Espíritu - Espíritu III / En Movimiento (FLAC - 1982 _1983)

 

 

 

Luego de su separación, en 1976, la icónica agrupación de rock sinfónico progresivo regresaba brevemente a la actividad entre 1982 y 1983, con algunos cambios en su formación original. Durante ese período registran estos dos álbumes. "Espíritu III"(1982), fué reeditado recién en 2004, mientras que "En Movimiento"(1983) no tuvo hasta ahora reedición oficial, lo que lo convierte en un material dificil de conseguir. Difruten de estas dos perlitas, ahora publicadas en formato FLAC.

"A fines de 1981 Bergé y Favrot reciben la propuesta de la Productora Francis Smith (a través de su ingeniero de grabación Alejandro Franco) para la realización de un nuevo álbum del grupo. Luego de una serie de tratativas llegan a un acuerdo y Bergé-Favrot firman contrato con dicha productora el día 20 de diciembre de 1981. Por intermedio de un amigo los dos fundadores de Espíritu mantienen una entrevista con un trío ya formado que estaba integrado por Rodolfo Messina en batería, Claudio Cicerchia en bajo y Angel Mahler en teclados.
Formalmente los ensayos comenzaron en diciembre de 1981 y la grabación de Espíritu III empezó en el verano de 1982. Al mismo tiempo se contrataba el Estadio de Obras Sanitarias con 6 meses de anticipación para la presentación que se haría efectiva el 12 de junio de 1982.
La grabación se realizó en 16 canales analógicos empleando aproximadamente 100 horas de estudio. Se utilizó el Vocoder para apoyar los coros del tema Lento Juego de Luces y se dio particular atención al piano Yamaha CP70 y a las guitarras acústicas. Luego de finalizada la grabación Espíritu emprende una fuerte campaña de promoción que incluyó presentaciones en varios canales de TV, reportajes radiales y prensa.
Todo estaba perfectamente previsto y ensayado menos la posibilidad de que Argentina entrara en guerra con Inglaterra por las Islas Malvinas. Este hecho causó gran conmoción en el país y entre los integrantes del grupo quienes estuvieron al borde de la suspensión del concierto cosa que no pudieron hacer por la exigencia del cumplimiento de los contratos ya efectuados, sobre todo con el estadio. A pesar de la situación que vivía el país (hasta el día anterior al concierto se hablaba de la suspensión de todos los espectáculos públicos por la visita del Papa) el grupo se presenta en Obras con una presencia de público inferior al esperado pero que alcanzó a las 2800 personas.
Mas allá de las buenas críticas el grupo fue atacado por varios medios de prensa porque consideraban que el rock sinfónico estaba muerto y que el grupo no había vuelto para mostrar algo nuevo. En un comentario sobre el nuevo álbum se dijo: "resulta de interés para aquellos que quieren escuchar al único grupo sinfónico ortodoxo que queda en el planeta".
Desde el punto de vista musical este comentario más que una crítica resultaba un elogio, pero el público estaba más con las nuevas corrientes musicales y no apoyó la nueva etapa de la banda en la medida de lo esperado. A pesar de esto Espíritu siguió presentándose en vivo hasta que Bergé anuncia el inicio de una etapa como cantante solista y se retira del grupo.
A partir de ahí el Espíritu sigue un año más con Favrot en el rol de guitarrista y cantante con una propuesta musical diferente. Participan en el festival Barock en Noviembre de 1982 y en 1983 graban para el sello RCA el último álbum denominado "En Movimiento", producido por Ricardo Kleinman y Floro Oria Cantilo. A pesar de proponer un sonido más pop, alejado del rock sinfónico habitual del grupo, el álbum pasó prácticamente desapercibido para el público y la crítica local, lo que llevaría a la agrupación a una nueva ruptura ese mismo año".

"El alejamiento del cantante Fernando Bergé, sumado a la escasa trascendencia de la reunión del grupo, forzaron a Espíritu a replantear sus ideas. "En movimiento" es el primer producto de la nueva etapa del cuarteto liderado por Osvaldo Favrot, y en este trabajo se advierte una clara y saludable intención de romper las barreras del tiempo -que tanto ataron al grupo en algún momento— y acercarse a un propuesta más directa, simple y contemporánea. "De lado a lado" es el tema apertura del disco y la primer demostración de que Espíritu cambió: un rockanroll clásico con una temática realista y un lenguaje cotidiano. El resto del material también muestra sensibles variantes con el estilo conocido de Espíritu aunque hay ciertas referencias en algunos de los arreglos, sobre todo en los de los temas lentos. La parte compositiva del grupo fue asumida, tras la deserción de Bergé, íntegramente por el guitarrista Osvaldo Favrot, a excepción de dos temas que son del tecladista Angel Mahler. Favrot es en gran parte el responsable del cambio experimentado por la banda y además es ahora el cantante del grupo. En esta función se desempeña aceptablemente, destacándose en las canciones calmas, las que por otra parte parecen ser la veta más fértil del cuarteto". 

Revista Pelo - Reseña de "En Movimiento" (1983)

 

 

 
Integrantes:

Fernando Bergé: Voz (En "Espíritu III")
Osvaldo Favrot: Voz (En "En Movimiento"), guitarras, coros
Angel Mahler: Teclados
Claudio Cicerchia: Bajo, coros
Rodolfo "Fito" Messina: Bateria 

Temas - Espíritu III (1982):

01- Antes tal vez
02- Policolor
03- Nacer
04- Lento juego de luces
05- Toma un tiempo
06- Elemental
07- Un viaje por los recuerdos
08- Guardianes en pie

09- La casa de la mente (Vivo Obras '82)
10- Soy la noche (Vivo Obras '82)
11- Imágenes tenues y transparentes (Vivo Obras '82) 

Temas - En Movimiento (1983):

01- De lado a lado
02- Ella de visita
03- La carta de cada día
04- Solo poder vivir
05- En movimiento
06- Un hombre más
07- Septiembre, hoy
08- Yo estoy bien así
09- Déjate llevar por el tiempo

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Riff - Contenidos (FLAC - 1982)

 

 

El tercer trabajo discográfico de Riff inicialmente se había pensado para que sea un registro en vivo. Finalmente terminó siendo un disco de estudio, con diez composiciones nuevas, que consolidaría al grupo como el mayor exponente del hard rock dentro de nuestro país (y uno de los mas populares de los 80). "Contenidos" incluye canciones que se han convertido en clásicos del rock argentino; temas como "Susy Cadillac", "Mal romance", "Pantalla del mundo nuevo" o "Héroes del asfalto", forman parte del álbum mas sólido de esta primera etapa de Riff.

 

"El tercer álbum de Riff, que llega a fines de 1982, termina de ponerlos en la cima. Un año definitivamente conflictivo para Argentina (Malvinas), y que tuvo muchas repercusiones: la retirada de la dictadura con el llamado a elecciones, un panorama social cada vez más conflictivo, y de yapa, mayor difusión radial y televisiva para los músicos de rock. Dentro de este panorama, Contenidos llega con mucho rock y bastante contundencia. Riff ya no podía ser ignorado, y en la encuesta de Pelo, tanto la banda como su LP terminaron como mejor grupo y disco del año. Y razones no faltaban. El estilo hard y la imagen de Riff pegaban con los tiempos que se vivían. Una cuestión que a la larga se volvería contra la propia banda. Pero eso sería un año después (¡sólo un año!).

A diferencia de Macadam, Contenidos refleja musicalmente un regreso al rock más simple, solo que no era elemental sino que estaba debidamente procesado. En cambio las letras eran más directas, y se permitían imágenes poco frecuentadas, ¿post apocalípticas? (“Pantalla del mundo nuevo”), chicas de armas tomar (“Susy Cadillac”, “Mal Romance”), o reflexiones sobre la sociedad con las que un adolescente podía identificarse (“Hoy No Hago Nada”, “Me Tienen Cansado”, “Lo Que Quieras Hacer”). En este álbum tanto la composición como la voz líder estaba más repartida, y esto también era una manifestación de madurez. En lo personal, me quedo con “Héroes del asfalto” como mejor tema, aunque el disco no tiene sobrantes de ningún tipo.

Contenidos fue el mejor álbum de Riff, y a su vez, su clímax. Paradójicamente, cuanto mejor, peor. Muchas cosas sucederían durante el 83, que llevarían al grupo a separarse por primera vez a principios de 1984. Pero quedó este LP cuya influencia tampoco puede ignorarse, más allá de figurar retrasado o no figurar directamente en las listas de los medios “especializados”, siempre proclives a mencionar a los artistas (y amigos) de siempre".

 

elholocaustodepabloalekssander.wordpress 

 

Sus majestades los reyes del metal pesado: Riff. Ellos son los únicos, los verdaderos líderes del rock pesado. Y por si alguien lo dudaba este álbum vuelve a demostrarlo. Densos, pesados, góticos por momentos, los Riff recrean su sonido de guitarras chirriantes y ritmos reiterativos hasta la exasperación.

Contenidos muestra un notorio avance de Pappo y su pandilla, una saludable evolución que, curiosamente, tiene su punto más alto en las letras. Todas exhiben una modesta, pero concreta preocupación por abordar temas candentes, sin dejar de lado la ficción con trasfondo social como en ‘Pantalla del mundo nuevo’. El tema tiene un riff atrapante y la letra tiene imaginación y ácidos comentarios sociales. La canción descubre a un potencial compositor en Michael Peyronel. Tiene un riff bluseado sobre el que declaman los penetrantes y fantásticos comentarios de la letra. Susy Cadillac’ es un tema súper veloz de una chica ‘junkie’, todo a mil. ‘Héroes del asfalto’ tiene un ritmo atrapante, una buena combinación de reggae y hard rock.

Contenidos es muy buen álbum de rock metálico que no solo va a gustar a los seguidores de Pappo. Sus habilidades como guitarrista quedan a salvo, aunque debería tratar de aportar nuevas variantes sonoras en sus solos, técnicamente irreprochables. Este disco marca un notorio avance de Riff en la música y las letras, y una sabia apertura del espectro de la banda, ya sea cantando o componiendo. Es muy importante que los líderes del rock pesado sigan tocando bien, pero bien fuerte, y también se hagan escuchar para decir cosas importantes.

 

Revista Pelo - Reseña del disco (1982)

 

 

 

Integrantes:

Pappo: Guitarra, voz, coros
Boff: Guitarra rítmica
Vitico: Bajo, voz, coros
Michel Peyronel: Batería, voz, coros

Temas:

01- Susy Cadillac
02- Mal romance
03- Hoy no hago nada
04- Lo que quieras hacer
05- Pantalla del mundo nuevo
06- Me tienen cansado
07- Héroes del asfalto
08- Duro invierno
09- Maquinación
10- Tiempo distante

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Colección Simples De Mandioca - V.A. (FLAC / 1968 - 1970)

 

 

Edición no oficial que compila todos los simples publicados por Mandioca entre 1968 y 1970. Incluye el único EP del sello de Rubén Reches, sin fecha de edición confirmada. Debajo de este encabezado, la historia de como se realizó, de forma independiente, esta incunable recopilación, que ahora tendremos la posibilidad de disfrutar en formato FLAC.

 

"Increíble hallazgo encontrado por un antiguo vendedor de CDs del Parque Centenario, a quién un cliente hace mucho tiempo atrás, le trajo los 23 simples juntos de Mandioca para que se los grabará en formato CD. Así pués este vendedor del parque, digitalizó cuidadosamente cada uno de los simples de vinilo, directamente sin compresión, ni equalización ni filtro y los paso a CD. Digitalizó además cada tapa original, y este es el resultado. 

Estos simples nunca se editaron en CD, salvo un puñado de ellos en el LP "Los Solistas De Mandioca" del año 1985, y su posterior reedición en CD del año 1993, que incluye 15 canciones de Miguel Abuelo, Tanguito, Poldo Zieher, Moris y Pappo's Blues. Cabe destacar que el simple de Poldo Zieher "Hasta Dónde" / "Basta De Infiernos" -que aquí aparece como bonus track-, es una grabación inédita que nunca salió en disco simple físico de vinilo por Mandioca, sino que aparece recién por primera vez, en la edición en LP/CD de "Los Solistas De Mandioca" (1985) del sello Talent / Microfón.

Esta grabación digital a flac es de muy buena calidad de sonido ya que el rippeado se realizó directamente a WAV de cada uno de simples de vinilo originales, sin tocar nada".

Mandioca fue un sello discográfico argentino que editó discos entre 1968 y 1970. Fue dirigido por Jorge Álvarez, Pedro Pujó, Rafael López Sánchez y Javier Arroyuelo y desempeñó un importante papel en la promoción y difusión del rock en español en la Argentina. En 1966, Jorge Álvarez, un editor de libros políticos, históricos y culturales comprometidos, se relacionó con tres jóvenes estudiantes secundarios Javier Arroyuelo, Silvio Ramaglia y Pedro Pujó, interesados en los nuevos movimientos juveniles y los mecanismos de difusión.
El nombre «Mandioca» fue elegido por tratarse de un vegetal originario de América, como símbolo de identidad cultural, a la vez que eligieron el color morado del interior de la mandioca, como fondo de las etiquetas de los discos.
Mandioca comenzó produciendo tres sencillos de artistas desconocidos: uno del trío Manal ("Qué pena me dás" y "Para ser un hombre más"), otro de Cristina Platé ("Paz en la playa" y "Para dártelo todo") y un tercero de Miguel Abuelo ("Oye niño" y "¿Nunca te miró una vaca de frente?"), que fueron lanzados simultáneamente el 12 de noviembre de 1968, con una presentación en la sala Apolo, de la avenida Corrientes de Buenos Aires. En esa ocasión tocaron los dos solistas y Manal.
El sello Mandioca impulsó y difundió músicos de rock y creaciones artísticas que resultaron fundamentales en los orígenes del rock argentino, destacándose Manal y Vox Dei. De ésta última banda, Mandioca promovió la creación y realizó toda la grabación de la ópera-rock La Biblia, aunque finalmente no realizó el lanzamiento debido a la quiebra, razón por la cual fue la empresa grabadora, TNT, la que efectuó la publicación (con graves defectos) para cobrarse la deuda pendiente. También fueron importantes las grabaciones que Tanguito realizó en Mandioca, que finalmente fueron publicadas por otro sello.
Salvo "No pibe" los discos de Mandioca tuvieron escaso éxito comercial. Sin embargo, entre ellos se encuentran clásicos permanentes del rock nacional, como "No Pibe", "Jugo de tomate frío" y "Avenida Rivadavia" de Manal, "Presente (El momento en que estás)" de Vox Dei y "El oso" de Moris. El álbum Manal (llamado también La Bomba) ha sido considerado como uno de los mejores álbumes de la historia del rock argentino, al igual que La Biblia de Vox Dei, que aunque no fue lanzado por Mandioca, fue inspirado e íntegramente grabado por el sello.

 

Intérpretes y Temas × 2 (CD-1):

01- Manal
Para ser un hombre más / Qué pena me das
02- Cristina Plate
Paz en la playa (Cantarles nomás) / Para dártelo todo
03- Miguel Abuelo
Oye niño / Nunca te miró una vaca de frente?
04- Hielo
Monsieur Ducau / Buscando ese lugar
05- Samantha Summers
You / Te iluminaré
06- Piel Tierna
Candy / Memorias de primavera
07- Manal
No pibe / Necesito un amor
08- Moris
El oso / Escúchame
09- Vox Dei
Azúcar amarga / Quiero ser
10- Brujos
Ese dinero / Un lugar elegido
11- Analisis
Tendré que luchar / Flotando
12- Xawks
El tiempo / Alguien me está esperando
13- Pot Zenda
Vuelvo a sonreir / Basta de llorar

Intérpretes y Temas × 2 (CD-2):

14- Manal
Avenida Rivadavia / Jugo de tomate
15- Vox Dei
Presente / Doctor Jekill
16- Miguel Abuelo
Mariposas de madera / Hoy seremos campesinos
17- Brujos
Pasan muchas cosas / Desesperación
18- Them
Tiempos cambiantes / Quiero estar en paz
19- Vox Dei
Total qué / Canción para una mujer
20- Alma y Vida
Niño color cariño / He comprendido
21- Tanguito
La balsa / Amor de primavera
22- Ruben Reches
Lavar los platos / Un rey de la biblia / Cuando por primera vez / Los viejos y el fuego (×4)
23- Armagedon
Se viene el Armagedón / Mi vida no existe sin ti
24- Poldo Zieher  
Hasta dónde / Basta de infiernos (Bonus Tracks)

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Síntesis - Síntesis (FLAC - 1976) Remaster. 2016

 

Síntesis fue una agrupación gestada en Rosario que fusionaba rock progresivo con claras influencias de jazz y blues, donde destacaban los arreglos de vientos y cuerdas. En 1976 editan este único álbum que contenía seis temas, convirtiendose en el primer disco de una banda rosarina dentro de ese genero. El disco original, una preciada pieza valorada por coleccionistas, tuvo su primera reedición en cd en 2016, que ahora comparto con ustedes en formato FLAC.

Integrado por Jorge Migoya en guitarra, Juan C. Ricci en batería, Julio Cusmai en batería, con la colaboraciones de Sergio Polizzi en violín, Mariano Zarich y Cachi Ferreyra en sexos, Santiago Aldana en clarinete, Oscar Tissera en flauta. Provenientes de la ciudad de Rosario, despliegan un rock progresivo con muchos ingredientes de jazz y blues y apenas alguna aproximación sinfónica. Las composiciones son íntegramente instrumentales y se destaca el liderazgo de la guitarra con atinados arreglos de cuerdas y vientos. Como curiosidad, este recomendable álbum se registró en dos días, el primero de ellos coincidente con el golpe militar que instalo una de las más sangrientas dictaduras que asoló a la Argentina. Los seis temas no llegan a ocupar media hora de registro. Aún así el álbum es totalmente recomendable.


 Entrevista a Jorge Migoya (Compositor y guitarrista de Síntesis):

-¿Qué recordás de ese 24 de marzo, día del golpe militar, cuando entraron a grabar el disco en Buenos Aires?-

-No tengo un recuerdo muy preciso de los minutos y las horas que transcurrieron ese día. Habíamos comenzado a grabar desde la mañana y fue durante una pausa, en un bar de los alrededores, comiendo y viendo la tele al mismo tiempo, que vemos tanques por la calles, y las noticias nos hablan de golpe de estado. Es una situación extraña y surrealista a la vez, nosotros, jóvenes músicos rosarinos, grabando por primera vez en Buenos Aires y con la energía y el deseo de vivir plenamente ese momento, cuando por otro lado, en el mismo instante, una realidad política y militar que se implanta. Como si esa realidad nos estaba empañando nuestro propio sueño. Por supuesto, volvimos al estudio, continuamos a grabar, el día siguiente también; eran épocas donde el alquiler de un estudio de grabación costaba caro y la grabación de Síntesis hubo que hacerla en solo dos días (grabado y mezclado, por favor), gracias Da Silva! De esto hace 40 años, e inclusive hay detalles que personalmente no recordaba pero que Juan Ricci me los rememoró. Por ejemplo que el segundo día Litto Nebbia pasó por el estudio mientras grabábamos, trayendo equipos, ya que luego sería su turno para grabar.

-¿Por qué el disco -en rigor, el vinilo- se volvió un incunable?-

-Hay varias razones por la cual un disco puede devenir incunable, la primera y la más simple, es que se hayan tirado pocas placas (si se tiran 30 discos, serán incunables al mes), otra, más probable, es la relación que ya en la época constituía el grupo con su auditorio; en los años 70 la relación juventud y música era muy fuerte, eran años de movida musical nacional e internacional, casi como si el arte y la música en particular podían cambiar el mundo. Toda nuestra vida está puntuada de momentos pilares que construyen nuestro ser y sobre todo esos momentos de juventud, que han sido asociados a una película, una pieza de baile o a una música. Síntesis no escapa a esta regla, la vida y la historia musical se encargan del resto, el vinilo poco a poco desaparece para dar lugar a otros soportes. ¿Sería un paso a la incunabilidad? Era ya incunable en vinilo, entonces todo eso se transforma en un juego, el que lo tiene y el que no (como las figuritas de football en el álbum), lo incunable es algo precioso. Hoy hay jóvenes que no conocieron Síntesis, que inclusive nacieron mucho años después de la aparición del disco y sin embargo lo escuchan —a través de Internet- como una música actual; ellos ni siquiera tienen la relación al pasado, a lo vivido con esa música, no la escuchan por nostalgia, la escuchan al presente y eso sí es lo interesante, cuando lo incunable se suma a la vigencia. Esa es quizás la razón fundamental de su resurgimiento.

Integrantes:

Jorge Alberto Migoya: Guitarra, arreglos
Juan Carlos Ricci: Bajo
Julio Alberto Cusmai: Batería

Musicos Invitados:

Cachi Ferreyra: Saxo alto (03,05,06)
Mariano Zarich: Saxo tenor (03,05)
Oscar Tissera: Flauta (02,06)
Santiago Aldana: Clarinete (06)
Sergio Polizzi: Violin (02)

Temas:

01- Lo obvio según yo
02- Sin nada
03- La necesidad de amar... a veces
04- Algunas maneras de expresarme
05- Todo lo necesario para lo necesario
06- El final
07- Reminiscencias (Bonus Track) 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Astor Piazzolla y Horacio Ferrer - María De Buenos Aires (FLAC - 1968)

 

 

Una de las obras mas ambiciosas de Astor Piazzolla y de la música contemporánea argentina. Vanguardista en lo musical y multidireccional en su poética, María de Buenos Aires, "la operita", significó una gran influencia para los músicos de aquel naciente rock argentino, a fines de la década del 60. El maestro Piazzolla en la música, Horacio Ferrer en las palabras, en una realización conceptual que aún continua conmoviendo. Un relato urbano mitológico y surrealista sobre el Buenos Aires de los suburbios, que no podía estar ausente en el archivo navegante.

 

 "En un viaje a Río de Janeiro el bandoneonista Ástor Piazzolla quedó fascinado por el espectáculo Zum Zum de Vinicius de Moraes, donde se mezclaba música y poesía. La idea de un espectáculo que combinara sus composiciones con un montaje escénico le venía dando vueltas en la cabeza desde que había visto West Side Story en Nueva York. Estaba en crisis. Se había separado de su mujer Dedé Wolff, la mujer con la que compartió 26 años y con la que tuvo a sus hijos Diana y Daniel. Se sentía atraído por la cantante Egle Martín, que estaba en pareja con Lalo Palacios y con la que había trabajado para la banda de sonido de una película. El músico, arreglador y compositor no encontraba el rumbo de su vida y la manera de salir de una etapa de bloqueo creativo.

Durante un programa de televisión el popular astrólogo Horangel le vaticinó que su mala racha terminaría meses después cuando alguien golpeara imprevistamente a su puerta. El 1 de diciembre de 1967 el poeta uruguayo Horacio Ferrer llegó de Montevideo y fue a visitar a su amigo Ástor Piazzolla (habían forjado amistad durante el verano de 1955 en Mar del Plata) a su departamento de la Avenida del Libertador 1088. "Como el timbre no funcionaba, golpeó la puerta. Piazzolla lo recibió con ojos de alucinado, como si su llegada fuera providencial", relatan María Susana Azzi y Simon Collier en la biografía Astor Piazzolla, su vida y su música. Fue un encuentro cósmico. Ese día, también, estaba Egle Martin, la que sería la musa inspiradora y la generadora de la idea de la operita María de Buenos Aires. 

Piazzolla y Ferrer trabajaron durante meses en Buenos Aires y Montevideo. Para terminar el libreto Horacio Ferrer se mudó al departamento de Ástor. A fines del 67 la obra, una de las más significativas y más representadas en el mundo del binomio creativo Piazzolla- Ferrer, estaba lista. Quedó bautizada como María de Buenos Aires y contaba en clave surrealista la muerte y resurrección de un personaje que Ferrer imaginó como símbolo femenino de Buenos Aires. El musical se dividía en dos actos y estaba compuesto por ocho canciones, entre las que se destacaban piezas clásicas con el tiempo como "Fuga y misterio".
Originalmente Egle Martin y Héctor Rozas serían los protagonistas. Piazzolla tocaría con su quinteto integrado en esa época por Antonio Agri en violín, Cacho Tirao en guitarra, Jaime Gosis en piano y Kicho Díaz en contrabajo, además de las cuerdas de Hugo Baralis en segundo violín, Néstor Panik en viola y Víctor Pontino en cello, la flauta de Arturo Schneider y los percusionistas José Corriale y Tito Bissio (vibráfono y xilofón). El estreno fue el 8 de mayo de 1968 en el Teatro Planeta. Finalmente la protagonista no fue Egle Martin, quien dejó el proyecto tras un encuentro en la casa de Piazzolla que terminó en un escándalo mediático. La reemplazante fue Amelita Baltar, la musa definitiva de la obra y de la dupla Piazzolla-Ferrer que un año después estrenaría el clásico Balada para un loco".

Gabriel Plaza

"En agosto de 1968, apenas cuatro meses después del estreno en el Teatro Planeta, el Estudio ION de Buenos Aires fue el escenario de la primera grabación discográfica del binomio Piazzolla-Ferrer. El proyecto, definido por sus autores como una “operita”, está concebido en dos actos y dieciséis secciones, donde música y poesía se entrelazan en la figura alegórica de María, símbolo del tango, de Buenos Aires y de su gente. Sobre ella se proyecta la lírica exuberante y florida de Horacio Ferrer, sostenida por el andamiaje musical y rupturista de Astor Piazzolla.
La instrumentación convoca a once músicos, un recitante y dos cantantes, con un tratamiento orquestal que dialoga con la tradición al tiempo que la desplaza hacia territorios inéditos. En ese marco se produce un hecho decisivo: el ingreso de Amelita Baltar al universo piazzolliano. Su voz no solo dará vida a esta creación, sino que abrirá el camino a una sociedad artística que, entre 1969 y 1974, alumbrará piezas emblemáticas como Balada para un loco y Chiquilín de Bachín.
El álbum, publicado por el sello Trova a finales de 1968, representa un nuevo eslabón en la incesante búsqueda estética de Piazzolla. La obra combina momentos de honda inspiración con pasajes más irregulares, y entrega un clásico indiscutible como “Fuga y misterio”, que aún hoy conserva intacta su fuerza. En conjunto, «María de Buenos Aires» marca un punto de inflexión en la trayectoria del compositor y expande las fronteras del tango, integrándolo con la teatralidad y la lírica surrealista".

Pablo4U

 

 

Piazzolla y Ferrer junto a los cantantes principales de la obra: Amelita Baltar y Hector De Rosas

 

Músicos que participan:

Astor Piazzolla: Bandoneón, arreglos, dirección y música
Horacio Ferrer: Recitados y letras
Amelita Baltar: Voz
Héctor De Rosas: Voz
Antonio Agri: Violín
Hugo Baralis: Violín
Cacho Tirao: Guitarra
Jaime Gosis: Piano
Víctor Pontino: Violoncello
Arturo Schneider: Flauta
Néstor Panik: Viola
Kicho Díaz: Contrabajo
José Corriale: Percusión
Tito Bisio: Vibráfono, campanas, xilófono

Temas / Disco 1:

01- Alevare
02- Tema de María
03- Balada para un organito loco
04- Milonga carrieguera
05- Fuga y misterio (Instrumental)
06- Poema valseado
07- Tocatta rea
08- Miserere canyengue

Temas / Disco 2:

09- Contramilonga a la funerala
10- Tangata del alba
11- Carta a los arboles y a las chimeneas
12- Aria de los analistas
13- Romanza del duende
14- Allegro tangabile
15- Milonga de la anunciación
16- Tangus Dei

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Tribemol - Demos (Mar Del Plata / 1981-1983)

 

Tribemol es una histórica agrupación de Mar Del Plata de jazz-rock y rock progresivo, fundada en marzo de 1981. Liderada por el bajista, compositor y productor Fabián Spampinato, el grupo se destacó por su participación en el festival B.A. Rock IV en 1982. En aquella década no llegaron a grabar oficialmente ningún álbum, pero queda el testimonio de esta grabación demo que demuestra la excelencia su música con categórica personalidad marplatense.

 

Tribemol fue una banda de jazz-rock progresivo de Mar del Plata que se formó en 1981. Estuvieron activos dos años, tocando asiduamente en el circuito de Mar del Plata y la zona, viajando en tres ocasiones a Capital Federal. Su participación en el B.A. Rock IV en noviembre de 1982 ante 15.000 personas, junto a Riff, Gieco, Spinetta y otros popes de la época fue un espaldarazo grande en épocas de cambio en la política socio-económica argentina. Con el gobierno militar a punto de caer, el contrato para editar su primer álbum no llegaba. Tanto es asi que Joey Cedrón, el guitarrista, regresó a USA y el grupo se disolvió, pero no la amistad. En el 2000, Joey regresó por unas semanas y se reunieron a zapar en fm d-rock! de Mar del Plata. En el 2006, con la producción del álbum triple "Al Flaco...dale gracias" (Homenaje a Spinetta), se reunieron virtualmente para grabar "La Herida de París". Joey, desde USA, Luis Morello afincado en Mallorca, el resto en Mar del Plata y con el invitado Guillermo Cides en Barcelona, fueron enviando los tracks para la versión final, editada en febrero del 2007. 

 

 

 

Integrantes:

Joey Cedrón: Guitarras, voz (desde 1982)
Luis Morello: Piano, Rhodes, sintetizadores
Fabián Spampinato: Bajo
Fernando Romairone: Batería
Mario Orbe: Guitarra (en 1981)

Músicos Invitados:

Carlos Rizzo (Voz 1982 y 1983)
Walter Silva (Voz 1981)

Temas:

01- Aire de la Mañana
02- Leve Mejoría
03- Dando ese Paso
04- Lo que Más Quiero
05- Antes de Volver
06- Aire de la Mañana (2º versión)
07- Ya No Podés Mirar al Cielo
08- La Lucilla (pt 1)
09- El Mensaje de tus Ojos (La Lucilla, pt 2)
10- Aire de la Mañana (3º versión)

Bonus Tracks:

11- Gin Tónic (en vivo en 1981)
12- Lapislázuli (en vivo en 1982)

Formato: Mp3 - 160 Kbps

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Gustavo Montesano - Homenaje (FLAC - 1977)

 

 

Luego de la disolución de Crucis, en 1977, Gustavo Montesano comenzó la grabación de su primer disco en solitario: "Homenaje'', donde contó con la colaboración de los músicos más importantes del rock argentino de entonces. Montesano ha considerado este registro como un virtual "tercer disco" de Crucis, puesto que los músicos de este grupo tocaron en casi todas los temas, junto a otros destacados instrumentistas como Pedro Aznar, José Luis Fernández, Charly García, Nito Mestre y Alfredo Toth, entre otros.
Esta publicacion contiene dos bonus tracks de Crucis pertenecientes a un simple que nunca llegó a editarse.

 

"Homenaje fue una especie de experimento musical donde pude realizar mis composiciones, y asi lo hice con la inestimable ayuda de todos los musicos que en el participaron, especialmente Pino, Gonzalo y Anibal, mis compañeros de Crucis y de mi productor Jorge Alvarez, quien me dio la libertad de grabar el disco de la forma que a mi me pareciera. Hoy casi veinte años despues, lo escucho y no puedo creer la tecnica, frescura y libertad con la que grababamos en aquella epoca.

El LP se llama así ya que es precisamente una especie de homenaje a todo el período pasado de Crucis. Toqué yo naturalmente, tambien Pedro Aznar, los chicos de Crucis, Charly García, Nito, María Rosa Yorio, Alfredo Toth y un cuarteto de cuerdas. Creo que hay varias cosas que dejan ver bastante la línea musical de Crucis. Pero tambien hay muchas cosas mas libres que yo tenía ganas de hacer, algo tirando mas al folk o al rock and roll... Son siete temas totalmente libres, que no tienen gran conexión uno con otro, hay temas totalmente intelectuales. Todas las letras tienen un poco de continuidad, un tema. El tema es la introspección mental. Una especie de qué pasa conmigo, que pasa con nosotros. Las letras tratan problemas que de pronto tengo yo y veo que tambien tiene la gente".

Gustavo Montesano

 

"El album comienza con "Sinfonia Lunatica", un tema instrumental de bello entramado melodico que remite (y mucho) a Crucis. El segundo tema llamado "Cuando la duda se hace grande aldrededor" es la primera pieza cantada del disco. Otro tema buenisimo en especial por alguna influencia casi "yesera" que tiene en el principio. Ademas, el final recuerda bastante a algunas cosas del mejor periodo melodico del Santana de los '70. Por su parte, "Desde que te pude ver" es una delicada balada que cuenta con la participacion de un cuarteto de cuerdas, mas el acompaniamiento de piano y teclado. Suena bien, aunque la vocalizacion de Montesano no sea de las mejores.
Con respecto a "La ultima barrera", Montesano declaraba en un reportaje que le hacia la (desaparecida) revista "Roll" (en octubre del '77): "Este tema se llama "La Ultima Barrera" porque el grupo (Crucis) se estaba destruyendo, porque se ponia barreras. Creo que las barreras tienen que desaparecer, porque nos estan frenando. Este tema habla, justamente, de como hay que hacer para matar ese fantasma, esos fantasmas que uno tiene adentro y que son como unos jueces, porque nos dicen que es lo que tenemos que hacer y que no." En si, lo que nosotros podemos decir acerca de "La Ultima Barrera" es que es un tema mas simple y medio folk. Cercano, incluso, a la veta iniciada por el supergrupo Porsuigiego o incluso Los Desconocidos de Siempre (grupo de Nito Mestre). Otra historia es "Marginado en el tiempo" otro muy buen instrumental progresivo de neta influencia "cruci-genesiana" en lo melodico. Por su parte, "Primer triunfo" es una potente pagina musical que recuerda al mejor Crucis, con varios cambios ritmicos y buenisimos contrapuntos instrumentales. El disco se cierra con "Homenaje Color Naranja", el homenaje de Montesano hacia su etapa pasada en Crucis. Creado solo con un sintetizador, este tema repasa varios de los motivos melodicos de la desaparecida banda unidos por un par de efectos sonoros disparados desde el propio sinte. Se podria decir que es una simpatica improvisacion y no mucho mas que eso.
Los dos bonus tracks son dos temas de Crucis que se quedaron afuera de sus dos albumes. El primero se llama "Balance", un buen tema pero un poco por debajo del nivel de los temas clasicos de la banda. Sin embargo, se destaca aqui la elegancia casi jazzera de Pino Marrone en la guitarra. Por su parte, "Exentos de Dios" es otra historia. Una extrania pieza media jazzera-progresiva con varios cambios ritmicos y climaticos. Igual esta muy bien. Como casi todo este album de Gustavo Montesano. Un disco al que recomiendo sin lugar a dudas". 

E. Acevedo (La Caja de Música)

 

 

 

Músicos:

Gustavo Montesano: Bajo, teclados, voz
Pino Marrone: Guitarras
Aníbal Kerpel: Teclados

Gonzalo Farrugia: Batería

Músicos Invitados:

Charly Garcia: Piano
Pedro Aznar: Bajo, flauta, sintetizador
Horacio Malvicino: Arreglo de cuerdas
Maria Rosa Yorio: Voces
Nito Mestre: Voces
Alfredo Toth: Bajo
Jose Luis Fernandez: Guitarra acustica  

Temas:

01- Sinfonía lunática
02- Cuando la duda se hace grande aldrededor
03- Desde que te pude ver
04- La última barrera
05- Marginado en el tiempo
06- Primer triunfo
07- Homenaje color naranja
08- Balance (Bonus Track - Crucis)
09- Exentos de Dios (Bonus Track - Crucis) 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Los Abuelos De La Nada - Vasos y Besos (FLAC - 1983)

 

 

Si el primer álbum significó el despegue, este "Vasos y Besos" trajo consigo la consagración de Los Abuelos de La Nada como uno de los grupos mas importantes y populares de los ochenta. Profundizando su personal cruce de estilos, fusionando pop, funk, reggae, rítmos latinos y jazz rock, el disco contiene clásicos imperecederos como "No se desesperen", "Chala man", "Así es el calor", Yo soy tu bandera" y el inefable "Mil horas".

 

"A diferencia del disco debut, producido por Charly García, este trabajo fue producido por la propia banda. Los choques de egos entre García y Abuelo habían llegado a un punto de no retorno: cuentan que Miguel discutía todos los aportes de Charly, llegando incluso -según las distintas versiones- a una trompada o un cachetazo. Además, Miguel acusó a Charly de «robarle» los músicos para grabar «Piano bar».
Así que para la grabación de «Vasos y besos» decidieron encargarse de la producción los Abuelos mismos. También se encargarían, ellos, todos, de componer y tocar el nuevo material.
Pero a pesar del ego de Miguel Abuelo, nunca dudó en darle el espacio necesario a sus músicos. Su lugar en el escenario era cedido sin problemas a sus compañeros, permitiendo el crecimiento de los demás. Así, Calamaro se embarcaría pronto en una carrera solista, Melingo se iría para sumarse definitivamente a Los Twist y López comenzaría a dedicarse a la producción de otros artistas no solo en la Argentina, sino en diferentes puntos de América Latina.
Volviendo a «Vasos y besos», el álbum abre con el ritmo de «No se desesperen», una creación de Bazterrica que se transformaría en uno de los hits radiales del disco. Luego aparece «Así es el calor», un tema que Calamaro había compuesto con su amigo Gringui Herrera para la Elmer’s Band. Con el tiempo, Herrera terminaría remplazando a Bazterrica en la banda.
«Yo soy tu bandera», escrita por Miguel Abuelo y Cachorro López, es una balada pop con un novedoso saxo a cargo de Daniel Melingo. «Sintonía americana», con los mismos compositores, tiene arreglos novedosos que anticipan lo que vendría después. «Espía de Dios», con música de Bazterrica y letra de Abuelo, precede al cierre del lado 1 con «Cucarachón de tribunal», compuesta por Bazterrica y cantada por el propio autor y Miguel Abuelo.
«Vamos al ruedo», compuesta por la dupla Calamaro-López, da inicio al lado 2. Entonces llega «Mil horas», escrita por Calamaro con su amigo Cuino Scornik y con la voz del primero, transformada en el gran éxito del disco. La canción ha sido reversionada infinidad de veces, por artistas tan dispares como Los Tipitos, Alex Ubago, Rubén Rada, Los Enanitos Verdes, Sindicato Argentino del Hip-Hop y La Sonora Santanera, entre muchos otros.
Sigue «Hermana Teresa», del tándem Abuelo-López, y luego la gran creación de Daniel Melingo: «Chalaman». Es otro de los momentos inmortales del disco, reversionada por Diego Torres para abrir su álbum debut de 1992. El cierre de «Vasos y besos», «Mundos in mundos», es una vieja canción de Miguel rescatada para este proyecto.
Como «La dicha en movimiento» de Los Twist, aunque tal vez con menos desenfado, «Vasos y besos» es un testimonio del momento que se vivía en la Argentina a pocos días del regreso de la democracia. Sin dudas es una joya que acreciente su valor con el paso de los años. La trilogía de discos de estudio con la formación que incluía a Miguel Abuelo, Calamaro, Cachorro López, Bazterrica y Polo Corbella se cerraría un año después con «Himno de mi corazón». Quedaría un registro en vivo y «Cosas mías, de 1986, con una alineación que solo mantendría a Miguel Abuelo y Corbella".

http://crock.com.ar

 

 

 

 Integrantes:

 

Miguel Abuelo: Voz, coros, congas, timbales, percusión

Gustavo Bazterrica: Guitarras, voz, coros, percusión

Andrés Calamaro: Teclados, voz, coros, percusión

Daniel Melingo: Saxo alto, clarinete, voz, percusión

Cachorro López: Bajo, coros, cuica, percusión

Polo Corbella: Batería, coros, percusión

Temas:

01- No se Desesperen
02- Asi es el calor
03- Yo Soy tu Bandera
04- Sintonía Americana
05- Espía de Dios
06- Cucarachón de Tribunal
07- Vamos al Ruedo
08- Mil horas
09- Hermana Teresa
10- Chalamán
11- Mundos in Mundos

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Banana - Licuado (1980)

 

 

Una etapa rara y sorprendente dentro de la trayectoria de César Pueyrredón. Con su grupo Banana, entre 1979 y 1983, editaba una serie de álbumes de neto corte progresivo sinfónico, con influencias de grupos como Genesis y Camel. Esta período comenzaría con la publicación de "Aún Es Tiempo De Soñar" (1979) y tendría cierta continuidad en dos discos posteriores: "Licuado" (1980), el disco que nos convoca en esta entrada, y "De Entrecasa" (1983). En 1984 el grupo se separaría y Cesar daría inicio a una exitosa carrera como solista dentro de la canción pop y la balada romántica. 

Lamentablemente conseguir este material original en alta calidad es muy dificil. Si algún navegante atesora esta grabación con mejor calidad de sonido y la quiere compartir será bienvenido.

 

César Pueyrredón formó a los 14 años, junto con su hermano Daniel, la base de la agrupación que se llamaría Banana a partir de 1969, junto a Jorge Scoufalos, con quién formó un dúo autoral que persistió durante muchos años. Grabaron su primer LP "Banana ha llegado al mundo" en 1969, alcanzando una gran popularidad a principios de los años 70's, que se caracterizó por su estilo inconfundible, a partir de las composiciones melódicas de César y su estilo romántico, destacándose con su álbum "Banana" de 1973 que contiene un sinfín de éxitos. Lo que muy pocos saben, es que a partir de 1975-76, comenzaron a tener un vuelco más rockero, además de hacer su repertorio de baladas, hacían covers de temas de Gentle Giant, Genesis o "Roundabout" de Yes. En esa época, César estudiaba composición en la Universidad Católica (UCA), y sonaba mucho Genesis, Focus y Crucis, Esta última banda lo impactó tanto, que generó su deseo de hacer cosas más elaboradas, y en 1977, efectivamente, comenzó a escribir de otra manera, a inspirarse en libros y poesías que leía.  En 1979 editan "Aún es tiempo de soñar", con influencias de Yes, Genesis, Focus y Crucis. Simplemente, hecho a partir de su necesidad estética de ese momento.
El disco jamás fue presentado en vivo ya que ellos estaban inmersos en una etapa de cambios. Así surgieron sus siguientes álbumes "Licuado" (1980), que aún mantenía en gran parte su estética sinfónica y "De entrecasa" (1983). Finalmente el grupo terminó disolviéndose en 1984.

 

"-Yo venía escuchando mucho la música de Focus, un grupo holandés que me encantaba. Es más, ya con Banana, además de hacer nuestro repertorio de baladas, hacíamos covers de temas de Gentle Giant, Genesis, “Roundabout” de Yes; y, a partir de 1975-76, empezamos a tener un vuelco más rockero a partir de la incorporación de Pablo Guyot y Willy Iturri, con ellos llegamos a hacer hasta material de Deep Purple, como el clásico “Smoke on the Water”. Hasta el día de hoy, cuando me encuentro con JAF me cuenta de la vez que nos vio tocando ese tema en un boliche de Villa Devoto, y no podía creer lo bien que lo hacíamos. En esa época, también, estudiaba Composición en la Universidad Católica (UCA), y sonaban mucho Genesis y Crucis. Esta última banda nos impactó a los músicos argentinos, porque era la primera vez que se escuchaba un rock sinfónico nacional con nivel, con un gran desarrollo de acordes, armonías; entonces empecé a tener ganas de ir para ese lado. Estudiar en la Facultad generó en mí el deseo de hacer cosas más elaboradas, y en el 77, efectivamente, empecé a escribir de otra manera, a escribir antes de la canción, a inspirarme en libros y poesías que leía, en películas. Hasta ese entonces, mis canciones, por ejemplo “Conociéndote”, no tenían esa pretensión, hablaban de cosas simples, como conocer a una mina, y demás. En su momento tuve cambios de opinión con mi primo Alejandro Giordano, bajista original de Banana, y el que más sabía de manejo empresarial en la banda, cuando le comenté que quería hacer un viraje estilístico en la música del grupo para este lado más roquero y progresivo, y que para ello tenía que poner músicos que tocaran ese estilo, a lo cual me respondió que podía hacer esa misma música como solista. Yo me negué porque mi desafío era hacerlo con Banana, y él decidió irse. Eso fue un dolor inmenso para mí, pero era necesario tener otros músicos para poder realizar ese salto artístico que quería hacer; por eso mi hermano Daniel también dejó la banda y se dedicó a manejar la parte de sonido en el vivo-". 

 

Cesar Pueyrredón por Emiliano Acevedo (iculturarock.blogspot.com) 

 

 

 

Integrantes:

 

César "Banana" Pueyrredón: Teclados, voz

Rody Correa Avila: Guitarra, coros

Diego Chornogubsky: Bajo, coros

José Luís Meniño: Batería

 

Temas:

 

01- Preludio: Antesala

02- Igual cantaré mi canción

03- Barrilete al cielo

04- Donde te escondes niña del viento?

05- Paren el mundo que estamos todos locos

06- Igual cantaré mi canción

07- Febrero (De nuevo aquí)

08- El amor es siempre algo nuevo

09- Huellas de la tierra

Formato: Mp3 - 128 Kbps

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Demo - Lumpen (FLAC - 1983)

Demo estaba integrado por dos históricos del rock argentino: Rinaldo Rafanelli (ex Color Humano, Sui Generis, Polifemo), y un muy joven Ricardo Mollo (posteriormente guitarrista de Sumo y actualmente lider de Divididos). Junto al guitarrista Daniel Leis y al baterista Beto Topini grabaron este único álbum en 1983, que ahora podemos disfrutar en formato FLAC.

"La historia del rock en Argentina encierra un puñado de discos y grupos ocultos y olvidados, cuyas grabaciones y actuaciones fueron, sin embargo, el precedente de momentos de gran popularidad y muestra de verdadero talento. Uno de estos casos es el grupo Demo, que tenía como líder e integrante más conocido a Rinaldo Rafanelli, quien fuera bajista en la última etapa de Sui Generis y miembro clave de Polifemo, junto a David Lebon. Para formar Demo, Rafanelli convocó al baterista Beto Topini (luego reemplazante de Jota Morelli en La Torre) y a dos guitarristas: Daniel Leis y Ricardo Mollo, quien inmediatamente después pasó a Sumo. Demo llegó a presentarse en festivales como el B.A. Rock 82 y el olvidado HidroAero Rock de 1983 pero no tuvo continuidad y sólo nos queda como legado este, su único álbum, registrado en 1984. Musicalmente muestra un rock pesado con toques de reggae y gran lucimiento de los solos de guitarra, claramente influenciados por Jimi Hendrix. Podría considerarse un eslabón perdido entre el rock de fines de la década del setenta (los festivales Escalera al Cielo) y el inicio de una fusión aggiornada, que tenía como mayor exponente a Sumo".

Marcelo Fernández Bitar

"Definir la musica de Demo es un poco complicado , aunque básicamente es una fusión de rock y reggae. Tratamos de hacer una música compacta en la que las letras jueguen un papel importante.   Es rock, la característica principal es la energía que transmite. Nos fijamos mucho en el contenido. Además, es una música fresca y con polenta. Eso se debe a la personalidad de cada uno de nosotros cuatro".

Mollo y Rafanelli (Revista Pelo-1982)

 

"Lumpen está dedicado a todos los que se sientan extraños en su propia casa, en su propio cuerpo, en el mundo..."

 

(Escrito contratapa del álbum)

 

 

 

Integrantes:

Ricardo Mollo: Guitarra, voz, coros

Daniel Leis: Guitarra, voz, coros
Rinaldo Rafanelli: Bajo, voz, coros

Beto Topini: Bateria

Temas:

01- Perinola (Nadie pone sin tomar)
02- Esclavo de la oscuridad
03- Boomerang (Todo viene y va)
04- Cuidado con la fria hoz
05- Robotina
06- Niño gris
07- Figuras de paz
08- Sin edad (Duende azul) 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Pajarito Zaguri - En el 2000...(también)...(FLAC - 1994)

 

 

Uno de los discos mas representativos de esta leyenda del rock y blues porteño. Muy cuidado en su producción y con invitados ilustres, Pajarito despliega aquí sus múltiples variantes compositivas: Rock And Roll, Blues, Rhythm and Blues, Tango, Milonga...Todo bajo la personalidad interpretativa de este juglar de la bohemia urbana.

El "empaque" del cd original representaba la clásica caja de pizza de cartón (atada con piolín); el cd simulaba la pizza, además de traer servilletas, los clásicos palitos y la hoja del menú!!.

Incluí en la publicación el corto publicitario televisivo que promocionaba el disco (el cual sería impensado en la tv actual).

"En el 2000… también" (1994), es un disco en el que Pajaro se acercaba a una superproducción sin perder la espontaneidad del vivo. Acompañado de Alejandro Medina en bajo y Black Amaya en batería y con figuras de la talla de Claudia Puyó (voz); Jorge Pinchevsky (violín); Gabriel Jolivet y Nacho Smilari (guitarras); Zaguri interpreta trece temas que van desde el más puro rocanrol: 'Un camión de Rock and Roll'; blues de alta factura: 'La claridad', 'Chamuyando los blues' (con Bocón Frascino y Tito Larrosa hablando de sus ídolos musicales); Rythm & Blues en 'Floresta' (el hit del disco). El título del álbum, citando a Discépolo, da una pista de la orientación que hay en algunos temas: en 'Una misteriosa canción' recrea de forma antológica una milonga; en 'Rock burlón y compadrito', dibuja un nexo entre el tango y el rock, evocando al Polaco, el Morocho y Pichuco; y en 'Porteñito del campo' se manda con un tango hecho y derecho. El álbum se editó con un original envoltorio que simulaba una caja de pizza. "A mí se me ocurrió esa idea cuando no existía el cd - contaba el músico - Lo pensé en realidad para un long play, como un disco guardado en una caja de pizza de verdad. Yo venía hablando con un amigo mío que aún trabaja en la pizzería Las Cuarteta, y me decía: 'Si lo hacés, no puede faltar esto o esto otro….' Y al toque aparece el cd, y bueno… Lo tuve que sacar en cd, pero con los detalles, eso sí…".

Mario Cuevas

"El disco está repleto de las brillantes ocurrencias de Pájaro, desde el packaging, que era como una caja de pizza en miniatura hecha de cartón, con piolín y manchas de grasa incluidos. Cuando le comenté al cantante que el arte del disco me había parecido tan acertado como original, me dijo que su idea había sido utilizar una caja de pizza auténtica, en la cual entraba a la perfección un LP de vinilo. Pero claro, la demora en grabar había sido tanta que en el ínterin el formato había cambiado, y el concepto tuvo que adaptarse al tamaño de los CD. Casi una metáfora de las eternas postergaciones a las que fue sometido a lo largo de su carrera. Otra de sus impares ocurrencias está en el tema “Chamuyando los Blues”, donde reemplaza lo que serían los solos instrumentales de rigor en cualquier blues, por “solos de chamuyo” realizados por otros dos “underdogs”, integrantes perennes del underground, Tito Milanesa y Bocón Frascino, quienes remedan una charla de bar sobre tópicos bluseros".

Claudio Kleiman

Músicos Que Participan:

Pajarito Zaguri: Voz, alguna guitarra por ahí
Alejandro Medina: Bajo
Black Amaya: Batería
Alberto Abuelo: Guitarra Rítmica

Y Además...!!:

Claudia Puyó, Jorge Pinchevsky, Nacho Smilari, Blusero León, Tito "milanesa" Larrosa, Osvaldo "Bocón" Frascino, Gabriel Jolivet, Rocky Rodriguez, Guillermo Trápani, Jorge Capello, Ricchie Curtet, Pablo Martin, Gerardo, Chupete

Temas:

01- Super Rockero
02- La claridad
03- Descanso de filmación
04- Floresta
05- La tibieza del blues
06- Aguantame el amor
07- Rock burlon y compadrito
08- Porteñito de campo
09- Un Pájaro pesado
10- La misteriosa canción
11- Chamuyando los blues
12- Un camión de rock'n'roll
13- Floresta 2
14- Avenida Rivadavia (Bonus)  

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Almendra - En Vivo en el Teatro Del Globo (FLAC - 1969)

 

"Debutamos en Buenos Aires en el Instituto Di Tella en el mes de marzo de 1969. Unos días después, el 7 de abril, hicimos nuestra segunda presentación en el Teatro Del Globo. Lo dirigía María Luisa Bemberg. Iniciábamos un ciclo en el que también participaban La Cofradía de la Flor Solar y otros grupos importantes.
Esa noche , blandiendo un Philips de cinta abierta apareció por la puerta del teatro Amadeo Alvarez, cantante del grupo In y cálido amigo. Apoyó simplemente el grabador sobre las tablas del escenario y registró nuestro segundo concierto en vivo..."

Almendra

 

"...De ese primer recital en el Di Tella no quedó ningún registro visual ni sonoro. No eran épocas en que grabar conciertos fuese algo usual. La fecha del Teatro del Globo (cuya directora por entonces era María Luisa Bemberg) era la primera de un ciclo en el cual, entre otros, iba a tocar también La Cofradía de la Flor Solar. Esa noche apareció en el teatro Amadeo Álvarez, cantante de Los “In”, una banda beat que por entonces la había pegado. Álvarez era amigo, y cayó sin consultar con un grabador Philips de cinta abierta. El aparato era una rareza en esa época. Lo colocó sobre el escenario y puso rec. La cinta capturó todo el concierto de esa banda de principiantes en sonido ambiente. Después nadie más supo nada de esa grabación. Tampoco hubo mucho tiempo para ocuparse de ella; los dos años que siguieron a esa noche fueron meteóricos: sesiones de grabación, lanzamientos, dos álbumes y varios simples, recitales y reviente. Ascenso, auge y separación. Para fines de 1970 Almendra ya había hecho historia y también se había separado.

“Años después, Amadeo le regaló esa grabación a Litto Nebbia”, contó García mucho tiempo más tarde. “Un día me llamó y me dijo `tengo una grabación que es impresionante´. Yo ni me acordaba que existía, y escucharla fue increíble. Después se filtró por algún lado y empezó a circular en forma pirata”. Dicen que el pirata de ese concierto era lamentable. Copia de copia de copia de algo ya de por sí grabado al voleo. En el año 2004, el diario Página 12 editó la cinta junto a Almendra y la convirtió en un cd. La grabación sigue siendo precaria, lógicamente. Pero funciona. En la hora y pico que dura, se llega a apreciar muy bien el ambiente que generaba la banda en vivo en ese momento previo al estallido. Hay algo íntimo en ese clima, un orden y una disciplina rara para el rock y para la edad de los músicos. También tiene algo de sesión de jazz que se escapa del formato “recital de rock” ya estatuido por aquella época. Ni hablar de lo que hoy pensamos como show. No hay protagonismo del público ni quilombo sonoro. Y, aunque incluye el que posiblemente sea el peor solo de batería de la historia, además la grabación contiene varias canciones de Almendra que quedaron afuera de los discos como Continuación del hielo en la ciudad, Mosca muerta, Vine al planeta y Chocolate. Respecto de esta última, Spinetta mencionó: “Esa canción la hice junto a mi novia de aquel entonces, Cris, quien me ayudó con la letra. Estábamos muy enamorados, podíamos pensar casi igual. Se nota la influencia de las lecturas de Cronopios, de Julio Cortázar, y, por sobre todo, los 19 años”.

Cuando salió el disco, en 2004, Spinetta dio una nota. Refiriéndose a la grabación dijo lo siguiente: “Pareciera estar marcada para siempre. `Voy a conquistar a las naranjas… voy a ser las flores y las sillas´, comienza diciendo una letra. Es increíble lo vigente que está en el pop en castellano una frase tan inocente como ésa. Luego agrega: `Voy a hacer poner el sol temprano, las estrellas se pondrán contentas´. Hay una búsqueda poética que por momentos no repara en redundancias, también admitámoslo, pero esas partes son las menos de un todo coherente de lirismo y emoción”. 

De ese año 69, de esa explosión que fue la primera época de Almendra, Spinetta contó: “No me acuerdo de nada, excepto de la sensación de entrar en el vértigo de crecer, como nos pasa a todos en esa etapa de la vida”. En el librito que viene con el disco los Almendra escribieron que se trataba de “un grupo de muchachos en estado de ensoñación musical y energía inconsciente”. En esas declaraciones hay un tono general de inconsciencia respecto del momento aquel. Sin duda, ninguno ellos sabía el significado de lo que estaban por hacer como banda. Seguramente la historia sucede casi siempre así, de manera más o menos inadvertida. En El Globo, esa noche de hace cincuenta años, todo eso que finalmente sucedió estaba apenas germinando".

Tomás Richards (revistapaco.com)

 

 

 

Integrantes:

Luis Alberto Spinetta: Guitarra, voz
Emilio Del Guercio: Bajo, voz
Edelmiro Molinari: Guitarra, voz
Rodolfo García: Batería, voz

Temas:

 

Los temas 3, 9 10, 11, 14, 15 y 16 nunca fueron grabados por Almendra oficialmente.

01- Gabinetes Espaciales
02- Tema de Pototo
03- Hombre de Luz
04- Campos Verdes
05- Que el viento Borró tus Manos
06- Plegaria para un niño dormido
07- Hoy todo el hielo en la ciudad
08- Fermín
09- Para que me sigas
10- Continuación de hoy todo el hielo en la ciudad (Cristina Bustamante)
11- Chocolate
12- Figuración
13- Ana no duerme
14- Mosca Muerta
15- Vine al Planeta
16- Desde el Alma

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits 

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Horacio "Chivo" Borraro - Blues Para Un Cosmonauta (FLAC - 1975) Reedicón 2022

 

 

Horacio "Chivo" Borraro fue, junto al Gato Barbieri, el saxofonista y clarinetista mas importante de aquella histórica camada de jazzeros argentinos surgida a principios de la década del 60. "Blues Para un Cosmonauta", editado en 1975 por el sello Trova, es uno de los trabajos mas trascendentes y experimentales de este notable músico. 

 

El “Chivo” Borraro, clarinetista primero y saxo tenor después, nació el 6 de octubre de 1921 en Buenos Aires, en el seno de una familia de músicos no profesionales egresados de conservatorio. Comenzó tocando en clubes de barrio cuyos bailes tenían por número principal a las orquestas típica y la jazz. El primer grupo de relevancia que integró, los Rythm Makers, fue una de las primeras experiencias porteñas de búsqueda del jazz puro, no bailable, que cultivaba el estilo Chicago. Gestada por estudiantes de la Facultad de Arquitectura, no editaron discos comerciales, aunque su nombre perduró por perseguir la supremacía de la práctica improvisatoria. Los Rythm Makers fueron al jazz de los 40 y 50 lo que las bandas alternativas al rock de los 90, con la diferencia de que ninguno de ellos logró ni quiso cruzar la línea que limita lo minoritario de lo masivo. Participó del Hot Club, del que se fue en franca disidencia en 1954, para integrar la primera gran banda moderna dirigida por Lalo Schiffrin.
En una carta personal reproducida en su autobiografía escribiría años después: “[…] diles a los miembros de la Comisión Directiva del Hot Club que les tengo lugar reservado en el arca que pienso construir, ya que es mi deseo que ninguna especie animal quede sin representación dentro de ella”.
En el Bop Club ganó año tras año la encuesta anual como mejor clarinetista, hasta que gracias al préstamo del baterista Pichi Mazzei pudo adquirir su saxo tenor.
En 1966 grabó su primer disco solista, El Nuevo Sonido del Chivo Borraro, en donde muestra su evolución estilística desde el Bebop al Hard Bop, una de las corrientes en las que derivó la modernidad temprana del bop.
Borraro fue uno de los pocos músicos que supo recorrer a lo largo de su carrera todo el espectro de estilos del jazz, desde el hot hasta el free y la fusión de los setenta. Participó en innumerables proyectos, gracias a su gran reputación como músico de sonido personal. Entre los propios pudo editar una discografía relevante perdida por muchos años, posteriormente reeditada por el sello inglés Whatmusic. El notable saxofonista, impulsor del jazz moderno en la Argentina, murió en Buenos Aires, el 31 de mayo del 2012, a los 90 años de edad.

"Horacio Borraro es ya suficientemente conocido en el ambiente musical y especialmente jazzístico de la Argentina; huelgan por lo tanto las redundancias en cuanto a su capacidad técnica y creadora. Pero en este disco singular, por momentos difícil y hermético, su musicalidad llega a niveles insospechados tanto al expresarse con el saxo tenor como cuando interviene con el órgano, piano acústico o electrónico, sintetizador, xilofón, percusión y flauta dulce. En "Líneas Torcidas", hermoso tema de gran lirismo, se amalgaman con perfección las intervenciones de todos los componentes del conjunto, resaltando la prístina inspiración de Stenio Mendes y el muy buen solo de Chivo Borraro. En "Blues para un Cosmonauta", el trío crea adecuadamente un clima cósmico con la superposición de los pianos acústico y electrónico y el sintetizador. En "Canción de Cuna para un `Bebé del Áño 2.000" oímos la mejor ejecución de Fernando Gelbard y los inspirados solos del Chivo, de elevada sensibilidad y gran belleza formal. En "La invasión de los Monjes" se manifiesta el peculiar misticismo de Stenio Mendes, quien toca y vocaliza admirablemente. Resaltan la percusión y los efectos de Astarita y Rossi. Fernando pone su talento y el Chivo amalgama introduciendo el jazz. En "Mi amigo Tarzán", son excelentes los efectos logrados al principio y al final. Fernando y Chivo brillantes. Se escucha la mejor intervención de González y un ritmo fascinante. El disco todo está ampliamente logrado: en el orientalismo de "Líneas Torcidas" y "La Invasión de los Monjes", en el lirismo Coltraneano de la "Canción de Cuna", en el clima extraterreno de los Blues y en el africanismo de "Mi amigo Tarzán", donde Borraro se retrotrae a sus vivencias de infancia recreando todo ello con un brillante psicologismo musical. Solamente un artista de privilegio puede llegar a niveles tan logrados de concepción armónica, acústica, rítmica y de clima como los que escuchamos en este long-play. Y Borraro —sin ninguna duda— lo es. Es de desear que fecundas experiencias musicales como ésta, se repitan en nuestra empobrecida discografía jazzística nacional".

Dr.Ismael De Forteza (Escrito contratapa del álbum-1975)

Musicos Que Participan:

Horacio "Chivo" Borraro: Saxo tenor, teclados, flauta, percusión
Fernando Gelbard: Piano eléctrico, sintetizador Moog
Stenio Mendes: Guitarra acústica (Craviola) (Temas 1 y 4)
Jorge Gonzales: Contrabajo (Temas 1, 4 y 5)
Nestor Astarita: Percusión (Temas 1, 4 y 5)
Miguel "Chino" Rossi: Percusión, efectos especiales

Temas:

01- Líneas torcidas
02- Blues para un cosmonauta
03- Canción de cuna para un bebé del año 2000
04- La invasión de los monjes
05- Mi amigo Tarzán 

 

Bonus Tracks:

 

06- Mi amigo Tarzán (Toma alternativa) 

07- Mi amigo Tarzán (Intro)

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

 pass: naveargenta.blogspot