25 de octubre de 2019

Pescado Rabioso - Pescado 2 (Vinilo FLAC + Scans - 1973)




Y por fin llega...a pedido de varios navegantes, el histórico "Pescado 2", ripeado del vinilo original con la grafica incluida. Intentando un acercamiento auditivo y visual, lo más fiel posible, a aquella edición publicada en 1973 por el flamante sello Microfon-Talent. Esto significa además, alguna que otra inevitable imperfección, debido al desgaste lógico de un disco que tiene 46 años de vida y muchas (y sentidas) escuchas. En lo personal espero, y les deseo, que la digitalización de este álbum sirva para renovar la experiencia de sumergirse en esta obra fundamental de nuestra música. Que lo disfruten!!


A comienzos del '73, la nueva formación de Pescado Rabioso ya parecía afiatada y el 2 de febrero brindan un recital ante un teatro Astral totalmente colmado. Lebon (como acostumbraba en algunos conciertos de esa época) sorprendió al público apareciendo vestido de mujer. Allí estrenaron algunos de los temas que estaban grabando para su nuevo álbum, como "Después de la bomba" (que finalmente aparecería —SADAIC mediante— con el nombre "Corto" y "Madre-Selva", así como el de su reciente single,"Post-Crucifixión". El recital es comentado por Juan Manuel Cibeira en el N° 34 de la revista "Pelo": "Pescado volvió a una sala grande y lo hizo quizá más preciso y ajustado que nunca, con una clara depuración en su sonido y su estilo cada vez más pesado. Spinetta parece por momentos transgredir sus propias propuestas musicales. O mejor dicho, las que el público espera de él. Esta situación crea un cierto sentimiento de desilusión en el público pero a la vez resulta un incentivo para la creación y para la percepción de nuevas y diferentes entregas." Este gran momento que atravesaba la banda es confirmado por Black Amaya, cuando cuenta a Ezequiel Abalos en su libro "Historias del rock de acá": "Al año siguiente (por 1973) ya éramos capos, tocábamos mucho y ganábamos un montón de plata. Ahí me compré una batería Pearl. Un día me encuentro con Pappo, que estaba tocando con Machi y Pomo, y me dice, `Nosotros somos Cream y ustedes son Traffic', y yo le dije, `No, nosotros somos los Rolling Stones y ustedes, Cream'. Siempre se lo recuerdo y se ríe." 



Entre noviembre del '72 y febrero del '73 graban en Phonalex un disco que sería otro de los grandes momentos en la historia del rock nacional: "Pescado 2", aparecido originalmente como un álbum doble acompañado por un librito con las letras, notas e ilustraciones de Luis Alberto y varios colaboradores. La llegada de David, que aparte de bajista era también cantante, guitarrista y compositor con un certero instinto melódico (en "Pescado 2" aparece su primer tema grabado, "Mañana o pasado") contribuyó seguramente a que Spinetta retomara un poco el lirismo de su etapa Almendra y lo uniera a la intensidad rockera que caracterizaba el grupo, más algunos complejos arreglos —temas con cortes, cambios de métrica, distintos módulos— que anticipaban lo que sería la siguiente etapa, es decir Invisible. Como fuera, lo cierto es que —a diferencia de lo que sucedía con muchos álbumes dobles— difícilmente pueda encontrarse algún material de relleno en sus 18 canciones, que poseen un eclecticismo admirable y a la vez una coherencia total, producto de un momento genuinamente inspirado. La instrumentación va desde lo ferozmente eléctrico a lo totalmente acústico, y las armonías de voces de Luis y David producen pasajes memorables. Algunos de los temas son el fantástico blues menor "Como el viento voy a ver", el irónico "Nena boba", el lírico "Credulidad", "¡Hola pequeño ser!", "Mi espíritu se fue", y el monumental "Cristálida", una canción de más de 8 minutos donde participaba un grupo de músicos del Colón tocando los arreglos de cuerdas, dirigidos por Cutaia. Spinetta dice que "...fue un disco más lírico y expresivo que el anterior, con arreglos orquestales y temas como 'Corto', `Credulidad' v la cereza del zar', más ligados a Almendra, como si ese grupo fuera un sello soberano frente a mí y yo siempre volviese a él de algún modo". (E. Berti.) Sin embargo, y contradiciendo todas las predicciones, cuando aparece "Pescado 2", el grupo ya está en proceso de disolución. Entre los motivos citados por los protagonistas está el hecho de que tanto David como Black y Cutaia querían profundizar una dirección de rock y blues. mientras que Spinetta estaba ingresando en una etapa más lírica y compleja. Por otra parte, aún disfrutando del bajo, David no podía ocultar su alma de guitarrista. y éste sería su instrumento principal tamo en su carrera solista (su primer álbum,"David Lebon", aparecería al año siguiente), como en los grupos que integraria a continuación. A pesar de todo, Spinetta decide mantener el nombre para lo que sería el álbum siguiente. "Artaud". Pero ese es otro capitulo de esta historia, de la cual hablaremos mas adelante.




"Entre noviembre de 1972 y febrero de 1973 en los estudios Phonalex con Norberto Orliac como técnico de grabación y la coordinación de grabación de Oscar López, Pescado Rabioso graba su segundo trabajo pensado como disco doble. Con la idea de que cada long play tuviera su propia tapa, el disco uno se llama Pescado y su tapa es un pentagrama en blanco y del otro lado cuatro dibujos de Luis a todo color, y el otro long play se llama 2 (Dos) y su tapa es un dibujo en blanco y negro de un pescado con cara humana y forma de número dos con notas musicales por detrás, como si huyera del pentagrama vacío de la tapa del disco uno. La numeración de los temas es correlativa, el disco Pescado termina con el tema 9 "Petiribí" y el disco 2(dos) empieza con el 10, que es "16-de Petiribí", a modo de enlace a las diferentes estructuras, como lo justifica el texto interno de la edición original del novel sello de Microfón: Talent. Conjuntamente con los discos, la edición incluía un cuadernillo de cincuenta y dos páginas con fotos, dibujos y escritos de puño y letra de Luis Alberto Spinetta."
Ezequiel Abalos

"Pescado Rabioso es más que rock y —muy felizmente— lo demostraron con este trabajo. Al ser más que rock son también constructores (no importa si se lo proponen o no) de una música generada y condicionada desde este Sur. Creo que es uno de los más grandes trabajos que se hicieron en la música popular (única válida, por otra parte) de la Argentina. Algunos generosos creerán además que se trata del reencuentro con el viejo Spinetta. No es eso: Spinetta, probablemente, se va encontrando cada día como cualquiera de nosotros. A veces mejor y otras menos. Pero esta vez, además, tuvo la fortuna de saludarse en el camino a David, Cutaia y Black."

Revista Pelo: Sobre Pescado 2 (1973)


Integrantes: 

Luis Alberto Spinetta: Guitarras, voz
Carlos Cutaia: Órgano, piano
David Lebon: Bajo, voz, guitarras
Black Amaya: Batería, percusión


Temas - Disco 1: "Pescado"

01- Panadero Ensoñado
02- Iniciado Del Alba 
03- Poseido Del Alba
04- Como El Viento Voy A Ver
05- Viajero Naciendo
06- Mañana O Pasado
07- Nena Boba
08- Madre-Selva
09- Peteribí

Temas - Disco 2: "2 (Dos)"

01- 16" De Peteribi
02- Señorita Zapada
03- Credulidad
04. ¡Hola, Pequeño Ser!
05- Mi Espiritu Se Fue
06- Sombra De La Noche Negra
07- La Cereza Del Zar
08- Corto
09- Cristálida




Muestra grafica de la grabación sin pérdida de audio original


Ripeado De Vinilo

Formato FLAC (Free Lossless Audio Codec) 44.000 Hz - 16 bits

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18 de octubre de 2019

Gustavo Santaolalla - Raconto (2017) + Encuentro en La Cupula (Bootleg)




Con "Raconto" Gustavo Santaolalla decidió explorar su propio repertorio. “Generalmente me gusta mirar para adelante, pero de vez en cuando me doy cuenta que hay un camino recorrido con muchas cosas hechas. Son momentos en la vida, que por distintos motivos, uno tiene también la necesidad de mirar hacia atrás. En realidad, el tiempo no existe”.
El álbum fue grabado junto a su socio de siempre, Aníbal Kerpel,  en sesiones en el Teatro Colón -donde debutó esta nueva formación-, en el Centro Cultural Néstor Kirchner y en el programa Encuentro en la Cúpula.
El trabajo recorre diferentes etapas de la carrera de Santaolalla, desde sus comienzos con Arco Iris, su etapa solista y con Bajofondo, además de incluir también composiciones como la realizada para el videojuego "The Last of Us". "Encontrarme con estas canciones y redescubrirlas fue una experiencia maravillosa y reconfortante", dijo el músico, que añadió que muchos de los paradigmas a los que hacían referencia algunos temas siguen siendo los mismos que posee actualmente. "Así como para mí fue un redescubrir, espero que para muchos sea un descubrir. Hay varios temas de mi repertorio que la gente no conoce y, viéndolos de nuevo, pienso que tienen méritos como para ser apreciados hoy en día". Con respeto por los arreglos originales de cada canción, las variaciones encuentran lugar en la instrumentación utilizada, lo que genera un sonido actual e íntimo.  "Lo más contundente es mi rango como cantante, que ha crecido en comparación a cuando era joven. Y además, tener 60 años vividos te sienta diferente a la hora de interpretar una canción", resaltó.
Mañanas campestres, Canción de cuna para un niño astronauta, Paraiso sideral, Abre tu mente, Camino, Quiero llegar y Quién es la chica, de sus primeros pasos en el rock nacional en la década del 70 con Arco Iris, se combinan con material de su carrera solista como Vecinos, A solas, o Todo vale. “Encontré en estas canciones una atemporalidad, algo que siempre me ha gustado en el arte en general, y hallé paradigmas que son los mismos que sigo teniendo ahora”, comparte el cantautor . El eclecticismo del repertorio, la ausencia de cuantización rítmica, la falta de overdubs y de afinaciones o manipulaciones digitales, sumado a la variedad de instrumentos y la calidad de audio hacen de este álbum una experiencia sonora poco común, que además mezcla géneros que van desde el minimalismo característico con el que conquistó dos premios Óscar, a momentos de rock progresivo donde se luce la capacidad interpretativa del grupo, sin dejar de lado matices ni momentos intimistas, folclóricos o autóctonos.





Integrantes:

Gustavo Santaolalla: Voz, guitarra, charango
Javier Casalla: Violín, viola, guitarra eléctrica, armónica, pincuyo, voz
Nicolas Rainone: Contrabajo, bajo eléctrico, cello, voz
Barbarita Palacios: Percusión, ukelele bajo, Guit. acústica, campanas tubulares, glockenspiel, voz
Andres Beeuwsaert: Vibráfono, órgano Hammond, piano, clavecín, voz 
Pablo Gonzales: Batería, bombo leguero, timbales, voz

Temas - Raconto:

01- Inti Raymi        
02- Abre tu mente        
03- Quién es la chica        
04- Camino        
05- Quiero llegar        
06- Zamba        
07- Vasudeva        
08- Sudamérica        
09- Canción de cuna para un niño astronauta        
10- A solas        
11- El cardón        
12- Hasta el día en que vuelvas        
13- Mañana campestre        
14- Detrás        
15- Todo vale        
16- Paraíso sideral        
17- Vecinos        
18- Ando rodando


Temas - Encuentro en La Cúpula (Bootleg):

01- Intro (Inti Raymi) / Abre tu mente
02- Quiero llegar
03- Vecinos
04- Camino
05- Cancion para un niño astronauta
06- Quién es la chica
07- The last of us
08- A solas
09- Hasta el dia que vuelvas
10- Todo vale
11- Rio de penas



Formato: Mp3 - 320 Kbps

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11 de octubre de 2019

Contraluz - Americanos + Simple (1973-1974)




Considerado como el "Jethro Tull" argentino, debido al uso de la flauta traversa al estilo Ian Anderson, Contraluz inicia su historia musical en Buenos Aires a comienzo de los 70. Una de las características fundametales del grupo eran sus letras de alto contenido político-social. Musicalmente las composiciones se basaban en un hard rock de tintes progresivos junto a otras de suaves melodías folk.
En 1973 grabaron Americanos, su primer álbum, y un año después un simple para el sub-sello Harvest, cuyos temas están incluidos en esta publicación.

Contraluz es uno de los grupos pioneros del rock de la década del 70, cultores del rock progresivo, el núcleo original de la agrupacion, los hermanos Barrio y Prochnick, tocaban juntos ya desde 1968. Contraluz participa de la primer edición del BARock el miércoles 11 de noviembre de 1970 y de la segunda edición de BARock, en noviembre de 1971 en ambas ocasiones despierta admiración en público por su depurado sonido y técnica. Luego de grabar un muy buen disco que se editó dos veces con distinto nombre (1973 y 1974), la banda entra en una prolongada pausa, que parecio marcar el final.
En el año 2000 la banda vuelve de nuevo al ruedo tras 25 años, con tres de sus integrantes originales: Freddy Prochnick, Néstor y Carlos Barrio a quienes se suma Jaime Fernandez Madero. Este contundente trabajo, llamado "El Pasaje", es editado y producido en forma independiente por la banda y mantiene la estética de rock sinfónico que los caracteriza pero sin caer en un "revival" de la vieja época. Octubre del 2003 marca un nuevo capitulo en la historia de la banda, con la edicion de "Ramos Generales" al respecto Nestor Barrio, baterista de la banda, comenta: "Este es el mejor disco de la banda sin dudas. Temas rockeros fuertes, baladas melódicas, temas con tendencia de rock sinfónico, complejos contrapuntos entre cuerdas y teclados. Hay pasajes folklóricos y de música ciudadana, instrumentos variados como charango, saxo, papouse, flauta traversa, bajo acústico, bandoneón, muchos teclados, además de los tradicionales eléctricos (guitarra y bajo) y batería. También se introdujeron variantes en la percusión como bombo legüero, bongó, cortinas, cascables, etc". Contraluz en en el 2003 no solo suena en forma excelente, sino que su mayor virtud es que la banda volvió a los escenarios, no para hacer un negocio melancólico, sino para profundizar un proyecto que comenzó hace muchos años, pero con la experiencia los medios de hoy.  


"Si la edición de un long play es necesaria para decir que alguien es importante es porque somos todos unos chantas. Hablar ahora de que Contraluz hace música en serio y con intenciones de darle un espectro más amplio del que tenemos es un poco vergonzozo reconocerlo después de tanto tiempo. Pero ellos también estaban despelotados. Así que las cosas más o menos están empatadas. Hay que prestar atención a las letras de este grupo. No son compulsivas o enganchadas en el borbotón de la hora: están esforzándose por decir lo que está pasando. Más fortalecidos en el ritmo que melodías, la música de Contraluz destaca en los temas de potencia, verdaderamente realizados por un cantante de un empuje excepcional.
Tapa: se ve que la hizo la grabadora sin consultarlos.
Síntesis: valioso aporte para crecer en forma lúcida. El momento para Contraluz llegó, ojalá que ellos quieran sortear las innumerables vallas y que nosotros seamos lo suficientemente concientes y respetuosos como para ayudarlos". 


                                                                                                    Revista Pelo - Reseña del disco (1973)




Integrantes:

Carlos Barrio: Guitarras
Alejandro Barzi: Flautas, piano
Freddy Prochnik: Bajo
Alvaro Cañada: Voz
Néstor Barrio: Batería

Temas:

01- Indios sin prisión
02- Sin trabajo
03- No sea que caigas mendigando
04- Clave de sol
05- La sarna del viento
06- El charco
07- Abrir el día
08- Seamos

Bonus Tracks:

09- Que tu voz se escuche (Simple / Lado A - 1974)
10- Y un dia solo (Simple / Lado B - 1974)



Formato: Mp3 - 320 Kbps

http://www.mediafire.com/file/vye3v48e36hqhwa/Cntrlz-mrcns.rar/file

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4 de octubre de 2019

La Pequeña Banda de Tricupa - En Vivo en Tucuman (Bootleg - 1974)




Conocida como "La pequeña banda Tricupa", "Banda Tricupa" o "Tricupa" a secas, es una de las agrupaciones de rock pioneras en la provincia Tucumán, su debut se produce en 1971 en la biblioteca Alberdi. En noviembre de ese mismo año se presentan en Buenos Aires en el marco de el festival BARock II junto las mas importantes bandas del momento y ante una audiencia de 20.000 personas, obteniendo buenas criticas. En 1973 Juan Escalante deja la banda y el grupo continua sin baterista ingresando en una etapa muy productiva que llamaron "El Cuartetazo", con un estilo muy parecido a Crosby, Stills, Nash & Young.
Tricupa, solo logra registrar en forma extraoficial una actuación (el 13 de Septiembre de 1974) en el Club Caja Popular de Tucuman, presentándose como banda soporte de Aquelarre. Tiempo despues el grupo se separa.
En 1976, Tricupa se reúne presentándose el 19 de Noviembre en el ex-cine Plaza, sin Giamba (exiliado en Europa a causa de la dictadura) y de nuevo con la batería de Juan Escalante, mas la participación de Rodi Castro en teclados, presentando la obra conceptual "Leyenda en Octavo", esta seria la última presentación de la banda.
Actualmente Juan Escalante actúa en los escenarios de Australia, Giamba es músico en Lyon, Francia, Oscar, temporalmente radicado en Alemania, se dedica a la opera y se ha presentado en los escenarios mas importantes de el mundo, Luis y Diaz siguen sus carreras musicales en Tucumán, Argentina.
El último capítulo de la historia de Tricupa se produce cuando el 22 de diciembre de 2002 Imhoff y Albornoz se presentan junto a Capdevilla, Aguero, Corbalan Russo y Araoz en el recital denominado "Re-Unión", realizado en Tucumán junto a otras tres bandas legendarias de la provincia Redd, Tango y Jalea. De este show se editan dos Cd´s en uno de los cuales quedan registrados cinco temas de Tricupa.




Integrantes:

Oscar Imhoff: Voz
Roberto "Giamba" Giambastiani: Segunda Guitarra, voz
Luis Albornoz: Primera Guitarra
Juan Escalante: Batería y voz
Atilio "Papucho" Diaz: Bajo 


Temas: 

01- Eh! Inmovil
02- Vuelo prenatal
03- Mañana podré
04- Metro patrón
05- Sol celestial
06- La pasión de Wilmer
07- Invernal
08- Tricupa, reino miel
09- Compadre
10- Transportación
11- La ventana
12- Sarol
13- Subterfugio
14- Explota


Formato: Mp3 - 192 Kbps
 
http://www.mediafire.com/file/esvel7rfl30vsae/L_Pqu%25C3%25B1_Bnd_d_Trcup-n_Vv_Clb_Cj_Pplr.rar/file

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27 de septiembre de 2019

David Lebón - Desnuque [Homenaje al Rock And Roll] (FLAC-1984)




Dándole el gusto al público que pedía un regreso al rock, Lebón graba en 1984, este homenaje al género. El disco incluia nuevos temas, algunas versiones en vivo de sus mejores rocks, un blues, una canción de amor, una versión en castellano del "Jailhouse Rock" (popularizada por Elvis Presley), y la producción de Charly García en varios temas, quien además tocó teclados y bajo. Participaron Quique Berro en guitarra rítmica y Babú Cerviño en teclados, quienes se sumaron a Daniel Colombres (batería) y Beto Satragni (bajo). Entre los invitados figuran Celeste Carballo, quien participó en el tema "Hacelo hoy conmigo", cantado a dúo con David, el saxofonista Oscar Kreimer, y una sección de bronces, dirigida por el músico de jazz Ricardo Lew. El album fue lanzado en 1984 por el sello Mordisco

"El subtítulo de este álbum lo dice todo: "Homenaje al Rock And Roll". David se dio el gran gusto de su carrera y le regaló a sus fervorosos seguidores lo que esperaban desde hace tiempo: un álbum con ritmo y energía roquera. Ojo, a no confundirse; esto no es ni Polifemo ni el reino del rock cuadrado. "Desnuque" es una vertiginosa sucesión de temas fuertes trabajados con el sentido melódico habitual del guitarrista. El viejo "Rock de la cárcel" —reciclado con un toque moderno— es el caballito de batalla del álbum; la versión es buena y tiene mucho ritmo. "La cadena se rompió" es un viejo tema de Lebón que aparece aquí en una versión fresca y potente, con un estribillo muy melódico. "Hacelo hoy conmigo" es uno de los puntos sobresalientes del disco, con David y Celeste Carballo cantando a dúo un blues romántico que pone los pelos de punta. "¿Qué te pasa, Argentina? " es un rock fuerte que muestra una temática testimonial inusual en Lebón. En líneas generales, el material del disco es parejo, aunque los temas producidos por Charly García tienen su sello inconfundible y se diferencian del resto por su aire moderno. "Desnuque" incluye también ardorosas versiones en vivo de "Treinta y dos macetas" y "No confíes en tu suerte". La energía de ambos temas es tal que los parlantes corren peligro de estallar. Además, el solo de Lebón en el segundo es realmente de antología. "Desnuque" es un muy buen disco, en el cual David Lebón demuestra que pese a su evidente y clásica tendencia romántica, el fuego del rock and roll sigue corriendo por sus venas". 

 Revista Pelo - Sobre "Desnuque" (1984) 



 
Formacion Estable:

David Lebón: Guitarra, voz, bajo, órgano
Quique Berro: Guitarra
Daniel Colombres: Batería 

Musicos invitados:

Babú Cerviño: Teclados, órgano
Charly García: Bajo Moog, teclados
Beto Satragni: Bajo
Oscar Kreimer: Saxo
Celeste Carballo: Voz en "Hacelo hoy conmigo"
Ricardo Lew: Arreglos y dirección de vientos

Temas:

01- No lo ves, tonto
02- La cadena se rompió
03- Contigo que pasa
04- Hacelo hoy conmigo
05- Ya no quiero un minuto sin tu amor
06- Rock de la cárcel (Jailhouse Rock) (Leiber-Stoller)
07- Qué te pasa, Argentina
08- Mis amigos saben
09- 32 macetas (En vivo) (Lebón-Lagardé)
10- No confíes en tu suerte (En vivo) 



Formato FLAC (Free Lossless Audio Codec) 44.000 Hz - 16 bits

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20 de septiembre de 2019

Sumo - Divididos Por La Felicidad (Vinilo FLAC - 1985)




Divididos por la felicidad es el disco debut de Sumo. Grabado en los estudios CBS entre octubre de 1984 y enero de 1985, esta considerado entre los mejores álbumes de la historia del rock argentino. La digitalización del vinilo que comparto con ustedes, corresponde a la edición original, publicado por CBS bajo el número de serie 20.591.

 Con este disco Sumo se lanzó al estrellato y salió del circuito underground como bares y pubs. El álbum se presentó los días 11 y 12 de mayo de 1985, en el teatro Astros. Luca Prodan, líder y cantante del grupo, comenzó a hacerse más conocido. El hit "La rubia tarada", (Un tema que a la larga cansó a Luca) fue el mayor éxito de este LP. El nombre original del tema era "Una Noche en New York City". Los reggaes "Kaya", "Regtest", "No acabes" y "El reggae de paz y amor" son de los mejores del grupo. La letra de "Mejor no hablar (de ciertas cosas)" fue escrita por el Indio Solari. 



"A destiempo y gracias a algunos signos providenciales, el rock argentino pudo recuperar de golpe casi ocho años de historia y completar la asignatura pendiente que dejó el punk como bomba de cambio: Divididos por la felicidad, el álbum debut de Sumo, apareció como un manual de supervivencia para la generación post Malvinas justo cuando empezaba el fin de la alegría democrática. El impacto fue tremendo y aún hoy sigue sorprendiendo la irreverente mirada de Luca Prodan para sacudir una escena tan alejada de sus años de formación en la lejana Inglaterra. De allí proviene el reggae blanco con mueca prepotente, las derivaciones del punk como materia evolutiva en la búsqueda de climas oscuros y actitud combativa, y los primeros experimentos entre rock crudo y música electrónica. Pero lo más interesante aparece en la extraña integración entre la idiosincrasia de un italiano fugitivo y sus secuaces argentinos. Cinco tipos en estado de shock permanente frente al tornado que dirigía una orquesta desquiciada, cantaba raro y revelaba los síntomas de la enfermedad cada vez que subía a un escenario. Luca sabía que no le quedaba mucho tiempo de vida y decidió jugar esas últimas cartas en un proyecto imposible. Invirtió ahorros en equipos e instrumentos, siguió cantando en inglés en una época difícil para la lengua de Byron y convirtió a Sumo en una formación capaz de transformarse en grupos paralelos como Ojos de Terciopelo, Sumito, y la Hurlingham Reggae Band. Y fue justamente el repertorio jamaiquino de este último alias el que cautivó a un capo de CBS. Después de algunas charlas y con el compromiso de agregar algunos reggaes al track list, Sumo comenzó a grabar su primer disco en octubre de 1984. Sin experiencia previa, salvo una producción independiente registrada en casete bajo el título de Corpiños en la madrugada (1983), el sexteto trasladó al estudio la anarquía que dominaba sus shows. Todos los integrantes tuvieron su cuota de opinión en cómo debía sonar el disco y de esa bendita inocencia surgió un ruido tan real como imperfecto pero la conjunción de esos elementos fue una explosión de novedades. El eje maestro que formaban Ricardo Mollo y Diego Arnedo dejaba lugar para el expresionismo ruidoso de Germán Daffunchio o los raptos esquizoides del saxo de Roberto Pettinato y, por detrás, como auténtico guardián del tiempo, Superman Troglio enderezaba todos los desniveles de la muralla. En lo más alto, el bravo clamor de Luca llamaba a tomar las armas aunque la cadencia de un reggae sugiriera lo contrario. Plagado de enigmas para la época, Divididos… invitaba a descubrir y perderse en su simbología oscura. 


 
La tapa del album mostraba una imagen tomada de la televisión en la que dos ballenas yacían en una playa. El título incluye más señales: como una cita explícita a Joy Division, la banda inglesa que marcó el camino a las tendencias conocidas como after-punk y dark-rock, la traducción imperfecta tenía algo de apropiación criolla y homenaje velado. Otra extraña conexión: la letra de “Mejor no hablar de ciertas cosas” pertenece al Indio Solari y fue cedida por el líder de los Redondos luego de comprobar que Luca se había adueñado de la canción cuando lo reemplazó en una ocasión en que la banda platense tocó sin su voz original. La primera aproximación al sonido Sumo atrapa desde el cuchicheo de las chicas pitucas que planean estrategias de seducción antes que arranque el estallido disco-funk de “La rubia tarada”, una danza mala onda con pasajes de comedia a cargo de Geniol. En cada escala reggae del disco sobresale la técnica marciana de Troglio, considerado por Prodan “el mejor batero blanco de reggae del mundo”; y desde los ritmos roots hasta las primeras implicancias del dub están presentes en esas intervenciones: por momentos Sumo parece The Clash y con el tiempo Clash se parece a Sumo. En “Mula plateada”, un ska con rítmica tribal, surge otro de los destellos vaguardistas y “Debede” suena más actual que LCD Soundsystem con su desarrollo electro-disco-punk- Buena parte de lo que escuchamos hoy nació con el disco azul de Sumo. Desde Los Piojos a Los Tipitos, toda la generación del reggae y ska, y ni qué hablar de Intoxicados, conocen de memoria el tratado de estilo que un italiano escribió hace más de veinte años junto a cinco inadaptados, al sur de todas las cosas". 

                                                                                         Revista Rolling Stones


Integrantes:

Luca Prodan: Voz
Ricardo Mollo: Guitarra, coros
Germán Daffunchio: Guitarra, coros, teclado en "No Acabes"
Diego Arnedo: Bajo, Contrabajo, coros, teclado en "No Acabes"
Alberto Troglio: Batería, percusión
Roberto Pettinato: Saxo alto y tenor

Temas:

01- La rubia tarada
02- Mula plateada
03- No acabes
04- Regtest
05- El reggae de paz y amor
06- Debede
07- Mejor no hablar de ciertas cosas
08- Divididos por la felicidad
09- No duermas más
10- Kaya 



Muestra grafica de la grabación sin pérdida de audio original


Ripeado De Vinilo

Formato FLAC (Free Lossless Audio Codec) 48.000 Hz - 16 bits

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13 de septiembre de 2019

Musicasión 4 ½ - V.A. (Uruguay - 1971 / Versión Completa)




Uno de los discos emblematicos de la musica popular uruguaya. Musicasión 4 ½ es un compilado editado en 1971 por el sello De La Planta. El album incluye grabaciones de grupos y solistas uruguayos, realizadas entre 1966 y 1969.

  En 1969 Horacio Buscaglia y Eduardo Mateo decidieron armar un espectáculo musical para difundir su música, que carecía de difusión en los medios. Así surge el espectáculo llamado Musicasión. La primera función se realizó el 21 de junio de 1969. Pese a que ningún diario informó del hecho, había 350 personas, en su mayoría músicos, para presenciar el show. Se realizaron en julio dos funciones de Musicasión 2, ocasión en la que se escuchó por primera vez la canción Las manzanas de Rubén Rada. Musicasión 3 tuvo cuatro funciones en octubre y Musicasión 4 tuvo siete en noviembre de 1969. Todos los espectáculos se realizaron en el Teatro El Galpón. Si bien los protagonistas principales de estos espectáculos fueron el grupo El Kinto y Horacio Buscaglia, diversos artistas participaron de los mismos, incluyendo a los músicos Ruben Rada, Manolo Guardia, Federico García Vigil, Diane Denoir, Yair Flores, Cheché Santos y Dino, además del actor Pepe Vázquez. Los shows incluyeron música tan diversa como candombe, rock, tango, jazz y bossa nova; habiendo también recitados (los famosos «mojos» de Buscaglia) y actuaciones teatrales. Pese a que existía un guion, gran parte de los espectáculos eran improvisados.
 A fines de la década de 1960 en el programa Discodromo se realizaban actuaciones "en vivo" de varios artistas uruguayos. En realidad la música que sonaba no era interpretada en ese momento, sino que se hacía previamente una grabación en los estudios de Sondor y los músicos hacían playback en el programa. Carlos Píriz era uno de los técnicos de sonido de Sondor y tuvo la idea de guardar algunas de esas grabaciones, entre ellas varias de El Kinto. En mayo de 1971 Píriz tomó parte de ese material para armar una recopilación. Lo único grabado especialmente fueron los "mojos" (recitados) de Buscaglia. El disco resultante busca recrear el espíritu de las "Musicasiones", incluso con textos de Buscaglia y Píriz en la contratapa haciendo referencia a dichos espectáculos. Además de los temas de El Kinto y los «mojos» de Buscaglia aparecen en el disco: una grabación de Diane Denoir con Eduardo Mateo (Mejor me voy), una de Mateo y Reinaldo (De mi pueblo) y dos temas cantados por Verónica Indart de un frustrado disco a dúo entre Mateo y Buscaglia (Margaritas rojas y Hombre).
El disco fue reeditado en LP por el sello Clave en 1977, cambiando los "mojos" por otros menos politizados (en 1977 se vivía una dictadura cívico-militar en Uruguay). Esa misma versión fue reeditada por Sondor en 1983 en LP y casette y por Posdata-Sondor en 1998.



"Este disco es testimonio de una música popular uruguaya, desconocida, subterránea, tímida a fuerza de ser ignorada, hecha entre amigos y porque si, y con la calentura de lo que se hace a pesar de todo.
Por eso es que no interesa su éxito de ventas. Por eso es que me muero de la risa de los disc-jockeys lances que no lo difunden, de los críticos lances que no les gusta, de los músicos lances que no entienden en qué medida esta música vale, y de los que con acento ingles dicen "candombe-beat".
La idea es esa: un testimonio, un recuerdo, casi un álbum de familia, una constancia de la música primera que, seguramente, generara otra música.
Pero este disco no es un análisis erudito y una selección de época y estilo ordenados cronológica y/o temáticamente para su posterior estudio. No. Se puso lo que se pudo. Se uso lo que había. Y casi todo entreverado. Además Horacio dice unos mojos. Es flor de divague. Es una Musicasión".
Carlos Piriz - Escrito Contratapa del album (1971)




Temas e Interpretes:

01- Arena blanca espuma / El Kinto
02- (A) Mejor me voy / Mateo-Diane Denoir - (B) Mejor me voy / Rada-El Kinto
03- Música de pelicula del mismo nombre / El Kinto-Chango
04- Musicasión III / Urbano
05- Muy lejos te vas / El Kinto
06- Sueño de una noche de mermelada / H. Buscaglia - Si te vas de mi pueblo / Mateo-Reinaldo
07- Príncipe azul / Mateo-El Kinto
08- Margaritas rojas / Mateo-Federico-Figares
09- Yo volveré por tí / El Kinto
10- Fábula / Horacio Buscaglia
11- Hombre / Mateo-Verónica Indart
12- Pippo / Urbano-El Kin
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Formato - Mp3 - 256 Kbps

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