Jorge López Ruiz - Bronca Buenos Aires (1971)

Obra fundamental del jazz argentino, Bronca Buenos Aires es un álbum conceptual compuesto por Jorge López Ruiz, basado en los hechos de El Cordobazo en 1969. Con letra de José Tcherkaski, es un trabajo orquestal basado en un trípode, con apoyo en el free jazz, el clasicismo de la big bands y la música contemporánea. La obra fue inmediatamente censurada desde su aparición. Recién en el 2015 pudo presentarla en vivo por primera vez en su país. López Ruiz falleció el 11 de diciembre de 2018.

"En el 66 fue el golpe de Onganía y yo en un programa de TV despotriqué como un desesperado contra la dictadura. En esa reunión había un señor muy importante. Me asustaba su magnitud intelectual, su presencia. Ese tipo era Arturo Jauretche, y me alentó a plasmar esa protesta en música, lo que terminó siendo El grito. Ahí mi ideología estaba enraizada. Luego de eso sucedió El Cordobazo, que dejó a todos patas para arriba y de ahí salió Bronca Buenos Aires. Las únicas cosas que me mueven a escribir música son los acontecimientos que me ponen furioso desde lo personal, no he escrito mucho sobre amor. Escribí mucho más sobre lo que compromete la libertad social.
El Cordobazo se iba conversando con la gente que uno tenía alrededor. Eso lo fui metiendo en notas. En ese momento empecé a trabajar con José Tcherkaski, que hacía canciones con Piero. Sobre el texto de José escribí la música de Bronca...Es un texto que se lee en 3 o 4 minutos, pero la obra duraba 40 minutos empujada por esas anotaciones. Hasta Bronca Buenos Aires no existía en el jazz argentino una forma política. El músico de jazz, con alguna rara excepción nunca fue un músico de jazz sino músicos que tocaban jazz. Excepto por Favero, que escribió la suite "Dream", dedicada a Coltrane, no relacionada con lo político.
Nadie escuchó Bronca Buenos Aires. Fue prohibido luego de la primera vez que se difundió en la radio en 1970 y no sonó en un medio hasta el año 2004, cuando fue reeditado en CD. En el 2000 ya teníamos Internet. Eso hizo que se edite en Inglaterra, en Estados Unidos y, como consecuencia de esto, fue reeditado en Francia y en Alemania. Fue un pequeño privilegio viral. El disco interesa como cosa rara, porque ellos no pueden entender lo que nos pasa.
En el 70 nadie se atrevía a pasarlo entero, porque el texto termina con la palabra "carajo", que era considerada una mala palabra y consecuentemente un delito. El único que lo pasó entero fue el famoso Antonio Carrizo en Radio Rivadavia. Siguió prohibido durante todos los procesos militares. Yo trabajé en SADAIC cuando fue intervenido y tenía su oficina de censura, manejada por un coronel que era un idiota. Una señora a la que nombraron interventora de radio prohibió a Gardel durante 48 horas porque consideraba a las guitarras de mal gusto. En el 83, cuando volvió la democracia, yo no estaba en Argentina y nadie se acordaba del disco.
Financié mis obras con lo que ganaba trabajando para otros músicos, como orquestador. Un día vinieron a verme de una compañía discográfica y me dijeron “Tenemos a un músico que mata arriba del escenario pero no logramos que venda, algo estamos haciendo mal". Era Sandro. Ahí dije hay que sacar a Los del Fuego y volaron. Hicimos baladas, porque las baladas se venden en cualquier época".

Jorge López Ruiz (www.vice.com-2018)

 

 

 Músicos Que Participan:

 

Jorge López Ruiz: Contrabajo

José Tcherkaski: Recitante

Horacio "Chivo" Borraro: Saxo tenor
Carlos "Pocho" Lapouble: Batería
Fernando Gelbard: Piano

 

Músicos Invitados:

 

Santiago Giacobbe: Órgano
Alfredo Remus: Bajo
Enrique "Zurdo" Roizner: Percusión
Donna Carol: Voces

+ Coro y Orquesta

Composición: Jorge López Ruiz

Textos: José Tcherkaski

Dirección Musical: Oscar López Ruiz  

 

Temas:

 

01- La ciudad vacía (Primer movimiento)

02- Relatos (Segundo movimiento)

03- Amor Buenos Aires (Tercer movimiento)

04- Bronca Buenos Aires (Cuarto moviento) 

 

 

Formato: Mp3 - 320 Kbps

 

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Almendra - Almendra En Obras I y II (FLAC - 1980)

Estos dos albumes en vivo de Almendra fueron grabados en el Estadio Obras Sanitarias en diciembre de 1979, en lo que constituyó el primer regreso del grupo luego de nueve años de separación. Es considerada como una obra de arte por ser el fiel reflejo de la calidez y la energía de aquellos conciertos.

El álbum es el registro del regreso a la actividad de Almendra a nueve años de su primera separación. Grabado en el estadio Obras Sanitarias los días 7, 8 y 9 de diciembre de 1979, el disco fue pensado como parte de un registro audiovisual de la reunión de la banda, un plan que se completaba con una película que registraría los recitales. Si bien el film nunca llegó a ver la luz, Almendra en Obras se lanzó en dos volúmenes por separado y de manera independiente a través del sello del grupo, Almendra Editora, en 1980. Al margen del material de sus dos primeros discos y correspondientes singles, los shows incluyeron tres temas nuevos de Spinetta (“Vamos a ajustar las cuentas al cielo”, “Jaguar herido” e “Hilando fino”) y uno Del Guercio (“Cambiándome el futuro”) que no llegaron a formar parte del tercer disco de estudio del grupo, El valle interior, grabado al año siguiente. Unos 15 años después de su edición en vinilo, los dos volúmenes de Almendra en Obras fueron recopilados en un sólo CD (y con otro arte de tapa) por BMG en 1996, que quedó descatalogado a los pocos años, siendo reeditado nuevamente en 2018.

 "Almendra 1979 resume de alguna manera toda la música escuchada durante esta década fundamental de rock argentino. Porque en su núcleo se encuentran dos de los compositores que marcaron estilos en los setenta: Emilio Del Guercio y Luis Alberto Spinetta. Este aporte fundamental estuvo claramente reflejado en cada uno de los seis conciertos que la banda dio en Buenos Aires.
El material presentado por el conjunto se remitió a los dos álbumes y los primeros simples que Almendra grabó durante su fructífera trayectoria, y a cuatro canciones compuestas en esta nueva etapa. La apertura del espectáculo correspondió a "Ana no duerme", uno de los temas más fuertes del primer álbum. La nueva forma que esta canción adquirió marcó las pautas de cómo iba a ser el nuevo sonido de Almendra. Todos los temas recibieron un tratamiento renovador, no sobre la base de nuevos arreglos, sino en la manera de ser tocados. Allí es donde se notó más el tiempo transcurrido y las experiencias aprehendidas por cada uno de los músicos. Este Almendra sonó moderno, desde una base rítmica ajustada, llena de swing y sin desbordes, hasta el sonido extraterreno de la guitarra de Edelmiro Molinari (equipada con sintetizador). "Ana no duerme" se transformo en un tema denso, cargado de cadencias del rock metálico y con una buena vocalización de Spinetta. El número siguiente marcó un reencuentro aún más directo con la nostalgia: "El tema de Pototo". Y aquí apareció una de las primeras constantes: Almendra demostró haber asimilado e[ tiempo y saberlo volcar en forma de nueva sangre para los viejos temas, pero en ningún momento trasuntó lo mismo en las nuevas canciones. "Todo el hielo en la ciudad" también pertenece a las primeras grabaciones que Almendra hizo a fines de los sesenta. Son perfectos ejemplos de cristalinas canciones pop, con una inocencia cargada de mensajes sociales. La voz de Spinetta rescató intacto el espíritu de estas letras, correctamente apoyado por los coros de sus compañeros. De aquella primera época memorable también volvió "Final", una composición hermosa que resultó uno de los momentos más logrados de la noche, combinando la dulce melodía con las armonías vocales más acertadas del concierto. La riqueza y el lirismo de una canción hicieron sacudir a una audiencia que supo reconocer aun los temas más viejos. "Figuración", del primer álbum, presentó a Del Guercio en flauta y Molinari en bajo. Otra canción de atmósfera creciente, con una estupenda vocalización de Spinetta, que volvió a destacarse en "Fermín". El clima del tema fue reforzado por los coros y una perfecta instrumentación, particularmente por el trabajo de Molinari en guitarra. Este nuevo Almendra tiene la virtud de saber crear los climas adecuados en cada canción, especialmente por el seductor liderázgo escénico que ejerce Spinetta y las adecuadas interpretaciones de sus compañeros. "Plegaria para un niño dormido" marcó otro de los momentos culminantes de cada noche. El comienzo fue suave, con el aporte en xilofón de Rodolfo García y un solo cargado de sentimiento de Spinetta. Su voz, que acusa el paso del tiempo, perdió algo de su condición natural, pero ahora fué reemplazada por un mayor dominio técnico. "Vamos a ajustar las cuentas al cielo" fue uno de los nuevos temas presentados. Musicalmente no presentó ninguna novedad; es un acelerado riff de jazz-rock y un solo de igual rapidez a cargo de Molinari, que en esta ocasión mostró técnica para el acumulamiento de notas. "A estos hombres tristes" fue el regreso al pasado y a una mú-sica que difícilmente ahora se pueda igualar, al menos tomando en cuenta las canciones nuevas escuchadas. "A estos hombres..." es una brillante conjunción de rock y música de neto corte porteño, a la que la poesía surrealista de Spinetta le agregó un matiz inconfundible. En el otro único momento en que Emilio abandonó el bajo, lo hizo para interpretar su tema, sin titulo. Acompañándose con guitarra acustica y las eléctricas de spinetta y Molinari, creó una atmósfera etérea, subrayada por el vibrato de la Fender de Molinari en una de sus mejores intervenciones.Apenas un par de canciones fueron extraídas de su segundo album doble que Almendra grabo poco antes de su disolucion. Una de ellas fue el número fuete de la noche, colocada en el momento justo: "Mestizo", compuesta por Fdelmiro Molínari, la canción original se convirtio en un riff funky, ajustado y caliente. La sobria y monolítica rítmica Del Guercio-García aporto toda su poderosa vibración al tema. Hubo de todo en "Mestizo", un excitante solo de Molinari, un ardoroso contrapunto de Spinetta, sabrosos pasos de baile y un contundente solo de Rodolfo García. Fue uno de los momentos culminantes del show, el nuevo arreglo, las cadencias de las guitarras, hicieron de este "Mestizo" una canción totalmente diferente. Cuando Spinetta dejó su guita-rra eléctrica y la cambió por la acustica, la multitud adivinó...Muchacha". Esta canción, que es un himno de una generacion, supera cualquier crítica. La tocaron devotamente, con la mayor pulcritud posible, aunque las vocalizaciones no fueron tan perfectas como en "Final". Se puede decir, en su descargo, que tue el numero final de un esforzado concierto. La primera repetición fue el ultimo simple que Almendra grabo antes de separarse: "Hermano perro". Paradójicamente, en estos tiempos en que la música de los ochenta asoma con gusto a simpleza, Almendra recreo un tema totalmente nueva ola. "Hermano perro", tocado por esta formación, es una canción moderna con una letra decididamente punk. El adiós final fue "Rutas argentinas", un rock'n'roll del segundo album. El tema comenzó con una ardorosa introducción vocal que dio paso a un riff pesado, enmarcado por la sólida rítmica y un solo de Molinari que recordó sus mejores épocas de blues". 

 

Crónica de los conciertos en Obras (Revista Pelo-1979)

 

 

Integrantes:

Luis Alberto Spinetta: Guitarras, voz
Edelmiro Molinari: Guitarra, bajo, coros
Emilio Del Guercio: Bajo, guitarra acústica, flauta dulce, coros, voz en "Cambiándome el futuro"
Rodolfo García: Batería, percusión, vibráfono, coros

 

Temas - Disco 1:

01- Ana no duerme
02- Tema de Pototo
03- Plegaria para un niño dormido
04- Figuración
05- Cambiándome el futuro
06- Vamos a ajustar las cuentas al cielo
07- Mestizo

 

Temas - Disco 2:

01- Jaguar herido
02- Color humano
03- Hilando fino
04- Muchacha (Ojos de papel)
05- Hermano perro
06- Rutas argentinas

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Michel Peyronel - A Toda Mákina (1984)

Pedido con insistencia por varios navegantes, aqui llega el primer álbum del legendario batero de Riff. Publicado en 1984, A Toda Mákina cuenta además con la participación de Stuka, guitarrista de Los Violadores y coautor de varios de los temas del disco.

Miguel Alberto Peyronel nació en la ciudad de Bahía Blanca. Desde niño estudió piano clásico y en la adolescencia se pasó a la batería. En 1973 viajó a Europa y se radicó en Francia, donde estudió economía y formó parte de Extraballe, un grupo francés de new wave punk como baterista. De regreso en la Argentina a principios de los años 1980, tras una estadía en el viejo continente, es convocado por el guitarrista y compositor Pappo para integrar el grupo Riff, banda de heavy metal con la cual grabó cinco discos de estudio, y de la cual fue parte hasta su disolución, en 2005.
En el año 1984 lanzó su primer álbum como solista, A Toda Mákina, con la participación de Stuka guitarrista de Los Violadores. Asimismo, se destacan sus trabajos en calidad de productor, para diversos artistas de rock argentinos, como Virus, o Los Violadores y su primer LP homónimo (1983). A mediados de los '80 formó Tarzen en España, con su hermano Danny y el guitarrista Salvador Domínguez, banda de corte glam metal con cierto suceso internacional. Por otra parte, en 1990 se abocó a la actividad radial, como director de la estación FM Tango de Buenos Aires.
A fines de los 2000 formó el grupo hard rock Héroes del Asfalto, del cual participa su hijo Jean Jacques Peyronel, entre otros jóvenes músicos, y con los cuales editó un disco en el año 2009. Ese mismo año, con Héroes del Asfalto fueron una de las bandas soporte de los tres conciertos de AC/DC en el Estadio River Plate. Durante el 2012 y parte de 2013 se realiza la grabación de Club Atlético de Mutantes. Editado por Pop Art Music, el álbum es una fusión del rock, heavy metal, tango, reggae, lounge, electrónica y ambient.
Musicalmente, Michel Peyronel se destaca por su particular técnica de batería, golpeando continuamente el hi hat y los platillos, y con un groove muy firme y poderoso. En cuanto a las letras, se destaca por utilizar temáticas de escenarios post-apocalípticos, ciencia ficción y cyberpunk. Es el autor de Pantalla del Mundo Nuevo, un auténtico himno metalero de Riff, y de otros temas junto a Pappo como Macadam 3,2,1,0, Susy Cadillac y Mal Romance.

Músicos:

Michel Peyronel: Batería, voz
Stuka: Guitarras, coros
Danny Peyronel: Teclados
Alex "Le Noir" Oucinde: Bajo, coro, procesadores
Sissi Hansen: Todas las voces de rubias enloquecidas

Temas:

01- A toda mákina
02- Hoy solo soy otro sobreviviente
03- En el oeste
04- No quiero parar
05- Amor violento
06- Al borde del abismo
07- Entrega T
08- Gangster

Sonido Mejorado

Formato: Mp3 - 192 Kbps

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Plus - Plus (Melancólica Muchacha) FLAC / 1978

El cuarteto surgió en un momento convulsivo en la Argentina, poco antes del golpe de estado, por el cual el país caería en manos de la dictadura, y casi no había propuestas locales dentro de su estilo. La aparición de su disco debut No Pisar el Infinito, con el tema puntero "Noches de Rock and Roll", en la línea de Led Zeppelin, Deep Purple y otros grandes grupos internacionales de la época, representó una alternativa roquera en una escena que abundaba en grupos de fusión (jazz rock, progresivo, híbridos de tango y rock, etc) y nostalgia hippie, y se encontraba deprimida por la censura y el exilio de algunos de sus principales representantes. En aquel momento, salvo El Reloj o Vox Dei, prácticamente no había otra banda semejante en actividad a nivel local. Gracias al boca en boca y las exitosas presentaciones en vivo, lograron un contrato con la RCA para el segundo disco, que se tituló simplemente Plus pero fue rebautizado como "Melancólica Muchacha" por los fans a causa de la canción de once minutos que el disco contenía. Participaron como invitados en la grabación Celeste Carballo en coros y el violinista Fernando Suárez Paz, del quinteto de Astor Piazzolla. Sin embargo, este segundo intento no resultó tan efectivo o roquero, y el suceso de la banda decayó. Realizaron una sonada gira por Sudamérica que tuvo su cenit en Colombia, pero para cuando tuvieron a tiro un nuevo contrato discográfico con el sello Tonodisc, para el álbum Escuela de Rock 'n' Roll, de 1981, las diferencias internas resultaron insostenibles y el guitarrista Julio Sáez fue reemplazado, y emigró para encarar otros proyectos. La banda no tardó en disolverse, hacia 1982. 
Sáez, el bajista Hugo Racca y el baterista Cacho D'arias se integraron más tarde al efímero conjunto Dr. Silva del tenista Guillermo Vilas, que admiraba el sonido de Plus. Aunque, de todos los integrantes, el que realmente obtuvo posterior notoriedad fue Saúl Blanch, que se convirtió en el cantante con el que Rata Blanca grabó su primer disco homónimo, de 1988.
Hugo Racca falleció en 1998, mientras que Julio Sáez se convirtió, tras la separación de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, en mánager del Indio Solari.

"Plus era un grupo totalmente de autogestion. Pagábamos nuestras propias publicidades, nos conseguíamos solos las salas de recitales y eso molestaba un poco. Per eso el disco fue bastante discutido en el ambiente, pero a la gente le encantó Por ese entonces salía Queen y es posible que en el disco se note algo de esa veta, algu nas cosas inspiradas en la onda Killer Queen. La dirección que tomamos fue de hard rock. Creo que fuimos precursores de este estilo en Argentina con Melancólica Muchacha. El primer dieco había sido todo sangre, mientras que este segundo álbum muestra un grupo en crecimiento. Me gusta mucho aún hoy corno suena. Me parece impecable para la época. Lo trabajamos tan relajados que se nota. Hay mucha atención por el detalle, en cada parte, en cada solo, en cada aspecto de percusión (hasta usamos un mate para lograr un efecto especial), en todo se nota el afán de experimentación.
En síntesis, los dos primeros discos de Plus me gustan por igual. Uno por ese significado de explosión que representó para el grupo y Melancólica Muchacha, parque en él quisimos darle algo mas a la gente y creo que se percibe Es muy prolijo y a la vez aventurado. En el primer álbum tocamos todo juntos. En éste, en cambio, fuimos armando cada canción de a poquito, ubicando las partes meticulosamente y añadiendo instrumentos, arreglo de voces, efectos, en fin, todo lo que sentíamos que nacía falta para darle a cada terna su justa representación en el disco. Tuvimos el honor de contar con Celeste Carballo, que canta en dos temas". 

Julio Sáez - Guitarrista de Plus (1996)

Integrantes:

Saúl Blanch: Voz solista, coros, percusión

Julio Sáez: Guitarras, piano acústico, voz solista, coros, percusión

Hugo Racca: Bajo, voz solista, coros, percusión

Cacho Darias: Batería, percusión, efectos especiales

Música Invitada:

Celeste Carballo: Voz (en Viejo y largo camino y Apagón de luces en la curva)

Temas:

01- La muerte del maestro
02- Viejo y largo camino
03- Apagón de luces de la curva
04- Mil cielos del universo
05- Los que estuvieron conmigo
06- Melancólica muchacha
07- La reina del rock and roll

Bonus Tracks:

08- Tú puedes (Grabado el 7/2/80)
09- Contra el viento (Bob Seger) (Grabado el 16-9-80) 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits 

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Redd - Cuentos Del Subsuelo (1979)

Segundo trabajo de Redd. Ya sin Juan Escalante en batería, la banda incorpora a Oscar Imoff en voz, Juan “Pollo” Raffo en teclados y Marco Pusineri en batería, continuando su estilo progresivo, ahora con arreglos mas sinfónicos. "Cuentos del Subsuelo" fué grabado en 1979 pero permaneció inédito hasta la edición en formato cd de 1996. El álbum incluye algunos bonus tracks inéditos en vivo. 

Esta publicación esta dedicada a Esteban Cerioni: Bajista, vocalista, miembro fundador de Redd y amigo de la nave del rock argento. El nos mira y nos sonríe desde allá.

Banda originaria de Tucumán, formada en enero de 1977 por dos ex integrantes de "La pequeña banda de Trícupa": Juan Escalante y Luis Albornoz a quien se suma Estaban Cerioni.
Su debut se produce el 10 de Junio de 1977 teloneando a Luis Alberto Spinetta en una presentación en Tucumán, ya en diciembre de 1977 viajan a Buenos Aires y toman contacto con el grupo "MIA", con el fin de conocer mas sobre la edición independiente.
Nuevamente en Tucuman el grupo decide lanzar su sello incependiente, y en abril de 1978 volvieron a Buenos Aires a grabar su primer album. Con el disco terminado regresan a su provincia a presentarlo en vivo, poniendo enfasis en el aspecto visual de las presentaciones, al haber conseguido un importatnte equipo de luces.
Luego de un replanteo en el que buscaron ensanchar sus posibilidades musicales, los componentes de Redd decidieron incorporar al tecladista Enrique Mondino.
Por su sello, Covoclo, editaron, en marzo del 79, "Tristes Noticias del Imperio", su primera placa, que se vendio casi en su totalidad en la provincia de Tucuman.
Acerca del material, el periodista Claudio Kleiman dijo en la revista Expreso Imaginario: "El sonido de este LP me retotrae en cierta maner a los comienzos del rock nacional, aunque no se muy bien por que. Quizas sea el espiritu que campea por sus surcos, una cierta ingenuidad que no se muy bien como definir. Quzas sea el sonido, en el que se detectan ecos de, por ejemplo, los primeros discos de Almendra y Manal."
En 1979, el grupo comenzó a sufrir variaciones en sus filas debido a disputas internas. Dejando atras una agotadora busqueda de integrantes, empezaron a actuar con eventuales musicos, muchos de ellos de gran renombre como Marco Pussineri (bateria), Pollo Raffo (teclados) y Oscar "Pajaro" Inmoff (voz). Con esta formación graban el segundo álbum: "Cuentos del Subsuelo", disco que permaneció inédito hasta mediados de los noventa, en que fué editado en formato CD. Luego de esta grabación, la banda, por aquellos años, decidió disolverse. La última presentación en vivo fue el 7 de Agosto de 1981 en el "Encuentro de Música Contemporánea", organizado en el estadio Obras por la revista HUMOR y el pub La Trastienda.

Integrantes:

Luis Albornoz: Guitarras
Juan "Pollo" Raffo: Teclados
Oscar Imhoff: 1ª Voz
Esteban Cerioni: Bajo, 2ª Voz
Marco Tulio Pusineri: Batería

Temas:

01- Como la Esmeralda
02- El Padre de Icaro
03- Los Entretenimientos de Medianoche del Profesor Frankestein
04- El Asesino Sentimental
05- Dedos Tristes

Bonus Tracks:

06- Reyes en Guerra (En Vivo 1980)
07- Dedos Tristes (En Vivo 1980)
08- Matinee (En Vivo 1980) 

Formato: Mp3 - 320 Kbps

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Charly García - Clics Modernos (Vinilo FLAC / 24 Bits - 1983)

Considerado entre los cinco mejores discos del rock argentino, Clics Modernos marcó un antes y un después en el sonido y en la forma de grabación del rock en Latinoamerica. Aqui les traigo la digitalización del vinilo original en formato FLAC de 24 Bits. El álbum fue publicado en noviembre de 1983, bajo el sello Interdisc (subsello SG) con numero de serie SLIN 3356.

Después de iniciar 1983 en Obras, con tres conciertos que básicamente fueron un repaso de lo realizado en Ferro, Charly siente la necesidad de un cambio en su música, en su banda y en su estética. Por eso toma la decisión de radicarse por unos meses en otra parte. Nueva York sería su destino. Pero antes de irse, aprovecha para producir la grabación de un grupo que venía ganando terreno en el underground porteño. En Nueva York, Charly se compra instrumentos y grabadores, alquila un loft y se dedica a componer nuevas canciones. Alquila los estudios Electric Ladyland, y contrata los servicios de un ingeniero de sonido llamado Joe Blayney. Con los temas ya en proceso de cocción, aparece Pedro Aznar, quien se hará cargo de varios instrumentos en la grabación del disco. Otros invitados a tocar serían el baterista Casey Scheuerell, y el guitarrista Larry Carlton. Con el pelo más corto, con un cambio radical en su concepción musical y muchas nuevas ideas en la cabeza, Charly retorna a Buenos Aires para la edición de "Clics modernos". El disco causaría una de las polémicas más fuertes de su historia de nuestro rock. A García se lo acusaría de haberse vendido, cuando en realidad todo se trataba de un aggiornamiento natural para un músico que siempre fue de vanguardia.
El nuevo trabajo presentaba un giro en la música de García, con la introducción de ritmos bailables, canciones más cortas y por momentos más irreverentes, acordes a los aires de renovación que empezaron a llegar con la apertura democrática. Canciones como "Los dinosaurios", "Nos siguen pegando abajo (pecado mortal)" y "No me dejan salir" se convirtieron en éxitos en la carrera de Charly. Este material fue presentado los días 15, 16, 17 y 18 de diciembre en el estadio Luna Park, acompañado por Pablo Guyot (guitarra), Alfredo Toth (bajo), Willy Iturri (batería), Daniel Melingo (saxo), Fabiana Cantilo (coros) y un joven rosarino en los teclados: Fito Páez. Este disco no fue bien entendido por el público, pues incluía (por primera vez en Argentina) temas "bailables", es decir: el ritmo tomaba otra dimensión, recortando las letras, hasta entonces concepto primordial del rock nacional. Aun más discusiones causarían el arte del disco (fotos de Uberto Sagramoso en clásico blanco y negro), y la realización de un video clip, algo no muy desarrollado en aquella época en la música argentina. 

"Hoy, en 2007, no le cambiaría nada a Clics. Es un disco autoproducido hasta económicamente, hecho en Nueva York, donde conocí a Joe Blaney. Compré los instrumentos, me instalé un estudio de dieciséis canales en el Village y apareció en un momento Pedro Aznar con su novia e hicimos el primer ensayo, estábamos con Zoca, los cuatro, en el loft y… siendo tan histéricos no sé como hicimos para convivir. Sí me acuerdo que cruzábamos Washington con un carrito de supermercado lleno de emuladores y equipos… Yo ya había grabado un disco en L. A. (el primero de Serú Girán) y me había servido de experiencia, pero solía tener muchos problemas para plasmar los sonidos que quería. El arranque del disco fue así: voy a los estudios Electric Lady y les digo: “Quiero alquilar the best, alquilarlo”. El dueño me dice: “¿Tu padre es rico o qué?”. Yo le muestro la plata y me pregunta: “¿Un café?”, además de darme una lista de ingenieros el último de los cuales era Blaney. Lo llamé y apareció al otro día, alto, cool, zapatitos de leopardo… Vio el loft, la mesa Tascam de dieciséis canales; le mostré mis discos y quedamos en empezar. Yo necesitaba un baterista y me encantaba el de Jan Hammer; lo probé y no me rindió, no pasaba nada, incluso fuimos a grabar y yo le pregunté a Blaney qué sonido de batería podía sacarle. Y no funcionaba: sabíamos que tocaba fenómeno, pero con nosotros no funcionaba. Y al otro día no me quedó otra que poner una batería electrónica TR-808 y grabamos «Nos siguen pegando abajo», y se armó. Blaney se dio cuenta, todos nos dimos cuenta y seguimos con máquinas. Es el primer disco que tiene un sample de James Brown".
"En la mitad de la grabación, Grinbank ya le había prometido a Blaney hacer la mezcla, pero después se le ocurrió mandarme a Los Ángeles. Ahí me agarró un tipo cínico que no era mal ingeniero pero era cínico. Todo mal. Cuando ya estaba llorando en la pileta de un hotel, al tope, en el medio de la nada, me tiré en la parte baja y me pegué un cocazo… Me acuerdo que volví a la habitación, sonó el teléfono y era Blaney; yo le pedí perdón en todos los idiomas y me dijo: «Tengo cuarenta horas de estudio en Nueva York…». «¡Sí! ?le dije? ¡Sí!». Esa llamada de Blaney fue providencial. Volví solo a Nueva York y no era como ahora, que llevás la información en un iPod: eran cintas de veinticuatro canales, repesadas y yo cargando todo. Y… no lo va a cargar Grinbank, ¿no? Llegué a Unique, donde tenía cuarenta horas y lo compartí con Laurie Anderson, que estaba grabado el disco siguiente del que tiene «Oh Superman» y cenábamos con Laurie, trabajábamos ahí, y me pareció lo máximo. Me acuerdo exactamente la mezcla de “Ojos de video tape”, cuando están los sintetizadores, y me parecía lo más".

Charly García: Revista Rolling Stone (2007) 

Músicos:

Charly García: Teclados, voz, piano, guitarra, sintetizador, samplers, caja de ritmos

Pedro Aznar: Bajo, voz en "Nos siguen pegando abajo"
Larry Carlton: Guitarra en "No soy un extraño", "Los dinosaurios" y "Plateado sobre plateado"
Casey Scheverrell: Batería
Doug Norwine: Saxo en "Nuevos trapos"

Temas:

01- Nos siguen pegando abajo (Pecado mortal)
02- No soy un extraño
03- Dos cero uno (Transas)
04- Nuevos trapos
05- Bancate ese defecto
06- No me dejan salir
07- Los dinosaurios
08- Plateado sobre plateado (Huellas en el mar)
09- Ojos de video tape 

Muestra gráfica de la grabación sin pérdida de audio original 

Ripeado De Vinilo

Formato: FLAC (Free Lossless Audio Codec) 48.000 Hz - 24 Bits

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Mordaz - Libertad Condicional (1986)

Grupo nacido de la unión de Petty Guelache (ex Orion's Beethoven y Bubu) con Daniel Telis, quienes se conocieron en 1982 cuando Willy Gardi los reclutó para volver a armar El Reloj. Una vez disgregada esa formación se mantuvieron en contacto y en 1985 emprendieron juntos un proyecto al que bautizaron como Señor Mordaz, adhiriendo más tarde al bajista Oscar López y al Zurdo Alaguibe. En ese año lograron grabar su primer material pero al terminarlo se dieron cuenta de que no representaba el sonido que querían expresar. Se vieron obligados a conseguir una nueva chance por parte de la compañía discográfica. Pero al terminar esta nueva grabación les robaron todos los equipos y la cinta máster. Con equipos prestados se presentaron en el festival de La Falda, en un concierto que los llevó a creer que su nombre tenía una "posible maldición", por lo que simplemente lo mantuvieron como Mordaz. Así grabaron "Libertad condicional", que no recibió apoyo de las FM. "El problema es que esa gente de las radios tiene todo armado como para apoyar al pop y no puede salir de golpe a decir que hay una rama del heavy que viene pegando." Así explicaron su situación en una entrevista realizada por la revista Cantarock. Trataron de defender su disco pero la banda se vio obligada a separarse.
El guitarrista Daniel Tellis, nos dejó fisicamente, el primero de octubre del 2018.

Especial agradecimiento a Matias por haber facilitado los testimonios de Petty Guelache y Daniel Telis.

"Con Dany (Telis) habíamos hecho onda, teníamos bastantes cosas en común. Empezamos a componer y cuando conseguimos un baterista y un bajista, derivó en Mordaz, que fue para mi una de las mejores cosas que hice. Ahí volví a tocar la viola. Éramos dos violas, yo hacia la rítmica, hacíamos laburo a dos guitarras. La música que hacíamos no era heavy metal, era una mezcla, pero era mucho mas duro que el proyecto que se había armado anteriormente con El Reloj. Fue muy linda la época la de Mordaz. Por un lado era la primera vez que me sentía "dueño" de la banda, como mas importante. Podía laburar mis cosas, tocar la viola, cantar. Ensayábamos muy bien, teníamos una sala alquilada y podíamos ensayar en el horario que quisiéramos. Laburábamos las violas con Daniel, el batero y el bajista se juntaban por otro lado y cuando nos juntábamos al otro día era terrible, teníamos mucha química. Viajamos a Uruguay, tocamos en un festival en Paraguay que fue maravilloso, con público arriba del escenario, esas cosas que no te olvidas mas. El disco no tuvo demasiado apoyo del sello. No era un sello muy grande, puso una guita hasta ahí. Se le dio muy poca difusión, pasaban algún tema por radio y después fue todo a pulmón. O sea, alquilar los lugares, ir a la radio, todas cosas que conseguíamos nosotros".

Petty Guelache: vocalista y guitarrista de Mordaz
 

"En esa epoca grababan bandas como V8. Cuando escucharon la grabacion de Mordaz en comparacion con la de V8 no tienen nada que ver en cuanto a sonido. Nosotros ya sonabamos bien, pero nos costo mucho transmitirle a los tecnicos de grabación lo que queríamos y tratar de lograr un sonido. Los tipos no tenian idea ni de como microfonear un Marshall. Bueno, lo hicimos nosotros en el estudio.
Tocabamos mucho en la zona sur porque el bajista era del sur y el tipo conocia a medio mundo. Tocamos en el estadio chico de Quilmes y en todos lo lugares de allá, metíamos 400 o 500 personas, nos iba muy bien. Despues tocamos mucho en el circuito de pubs, donde nos mezclabamos incluso con bandas pop. Tocaban las bandas pop, despues nosotros y estaba todo bien".

Daniel Telis: guitarrista de Mordaz

Integrantes:

Petty Guelache: Voz, guitarra
Daniel Telis: Guitarra, coros
Oscar Lopez: Bajo, coros
Daniel "Zurdo" Alaguibe: Bateria, coros

Musico Invitado:

Gustavo Díaz: Teclados

Temas:

01- Lecturas     
02- Reflexiones de una computadora     
03- Libertad condicional     
04- Hombre de bien     
05- Apologia     
06- Ya no quiero hablar     
07- Los mediocres     
08- Destruyendo agonías     
09- Cambio de identidad     
10- Siempre al límite  

Formato: Mp3 - 320 Kbps

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