Vox Dei - La Biblia En Vivo En La Catedral De La Plata (Bootleg-1997)

Gran concierto en vivo de Vox Dei presentando La Biblia. Realizado el 21 de Diciembre de 1997 en la Catedral de La Plata, con el acompañamiento de la Orquesta Estable del Teatro Argentino, dirigida por el maestro Roberto Ruiz.

Vox Dei se presentaba en esta oportunidad con su formación original, mas el Pollo Raffo en teclados y Gabriel Soulé y Simón Quiroga como invitados. El grupo interpreta aquí La Biblia en forma completa e incluye "El manto de Elias" en sus 2 movimientos. Como bises tocan "Espectros", que nunca había sido ejecutada en vivo, y una espectacular versión de "Presente", acompañada de la Orquesta Estable del Teatro Argentino y coreada por el público.

"Después de casi tres décadas de recorrer los caminos del rock, Vox Dei eligió la Catedral de La Plata como escenario para presentar la nueva versión de su obra máxima: La Biblia. Más de 30 mil personas acompañaron a la legendaria banda bajo un cielo encapotado que amenazó hasta último momento con empañar la fiesta. El recital coincidió con la iniciación de la última etapa de construcción de las torres del templo.Willy Quiroga, Ricardo Soulé y Rubén Basoalto subieron -el domingo, minutos antes de las 22- al escenario levantado frente a la plaza Moreno y en las escalinatas de una de las iglesias más importantes del mundo. Lograron un clima regado por emoción y recuerdos. Este es un punto de encuentro entre Dios y el rock, dijeron antes de arrancar con la obertura El manto de Elías. Para los músicos fue una revalorización de un trabajo musical que después de 27 años mantiene su espíritu intacto.Con el acompañamiento en guitarra de los hijos de Quiroga y Soulé se escuchó Elías I, Elías II, Génesis, Moisés, Mandamientos y Guerras. Cuando llegó el final de Libros sapienciales se ubicaron en escena 60 integrantes de la Orquesta Sinfónica del Teatro Argentino dirigidos por el maestro Roberto Ruiz. En ese momento se iluminó el rosetón de la Catedral y entonces el grupo interpretó junto con las cuerdas sinfónicas Profecías y Cristo Minutos después de las 23 y junto a las voces del coro de la Catedral de Quilmes, Vox Dei arrancó con uno de los temas más recordados: Apocalipsis. Miles de platenses repitieron la letra con los brazos en alto y la memoria intacta.Antes de los fuegos artificiales que dieron un colorido imponente al espectáculo, la banda se despidió con Espectros y Presente. La ovación del público quedó flotando en la plaza durante varios minutos. En una noche mágica, Vox Dei logró revivir toda una época. Y una mística".

Integrantes:

Ricardo Soulé: Guitarra, voz
Willy Quiroga: Bajo, voz
Rubén Basoalto: Batería, percusión

Musicos invitados:

Juan “Pollo” Raffo: Teclados
Gabriel Soulé: Guitarra
Simón Quiroga: Guitarra

Temas:

01- El Manto De Elias- Obertura (1er Movimiento)
02- El Manto De Elias- Obertura (2do Movimiento)
03- Genesis
04- Moises
05- Mandamientos
06- Las Guerras
07- Libros Sapienciales
08- Profecias
09- Cristo
10- Apocalipsis
11- Espectros
12- Presente

Formato: Mp3 - 192 Kbps

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Luis Alberto Spinetta - Idem (1971 - Vinilo FLAC)

En el cumpleaños número 70 del querido y eterno Luis Alberto Spinetta, que mejor que compartir una de sus obras. Se trata en este caso de su primer album solista publicado en 1971, digitalizado del vinilo original en formato FLAC; editado por el sello RCA-Vik bajo el código de serie LZ-1358.

La carrera solista de Luis Alberto Spinetta comenzó de manera mas casual que planeada. Almendra se disolvió en 1970 e inmediatamente intento armar Torax, una agrupación que tuvo vida efímera y en la que participaron Edelmiro Molinari, Carlos Cutaia y Pomo. Tras tocar un tema en el primer disco de La Pesada del Rock and Roll, su sello grabador le “recordó” que debía un disco para cumplir el contrato. Así las cosas, Spinetta se encierra en los estudios para grabar "Spinettalandia y sus amigos", un disco grabado rápidamente y con el sabor de lo espontaneo, bordeando el delirio, en apenas 30 horas de estudio. Muchos amigos participaron en las canciones que quedaron registradas en un estilo un tanto tribal, comunitario. En el disco hay, además, dos temas de Pappo: "Castillo de Piedra y "Era de tontos", y uno en coautoría con Pomo: "Descalza camina". Durante años hubo polémicas en torno a si los temas de Pappo eran de el o de Spinetta. Esta confusión tuvo que ver con la mala distribución del sello grabador, que tomo decisiones antojadizas. Un de ellas fue la de editar la primera edición del disco bajo el nombre de Almendra. Spinetta había viajado a Europa, y cuando regreso se encontró con los hechos consumados. Igualmente se hizo un juicio que fue ganado por los ex-integrantes de Almendra. La compañía RCA, se vio obligada entonces a retirar el LP del mercado, aunque lo reeditó a través del tiempo con otras tapas y títulos, como Luis Alberto Spinetta y La búsqueda de la estrella. Recién en 1995, en la edición en formato CD, el disco fue lanzado como Spinetta lo concibió en 1971, bajo el título original de Spinettalandia y sus amigos.

Definido como "un álbum hippie", la grabación se realizó en una casa comunitaria en Vicente Lopez durante poco más de un día, con una gran cantidad de invitados, sin cuidar de hacer silencio, con las letras siendo escritas ahí mismo. Inspirado en gran medida en la grabación abierta y comunitaria de Give Peace a Chance que John Lennon hizo con Yoko Ono y la Plastic Ono Band en 1969, durante la célebre encamada por la paz. Un "antidisco", como él mismo lo definió: "Yo quería hacer un ritual: realizar músicas en estado casi tribal". Fue también un castigo para la opción comercial con que lo presionaba la empresa discográfica RCA, que lo intimaba a cumplir con el tercer álbum comprometido en el contrato firmado para Almendra. Spinetta decidió entonces hacer un disco "que no se lo pudieran vender a nadie", como él mismo lo definió.
Las drogas -en especial el ácido lisérgico (LSD)- el sexo y el hippismo, íntimamente ligados a la psicodelia, jugaron también un papel importante en esa época de Spinetta y de su relación estrecha con Pappo y el grupo de Mandioca, que se nota tanto en Spinettalandia y sus amigos, como en el álbum anterior, el último de Almendra. Fueron precisamente los dos invitados principales de Spinetta en el álbum, Pappo y Miguel Abuelo, quienes comenzaron a evidenciar en sus canciones el efecto de las drogas. Por su parte, en Spinetta el LSD acentuó el surrealismo al que él había adherido desde un inicio. Spinetta venía desde Almendra con ganas de experimentar con música aleatoria, sin ensayo y con forma de zapadas. La grabación se realizó con una gran cantidad de invitados en el estudio, sin cuidar de hacer silencio, con las letras siendo escritas ahí mismo.
Por las condiciones en que fue realizado se trata de un disco experimental, pero a la vez establece algunas líneas estéticas que luego desarrollará Pescado Rabioso y registra el sonido que comenzaban a definir bandas decisivas del rock nacional argentino, como Pappo's Blues o Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll. 

Musicos que Participan:

Luis Alberto Spinetta: Guitarra, bajo, piano, percusión, voz
Héctor "Pomo" Lorenzo: Batería, percusión, guitarra acústica
Pappo: Guitarra, bajo
Miguel Abuelo: Flauta, pandereta, percusión, voz
Victor Kesselman
Elizabeth Viener 

Temas:

01- Castillo de piedra
02- Ni cuenta te das
03- Tema de Pedro
04- Dame, dame pan
05- Estrella
06- La búsqueda de la estrella
07- Vamos al bosque
08- Era de tontos
09- Alteración de tiempo
10- Descalza camina
11- Lulú toma el taxi

Muestra grafica de la grabación sin pérdida de audio original


Ripeado De Vinilo

Formato FLAC (Free Lossless Audio Codec) 48.000 Hz - 16 bits

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Eduardo Mateo - Mateo Solo Bien Se Lame (Uruguay-1972)

La historia de la grabación del primer disco de Mateo es sintomática de su relación con la profesionalidad (a lo mejor se entiende bien el personaje con el concepto de que fue siempre un amateur –un amador– de la música y nunca un profesional, es decir alguien que trabaja de músico). Mateo ya era considerado por entonces un prócer musical en Uruguay, sobre todo por El Kinto, pero no tenía disco propio. A esa altura, el medio ya tenía claro su carácter de divagante perenne, de diletante a la violeta, la inexistencia de un proyecto personal a largo plazo. Sin embargo, el técnico de grabación Carlos Piriz, uno de sus fans acérrimos y un socio, Coyo Abuchalja, casi que lo obligaron a empezar a grabar en Buenos Aires en 1971 lo que sería Mateo solo bien se lame. Tras pagarle al músico y a su novia Nancy pasajes y estadía, los flamantes dueños del sello musical De la Planta empezaron a comprobar que el intento de registrar las canciones en una semana era utópico: los tiempos de Mateo eran imposibles. Grababa un día un tema, que parecía recordar de casualidad, leyendo un cuaderno, y al día siguiente lo borraba. Invitaba músicos argentinos o radicados en la Argentina –entre otros, Horacio Molina, Pocho Lapouble, Jorge López Ruiz, Galo García, Oscar Cardozo Ocampo– y no los hacía tocar, los tenía de claque. Algunos tal vez estaban cuidando los instrumentos que podían haberle prestado, atentos a los datos que decían que Mateo hacía con toda naturalidad aquello que la leyenda cuenta que hizo Pappo con la guitarra que Spinetta le había prestado, más o menos por la misma época de estados alterados. Otros días, corriendo con las horas pagas de estudio, llegaba hasta ION sólo para decir que no estaba inspirado, y que volvía al día siguiente, o directamente no aparecía. Uno de los problemas de Mateo en Buenos Aires era claro: fuera del circuito montevideano, que conocía al dedillo, no conseguía marihuana ni anfetaminas. Debía arreglárselas con pastillas para adelgazar. Estuvieron dos meses en ese ir y venir, en esa apuesta de dos convencidos de su grandeza a registrarle un disco como arrancándoselo. Hasta que un día Mateo hizo la típica “voy a la esquina a comprar fasos” y se volvió a Montevideo, cerca de Navidad. El disco terminó siendo, lógico, el borrador de lo que podría haber sido: Piriz estuvo un año pegando partes de temas, cortando otras, armando conceptualmente los trozos dispersos, bordando un rompecabezas a partir de las pistas dejadas por el autor. “En esa época -cuenta Molina–, Mateo fumaba porro como un loco, y parecía que siempre andaba en una nube. Estábamos en casa y de repente me decía: Vení, loco, acompañáme que tengo una actuación. Y entonces partíamos y llegábamos a un boliche, por ejemplo, de Almagro, y el tipo tocaba unas cosas dificilísimas para tres borrachos uruguayos que lo conocían y dos argentinos que lo miraban como sapo de otro pozo, y él estaba chocho. No tenía esa cosa de Soy Artista. Le chupaba un huevo ser Artista. Estaba convencido de que no debía transar con nada ni nadie, y que si el precio era cagarse de hambre, se iba a cagar de hambre. Y así fue.”

“Mateo solo bien se lame fue realmente como una bomba en Uruguay, me marcó definitivamente. Es un disco que devoré, que conozco de memoria. El disco sigue sonando como un clásico. Cuando salió, ya era un clásico. Marcó una línea estética, en mi opinión, absolutamente tercermundista, si es que esto quiere decir algo: Mateo haciendo un disco con una guitarra acústica y un tambor, en un momento en que toda la música estaba electrificada, en que el rocanrol se hacía cada vez más sofisticado y se tendía ya a dejar la forma simple para llegar al rock sinfónico, al estilo de Emerson Lake & Palmer o Yes. En ese momento, Mateo salió con una guitarra acústica contra el mundo, en un estilo que se apartaba de los parámetros folklórico-rurales, o políticos, para entrar en una atmósfera de mayor vuelo desde el punto de vista espiritual. Mateo tenía una gran influencia de Joao Gilberto y de las atmósferas que creaba Ravi Shankar, pero era una procesadora estética muy particular, con un enorme cuidado y un enorme olfato para las verdades musicales. Tomaba lo que creía que debía tomar, con un criterio particular y personal muy profundo, y lo elaboraba. Lo mismo desde el punto vista rítmico. Era un guitarrista y un percusionista genial.” 

Jaime Ross (Sobre Mateo solo bien se lame)

Eduardo Mateo: Guitarras, percusión, voces, música, poesía

Carlos Piris: Productor asociado, técnico de grabación

Temas:

01- Yulele
02- Quien te viera
03- Uh, qué macana
04- De nosotros dos
05- Niña
06- Tras de ti
07- Por qué?
08- Jacinta
09- La Mama vieja
10- Lala
11- La chola
12- Esa cosa
13- De mi pueblo

Formato: Mp3 - 320 Kbps

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Color Humano - Vol. 1 ( FLAC - 1972)

Después de la disolución de Almendra en 1970, Edelmiro Molinari comienza a desarrollar un nuevo proyecto musical. Primero fue Torax, un grupo que en realidad no paso de algunos ensayos, y que integraban Edelmiro y Luis Alberto Spinetta, que por aquel entonces pasaba por una etapa de querer tocar el bajo. El baterista fue Gustavo Saso, que al no concurrir a un ensayo posibilito que Gustavo Spinetta, hermano de Luis, se sentara por primera vez a una batería, propiedad de Jorge Pistocchi. Antes de que Torax se juntara en una sala, Edelmiro había barajado la posibilidad de formar el Trio Pistola, de vida mas que fugaz, junto con otros dos guitarristas: Pappo y Claudio Gabis.
Después de Torax llego una experiencia con el grupo Viento, que Edelmiro formo con el Luis Gambolini. Otros miembros de Viento fueron Vitico, Miguelito Fender y Rodolfo Garcia, quien asegura recordar un ensayo para un show, pero no el concierto en si. Cuando Gambolini se va, Molinari convoca a Rinaldo Rafanelli como bajista, que a su vez recomienda a David Lebon como baterista. Así queda constituida la primera formación de Color Humano, bautizado así por el tema de Almendra compuesto por Edelmiro. Una vez establecida la agrupación, Color Humano participa de la segunda edición de Buenos Aires Rock, en el velódromo, para luego comenzar a ensayar los temas que compondrían este primer álbum de la banda
David Lebon permanece poco tiempo en Color Humano y se marcha para tocar en Pescado Rabioso. Su reemplazante seria nada menos que Oscar Moro, ex miembro de Los Gatos y uno de los bateristas mas respetados del rock argentino. La mayor cantidad del tiempo del grupo es utilizada en el estudio de grabación y en ensayos meticulosos. Sus pocas apariciones en publico y lo complejo de su estilo hacen de Color Humano un grupo con reputación de exquisitos.
Con la publicación del primer disco homónimo, en medio de una gran expectativa y curiosidad del mundillo musical, el grupo se presenta en el Luna Park, el 20 de octubre de 1972, junto a la Pesada del Rock And Roll, en aquella fatídica noche del "Rompan todo".
El grupo ya consolidado en su formación, comienza a grabar a fines de marzo de 1973, nuevamente en los estudios Phonalex, un álbum doble. Por razones presupuestarias y de mercado el sello Microfón lo sacó a la venta como dos discos independientes. Como la cantidad de material compuesto era tanto se tomó la decisión de editarlo con ese formato y así resultaron Color Humano 2 y Color Humano 3. Entre uno y otro se produce la crisis del petróleo y, todos los productos de él derivados, como el vinilo, eran difíciles de conseguir. Esto provocó la demora en la salida de Color Humano 3, que se editó finalmente en 1974.
En 1973 realizaron un importante recital en el Teatro Astral que estuvo impregnado de un estilo psicodélico. Cuando el telón se abrió comenzaron a caer globos. Muchos de ellos tenían adosados espejos que recibían los rayos de luz provenientes del fondo del escenario. Para esta época, comenzaban los problemas internos que llevarían a la disolución del grupo. Edelmiro estaba decidido a llevar adelante la banda con mano dura, y Rinaldo y Moro ya no eran niños de pecho. Finalmente, a principios de 1974, los dos deciden abandonar Color Humano, para intentar un nuevo proyecto: un cuarteto junto a Ciro Fogliatta y David Lebon. Edelmiro manifiesta continuar con la banda con otros músicos, pero pronto vera que el proyecto es irrealizable. Color Humano había cumplido su ciclo, y Edelmiro partiría hacia Estados Unidos, con el objetivo de radicarse en Los Angeles, junto a su esposa Gabriela.

Integrantes:

Edelmiro Molinari: Guitarra, voz, coros, piano en "Introduccion Polenta"
Rinaldo Rafanelli: Bajo, coros, organo en "Introduccion Polenta"
David Lebon: Bateria, segunda voz

Temas:

01- Padre Sol, Madre Sal
02- Silbame, Oh Cabeza
03- Larga Vida Al Sol
04- El Hachazo
05- Humberto
06- Introduccion Polenta

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Los Bárbaros - Los Bárbaros (1976)

Otro de los pedidos a La Nave, este tercer álbum de Los Bárbaros , el más exitoso de su carrera. El álbum incluye el tema “Adiós Paul, John, George y Ringo”, un homenaje a The Beatles que vendió mas de 500 mil copias y marcó un récord de ventas para la agrupación.
El disco contiene, además de las versiones en castellano e ingles de “Adiós...”, excelentes covers y temas propios dentro del estilo funky-soul que caracterizaba al grupo.

"La gran mayoria de las personas que hoy escuchan “Adiós Paul, John, George y Ringo”, sienten una gran tristeza. Quiero decirles que (salvo los que tienen alrededor de 60 años) no saben la tristeza infinita que teníamos todos los fans de Los Beatles, cuando a partir del 70-71 cada noticia sobre ellos era una nueva y furiosa pelea de esas que no hay regreso, Eso si que fue triste, quizas por eso la melancolía con la que compuse esta canción, porque en realidad eramos consciente que estábamos de duelo"

Miguel Angel Muscarsel (Autor del tema)

 

"soy Jorge Pereira (Polo), guitarrista, bajista, y la voz que cantó Adios John Paul George y Ringo,en 1976, en el estudio de grabación que era de los hermanos Vitale. Quería simplemente decir que fue un trabajo monumental que hicimos entre todos los integrantes del grupo. Cada uno daba ideas, o sea que del tema creo que se logro sacar un 100 % de buen gusto y arreglos musicales, que transformaron aquel temita que habiamos escuchado de la guitarra de Miguel Angel al comienzo, fue a la vez, un monton de cosas que se dieron al mismo tiempo. Pero sobretodo el trabajo de Mario Berrondo (en teclados) Marcelo y Rino,(Arreglos, teclados, batería ,y voces), la guitarra de Enrique Londaits, Lucas Scantlebury (voces en coros) y por ultimo yo en bajo y en la voz solista del tema. Cuando terminé la primera toma, no estaban muy contentos, porque no habia suficiente fuerza (segun las caras de todos) pero yo estaba re seguro que cuando doblara (cantar exactamente igual a lo que ya habia cantado por segunda vez) iba a darle el color y la fuerza que necesitaba la canción, y no me equivoqué, le dio un efecto chorus que era lo que le faltaba, y a eso se sumaron los coros que hicimos con Rino, Marcelo, Lucas y Enrique, y revento todo, no necesitaba mas nada para ser un exito, con el extra de Mario en el melotron encima."

 

Jorge "Polo" Pereira - Sobre la grabación de “Adiós Paul, John, George y Ringo” 

 

A fines de los ’60, en plena “beatlemanía” y tras un paso por su Italia natal, los hermanos Vitale (Marcelo, Loyd y Rino) regresan al país, donde se encontraba parte de su familia, y junto a un organista forman Los Bárbaros . Ellos se constituyeron de alguna forma en precursores de un estilo tanto estético como musical: pantalones anchos, botas de cuero, poleras, camisas modernas y peinados que todavía no eran moneda corriente. En lo musical el estilo de Los Bárbaros estaba emparentado con el soul, el rock, pero también con la balada romántica. El repertorio, en esta primera etapa del grupo, estaba integrado por composiciones propias y covers de artistas extranjeros, en su mayoría cantados en ingles. En 1970 se editó su primer disco: “Los Bárbaros”, cuyo corte de difusión fue “Esto es un adiós”. A eso le siguió una década de éxitos, con un pico de popularidad en 1976 gracias al tema “Adiós Paul, John, George y Ringo”.

"Los Bárbaros llegaron a Buenos Aires a principios de 1969. Son sumamente profesionales y -si quieren- pueden lograr un sonido maravilloso. Cuando no están animados tocan a nivel standard, pero da todas maneras lo hacen bien. Son tres hermanos italianos: Loid, Rino y Marcelo (Vitale, es el apellido). Eventualmente adosan al trío un organista, pero no es fijo. Son perfectos instrumentistas. Trabajan mucho en boites y últimamente están conquistando el público masivo a través de bailes. Cantan algunos temas en castellano.
Discos más destacados: "Viaje en la alfombra mágica". LP: "Los Bárbaros".
Dirección: Odeón, Mendoza 1660, Buenos Aires". 

Revista Pelo (Sobre Los Bárbaros-1970)

Integrantes:

Lucas Scantlebury: Voz, percusión
Marcelo Vitale: Organo, sintetizador, melotrón, piano, voz, Fender Rhodes
Rino Vitale: Batería, Voz
Jorge Pereira: Bajo, guitarra electrica, acustica, voz
Enrique Londaits: Guitarra Electrica, acustica, sitar, melotrón, tumbadora, voz
Mario Berrondo: Saxo, flauta, sintetizador, piano, melotrón, Fender Rhodes

Temas:

01- Lazaro, levantate y danza (Get up dance, Lazarus)
02- Tengo realmente alguna chance? (Have i really got a chance?)
03- Escuche a la gente decir (I heard the people)
04- El viejo,el perro y yo
05- La clase de hombre que sueña (He's the kind of man that likes to dream)
06- Adios Paul,John, George y Ringo (version en castellano)
07- No puedo tener nada sin amor (Without love)
08- Ella era el viento de otoño
09- No se porque canto una triste canción?
10- Por favor dejame libre (Set me free,please)
11- Doctor 1813
12- Adios Paul, John, George y Ringo (version en inglés) 

Formato: Mp3 - 256 Kbps

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Fernando Goin - Fernando Goin / Cortando Con La Tristeza (1979-1980)

Pedido varias veces a La Nave, llega Fernando Goin, uno de los grandes exponentes del folk rock argentino. Un músico de culto que debuto discográficamente en 1979, y que actualmente continúa en actividad.

Este cantante, compositor y guitarrista folk, nacido en Pigüé, fue producido por Raúl Porchetto para su disco debut. En la grabación de esta placa lo acompañaron músicos de gran experiencia como Pedro Aznar (bajo), Alfredo Toth (bajo), Luis Cerávolo (batería), Bernardo Baraj (saxo). Decía el Expreso Imaginario. "Los temas que merecen comentarse son 'Una mañana en el invierno', un country que cuenta la típica historia del sujeto cansado de la city que se escapa para encontrar las praderas pacificas. 'Blues de Lucía', con una fuerte influencia de Dylan 'era Nashville' tanto en lo musical como en la entonación nasal. En cuanto a letra lo mejorcito es "Ella en la ventana está aprendiendo a llorar", tema que logro popularidad al ser incluido en un disco promocional de la revista Pelo.
Su segundo álbum "Cortando con la tristeza". se editó un año después, sin lograr superar la repercusión del primero. Este disco contiene diez temas y abre con: "Pedro en Nueva York" para cerrar con "Calle que despierta". Su tercer trabajo. "Mientras pueda iré cantando", fue publicado en el '82, en momentos de la Guerra de Malvinas, cuando las radios estaban obligadas a difundir música nacional. Para esta ocasión la banda estaba integrada por el propio Goin, Jorge Navarro en piano, Carlos Genoni (bajo), Domingo Cura (congas), Luis Ceravolo (batería), Hugo Pierre (saxo alto), José Granata (trompeta) y Henry Bay (trombon).
En el 2006, Goin presenta su nuevo trabajo: "Fernando Goin Sings Dylan" donde hace versiones ablusadas de temas de Bob Dylan que van desde sus temas mas conocido como "Blowin' in the Wind" o "Just Like a Woman" a temas no tan conocidos pero de riqueza incuestionable. A fines de Noviembre de 2000 graba "Mystery Train" acompañado por Luis Taboada y Marcelo Ponce en guitarras, Carlos Rotondaro en bajo, Germán Ebert en batería y Viviana Dallas en coro. Mystery Train constituye un homenaje a los grandes autores del Folklore Norteamericano. Mississippi John Hurts, Bob Dylan, Carter Family, Blind Boy Fuller, Johny Cash entre otros, se unen misteriosamente en un disco que manifiesta el profundo agradecimiento y respeto que Goin profesa por el género.  En 2010 y luego de casi diez años de no escribir canciones, Fernando Goin edita su cuarto disco, el primero de composiciones propias, “Songster” es presentado en vivo el viernes 6 de agosto, en Roxy Live de Capital Federal.

"No obstante alguna inicial experiencia rockera o su actual admiración por el jazz, lo que prima en la música de Fernando Goin (27) son la canciones que de una reunión de amigos saltaron a un estudio de grabación. Esto ocurrió en octubre del año pasado, y en febrero de 1979 ya había culminado su primer álbum, acompañado por numerosos músicos conocidos para el rock: Carlos Riganti, Pedro Aznar, Bernardo Baraj, Alfredo Toth, Luis Alberto Cerávolo, Raúl Porchetto (quien realizó algunos arreglos), Jorge Padín, Enrique Londairts (teclados y guitarra) y "Lito" Olmos (teclados), además de Goin en órgano, guitarra y voz. Simple, íntima y sensible, la música de Goin no se limita a lo acústico sino que se extiende al blues y la zamba, condimentada con una letra nítida y ciudadana, Eso es lo que presentará en su concierto paralelamente a la edición del álbum, prevista para mayo."

Revista Pelo-1979

Temas: Fernando Goin (1979)

01- Una mañana de invierno
02- Mi norte tiene mas de un color
03- Blues de Lucia
04- Julia en el dia
05- Fabula y disfraz
06- Ella en la ventana esta aprendiendo a llorar
07- Me quedo con tu risa
08- Zamba de siempre
09- Cortando con la tristeza
10- Calle que despierta

Temas: Cortando Con La Tristeza (1980)

01- Pedro en Nueva York
02- Tirando dardos
03- Bailarina tonta
04- Abrazando mi guitarra
05- La historia del señor
06- Las novelas que compras
07- La última balada que canto
08- Demasiadas rutas
09- Cortando con la tristeza
10- Calle que despierta 

Formato: Mp3 - 192 Kbps

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