Almendra - En Vivo en el Teatro Del Globo (FLAC - 1969)

 

"Debutamos en Buenos Aires en el Instituto Di Tella en el mes de marzo de 1969. Unos días después, el 7 de abril, hicimos nuestra segunda presentación en el Teatro Del Globo. Lo dirigía María Luisa Bemberg. Iniciábamos un ciclo en el que también participaban La Cofradía de la Flor Solar y otros grupos importantes.
Esa noche , blandiendo un Philips de cinta abierta apareció por la puerta del teatro Amadeo Alvarez, cantante del grupo In y cálido amigo. Apoyó simplemente el grabador sobre las tablas del escenario y registró nuestro segundo concierto en vivo..."

Almendra

 

"...De ese primer recital en el Di Tella no quedó ningún registro visual ni sonoro. No eran épocas en que grabar conciertos fuese algo usual. La fecha del Teatro del Globo (cuya directora por entonces era María Luisa Bemberg) era la primera de un ciclo en el cual, entre otros, iba a tocar también La Cofradía de la Flor Solar. Esa noche apareció en el teatro Amadeo Álvarez, cantante de Los “In”, una banda beat que por entonces la había pegado. Álvarez era amigo, y cayó sin consultar con un grabador Philips de cinta abierta. El aparato era una rareza en esa época. Lo colocó sobre el escenario y puso rec. La cinta capturó todo el concierto de esa banda de principiantes en sonido ambiente. Después nadie más supo nada de esa grabación. Tampoco hubo mucho tiempo para ocuparse de ella; los dos años que siguieron a esa noche fueron meteóricos: sesiones de grabación, lanzamientos, dos álbumes y varios simples, recitales y reviente. Ascenso, auge y separación. Para fines de 1970 Almendra ya había hecho historia y también se había separado.

“Años después, Amadeo le regaló esa grabación a Litto Nebbia”, contó García mucho tiempo más tarde. “Un día me llamó y me dijo `tengo una grabación que es impresionante´. Yo ni me acordaba que existía, y escucharla fue increíble. Después se filtró por algún lado y empezó a circular en forma pirata”. Dicen que el pirata de ese concierto era lamentable. Copia de copia de copia de algo ya de por sí grabado al voleo. En el año 2004, el diario Página 12 editó la cinta junto a Almendra y la convirtió en un cd. La grabación sigue siendo precaria, lógicamente. Pero funciona. En la hora y pico que dura, se llega a apreciar muy bien el ambiente que generaba la banda en vivo en ese momento previo al estallido. Hay algo íntimo en ese clima, un orden y una disciplina rara para el rock y para la edad de los músicos. También tiene algo de sesión de jazz que se escapa del formato “recital de rock” ya estatuido por aquella época. Ni hablar de lo que hoy pensamos como show. No hay protagonismo del público ni quilombo sonoro. Y, aunque incluye el que posiblemente sea el peor solo de batería de la historia, además la grabación contiene varias canciones de Almendra que quedaron afuera de los discos como Continuación del hielo en la ciudad, Mosca muerta, Vine al planeta y Chocolate. Respecto de esta última, Spinetta mencionó: “Esa canción la hice junto a mi novia de aquel entonces, Cris, quien me ayudó con la letra. Estábamos muy enamorados, podíamos pensar casi igual. Se nota la influencia de las lecturas de Cronopios, de Julio Cortázar, y, por sobre todo, los 19 años”.

Cuando salió el disco, en 2004, Spinetta dio una nota. Refiriéndose a la grabación dijo lo siguiente: “Pareciera estar marcada para siempre. `Voy a conquistar a las naranjas… voy a ser las flores y las sillas´, comienza diciendo una letra. Es increíble lo vigente que está en el pop en castellano una frase tan inocente como ésa. Luego agrega: `Voy a hacer poner el sol temprano, las estrellas se pondrán contentas´. Hay una búsqueda poética que por momentos no repara en redundancias, también admitámoslo, pero esas partes son las menos de un todo coherente de lirismo y emoción”. 

De ese año 69, de esa explosión que fue la primera época de Almendra, Spinetta contó: “No me acuerdo de nada, excepto de la sensación de entrar en el vértigo de crecer, como nos pasa a todos en esa etapa de la vida”. En el librito que viene con el disco los Almendra escribieron que se trataba de “un grupo de muchachos en estado de ensoñación musical y energía inconsciente”. En esas declaraciones hay un tono general de inconsciencia respecto del momento aquel. Sin duda, ninguno ellos sabía el significado de lo que estaban por hacer como banda. Seguramente la historia sucede casi siempre así, de manera más o menos inadvertida. En El Globo, esa noche de hace cincuenta años, todo eso que finalmente sucedió estaba apenas germinando".

Tomás Richards (revistapaco.com)

 

 

 

Integrantes:

Luis Alberto Spinetta: Guitarra, voz
Emilio Del Guercio: Bajo, voz
Edelmiro Molinari: Guitarra, voz
Rodolfo García: Batería, voz

Temas:

 

Los temas 3, 9 10, 11, 14, 15 y 16 nunca fueron grabados por Almendra oficialmente.

01- Gabinetes Espaciales
02- Tema de Pototo
03- Hombre de Luz
04- Campos Verdes
05- Que el viento Borró tus Manos
06- Plegaria para un niño dormido
07- Hoy todo el hielo en la ciudad
08- Fermín
09- Para que me sigas
10- Continuación de hoy todo el hielo en la ciudad (Cristina Bustamante)
11- Chocolate
12- Figuración
13- Ana no duerme
14- Mosca Muerta
15- Vine al Planeta
16- Desde el Alma

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits 

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Pescado Rabioso - En Vivo Teatro Odeon (Bootleg - Julio 1972)

 

 

 Posiblemente este sea el bootleg mas importante y completo de Pescado Rabioso en su primera etapa como trío. Grabado en julio de 1972 en el extinto teatro Olimpia, el grupo presentaba aquí el material de su primer álbum, Desatormentándonos, incluidos los "famosos" temas que quedaron fuera del hoy mítico disco; "Pibe" "Mensaje a las larvas", "Suave nube dama", "La fiebre paranoica" o "Tabla de nada", reflejan la crudeza roquera que Pescado destilaba en aquellas presentaciones.

Nobleza obliga, comentarles de la baja calidad de sonido de la grabación, posiblemente tomado de aire con algún grabador de época. Mi intento de mejorarlo logró apaciguar un poco el "soplido" a cinta. Disfruten igualmente de este valioso testimonio de un momento irrepetible de la música argentina.

"Sin discos, con una difusión limitada casi exclusivamente a un nivel subterráneo, el grupo Pescado Rabioso comenzó formalmente su existencia hace dos meses: el 5 de mayo en el Metro. Algunos recitales posteriores (Don Bosco, La Plata, Metro nuevamente) congregaron a un público desacostumbrado por lo numeroso para las presentaciones de un conjunto nuevo. Lógicamente la presencia de Luis Alberto Spinetta era el elemento de atracción. Con todo, ese no debe haber sido el único motivo para que el viernes 23 de junio algo más de mil personas se reunieran nuevamente (esta vez en el teatro Atlantic) para escuchar críticamente al trío. El público asistente a esa sala ha sido desde los comienzos de su ciclo bastante reacio a brindar acogidas fervorosas o exitistas; sin embargo, la presentación de Pescado Rabioso (sin duda la más ajustada de las cinco realizadas, según propio criterio) generó un clima realmente especial en el teatro: algo pesado, algo poético, algo agresivo había sacudido a los mil que concurrieron a defenestrar o aprobar. La sorpresa fue general. Algunos problemas de sonido en anteriores oportunidades habían disminuido los perfiles sutiles de la música del grupo. Ahora en el pleno -o exacto- manejo de sus condiciones, Pescado Rabioso era el único ajeno a la sorpresa: allí había quedado la bola, el mazacote incendiario que proyectan las letras y las músicas de Pescado Rabioso, claramente delineados y rumbeantes hacia la creación de situaciones revolucionarias. Una actitud no demasiado generalizada en esta etapa del rock argentino, pero seguramente más virulenta y clara que las leves instrucciones de años anteriores. Si bien había certezas con respecto a la renovación de las alternativas musicales de Spinetta, no existía la misma seguridad para recibir a Black (el baterista) y a Bocón (bajista y, ocasionalmente guitarrista). Mientas tanto (una delimitación del tiempo apenas previsora) Black y Bocón parecen haber comprendido todo. Tocan todo lo que necesita tocar hoy Pescado Rabioso. Hay empuje y maduréz en los arreglos (mansamente naturales y —por fortuna— carentes de alambiques). Cuando el "mientras" y el "tanto" sean superados (quizás una cuestión de cantidad de presentaciones) Black y Bocón empezarán a tocarse ellos mismos. Algo que Spinetta viene haciendo desde hace varios años y que probablemente sea el núcleo explotador de su lenguaje expresivo. Desde ahora definitivamente más raspador que terso".

Revista Pelo (Julio-1972)

 

 

 Integrantes:

Luis Alberto Spinetta: Guitarras, voz
Osvaldo "Bocón" Frascino: Bajo, guitarra, voz
Black Amaya: Batería

Temas- Disco 1:

01- Intro (Palabras de Miguel Grinberg al público)
02- Pibe
03- Blues De Cris
04- El Monstruo De La Laguna
05- Mensaje A Las Larvas
06- Dulce 3 Nocturno
07- Me Gusta Ese Tajo

Temas- Disco 2:

01- Mi Espiritu Se Fue
02- Suave Nube Dama
03- La Fiebre Paranoica
04- Zapada (El Jardinero)
05- Tabla De Nada

 

 

 Sonido Mejorado

 

Formato: Mp3 - 160 Kbps

 

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Luis Alberto Spinetta - Tester De Violencia (FLAC - 1988)

 

 

Publicado por Luis Alberto en 1988, Tester De Violencia tiene la particularidad de ser su segunda obra conceptual, según Spinetta, junto a "Durazno Sangrando". La temática principal gira en torno a la violencia en sus diversas manifestaciones. El concepto de "violencia" no se limita a la acción física, sino que se explora en un sentido más amplio, abarcando la violencia social y política, la psicológica y la interpersonal. En cuanto a su estilo musical, Tester presenta una fusión de géneros que consolida una etapa de Spinetta más inclinada hacia el rock experimental, con un sonido bien de los 80 y el predominio de los teclados del Mono Fontana, ensamblados con momentos muy inspirados de la guitarra de Luis. 

 

"Tester De Violencia se grabó promediando 1988 en los Estudios del Cielito, en Castelar, y fue presentado en sociedad el 25, 26 y 27 de noviembre en el porteño Teatro Broadway. Monopolizando casi por completo las composiciones, Spinetta volvía a grabar con una de banda que sabía a un Seleccionado, por la calidad de los músicos. El Mono Fontana, sobreviviente de la última formación de Jade, se hizo cargo de la “usina” que partía de sus sutiles teclados. Mientras que Machi Rufino, viejo conocido de Spinetta en tiempos de Invisible, volvió a mostrar sus credenciales como un sólido bajista. Guillermo Arrom, que provenía de jazz, brilló en este álbum como guitarrista líder, reblando la apuesta con sus solos en las actuaciones en vivo. Mientras que el Flaco dejaba la batería electrónica para sumar a Jota Morelli, que se encargó de “humanizar” a las baterías programadas. Machi Fafuolo fue el “Midi Man” del disco, que contó con los técnicos Gustavo Gauvry y Mariano López.
Con este álbum, el Flaco retornaba después de mucho tiempo a editar una producción con un tema central que atraviese el álbum, con el antecedente de “Durazno sangrando”, de Invisible. Y esta temática estuvo relacionada, en parte, a al asesinato de la abuela y de una tía abuela de Fito Páez, en Rosario. “Se va a llamar Téster de violencia, el título surgió de mi amistad con Fito. Llegué a la conclusión de que, en mayor o en menor medida, todos somos un téster de violencia. Somos el territorio sobre el cual se pone en manifiesto la violencia y a la vez somos el medidor de esa violencia”, dijo en su momento. Con otro antecedente violento, como fue el incendio que sufrió el micro durante un viaje a Córdoba, donde muchos instrumentos quedaron inutilizados y del que se salvaron casi milagrosamente Spinetta y sus músicos, la mayoría de las letras estaban inspiradas en los libros  “Vigilar y castigar” e “Historia de la sexualidad”, ambos de Michel Foucault. "La temática del cuerpo, eje central de Téster de violencia, resulta novedosa para alguien como Spinetta, que durante mucho tiempo le cantó al alma, e incluso bautizó a uno de sus mejores discos como Alma de diamante. Este cambio fue simétrico, además, al hecho de que el Flaco pasó de leer con devoción las obras de Antonin Artaud (para quien el cuerpo es la cárcel del alma) a los textos de Foucault (para quien el alma es la cárcel del cuerpo)”, le explicaba a Eduardo Berti, en “Crónicas e iluminaciones”.
El disco abre con el rockero “Lejísimo” y no tiene el mayor absoluto desperdicio en la decena de canciones que  completan este trabajo, armoniosamente trabajo en sus líricas y en los arreglos. “La bengala perdida”, formado por las canciones “Buscando un amanecer” y “Pictura”, es uno de las más notables del disco y está dedicado a la barras bravas del fútbol, refiriéndose a un “exocet” en referencia con la bengala lanzada desde la tribuna de Boca y que le costó la vida a Roberto Basile, un hincha de Racing. También formaba parte de este disco “El Mono Tremendo”, un potente rock, con coautoría de Pechugo, parodiando al grupo Menudo, integrando por los hijos del Flaco y del fotógrafo Eduardo “Dylan” Martí. Formaban parte de ese combo infantil Dante Spinetta y Emmanuel Horvilleur, que en breve formaron Illya Kuryaki and the Valderramas. Otra bella canción es “El Marcapiel”, con letra de Roberto Mouro, y dedicada “A todo los niños del mundo”. “Tres llaves” y “Al ver verás”, también se suman a los picos elevadísimos que tienen los temas de “Tester”.
El disco tuvo una grata respuesta comercial y también muchas presentaciones en vivo, donde el Flaco se animó a desempolvar y reversionar viejos clásicos, a partir del sonido de la banda estelar que lo secundaba. Spinetta dedicó este disco a Julia, su madre. Vueltas del destino, también se llamaba de esta forma la progenitora de John Lennon. El arte de tapa también iba en sintonía con la temáticas de las canciones, a través de un collage con imágenes de fragmentos de cuerpos realizado por Gustavo Spinetta, el hermano menos de Luis Alberto, y con una fotografía del Flaco en tono rojizo tomada por el Turco Martí".

Edgardo Solano (cronicasyversiones.com)

 

 

 
Integrantes:

Luis Alberto Spinetta: Guitarras, programación, voz
Juan Carlos "Mono" Fontana: Teclados
Guillermo Arrom: Guitarras
Carlos Alberto "Machi" Rufino: Bajo
Jota Morelli: Batería

 

Invitados:

 

Pechugo: Lucas Martí, Dante, Catarina, Valentino Spinetta y Emmanuel Horvilleur: Coros y composición de "El mono tremendo" 

Temas:

01- Lejísimo
02- Siempre en la pared
03- Al ver verás
04- La luz de la manzana
05. El marca piel
06. El mono tremendo
07- Organismo en el aire
08- Tres llaves
09- La bengala perdida
10- Alcanfor
11- Parlante

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Invisible - En Vivo Ciudad de Córdoba (Bootleg -1976)

 

Conciertazo de Invisible llevado a cabo en el Club Juniors de la ciudad de Cordoba, el 20 de noviembre de 1976. La agrupación transitaba ya el ultimo período de su trayectoria, transformándose en cuarteto, con la incorporación del guitarrista Tomás Gubitsch. La presentación abarca musicalmente todas las etapas de Invisible e incluye un par de perlitas como la versión de "Amor de primavera" de Tanguito, y la temprana interpretación de "Covadonga", un tema instrumental que Luis tocaría con fecuencia en su siguiente etapa con Banda Spinetta. 

"La grabación que hice con mi National Panasonic...estuve en primera fila con varios amigos de Villa María, Córdoba. Le falta el tema "Ruido de Magia" que hicieron antes de "Perdonado" (Niño Condenado), y antes de eso tengo como 5 minutos de afinación del Flaco que ya estaba muy impaciente con el ruido, el viento , las luces y el público también. "Azafata del Tren Fantasma" está cortado porque se me había terminado el casette y al cambiar perdí unos segundos de grabación."

Rubén Darío Chiappero (El hacedor de esta grabación histórica)

 

Una versión de "Amor de primavera", el tema del mítico Tanguito, fue casi la única señal de vida que dio Invisible hasta la aparición de su tercer y último disco: El jardín de los presentes. El álbum vio la luz en 1976 y se correspondió con el ingreso a la banda de Tomás Gubitsch, en guitarra, un brillante guitarrista de apenas 18 años, formado en el jazz, que venía de tocar con Rodolfo Mederos.
Con este cambio, Spinetta volvió a la formación de dos guitarras, bajo y batería, como Almendra, y a un sonido de fusión con el tango y el jazz, que se dio en llamar tango-rock, que se relacionaba también con experiencias musicales de vanguardia como las que llevaba adelante en ese momento Astor Piazzolla (Gubitsch se sumaría al Octeto de Piazzolla al año siguiente), y músicos como Daniel Binelli, Jorge Pinchevsky, Dino Saluzzi. Dentro del rock, Sui Generis había compuesto el tema "Tango en segunda", Litto Nebbia también experimentaba con sonidos tangueros, al igual que el trio Alas, fusionándolo con el rock progresivo.
Si bien desde el punto de vista musical, el ingreso de Gubitsch fue decisivo para alcanzar el altísimo nivel artístico y la popularidad que la banda alcanzó en su último año, desde el punto de vista personal, la presencia de un cuarto integrante terminó siendo el detonante de la ruptura del grupo. Gubitsch fue presentado formalmente como cuarto integrante de Invisible (aunque ya había actuado en dos recitales anteriores), a la mitad del recital que la banda dio en el Luna Park de Buenos Aires, en agosto de 1976.
El momento también coincidió con un año traumático para la Argentina, porque el 24 de marzo de 1976 se había producido un golpe de Estado mediante el cual se instaló en el poder una dictadura cívico-militar que desataría una represión de características genocidas, que tendría su expresión más violenta en los desaparecidos y la apropiación de niños. El propio Gubitsch debió exiliarse al año siguiente, amenazado de muerte por la Junta Militar.
El nuevo sonido de Invisible quedó registrado en su tercer y último disco: El jardín de los presentes. El álbum se transformaría en uno de los más destacados del rock argentino, el número 28 en la lista de Los Mejores Cien Álbumes del Rock Argentino de la revista Rolling Stone. En el álbum también se sumaron como invitados Gustavo Moretto y los bandoneonistas Rodolfo Mederos y Juan José Mosalini.

Invisible se separó a principios de 1977 cuando estaba en el pico de su popularidad. Antes de eso dio dos recitales históricos, en agosto y en diciembre de 1976 en el estadio Luna Park, para presentar el álbum El jardín de los presentes, contando con Rodolfo Mederos como invitado en bandoneón. Entre ambos reunió 25.000 personas, una convocatoria sorprendente para la época, que solo había podido lograr el dúo Sui Generis (Charly García y Nito Mestre) en su despedida del año anterior, en el mismo lugar. 

 

 

 

Integrantes:

Luis Alberto Spinetta: Guitarra, voz
Tomás "Tommy" Gubitsch: Guitarra
Carlos Albero "Machi" Rufino: Bajo, voz
Hector "Pomo" Lorenzo: Batería, percusión

Temas - Disco 1:

01- Covadonga
02- Amor de primavera
03- Dios de la adolescencia
04- Luis habla con el público
05- Pleamar de águilas
06- El anillo del capitan Beto
07- Que ves el cielo
08- Durazno sangrando
09- Perdonado (niño condenado)

Temas - Disco 2:

01- Azafata del tren fantasma
02- Alarma entre los ángeles
03- Estado de coma
04- Lo que nos ocupa es esa abuela, la conciencia que regula al mundo
05- Amor de primavera (Bis)

 

 

Formato: Mp3 - 160 Kbps 

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Spinetta Jade - Bajo Belgrano (Vinilo FLAC - 1983)

 

 

"Este disco es bien porteño... Interviene ese río tan perlado que nos ha dado una añoranza tremenda, una permanente melancolía. Yo soy de ahí, y siento esa realidad del bajo que ahora está mezclado con tanta muerte que hubo injustamente en la Argentina".

Luis Alberto Spinetta

 

“Bajo Belgrano es el tercer álbum de estudio publicado en 1983 de Spinetta Jade. Ahora los integrantes cambiarían por César Franov, reemplazando a Frank Ojstersek en el bajo, y Diego Rapoport (teclados), se terminaría yendo. El grupo se completó con el propio Spinetta (guitarra y voz), Leo Sujatovich (teclados), y Pomo Lorenzo (batería). De este modo la banda deja de tener dos teclados, un elemento esencial que había caracterizado el sonido de Spinetta Jade en sus primeros dos álbumes, y pasaría a ser un cuarteto. En este álbum el sonido de Spinetta, atenúa la influencia del jazz que venía dominando la música de Spinetta desde 1976, y se vuelca más hacia el pop, retomando también algunos elementos del tango. La presentación oficial sería junto al sexto trabajo solista de Spinetta, Mondo di Cromo, el 3 de diciembre de 1983, en el Teatro Coliseo.
El primer track ya nos enseña el sonido general de la banda, mencionando el nombre del disco, y generando un clima sobre una atmósfera en movimiento constante. Mas adelante con un potente ritmo funk, nos encontramos en medio de “Vas a Iluminar la Casa”. Se destaca por sus sonidos variados, y su bajo percutido. Un fade out nos aleja hasta llegar a “Maribel se Durmió”, que tiene unas melodías vocales verdaderamente indiscutibles para recordar. Cierta nostalgia atraviesa los agudos, hasta las notas de reposo, aunque no pareciera tener una conclusión concreta. Canción dedicada a Las Abuelas de Plaza de Mayo. El piano nos envuelve a continuación, para presentarnos “Vida Siempre”. Una balada jazz en compás ternario que gira en torno al ensamble generado por el fretless, y la batería. Unos considerados solos entre las teclas, y la guitarra nos llevan de viaje por pasajes inconmensurables. La suavidad del flaco al cantar, inunda de majestad la canción.
Ahora un sintetizador abre “Ping Pong” exponiendo una improvisación contundentemente rítmica, y llena de compases impredecibles. La ejecución de gran nivel se ve reflejada tanto en las bases armónicas, como melódicas. Un encanto de virtuosismo, seguro. Y casi como una continuación, entra “Mapa de tu Amor” destilando la clásica poesía,que solo un compositor versátil puede ofrecer. El solo de teclado, irrumpe en medio de las estrofas y estribillo. Una serie de ricos sonidos percusivos, acompañan hasta su inevitable final, que va desapareciendo poco a poco. Por eso, “Resumen Porteño” no duda en comenzar inmediatamente, expresando palabras sobre los jóvenes y desaparecidos por la última dictadura cívico-militar (1976-1983). Un tema elegido para cerrar el histórico recital gratuito en las Barrancas de Belgrano, organizado por el nuevo gobierno democrático.
Sigilosamente, se nos introduce “Era de Uranio”, con infinitas cadencias armónicas del pianista. Extenso y necesario preámbulo, para las bellas eufonías que sostienen cada una de las inspiradas frases cantadas. “Cola de mono” levanta el tempo con ímpetu, relacionada con la bebida chilena, hablándole a una mujer. Pareciera haber un ritmo muy parecido al twist. Ahora adentrándonos prácticamente en el final, el tarareo de la voz con los acordes y arpegios, solo nos llevan hacia el groove potente de las baquetas golpeando la batería: “Viaje y Epílogo”. La continuidad de la vida, y el impulso a seguir en movimiento, trasciende para concluir la travesía lograda sabiamente en un épico final.
Tanto la portada, como sus canciones, aluden reiteradamente a los horrores de la dictadura, los desaparecidos, y la esperanza que abría la democracia en ese año. El sonido del álbum, confirma la línea de evolución iniciada en el LP anterior, (Los niños que escriben en el cielo). Se sigue buscando un sonido pop y menos complejo, sin descuidar la calidad, y las novedades tecnológicas. Al mismo tiempo, se retoman sonidos fusionados con el tango, recordando líneas que ya había explorado en los primeros temas de Almendra, y en El Jardín de los Presentes de Invisible. En palabras del flaco, “El disco es bien porteño. Precisamente, al momento de morir, Spinetta dejaría establecida su voluntad de que sus cenizas fueran arrojadas al Río de la Plata, en el Bajo Belgrano, al lado del lugar en el que se encuentra el Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado".

Jerson Ricardi (nacionprogresiva.wordpress)

 

 

 

"Desde mi niñez, cuando con mi padre íbamos caminando hasta el río, se siguen produciendo dentro de mi todas las emociones y las pasiones provenientes de la profunda actividad de este enorme lugar de agua dulce, que aunque lo intente no puede doblegar su instinto de evolución hacia un más vasto océano... Es entonces importante para mí expresar que la música del Río de la Plata es aquella respuesta inmediata y sin concesiones que se antepone a las diferencias entre los pueblos, las lenguas, los credos. Yo soy de ahí y siento esa realidad del Bajo que ahora está mezclado con tanta muerte que hubo injustamente en Argentina. Además, desde su poesía, la música del río de la Plata ha resistido la injusticia tantas veces inscripta en nuestros pueblos, dibujando la voz de las almas que deambulan por sus orillas".
"En realidad yo compuse “Maribel” acompañando la convalecencia de Valentino. Yo le silbaba la Novena Sinfonía de Beethoven y de ahí surgió la melodía de la canción. Mientras la tarareaba fui llegando a la conclusión de que si a Valen le pasaba algo malo, yo iba a tener que seguir cantando esa melodía, que no iba a llorar toda mi vida. Probablemente eso sea sólo una teoría, pero la letra tiene ese sentimiento: “canta tus penas de hoy”. Este trasfondo me motivó a dedicarle el tema a las Madres de Plaza de Mayo para que no llorasen a todos los seres que desaparecieron, sino que les cantasen".

Luis Alberto Spinetta (sobre Bajo Belgrano) 

 

 

 

Integrantes:

Luis Alberto Spinetta: Guitarra, voces
Leo Sujatovich: Piano Yamaha acústico y eléctrico, Piano Rhodes, Prophet V, Synergy
César Franov: Bajo con y sin trastes
Héctor "Pomo" Lorenzo: Batería

Músico invitado:

Osvaldo Fattoruso: Percusión en Ping Pong, Mapa de tu amor y Vas a iluminar la casa

Temas:

01- Canción de Bajo Belgrano
02- Vas a iluminar la casa
03- Maribel se durmió
04- Vida siempre
05- Ping pong
06- Mapa de tu amor
07- Resumen porteño
08- Era de uranio
09- Cola de mono
10- Viaje y epílogo

 

 

Muestra Gráfica De La Grabación

Ripeado De Vinilo

 

Formato FLAC (Free Lossless Audio Codec) 48.000 Hz / 16 Bits

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Seru Giran / Spinetta Jade - Estadio Obras 1980 (FLAC - Bootleg)

 

 

A raíz de una nota publicada en 1980 por la revista "Hurra", en la cual se planteaba la tan habitual "dicotomía antagónica" entre Spinetta y García, como si fueran los "Boca y River" del rock nacional, ambos músicos con sus respectivas bandas ( Spinetta Jade y Serú Girán) brindaron un espectáculo memorable en conjunto en el estadio Obras Sanitarias.

 

El audio de este histórico encuentro, publicado en la nave en 2016, llega ahora en formato FLAC gracias a la generosidad del amigo Pedro Rock, quien me envió este material para ser compartido con ustedes, estimados navegantes. Muchísimas Gracias Pedro Rock!!

En septiembre de 1980, Spinetta Jade pisó por segunda vez el escenario del Estadio Obras para realizar un concierto junto a Serú Girán, considerado «el evento musical del año». Era un hecho histórico que dos grandes grupos estuvieran simultáneamente en el escenario. El show comenzó con Spinetta cantando «Que ves el cielo», a mitad del tema se agregó Garcia y luego hicieron juntos «Cuando ya me empiece a quedar solo». Bajo un clima enfervorizado, se agregó Lebón e interpretaron «Música del alma». Luego entraron Pedro Aznar y oscar Moro para dar comienzo al set de Seru Giran. Despues llego el turno del flaco con su Spinetta Jade, acompañado por Pomo, Beto Satragni, Diego Rapoport y Juan Del Barrio. El recital se cerró con los dos grupos sobre el escenario interpretando «El mendigo en el andén» (de García y Lebón) , «Cristálida» (de Spinetta) y como bis «Despiertate nena» (Spinetta) con el agregado de Gustavo Bazterrica.

 

"La reunión de Charly García, Luis Alberto Spinetta y sus respectivos grupos movilizó una gran cantidad de público que durante tres noches colmó las instalaciones del club Obras. Evidentemente, la posibilidad de ver en un mismo escenario a dos figuras de estilos musicales tan diferentes fue un atractivo muy fuerte para el público porteño. No se puede decir que este evento obedeció a la necesidad de tocar juntos por el solo hecho de hacer música; ni Spinetta ni García tienen afinidades musicales o estilisticas, eso quedó demostrado en el material que tocaron juntos. Más bien se trató de reunir en un mismo show a dos figuras y a dos bandas que podían captar, en diferentes proporciones, la adhesión del público. En un principio, en los días programados para este concierto iban a presentarse Spinetta y León Gieco; reunión que se frustró por razones ampliamente conocidas por el público. García y Spinetta brindaron un espectáculo de gran jerarquía, sin concesiones a la demagogia o al sentimentalismo. Cada uno cumplió su parte correctamente; y a la hora de hacerlo juntos, tocaron bien, sin que nada fuera productó de la improvisación. Es evidente que la música de Seru Giran es diferente a la de Jade, y que así también es la respuesta del público. Sin ninguna, duda, García, Lebón, Aznar y Moro integran la formación de rock más popular del momento, la que más consigue motivar a las audiencias. Esa adhesión cuantitativa por parte del público fue harto manifiesta en cada uno de los conciertos. El comienzo del show estuvo a cargo de Spinetta con su tema, "Que ves el cielo". La canción pertenece a la época de Invisible, y no representa lo mejor de la producción de esa banda. En mitad del tema, se acopló Charly García en los teclados. La canción siguiente fue la primera conmoción de la noche: "Cuando ya me empiece a quedar solo" tuvo la inmediata respuesta que aún tienen las canciones de Sui Generis. Para el tema siguiente, hizo su ingreso la otra gran figura de estos conciertos: David Lebón. Por presencia, talento, y hasta por su manejo del escenario, Lebón se impuso como la tercera estrella de los shows. juntos interpretaron "Música del alma". Con el ingreso de Pedro Aznar y Oscar Moro, dio comienzo la actuación de Seru Giran. La banda ha conseguido un ensamble, una integración tan perfecta con su música que puede introducir todo tipo de arreglos e improvisiciones novedosas, capaz de revitalizar cada una de las canciones. Esta soltura escénica, posibilitó que el show se transformara en una verdadera fiesta en la que la audiencia y los músicos compartieron la música en idénticas proporciones. Como una máquina devastadora, Seru Giran tocó un tema detrás de otro, sin interrupciones. La repetición en el final del rock "No te sobra una moneda", llevó al delirio a un público emocionalmente enfervorizado. A continuación, le tocó el turno a Spinetta-Jade. La apertura fue con "Dale gracias", una canción muy serena que contrastó con la energía desbordante que aún flotaba en el ambiente. Lo siguieron otras canciones como "Diosa salvaje" y "Sólo el amor puede sostener", y temas instrumentales como "Amenábar" y "Digital Ayatollah". La música de Jade varió sustancialmente con respecto a las primeras actuaciones de este año. Spinetta, acusó el impacto de la falta de respuesta por parte del público, e intentó buscar matices menos complejos para su música. En ese cambio también influyó la presencia de Diego Rapoport, en reemplazo de Lito Vitale. Cada una de las canciones fue impecablemente interpretada, con igual cantidad de aciertos (en guitarra eléctrica) y desaciertos (guitarra acústica) por parte de Spinetta. El resto de la banda cumplió su cometido, destacándose el trabajo de Rapoport y Pomo. Del Barrio pareció no poder superar la frialdad de las composiciones, y Beto Satragni (que debutó reemplazando a Aznar) hizo su parte sin errores, pero sintiendo el peso del debut. El jazz-rock de jade es una música fría, en la que ni siquiera aflora la vertiginosidad técnica que caracteriza al género, y que por momentos llega a ser tediosa, En la parte final, ingresó el guitarrista Gustavo Bazterrica, que hizo algunos aportes interesantes. 

El gran final llegó con las dos bandas en escena, cuando el público ya reclamaba insistentemente la presencia de García. Conjuntamente tocaron "Cristálida", una canción del álbum doble de Pescado Rabioso (y una de las mejores de la producción de Spinetta), fue uno de los momentos culminantes del show. Detrás de la atronadora muralla de sonido que creaban Jade y Seru Giran, surgían claras las cristalinas voces de Spinetta y Lebón. Y resulta imposible no comparar la belleza y magnificiencia de esta música de Spinetta con la que hace actualmente. El cierre fue con "Despiertate nena", otro ardoroso tema de la época de Pescado (en el que también estaba Lebón), llevó al público al paroxismo. Este concierto tuvo una vibración especial, en algunos músicos y, mayoritariamente, en el público. Pareció como si se rescatara parte de aquel viejo espíritu de los primeros años del rock. Y eso fue lo mejor, más allá o más acá de las mentiras, las trampas y las mezquindades que suelen rodear a las cosas buenas. Si todavía somos capaces de cantar como una sola voz, y que el sentimiento nos erize la piel, significa que estamos vivos."

 

Revista Pelo - Reseña del Concierto (1980)

Integrantes:

Seru Giran:

Charly Garcia: Teclados, voz
David Lebon: Guitarra, voz
Pedro Aznar: Bajo, voz
Oscar Moro: Bateria, percusión

Spinetta Jade:

Luis Alberto Spinetta: Guitarra, voz
Diego Rapoport: Pianos
Juan Del Barrio: Teclados
Beto Satragni: Bajo
Hector "Pomo" Lorenzo: Bateria, percusión

 

Tapa de la revista "Hurra" que planteaba un supuesto antagonismo entre Garcia y Spinetta (1980)

 

Temas Disco 1:

01- Que ves el cielo
02- Cuando ya me empiece a quedar solo
03- Música del alma
04- Canción de hollywood
05- Noche de perros
06- Viernes 3 am
07- A los jovenes de ayer
08- Encuentro con el diablo
09- Perro andaluz
10- Cuanto tiempo mas llevará
11- Frecuencia modulada
12- No te sobra una moneda

Temas Disco 2:

01- Dale gracias
02- Amenábar
03- Alma de diamante
04- Solo el amor puede sostener
05- La diosa salvaje
06- Cristálida
07- El mendigo en el anden
08- Despiértate nena

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Charly García - Yendo De La Cama Al Living / Pubis Angelical (Vinilo FLAC - 24 Bits/1982)

 

 

Aborda la nave un imprescindible del rock sudamericano. Un disco que marcaría un cambio en el sonido sobre todo lo que vendría posteriormente en materia musical. Este es el principio de la renovación sónica de Charly, acorde con los tiempos musicales que fluían en el mundo y que luego profundizaría aún mas en los dos discos siguientes, conformando la trilogía mas inspirada de su carrera. Yendo de la cama al living fue creado dentro de un contexto muy oscuro de la realidad social de nuestro país, azotado aún por la dictadura militar y bajo las trágicas secuelas de la guerra de Malvinas. Es aquí donde García enfoca su mirada crítica, irónica, llena de dolor pero al fin esperanzadora sobre lo que vendrá. Una etapa creativa maravillosa de un Charly en estado de gracia, que ahora les comparto en sonido de alta calidad en 24 bits, digitalizado del vinilo original.

 

"Con los ecos de la Guerra de Malvinas aún resonando fuerte y en el albor de la primavera democrática, Charly García lanzó el 28 de octubre de 1982 su disco Yendo de la cama al living, un trabajo con el que dejaba atrás diez años de estrellato al frente de célebres grupos para iniciar formalmente su camino solista, que encaró con un cambio sonoro que marcó su ingreso a la modernidad. Los diez años caracterizados por el rock progresivo de Sui Generis, La Máquina de Hacer Pájaros y, fundamentalmente, Serú Girán, de estructuras complejas y polirritmias, comenzaron a virar hacia un formato sintético de sonidos electrónicos, que iba a marcar el pulso de gran parte de los años 80.
Según contó alguna vez el propio artista, la transformación vino de la mano de un llamado de atención de su hijo Miguel, un niño por entonces, que siempre rebobinaba la cinta para escuchar la misma parte de una canción de Serú Girán. Cuando el padre le preguntó por qué hacía eso, le contestó que era porque el tema cambiaba mucho de ritmo. A partir del cambio conceptual impulsado por esta anécdota doméstica, Charly se iba a erigir como el factótum de la gran renovación en el rock argentino de esa década –a la par de la recuperación democrática y su consecuente espíritu de época–, y Yendo de la cama al living iba a ser el umbral de esa brillante era.
La placa, que fue lanzada en formato doble junto con la instrumental banda sonora del filme “Pubis angelical”, de Raúl de la Torre, incluía temas llamados a convertirse en clásicos, como el que da nombre al disco, “No bombardeen Buenos Aires”, “Yo no quiero volverme tan loco”, “Peluca telefónica” e “Inconsciente colectivo”, entre tantas.
Además de ser el primer álbum solista del hasta entonces líder absoluto de bandas fundamentales, también fue la primera producción dentro del rock argentino con grandes colaboraciones –una tradición aún inédita por aquí–, a partir de la participación de figuras como Luis Alberto Spinetta, León Gieco, Nito Mestre y Pedro Aznar. Pero fue definitivamente el estilo compositivo y el tratamiento sonoro lo que distinguió a este trabajo y la canción “Yendo de la cama al living” es el ejemplo perfecto de ello. Para esta aventura que encaró absolutamente en solitario, y para la que solo requirió algún aporte puntual del baterista Willy Iturri, Charly encontró en el ingeniero de sonido y productor Amilcar Gilabert a su perfecto interlocuto".

“Este disco lo grabamos y lo mezclamos dos veces”, evocó Amilcar Gilabert, el histórico ingeniero que venía trabajando con Charly desde hacía varios años y estuvo al frente del registro de grandes figuras del rock argentino.“La historia fue así: lo grabamos, lo mezclamos y, cuando lo escuchamos, Charly me preguntó si me gustaba. Le contesté que no era que me disgustaba, pero que creía que podía estar mejor. No mejor tocado, sino que él estaba haciendo un cambio y no podíamos seguir grabando con esa misma onda con la que lo hacíamos con Serú Girán. Le dije que sería ideal mostrar algo nuevo. 'Yo probaría de vuelta', le dije, y lo hicimos todo de nuevo”, relató. Gilabert explicó que consideraba que la producción debía adaptarse de manera que pudiera mostrar el cambio sonoro “de la época de Serú, que era un rock más sinfónico” a esta música, que “era más pop, más simple, más humilde en cantidad de notas, pero muy inteligente”. Fue la canción que da nombre al disco la que anunció el ingreso a la modernidad, el registro de su significativo patrón rítmico encierra una historia en particular, y es que fueron grabados el tambor y el bombo de manera separada por el propio Charly mientras los tocaba de singular manera. “Primero pusimos un tambor en el medio del estudio y Charly lo tocó pegándole muy fuerte. Después pusimos el bombo sobre dos sillas y lo tocó pegándole con un pedazo de manguera”, contó Gilabert, que luego ajustó el sonido en la mezcla, aunque siempre con la premisa de que pueda ser reproducido en vivo.Pero, así como esta canción en particular situaba al rock argentino en una nueva era, todavía había composiciones como “Superhéroes”, que dialogaban más con el pasado progresivo que con los ritmos sintéticos y los sonidos electrónicos.

“Peperina, el último disco de estudio de Serú, anuncia esa música en la canción 'Llorando en el espejo'. Ese tema tiene el mismo ritmo que 'Yendo de la cama al living', un minimalismo rítmico que no tiene nada que ver con 'La grasa de las capitales', por ejemplo. En Peperina, Charly empieza a vislumbrar el lenguaje de los 80, y Yendo de la cama al living es una transición todavía. Es el líder de Serú transformándose”, amplió, para luego considerar que Clics Modernos, del año siguiente, “iba a completarlo todo y sería su declaración de principios”. Más allá de ubicarse a esta mitad de camino, Roque Di Pietro puso a este lanzamiento en su lugar adecuado cuando analizó en perspectiva el devenir de Charly García en los años siguientes. “Creo que lo que sorprendió a todos fue el éxito y la popularidad de Yendo de la cama al living” –amplió– porque es un disco apabullante. Es doble porque salió junto a otro disco instrumental, cosas que nadie había hecho en el rock argentino. Que haya hecho semejante banda sonora y la haya puesto como bonus track del lanzamiento de su carrera solista es un hecho artístico apabullante.

Para el público rockero de la época, tan impactante como su empaque –en el que aparecía por primera vez un icónico bigote bicolor como logo– y su contenido resultaba la frase incluida en el sobre interior, tomada de un reportaje que leyó Charly en "El Expreso Imaginario" a Pete Townshend, el líder de The Who, que reza:

“Si grita pidiendo verdad en lugar de auxilio, si se compromete con un coraje que no está seguro de poseer, si se pone de pie para señalar algo que está mal, pero no pide sangre para remediarlo, entonces es rock and roll”. Toda una toma de postura definitiva para los turbulentos años que se le venían encima al genial artista".

 

unidiversidad.com.ar

Temas  y Músicos - Yendo De La Cama Al Living:

 

01- Yendo de la cama al living    
02- Superhéroes    
03- No bombardeen Buenos Aires
04- Vos también estabas verde   
05- Yo no quiero volverme tan loco  
06- Canción de dos por tres   
07- Peluca telefónica
08- Inconsciente colectivo

Charly García: Teclados varios, voz, guitarra, bajo eléctrico, batería electrónica
Willy Iturri: Batería, percusión (Excepto en «Yendo de la cama al living»)
Luis Alberto Spinetta: Guitarra, voz en «Peluca telefónica», guitarra en «Canción de dos por tres»
Pedro Aznar: Bajo fretless, voz en «Peluca telefónica»
Nito Mestre: Voz en «Superhéroes».
León Gieco: Voz en «Yo no quiero volverme tan loco» 

Temas y Músicos - Pubis Angelical:

09- Operación densa   
10- Despertar de mambo
11- Rejas electrificadas
12- Pubis angelical    
13- Monóculo fantástico  
14- All I Do Is Dream Of You   
15- Sereno fantástico
16- Transatlántico Art Deco   
17- Caspa de estrellas
18- Crimen, divina, productor
19- Pubis angelical (Vocal)   
20- Pubis angelical (Vocal 2)  
21- Futuro pobre
22- Tribunas del futuro pobre    
23- Todos los pubis juntos 

Charly García: Piano, piano eléctrico, teclados varios, guitarra eléctrica, guitarra acústica, guitarra

                         sintetizada, bajo eléctrico, batería, batería electrónica, percusión, voces

David Lebón: Guitarra eléctrica Fender y batería en «Pubis angelical»
Fabiana Cantilo: Voz en «Transatlántico art decó»
Daniel Melingo: Saxo en «Futuro pobre»
Patricio Bisso (1957-2019): Voz y ukelele en «All I do the whole night through»
Daniel Colombres: Batería en «Caspa de estrellas» y «Tribunas del futuro pobre»
Julia Zenko: Voz en «Pubis angelical (vocal 2)» y en «Todos los pubis juntos»
Ernesto Soca: Guitarra rítmica en «Caspa de estrellas»
Alejandro de Raco: Charango y quemanchá en «Futuro pobre»
Carlos Salgán: Bajo fretless en «Tribunales del futuro pobre»
Quebracho (ayudante de Charly García): Gong en «Operación densa» 

 

 

Muestra Gráfica De La Grabación

Ripeado De Vinilo

Formato FLAC (Free Lossless Audio Codec) 44.100 Hz / 24 Bits

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Almendra - Almendra II (FLAC - 1970)

 

Almendra no llegó a grabar su famosa ópera, pero antes de separarse registró el primer álbum doble del rock argentino, una explosión creativa en múltiples direcciones que constituye una especie de "Álbum Blanco" del grupo. Si bien en general el sonido es más rockero y distorsionado que el primer disco, en sintonía con el rock internacional de esa época, hay aquí desde canciones acústicas a temas experimentales, condimentados con psicodelia y surrealismo. Spinetta aporta temas de alta belleza: “Para ir”, “Parvas”, "Los Elefantes", pero Molinari no se queda atrás, con clásicos como “Mestizo” y “Amor de aire”. Emilio nos brinda las bellísimas "Camino difícil", "Carmen" y "Leves Instrucciones" junto al flaco.
Un álbum fundamental que predice los caminos musicales que luego tomarían cada uno de sus integrantes.

 

Este álbum doble marca el final de Almendra, sin llegar a estrenar la anunciada "Opera" que venían planificando y sobre la cual estaban trabajando. En este disco, que contiene joyas absolutas y desconocidas (como "Los elefantes"), el grupo no logró alcanzar la intensidad creativa del primer álbum. Es más ecléctico, experimental y disperso, aunque sí manifiesta un tinte muchísimo más roquero e intenso que el primer álbum. Además el álbum está muy influido por la psicodelia y el consumo de drogas, que muestra los diferentes enfoques de los miembros de la banda y la necesidad de experimentación que sentían. Sobre la influencia del consumo de drogas en Almendra II, Spinetta se explayó con amplitud en las conversaciones que mantuvo con Juan Carlos Diez reunidas en Martropía. Allí Spinetta cuenta que el único miembro de la banda que tomaba LSD era él y que lo hacía movido por un sentido de exploración, búsqueda y superación de prejuicios:
"Yo era el único que tomaba ácido y muchos temas del segundo disco los compuse así... En las fotos del interior de Almendra II, donde yo tenía puesta una vincha de cadenita en el pelo, que casi no se ve, bueno ahí estaba en "pepas" a lo bobo en plena grabación... Las transformaciones se iban dando en mi porque acababa de abandonar la pubertad. Fue una etapa de cambio muy fuerte y estar en un grupo así, en ese mundo, me fue cambiando día a día. Yo salía del San Román (el colegio secundario) y Los Beatles eran mi modelo. Yo tenía una actitud de búsqueda, de buscar dentro de mi, no de drogón. Tenía fatos que me habían quedado de la religión, trabas de las que me pude desprender. Mal o bien me saqué varias capas de empapelados que tenía encima. No digo que llegué al fondo porque creo que a uno no le alcanza la vida para eso. Pero agradezco esas decisiones un poco incautas que tomé, aunque también reconozco que tuve un ángel que no me permitió caer en un verdadero peligro. Nunca pasó nada grave. Iba a tocar en ácido pero seguía siendo bastante profesional, nadie se daba cuenta de nada. Nunca más en mi vida volví a tomar ácido. Era bastante riesgoso porque se te podía arruinar el balero tranquilamente. Y no se si no me lo arruinó".
En varios temas de Almendra II se nota también la gran influencia que tuvo Manal sobre Almendra. El propio Spinetta en Martropía destaca el hecho y señala el "toque manalesco" que la banda adquirió en el álbum:
"Yo creo que sin Manal Almendra no hubiera podido seguir mucho más porque de hecho cambiaron nuestro estilo. Sin querer, sin que nosotros los quisiéramos copiar. Si a mi se me ocurrió componer "Rutas argentinas", o algo, fue tratando de darle un toque más "manalesco" a Almendra. Que tuviera más que ver con el rock urbano y con un montón de cosas que nos pasaban, que no eran tanta profusión de metáforas... Manal fue una banda que influyó mucho a Almendra. Veníamos de mundos opuestos y confluíamos en un punto: nos gustaba tanto lo que hacía uno como lo que hacía el otro. El lirismo de Almendra era muy importante y, a la vez, la fuerza y la garra de Manal eran terribles... Ellos demuestran que el blues no era solo el blues podrido, cosa que para mi fue muy importante".

 

 

"Este es el último lanzamiento que hizo la primera banda que Spinetta integró con sus compañeros del secundario cuando apenas tenía 17 años, Almendra. Los cuatro muchachos allí reflejados son el propio Flaco, un semitapado Emilio Del Guercio, Rodolfo García y Edelmiro Molinari. Juntos hicieron un cuarteto que, con su desparpajo y genialidad, revolucionó el panorama por entonces naciente de lo que un par de años después terminó conformándose como rock argentino. Eso lo lograron con sus primeros simples pero especialmente con su álbum debut, un autotitulado que se editó para muchísima sorpresa en noviembre del ‘69 y fue un éxito tremendo. La combinación entre la juvenil pero lograda sensibilidad de Spinetta y los suyos y su enorme musicalidad maravilló tanto a la crítica como el público y rápidamente Almendra se transformó en uno de los nombres más importantes del rock nacional. Al año siguiente comenzaron a trabajar en una ópera rock que, de manera frustrante, les quedó incompleta. Esta frustración -unida a algún que otro desacuerdo y el deseo cada vez más creciente del Flaco de emprender una carrera separada del lugar común de Almendra- llevó a la disolución de la banda. Pero no antes de que RCA, ni lerdo ni perezoso, editara algunos retazos de aquella obra inconclusa junto con canciones del nuevo repertorio del grupo en un nuevo álbum doble (rareza para la época) que también se llamó como el grupo y salió en diciembre de 1970, con la banda ya separada de hecho. Lo que se escucha en Almendra, sin embargo, lejos está de parecer un trabajo incompleto, un choreo de la discográfica: estamos en presencia de una obra monumental, un disco fundamental para la historia del rock argentino. En él, los cuatro integrantes del grupo logran demostrar tanto su cohesión grupal como su talento individual, ya que hay varias (y geniales) canciones del postergado guitarrista Edelmiro Molinari (“Mestizo”, “Amor De Aire”, “No Tengo Idea”) e incluso obras del también genial Del Guercio como la combativa “Camino Difícil”, la pastoral y juguetona “Carmen” y uno de los puntos más altos de toda la historia de Almendra, “Un Pájaro Te Sostiene”. Otra característica fundamental del álbum es su variedad estilística, que va desde la conmovedora “Para Ir” a la perfectamente rockerísima -y absoluta favorita personal- “Parvas” en un camino casi sin fisuras, y en el medio pasa por demostraciones experimentales como la extensa “Agnus Dei” y “Florecen Los Nardos” que sugieren la dirección por la que podría haber ido Almendra de haberse mantenido como grupo, una mucho menos cancionera y más volátil, diferente y probablemente muy adelantada a su tiempo. A título personal, este es el primer álbum que, a mi más tierna infancia, me mostró el rock, y creo que no podría haber tenido una introducción más lograda: en las 21 canciones que componen este extenso -pero nada cansador- álbum doble hay, además de la ya mencionada variedad, un nivel poético e instrumental absolutamente abrumador, una belleza intrínseca y atrayente, una perfección inaudita y casi increíble. Imposible no sentirse enamorado de varias de las canciones aquí presentes, tanto de los éxitos más populares como las viajeras “Toma El Tren Hacia El Sur” o “Rutas Argentinas” como de esos hermosos secretos guardados: “Cometa Azul”, “Vete De Mí Cuervo Negro”, “Los Elefantes”… 

demidiscoteca.com

 

 

Integrantes:

Luis Alberto Spinetta: Guitarras, piano, voz
Emilio del Guercio: Bajo, órgano, piano, efectos, voz
Edelmiro Molinari: Guitarras, órgano, voz
Rodolfo García: Batería, percusión, voz

Temas - Disco 1:

01- Toma el tren hacia el sur
02- Jingle
03- No tengo idea
04- Camino difícil
05- Rutas argentinas
06- Vete de mí, cuervo negro
07- Aire de amor
08- Mestizo
09- Agnus Dei
10- Para ir

Temas - Disco 2:

01- Parvas
02- Cometa azul
03- Florecen los nardos
04- Carmen
05- Obertura
06- Amor de aire
07- Verde llano
08- Leves instrucciones
09- Los elefantes
10- Un pájaro te sostiene
11- En las cúpulas

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Invisible - En Vivo Teatro Coliseo (FLAC - 1975 / Publicado 2022)

 

 

Un par de décadas atrás, para los que amamos la musica de Invisible, era impensado soñar con una grabación oficial de un concierto del grupo. Hoy podemos decir que ese milagro artístico se ha cumplido. El responsable de que esto sucediera fué el prestigioso técnico de sonido Carlos Melero (fallecido en junio del 2021), quien grabó las cintas de estos conciertos hace ya 47 años. Melero decidió donar la grabación al Instituto Nacional de la Música (Inamu), que en acuerdo con la familia Spinetta y los ex invisible Pomo y Machi, decidieron publicarlas. Por el lado técnico, las cintas recibieron una adecuada masterización a cargo del ingeniero de sonido Gustavo Gauvri y Mariano Lópes, ambos colaboradores de Luis Alberto de muchos años.
Aquel anhelo de juventud hoy es realidad. Gracias a todos los mencionados en esta introducción por permitirnos disfrutar de Invisible en vivo, la agrupación mas talentosa de la historia de la música argentina.

 
"Cada vez que Luis Alberto Spinetta interpretaba en vivo a Durazno Sangrando, de su banda eterna conocida como Invisible, los aplausos cabalgaban encima del intrincado y magnético motivo guitarrístico de apertura. Esa era una celebración genuina, que apagaba su intensidad apenas comenzaba a desarrollarse esa copla tan bella como extraña, aparentemente sobre el ciclo vital de un fruto que también puede ser un cuerpo. Pero esa comunión no se produjo en la serie de cuatro conciertos (dos funciones en cada día) del 21 y 22 de noviembre de 1975 en el porteño Teatro Coliseo, en la que el trío que completaban el bajista Machi Rufino y el baterista Pomo Lorenzo reunió a unas 7.000 personas. Tiene lógica el silencio del público antes de aquella versión de Durazno Sangrando, tan nítido y tenso que incluso permite oír el susurrado “uno, dos, tres” del “Flaco”. Es que la canción acababa de ser registrada (dándole el nombre al segundo disco de Invisible) y todavía permeaba su magia ante un público invitado a transmutarse.
A más de dos meses del Adiós Sui Generis en el Luna Park, y de la consagración de Charly García como genio rockero de masas, Invisible serpenteaba en suites de 15 minutos y hablaba de periplos de 200 años para cruzar a nado la mar. Y moviéndose bajo los términos del contrato que propone la penumbra teatral. Mostraba una subversión psicodélica para evolucionar, trascender la densidad sociohistórica.
En Invisible – En Vivo – Teatro Coliseo – 1975 eso se corrobora en las versiones de El diluvio y la pasajera y Azafata del tren fantasma, temas del primer disco epónimo del trío (Invisible, 1974) que están tan en las antípodas de la lógica del hit, al igual que sus simples Oso del sueño y Viejo ratones del tiempo. A ver si se entiende, este rescate supera uno de sus 50 por ciento con cuatro temas ya publicados (dos oficiales, dos complementarios) con espíritu de work in progress al momento de la interpretación. No es zapada, ni improvisación: es como una entidad divagante que sabe bien qué atmósfera surcar. Y como si resultara poco esa determinación de no encorsetarse bajo ningún punto de vista, aquí están Perdonado (niño condenado) y Que ves el cielo (lo más “fogonero”de la obra de Spinetta, hay que decirlo) como adelanto de un disco, El jardín de los presentes (1976). A ver si se entiende, en el otro 50 por ciento de este disco en vivo se destacan dos temas absolutamente desconocidos para el público asistente. Inaplicable al seteado mundo de hoy.
“Creo que el disco los va a sorprender, tanto por su sonido, así como también por cómo está tocado”, adelantó Machi al momento de confirmar la edición de este registro. Se quedó corto, por cuanto también muestra una excelente performance vocal, tanto de Spinetta, vocalista líder, como de él mismo en cuanto coreuta encargado de armonizar. Más allá de que nunca sabremos qué hubiera querido hacer Luis Alberto con este material de haber estado vivo, lo cierto es que le hace justicia en algún punto a un grupo que siempre vio naufragar en bootlegs de muy baja calidad a la representación en vivo de sus sutilezas". 

Germán Arrascaeta (lavoz.com.ar)

"Invisible hizo las dos únicas presentaciones de este año, primero en el teatro Coliseo, dos días y cuatro funciones, y luego en el estadio de Vélez Sársfield, al aire libre. Ambas oportunidades sirvieron para que Spinetta, Pomo y Machi desarrollaran música de "Durazno Sangrando', su último álbum. Los dos conciertos tuvieron puntos comunes: el total ensamble del trío y una organización eficiente. El éxito los acompañó en las presentaciones: en el Coliseo las cuatro funciones estuvieron "a full", y en Vélez hubo más de tres mil personas. "Durazno Sangrando" es sin duda la continuación de una línea musical que el trío comenzó en su primer álbum, en este último más profundizada. El sonido, la escenografía y la ejecución de la música fueron impecablgs. Aun a pesar de ciertos sectores que acusan a Invisible de ser una banda fría y carente de expresividad, es evidente que el tratamiento y desarrollo de su música, por momentos da gran complejidad armónica, exige de los ejecutantes una total lucidez y ensamble. A la vez se nota el esfuerzo realizado por los músicos para dotar a esa ejecución de algo más que una entrega fríamente equilibrada. invisible no tiene connotaciones de grupo rockero o pesado, aunque determinados pasajes puedan estar compuestos por esos elementos. Por otra parte, Invisible intenta, a través de su música, crear toda una corriente estética de la cual participan público y artistas, a través de un intercambio mutuo. Lo hecho por Invisible en estos conciertos sirve claramente para establecer los parámetros de la nueva dimensión que ha adquirido a lo largo de todo este tiempo, una música que admite críticas e incluso consideraciones sobre su capacidad de repercusión masiva, pero que se apoya sobre el basamento de una originalidad encomiable".

Revista Pelo - Reseña de los conciertos (1975)

 

 

 

Integrantes:

 

Luis Alberto Spinetta: Gibson 355 stereo, Gibson Les Paul Custom, Fender Telecaster Gretsch Chet

                                    Atkins y Gibson acoustic guitar. Su amplificador fue un Acoustic 260 cabinet 2

                                    x 15' + Horn x 2.

Machi Rufino: Bajo Fender Jazz Bass American Standard ‘68 y Bajo Rickenbacker 4001.

                        Usó un amplificador Acoustic.

Pomo Lorenzo: Ludwig Octaplus Series 24' bass drums x 2, melodic toms x 8, Supraphonic 400 5x14 

                          steel snare drum, Zildjian cymbals y Remo heads. 

 

Temas:

 

01- Durazno sangrando

02- Que ves el cielo 

03- Perdonado (Niño condenado)

04- El diluvio y la pasajera

05- Oso del sueño

06- Viejos ratones del tiempo

07- Azafata del tren fantasma

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

 pass: naveargenta.blogspot