Hugo Racca - Vienen Por Vos (1983)

Hugo Racca, bajista y compositor de la mitica banda Plus, graba en 1982 este primer y unico album solista. El estilo que aborda en esta nueva etapa va desde el rock'n'roll hasta el folk, pasando por las canciones y las baladas suaves. Nacido en la provincia de La Pámpa, Hugo Racca fallecio en 1998.

Cuando Hugo Racca se separó de Plus, dudó. Atrás quedaban más de diez años de tocar junto a sus ex compañeros. Atrás quedaba también un pasado con mucho rock'n'roll y tres discos en este estilo. Pero él estaba inseguro. No sabia si continuar su romance con los riffs pesados o si por el contrario profundizar en el folk, una línea que afloraba en su música cada vez que tomaba una guitarra. El tiempo pasó sin apuro y Racca encontró los músicos que lo secundarían en su nueva etapa. Y así nació "Vienen. por vos", su primer trabajo solista. Y en este álbum, el ex integrante de Escarcha y Plus conjugó su pasado y su presente grabando rock'n'roll, folk y canciones calmas. 

"Cuando se disolvió Plus, yo tenía la idea de salir solo, en una línea folk. Un día vino a casa Rubén Pace y le gustó lo mío. El estaba tocando con unos chicos (que son los que ahora tocan conmigo) que querían hacer una onda similar a la que yo venía elaborando. A ellos les gustó mucho mi material y a mí me gustaron los arreglos que ellos hacían a mis temas. Asi fue como empezamos a ensayar informalmente. Yo en esa época no estaba muy seguro de lo que iba a hacer en el futuro, pero con el tiempo me decidí.
Hay veces en que tengo ganas de tocar rock pesado y otras en que quiero hacer folk. Son estados de ánimo. Cuando estoy solo en casa, tomo la guitarra acústica y hago canciones. Yo creo que hay momentos para todo tipo de música. Pienso que ningún estilo es mejor que el otro. Una onda te descongestiona de la otra. Al trabajar con los chicos notamos que las canciones tenían mucha fuerza y que había temas que, siendo canciones. tenían tanta fuerza como un rock. 
En un principio me costó adaptarme al nuevo grupo porque yo venía de trabajar muchos años seguidos con la misma gente y sentí el cambio. La posibilidad de grabar el primer álbum surgió en una forma un tanto fortuita. Empezamos a ensayar formalmente en una casa de Castelar. Al tiempo decidimos grabar un demo con tres temas para mostrarlo. Fuimos a los estudios Audion y grabamos con Oscar Larroca. Un tiempo después me llamó Oscar y me comentó que le gustaba mucho lo nuestro y que quería mi autorización para presentar el demo en algunas grabadoras. Lo presentó en dos y una -Cabal- se interesó. Así fue como grabamos el álbum. Lo hicimos muy rápido."

                                                                                                                 Hugo Racca-Revista Pelo (1982)

Integrantes:

Hugo Racca: Guitarra ritmica, voz
Ruben O. Pace: Primera Guitarra, guitarra ritmica
Julio Cesar Smith: Bajo
Claudio Gabriel Parcieri: Bateria, percusion

Temas:

01- Bienvenido Rock and Roll
02- Sin Ver Mas
03- Desideratum
04- Primavera en el Parque
05- Todo el Día
06- Bang Bang
07- Vienen Por Vos
08- Mañanas en el Campo
09- No Quiero Ser Errante
10- La Radio a Full

Formato: Mp3 - 320 Kbps

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Luis Alberto Spinetta - Bios (Documental - 2019)

"Cuando se trata de un artista inconmensurable como Luis Alberto Spinetta, tratar de concentrar en un documental de 100 minutos su obra y su humanidad es una tarea directamente imposible. ¿Cómo llegar a la profundidad de cada uno de sus derroteros? ¿De qué manera rozar a la iluminación de esa mente y esa sensibilidad brillantes? ¿Cómo condensar ese ruido de magia en los tiempos de un programa de televisión?. Bios Luis Alberto Spinetta, el documental que National Geographic se planta desde el conocimiento de esa imposibilidad, y desde allí repasa la vida y el arte del Flaco a través de destellos. Esa indómita luz reaparece en la evocación de su familia, sus amigos y colegas, en un material de archivo inédito revelador de aspectos de su personalidad, y en la música que atraviesa el envío con una potencia creativa y un vuelo incomparables. Lo dejan en claro todos los músicos que participan del documental: no hubo ni habrá ninguno igual a Spinetta, desde su humanidad hasta su lírica, pasando por su técnica guitarrística y su visión del mundo. Si conmueve escuchar a David Lebón narrar cómo el Flaco fue el único que se acercó a él cuando su hija se quemó, pese a que estaban peleados, maravilla y realza la mente creativa única el modo en que Charly García remarca con un gesto de admiración la primera frase de "Rezo por vos". El recorrido apretado ilumina algunas zonas de Luis Alberto Spinetta menos conocidas por el gran público, como su fascinación por dibujar autos, cómo le gustaba cocinar y agasajar a sus amigos, algunos problemas financieros y hasta la felicidad que llenó su vida con los nacimientos de sus hijos (y luego sus nietos). Hay momentos del envío conducido por Catarina Spinetta que conmueven porque muestran lo que su padre dejó con su partida: cuando ella, su hermana Vera y su madre Patricia se reúnen a hablar en torno a una fogata, por ejemplo; cuando los hermanos del Flaco lo recuerdan de niño; cuando Emilio Del Guercio y Rodolfo García (la mitad de Almendra) se pone a cantar sobre una cinta inédita aparecida en el archivo. Dante y Valentino Spinetta también son movilizadores en el recuerdo de su padre, en un documental que no le esquiva a narrar el divorcio entre Patricia y el Flaco (tapa de revista Gente incluida). Fito Páez acaricia el piano y susurra "Los libros de la buena memoria", y el mundo se para por un instante. Ricardo Mollo puntea en la Pensa roja de Luis "Despiértate nena". Y Juanse muestra el primer disco de Invisible firmado por los tres músicos, justo antes de definir a la banda como la mejor de la historia del rock. "De todo el rock", aclara, por si algún desprevenido pensó el limitar al trío sin límites al cabotaje. Si la hora y media que lo antecede genera varios nudos en la garganta y que las lágrimas a veces se escapen, los diez minutos finales de Bios Luis Alberto Spinetta directamente abren las compuertas del llanto, incluso para quienes no son tan admiradores de su música. Son varios los que se quiebran al momento abordar la enfermedad y la muerte del Flaco, pero impacta de sobremanera el modo en el que Javier Malosetti, con su tamaño de basquetbolista retirado, no puede seguir hablando. Y el recuento de Vera sobre su último encuentro con su padre es luz en medio del dolor. A Spinetta el documental no le hubiera gustado. Obviamente. Detestó la "museificación" de su Unplugged, se quejó públicamente por haber sido votado por sus colegas como el músico más influyente del rock argentino, dio mil vueltas antes de aceptar reunir a sus Bandas Eternas en Vélez, e incluso en el comienzo del programa de National Geographic se rescata una frase que pronuncia en inglés mirando a cámara: "Me gusta el pasado, pero no de ese modo". "Mañana es mejor", cantaba pensando en puentes amarillos. Y Bios guarda algunas noticias y adelantos respecto al futuro de su obra. En el presente, este mientras tanto, su figura sigue alumbrando caminos, despertando conciencias, tatuando en los corazones su arte."

 

Roque Casciero

Ficha Tecnica:

Titulo: Bios - Luis Alberto Spinetta

Año: 2019

Genero: Documental Biografico

Produccion: National Geographic

Produccion Artistica: Catarina Spinetta

Realizacion: Underground

Formato de Video: Mp4 - 740 Mb

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Leon Gieco - Pensar En Nada (FLAC - 1980)

Este es un álbum de alta costura que tuvo la mala suerte de ser el sucesor de una bomba que demoró un tiempo en estallar y cuya onda expansiva arrasó con todo. Pensar en nada brilla con luz propia, empezando por la enorme canción que le da nombre al disco. Su único "problema" fue el éxito, enorme y tardío, del álbum del propio Gieco: 7 años, que incluye, entre otros, el hit astronómico "Sólo le pido a Dios". Sin embargo, el tiempo hizo justicia para ubicarlo entre lo mejor de su discografía.

A principios de los 80s, Santaolalla ya vivía en Los Angeles y encarnaba una modernidad que supo trasladar a Pensar en nada sin convertir a Gieco en otra cosa. Porque, si “Vino algo y lo arrasó” tiene un aire inédito para el “cantautor” de acústica y armónica, y “Pensar en nada” podría ser una participación de León en el primer solista de Santaolalla, allí están los arranques old style de “Soy un pobre agujero” o “Canto dorado”, la percusiva “Cumbia de la ciudad” y el rescate de “Aquí, allá, hoy o mañana”.
Con el gran éxito en sus manos de "Solo le pido a Dios", Gieco sorprende con este álbum, el cual contiene la canción homónima que se convertiría en otro gran éxito de Gieco. Aparece el León "folklorico" que cumpliría una función social que aún hoy muchos no advierten pero disfrutan de su legado. Pensar en nada fue el puente que atravesaron los jóvenes para llegar al folklore, género que en su mayoría despreciaba. Sin embargo Gieco hizo cantar chacareras, chamamés, zambas y sus seguidores "rockeros" por naturaleza no tomaban conciencia que León los unía con sus padres, profesores de música y los almidonados musicológos de la época. Sin embargo "Pensar en nada" es eclipsado por "Solo le pido a Dios" y por la guerra de las Malvinas, que además de los muertos que ya se había cobrado elige una nueva víctima: León Gieco. El gobierno militar distingue a "Solo le pido a Dios" como himno y esto pone muy mal a León. Sus enemigos declaran de interés nacional su obra y Gieco no lo puede sobrellevar. Deja de cantar, se retira, se aleja, sufre terribles depresiones y desaparece de la escena por casi 6 años. 


"León Gieco es un fenómeno social dentro de la música popular argentina. Su simpleza y la transparente claridad de su arte le dieron un carisma que sedujo irresistiblemente a la audiencia. Tan tranquilo como su música fue el ascenso de Gieco hasta alcanzar el lugar más alto, qué hoy indiscutiblemente le pertenece. No es un gran cantante ni su prosa tiene la fluidez retórica de otros autores; él lo sabe y sólo intenta dejar humildemente un mensaje, que a veces puede ser una preocupación social, un viejo amor o una vida desperdiciada. Y es allí donde nace la verdadera estatura del Gieco compositor; sus letras, muchas veces simples y candorosas, pueden retratar con llaneza los profundos conflictos del alma humana.
Estos elementos, que van mucho más allá que la simple impresión de la música en el vinilo, hacen por demás dificil hablar de Gieco en el plano estrictamente discográfico; porque, aun en menor medida, esa "seducción" que él ejerce en un escenario tiene sus resabios en el disco. "Pensar en nada" es casi la culminación de una línea estilística a la que Gieco adhirió desde hace algunos años. Influenciado en sus comienzos por los grandes Iideres del folk estadounidense de los sesenta, pronto comenzó a copiar más la actitud de aquellos héroes que la música que elaboraban. Así fue como, lentamente, inició un viaje introspectivo musicalmente, pasando de las tímidas insinuaciones a una abierta y cruda experimentación con el folklore nacional en todas sus variantes. Caso atípico dentro del rock, él es el único exponente de una corriente musical bastante cerrada que ha logrado abrirse sin limites y, lo que es mejor, conseguir que el público lo siga, lo escuche y lo apruebe en sus experiencias. El tema que da nombre al álbum y "Vino algo y lo arrasó" (de Raúl Porchetto) son los dos únicos exponentes de rock eléctrico en todo el álbum. El primero es un rock simple, tocado con un sonido muy moderno: guitarras limpias tipo Dire Straits, un bajo y una batería sólidos. El otro rock eléctrico es una canción de estructura bastante compleja, poco cómoda para el estilo de Gieco, quien a pesar de todo sale airoso respaldado por la impresionante banda de Porchetto. "La cultura es la sonrisa" es uno de los textos más logrados que Gieco compuso en los últimos tiempos. La apelación es simple, directa, pero no esconde lo dramático de su trascendencia. La canción siguiente es uno de los puntos más altos del álbum: "Rajaste del norte" es una hermosa balada de Raúl Porchetto, que Gieco cantaba en el '75 cuando la gira de PorSuiGieco. La atmósfera de tristesa de la letra está perfectamente desarrollada por un Dino Saluzzi brillante en bandoneón; y Gieco canta muy afinado y con una adecuada resonancia. "Vení que te digo algo (se nos va la vida)" es un breve instrumental a dos guitarras con Gustavo Santaolalla. Son apenas unos instantes de profunda belleza y melancolía, el cierre digno para un álbum parejo, serio. León Gieco continúa su camino, y es bueno comprobar que está recorriendo la senda acertada." 

Revista Pelo: Reseña del disco (1981)

Musicos que Participan:

Leon Gieco: Guitarra acustica, armonica, voz

Gustavo Santaolalla: Guitarras electricas, coros

Anibal Kerpel: Teclados

Dino Saluzzi: Bandoneon 

Ruben Rada: Percusion

Jorge Cumbo: Quenas

Raul Porchetto: Teclados

Nito Mestre: Guitarra, teclados

Alfredo Toth: Bajo

Willy Iturri: Bateria

Pablo Guyot: Guitarra electrica

Laurie Buhne: Bajo

Rob Brill: Bateria

Oski Amante: Coros

Temas:

01- Pensar en nada         
02- Bajo el sol de Bogotá         
03- Soy un pobre agujero         
04- La cultura es la sonrisa         
05- Bajaste del norte         
06- Canto dorado         
07- Vino algo y lo arrasó         
08- Los accidentes de la ruta         
09- Cumbia de la ciudad         
10- Aqui, allá, hoy o mañana         
11- Chacarera de un atardecer         
12- Vení que te digo algo 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Vox Dei - La Biblia En Vivo En La Catedral De La Plata (Bootleg-1997)

Gran concierto en vivo de Vox Dei presentando La Biblia. Realizado el 21 de Diciembre de 1997 en la Catedral de La Plata, con el acompañamiento de la Orquesta Estable del Teatro Argentino, dirigida por el maestro Roberto Ruiz.

Vox Dei se presentaba en esta oportunidad con su formación original, mas el Pollo Raffo en teclados y Gabriel Soulé y Simón Quiroga como invitados. El grupo interpreta aquí La Biblia en forma completa e incluye "El manto de Elias" en sus 2 movimientos. Como bises tocan "Espectros", que nunca había sido ejecutada en vivo, y una espectacular versión de "Presente", acompañada de la Orquesta Estable del Teatro Argentino y coreada por el público.

"Después de casi tres décadas de recorrer los caminos del rock, Vox Dei eligió la Catedral de La Plata como escenario para presentar la nueva versión de su obra máxima: La Biblia. Más de 30 mil personas acompañaron a la legendaria banda bajo un cielo encapotado que amenazó hasta último momento con empañar la fiesta. El recital coincidió con la iniciación de la última etapa de construcción de las torres del templo.Willy Quiroga, Ricardo Soulé y Rubén Basoalto subieron -el domingo, minutos antes de las 22- al escenario levantado frente a la plaza Moreno y en las escalinatas de una de las iglesias más importantes del mundo. Lograron un clima regado por emoción y recuerdos. Este es un punto de encuentro entre Dios y el rock, dijeron antes de arrancar con la obertura El manto de Elías. Para los músicos fue una revalorización de un trabajo musical que después de 27 años mantiene su espíritu intacto.Con el acompañamiento en guitarra de los hijos de Quiroga y Soulé se escuchó Elías I, Elías II, Génesis, Moisés, Mandamientos y Guerras. Cuando llegó el final de Libros sapienciales se ubicaron en escena 60 integrantes de la Orquesta Sinfónica del Teatro Argentino dirigidos por el maestro Roberto Ruiz. En ese momento se iluminó el rosetón de la Catedral y entonces el grupo interpretó junto con las cuerdas sinfónicas Profecías y Cristo Minutos después de las 23 y junto a las voces del coro de la Catedral de Quilmes, Vox Dei arrancó con uno de los temas más recordados: Apocalipsis. Miles de platenses repitieron la letra con los brazos en alto y la memoria intacta.Antes de los fuegos artificiales que dieron un colorido imponente al espectáculo, la banda se despidió con Espectros y Presente. La ovación del público quedó flotando en la plaza durante varios minutos. En una noche mágica, Vox Dei logró revivir toda una época. Y una mística".

Integrantes:

Ricardo Soulé: Guitarra, voz
Willy Quiroga: Bajo, voz
Rubén Basoalto: Batería, percusión

Musicos invitados:

Juan “Pollo” Raffo: Teclados
Gabriel Soulé: Guitarra
Simón Quiroga: Guitarra

Temas:

01- El Manto De Elias- Obertura (1er Movimiento)
02- El Manto De Elias- Obertura (2do Movimiento)
03- Genesis
04- Moises
05- Mandamientos
06- Las Guerras
07- Libros Sapienciales
08- Profecias
09- Cristo
10- Apocalipsis
11- Espectros
12- Presente

Formato: Mp3 - 192 Kbps

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Luis Alberto Spinetta - Idem (1971 - Vinilo FLAC)

En el cumpleaños número 70 del querido y eterno Luis Alberto Spinetta, que mejor que compartir una de sus obras. Se trata en este caso de su primer album solista publicado en 1971, digitalizado del vinilo original en formato FLAC; editado por el sello RCA-Vik bajo el código de serie LZ-1358.

La carrera solista de Luis Alberto Spinetta comenzó de manera mas casual que planeada. Almendra se disolvió en 1970 e inmediatamente intento armar Torax, una agrupación que tuvo vida efímera y en la que participaron Edelmiro Molinari, Carlos Cutaia y Pomo. Tras tocar un tema en el primer disco de La Pesada del Rock and Roll, su sello grabador le “recordó” que debía un disco para cumplir el contrato. Así las cosas, Spinetta se encierra en los estudios para grabar "Spinettalandia y sus amigos", un disco grabado rápidamente y con el sabor de lo espontaneo, bordeando el delirio, en apenas 30 horas de estudio. Muchos amigos participaron en las canciones que quedaron registradas en un estilo un tanto tribal, comunitario. En el disco hay, además, dos temas de Pappo: "Castillo de Piedra y "Era de tontos", y uno en coautoría con Pomo: "Descalza camina". Durante años hubo polémicas en torno a si los temas de Pappo eran de el o de Spinetta. Esta confusión tuvo que ver con la mala distribución del sello grabador, que tomo decisiones antojadizas. Un de ellas fue la de editar la primera edición del disco bajo el nombre de Almendra. Spinetta había viajado a Europa, y cuando regreso se encontró con los hechos consumados. Igualmente se hizo un juicio que fue ganado por los ex-integrantes de Almendra. La compañía RCA, se vio obligada entonces a retirar el LP del mercado, aunque lo reeditó a través del tiempo con otras tapas y títulos, como Luis Alberto Spinetta y La búsqueda de la estrella. Recién en 1995, en la edición en formato CD, el disco fue lanzado como Spinetta lo concibió en 1971, bajo el título original de Spinettalandia y sus amigos.

Definido como "un álbum hippie", la grabación se realizó en una casa comunitaria en Vicente Lopez durante poco más de un día, con una gran cantidad de invitados, sin cuidar de hacer silencio, con las letras siendo escritas ahí mismo. Inspirado en gran medida en la grabación abierta y comunitaria de Give Peace a Chance que John Lennon hizo con Yoko Ono y la Plastic Ono Band en 1969, durante la célebre encamada por la paz. Un "antidisco", como él mismo lo definió: "Yo quería hacer un ritual: realizar músicas en estado casi tribal". Fue también un castigo para la opción comercial con que lo presionaba la empresa discográfica RCA, que lo intimaba a cumplir con el tercer álbum comprometido en el contrato firmado para Almendra. Spinetta decidió entonces hacer un disco "que no se lo pudieran vender a nadie", como él mismo lo definió.
Las drogas -en especial el ácido lisérgico (LSD)- el sexo y el hippismo, íntimamente ligados a la psicodelia, jugaron también un papel importante en esa época de Spinetta y de su relación estrecha con Pappo y el grupo de Mandioca, que se nota tanto en Spinettalandia y sus amigos, como en el álbum anterior, el último de Almendra. Fueron precisamente los dos invitados principales de Spinetta en el álbum, Pappo y Miguel Abuelo, quienes comenzaron a evidenciar en sus canciones el efecto de las drogas. Por su parte, en Spinetta el LSD acentuó el surrealismo al que él había adherido desde un inicio. Spinetta venía desde Almendra con ganas de experimentar con música aleatoria, sin ensayo y con forma de zapadas. La grabación se realizó con una gran cantidad de invitados en el estudio, sin cuidar de hacer silencio, con las letras siendo escritas ahí mismo.
Por las condiciones en que fue realizado se trata de un disco experimental, pero a la vez establece algunas líneas estéticas que luego desarrollará Pescado Rabioso y registra el sonido que comenzaban a definir bandas decisivas del rock nacional argentino, como Pappo's Blues o Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll. 

Musicos que Participan:

Luis Alberto Spinetta: Guitarra, bajo, piano, percusión, voz
Héctor "Pomo" Lorenzo: Batería, percusión, guitarra acústica
Pappo: Guitarra, bajo
Miguel Abuelo: Flauta, pandereta, percusión, voz
Victor Kesselman
Elizabeth Viener 

Temas:

01- Castillo de piedra
02- Ni cuenta te das
03- Tema de Pedro
04- Dame, dame pan
05- Estrella
06- La búsqueda de la estrella
07- Vamos al bosque
08- Era de tontos
09- Alteración de tiempo
10- Descalza camina
11- Lulú toma el taxi

Muestra grafica de la grabación sin pérdida de audio original


Ripeado De Vinilo

Formato FLAC (Free Lossless Audio Codec) 48.000 Hz - 16 bits

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Eduardo Mateo - Mateo Solo Bien Se Lame (Uruguay-1972)

La historia de la grabación del primer disco de Mateo es sintomática de su relación con la profesionalidad (a lo mejor se entiende bien el personaje con el concepto de que fue siempre un amateur –un amador– de la música y nunca un profesional, es decir alguien que trabaja de músico). Mateo ya era considerado por entonces un prócer musical en Uruguay, sobre todo por El Kinto, pero no tenía disco propio. A esa altura, el medio ya tenía claro su carácter de divagante perenne, de diletante a la violeta, la inexistencia de un proyecto personal a largo plazo. Sin embargo, el técnico de grabación Carlos Piriz, uno de sus fans acérrimos y un socio, Coyo Abuchalja, casi que lo obligaron a empezar a grabar en Buenos Aires en 1971 lo que sería Mateo solo bien se lame. Tras pagarle al músico y a su novia Nancy pasajes y estadía, los flamantes dueños del sello musical De la Planta empezaron a comprobar que el intento de registrar las canciones en una semana era utópico: los tiempos de Mateo eran imposibles. Grababa un día un tema, que parecía recordar de casualidad, leyendo un cuaderno, y al día siguiente lo borraba. Invitaba músicos argentinos o radicados en la Argentina –entre otros, Horacio Molina, Pocho Lapouble, Jorge López Ruiz, Galo García, Oscar Cardozo Ocampo– y no los hacía tocar, los tenía de claque. Algunos tal vez estaban cuidando los instrumentos que podían haberle prestado, atentos a los datos que decían que Mateo hacía con toda naturalidad aquello que la leyenda cuenta que hizo Pappo con la guitarra que Spinetta le había prestado, más o menos por la misma época de estados alterados. Otros días, corriendo con las horas pagas de estudio, llegaba hasta ION sólo para decir que no estaba inspirado, y que volvía al día siguiente, o directamente no aparecía. Uno de los problemas de Mateo en Buenos Aires era claro: fuera del circuito montevideano, que conocía al dedillo, no conseguía marihuana ni anfetaminas. Debía arreglárselas con pastillas para adelgazar. Estuvieron dos meses en ese ir y venir, en esa apuesta de dos convencidos de su grandeza a registrarle un disco como arrancándoselo. Hasta que un día Mateo hizo la típica “voy a la esquina a comprar fasos” y se volvió a Montevideo, cerca de Navidad. El disco terminó siendo, lógico, el borrador de lo que podría haber sido: Piriz estuvo un año pegando partes de temas, cortando otras, armando conceptualmente los trozos dispersos, bordando un rompecabezas a partir de las pistas dejadas por el autor. “En esa época -cuenta Molina–, Mateo fumaba porro como un loco, y parecía que siempre andaba en una nube. Estábamos en casa y de repente me decía: Vení, loco, acompañáme que tengo una actuación. Y entonces partíamos y llegábamos a un boliche, por ejemplo, de Almagro, y el tipo tocaba unas cosas dificilísimas para tres borrachos uruguayos que lo conocían y dos argentinos que lo miraban como sapo de otro pozo, y él estaba chocho. No tenía esa cosa de Soy Artista. Le chupaba un huevo ser Artista. Estaba convencido de que no debía transar con nada ni nadie, y que si el precio era cagarse de hambre, se iba a cagar de hambre. Y así fue.”

“Mateo solo bien se lame fue realmente como una bomba en Uruguay, me marcó definitivamente. Es un disco que devoré, que conozco de memoria. El disco sigue sonando como un clásico. Cuando salió, ya era un clásico. Marcó una línea estética, en mi opinión, absolutamente tercermundista, si es que esto quiere decir algo: Mateo haciendo un disco con una guitarra acústica y un tambor, en un momento en que toda la música estaba electrificada, en que el rocanrol se hacía cada vez más sofisticado y se tendía ya a dejar la forma simple para llegar al rock sinfónico, al estilo de Emerson Lake & Palmer o Yes. En ese momento, Mateo salió con una guitarra acústica contra el mundo, en un estilo que se apartaba de los parámetros folklórico-rurales, o políticos, para entrar en una atmósfera de mayor vuelo desde el punto de vista espiritual. Mateo tenía una gran influencia de Joao Gilberto y de las atmósferas que creaba Ravi Shankar, pero era una procesadora estética muy particular, con un enorme cuidado y un enorme olfato para las verdades musicales. Tomaba lo que creía que debía tomar, con un criterio particular y personal muy profundo, y lo elaboraba. Lo mismo desde el punto vista rítmico. Era un guitarrista y un percusionista genial.” 

Jaime Ross (Sobre Mateo solo bien se lame)

Eduardo Mateo: Guitarras, percusión, voces, música, poesía

Carlos Piris: Productor asociado, técnico de grabación

Temas:

01- Yulele
02- Quien te viera
03- Uh, qué macana
04- De nosotros dos
05- Niña
06- Tras de ti
07- Por qué?
08- Jacinta
09- La Mama vieja
10- Lala
11- La chola
12- Esa cosa
13- De mi pueblo

Formato: Mp3 - 320 Kbps

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Color Humano - Vol. 1 ( FLAC - 1972)

Después de la disolución de Almendra en 1970, Edelmiro Molinari comienza a desarrollar un nuevo proyecto musical. Primero fue Torax, un grupo que en realidad no paso de algunos ensayos, y que integraban Edelmiro y Luis Alberto Spinetta, que por aquel entonces pasaba por una etapa de querer tocar el bajo. El baterista fue Gustavo Saso, que al no concurrir a un ensayo posibilito que Gustavo Spinetta, hermano de Luis, se sentara por primera vez a una batería, propiedad de Jorge Pistocchi. Antes de que Torax se juntara en una sala, Edelmiro había barajado la posibilidad de formar el Trio Pistola, de vida mas que fugaz, junto con otros dos guitarristas: Pappo y Claudio Gabis.
Después de Torax llego una experiencia con el grupo Viento, que Edelmiro formo con el Luis Gambolini. Otros miembros de Viento fueron Vitico, Miguelito Fender y Rodolfo Garcia, quien asegura recordar un ensayo para un show, pero no el concierto en si. Cuando Gambolini se va, Molinari convoca a Rinaldo Rafanelli como bajista, que a su vez recomienda a David Lebon como baterista. Así queda constituida la primera formación de Color Humano, bautizado así por el tema de Almendra compuesto por Edelmiro. Una vez establecida la agrupación, Color Humano participa de la segunda edición de Buenos Aires Rock, en el velódromo, para luego comenzar a ensayar los temas que compondrían este primer álbum de la banda
David Lebon permanece poco tiempo en Color Humano y se marcha para tocar en Pescado Rabioso. Su reemplazante seria nada menos que Oscar Moro, ex miembro de Los Gatos y uno de los bateristas mas respetados del rock argentino. La mayor cantidad del tiempo del grupo es utilizada en el estudio de grabación y en ensayos meticulosos. Sus pocas apariciones en publico y lo complejo de su estilo hacen de Color Humano un grupo con reputación de exquisitos.
Con la publicación del primer disco homónimo, en medio de una gran expectativa y curiosidad del mundillo musical, el grupo se presenta en el Luna Park, el 20 de octubre de 1972, junto a la Pesada del Rock And Roll, en aquella fatídica noche del "Rompan todo".
El grupo ya consolidado en su formación, comienza a grabar a fines de marzo de 1973, nuevamente en los estudios Phonalex, un álbum doble. Por razones presupuestarias y de mercado el sello Microfón lo sacó a la venta como dos discos independientes. Como la cantidad de material compuesto era tanto se tomó la decisión de editarlo con ese formato y así resultaron Color Humano 2 y Color Humano 3. Entre uno y otro se produce la crisis del petróleo y, todos los productos de él derivados, como el vinilo, eran difíciles de conseguir. Esto provocó la demora en la salida de Color Humano 3, que se editó finalmente en 1974.
En 1973 realizaron un importante recital en el Teatro Astral que estuvo impregnado de un estilo psicodélico. Cuando el telón se abrió comenzaron a caer globos. Muchos de ellos tenían adosados espejos que recibían los rayos de luz provenientes del fondo del escenario. Para esta época, comenzaban los problemas internos que llevarían a la disolución del grupo. Edelmiro estaba decidido a llevar adelante la banda con mano dura, y Rinaldo y Moro ya no eran niños de pecho. Finalmente, a principios de 1974, los dos deciden abandonar Color Humano, para intentar un nuevo proyecto: un cuarteto junto a Ciro Fogliatta y David Lebon. Edelmiro manifiesta continuar con la banda con otros músicos, pero pronto vera que el proyecto es irrealizable. Color Humano había cumplido su ciclo, y Edelmiro partiría hacia Estados Unidos, con el objetivo de radicarse en Los Angeles, junto a su esposa Gabriela.

Integrantes:

Edelmiro Molinari: Guitarra, voz, coros, piano en "Introduccion Polenta"
Rinaldo Rafanelli: Bajo, coros, organo en "Introduccion Polenta"
David Lebon: Bateria, segunda voz

Temas:

01- Padre Sol, Madre Sal
02- Silbame, Oh Cabeza
03- Larga Vida Al Sol
04- El Hachazo
05- Humberto
06- Introduccion Polenta

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

pass: naveargenta.blogspot