz de las almas que deambulan por sus orillas".
"En realidad yo compuse “Maribel” acompañando la convalecencia de Valentino. Yo le silbaba la Novena Sinfonía de Beethoven y de ahí surgió la melodía de la canción. Mientras la tarareaba fui llegando a la conclusión de que si a Valen le pasaba algo malo, yo iba a tener que seguir cantando esa melodía, que no iba a llorar toda mi vida. Probablemente eso sea sólo una teoría, pero la letra tiene ese sentimiento: “canta tus penas de hoy”. Este trasfondo me motivó a dedicarle el tema a las Madres de Plaza de Mayo para que no llorasen a todos los seres que desaparecieron, sino que les cantasen".
Luis Alberto Spinetta (sobre Bajo Belgrano) 
 
 

 

Integrantes:

Luis Alberto Spinetta: Guitarra, voces
Leo Sujatovich: Piano Yamaha acústico y eléctrico, Piano Rhodes, Prophet V, Synergy
César Franov: Bajo con y sin trastes
Héctor "Pomo" Lorenzo: Batería

Músico invitado:

Osvaldo Fattoruso: Percusión en Ping Pong, Mapa de tu amor y Vas a iluminar la casa

Temas:

01- Canción de Bajo Belgrano
02- Vas a iluminar la casa
03- Maribel se durmió
04- Vida siempre
05- Ping pong
06- Mapa de tu amor
07- Resumen porteño
08- Era de uranio
09- Cola de mono
10- Viaje y epílogo
 
 
Muestra Gráfica De La Grabación


Ripeado De Vinilo
 
Formato FLAC (Free Lossless Audio Codec) 48.000 Hz / 16 Bits


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