Litto Nebbia – Cosas Que No Quieren Morir (FLAC - 1976)

 

 

Excelente álbum recopilatorio, realizado y supervisado por el propio Litto Nebbia, con temas hasta ese momento inéditos, de distintas etapas de su evolución artística. El compilado fué publicado por el sello Trova en 1976.

 

"En la carrera de todo músico, al pasar por los estudios de grabación, quedan siempre registrados trabajos que distintas razones hacen que no vean la luz, y solo en algunos casos esto ocurre postumamente.
Este disco contiene un acetato grabado a mis siete años, en Rosario, cuando tocaba con mis padres. Temas de la cantata "La historia de un hombre", que compusimos con Rodolfo Alchourrón en 1972. Los temas centrales de la película "Bobeta, ilusión y despertar", realizada por Jorge Pantano, y dos canciones grabadas para el LP "Fuera del cielo" que no entraron en la compaginación definitiva.
Para los interesados en mi obra y los ocasionales escuchas, solo una explicación: estas son cosas que no quieren morir."

Litto Nebbia - Contratapa del álbum (Diciembre 1975)

 

 

"Debido a circunstancias de diversa índole, la carrera de un músico no siempre puede registrar su obra paso a paso, con un orden cronológico. Eso, hasta que por sabe qué razones se trata de reunir ese material y editarlo. Precisamente ése es el caso de "Cosas que no quieren morir", un álbum que recopila el paso de Nebbia por varios estudios de grabación.
El material se reparte mayoritariamente entre canciones grabadas con Rodolfo Alchourrón (cantata "La historia de un hombre", 1972). y la banda sonora del film de Jorge Pantano, "Bobeta, ilusión y despertar". El resto son tres aportes grabados con el trío de Astarita y González, registrados en 1975. Como detalle anecdótico, el disco finaliza con un bolero grabado por Nebbia en 1955, cuando tenía siete años. La obra no tiene una calidad de registro pareja, lo cual no impide rescatar pasajes musicales realmente inéditos en la carrera de Nebbia.
Síntesis: Una edición con muy claras intenciones: hacer llegar al público aspectos ignorados -o postergados- de un artista."

   Revista Pelo - Reseña del disco (1976)

 

 

 

 

Músicos Que Participan:

 

Litto Nebbia

Jorge Gonzales

Nestor Astarita

Rodolfo Alchourrón

Osvaldo López

Adalberto Cevasco

Hugo Pierre

Bernardo Baraj

Roberto Fernandez

Alicia Varady

Guollo Nalli

Raúl Parentella

Gustavo Moretto

Fernando Suárez Paz

Reynaldo Michele 

Nestor Panik

Roberto Valleti

Martín Ludueña

Temas:

01- Ellos, los mares
02- Manías de Graciela
03- Amor
04- Niñez
05- Vejez
06- Tema de amor (a)
07- Tema de los títulos
08- Limpia silueta
09- Tema de amor (b)
10- Tema del final
11- Quiéreme siempre

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Spinetta - Only Love Can Sustain (FLAC - 1980)

 

 

La incursión discográfica de Luis Alberto Spinetta en Estados Unidos, impulsada por Guillermo Vilas, no fue todo lo feliz que el hubiera querido. Con la intención de abrir nuevos mercados para su música, la producción de la CBS americana relegó a Spinetta a la condición de cantante, por lo que prácticamente no tuvo injerencia en el rumbo musical de la grabación. Mas allá de lo errático del resultado, como suele suceder, con el transcurrir del tiempo la obra fue revalorizada, a diferencia del momento de su publicación. Only Love Can Sustain es un disco de agradable escucha, con algunos momentos brillantes, dentro del estilo smooth jazz de músicos como Gino Vanelli o Sade. Prestigiosos sesionistas americanos fueron convocados para el registro de este álbum, donde se destaca el exquisito trabajo vocal de Luis Alberto.

 

 

 Only Love Can Sustain fue producido a raíz de las gestiones del tenista Guillermo Vilas, amigo personal en aquel momento y padrino de su hijo Dante, que logró interesar al sello Columbia (CBS) para emprender un proyecto de cinco años con el objetivo de introducir a Spinetta en el mercado estadounidense, que finalmente no prosperó. Para ello CBS invirtió una suma de 100 000 dólares, una gran inversión para la época, con el fin de que Spinetta pudiera contar con músicos y técnicos de primera línea y una orquesta de casi 100 integrantes. Algunos de los músicos sesionistas que tuvo el álbum fueron Paulinho Da Costa, Alex Acuña, Terry Bozzio y Abraham Laboriel, así como el arreglador Torrie Zito que había trabajado con John Lennon y Frank Zappa. Para dar una idea del nivel de inversión económica en el proyecto, Spinetta solía contar cómo la discográfica puso a su disposición una limusina desde que llegó al aeropuerto.
Con semejante nivel de producción, las posibilidades de decisión y ejecución personal de Spinetta se redujeron considerablemente, y el disco tomó las características de una obra industrial, en la que se diluyó el sello personal de Spinetta. Luis Alberto había llevado desde Argentina, demos grabados con temas propios y la participación de un jovencísimo Lito Vitale y Gustavo Bazterrica, pero la empresa se limitó a incluir un solo de guitarra de Bazterrica en "Something Beautiful". A Spinetta le exigieron cantar sin las alteraciones melódicas que lo caracterizaban: “le hicieron cantar como 10 veces cada tema”, reveló Bazterrica años después.
El disco tiene composiciones ajenas, entre las que se destaca "Omens Of Love" de Gino Vanelli, que aporta la impronta del sonido pop-jazz del compositor. El álbum contiene también una poesía de Guillermo Vilas musicalizada por Spinetta: "Children of the Bells". Spinetta no quedó conforme con el resultado, y terminó rescindiendo el contrato con la grabadora.  

 
"Tenía que demostrarme a mí mismo que podía hacer algo en otro lado (…) Aquí nadie se imaginaba que la CBS americana iba a gastar la suma que gastó para que yo hiciera el disco. Por eso me hice mi propia producción discográfica, para que nadie me pusiera límites. Después de tres años de cabildeos y telegramas, abogados y proyectos de contrato, llegué al aeropuerto de New York y me esperaba el productor (George Butler) con una limusina. Al otro día voy al estudio y me encuentro delante de partituras con mi nombre y una orquesta de 60 profesores dirigida por un monstruo que se llama Torre Zito, que arregló Imagine de Lennon. Fue la primera vez que canté con una orquesta tocando. Pero fui al frente y canté. El productor hizo las cosas totalmente diferentes a lo que yo quería, yo hubiera gastado menos guita y hubiera hecho un disco de Spinetta, no un disco con sonido yanqui grandioso. Fue una experiencia. No bien terminé de hacer el disco, rompí el contrato y se acabó.”

Spinetta - Revista Cantarrock (1984)

 

"Grabar en los Estados Unidos siempre ha sido el sueño dorado de nuestros artistas de rock. Estar en uno de esos ultramodernos estudios, rodeados de algunos de los grandes músicos (siempre admirados a la distancia), y con toda la libertad para hacer la música que uno realmente siente...Si, no es más que un sueño dorado. La realidad no reluce tanto y se rige por pautas más crudas. Grabar en Los Angeles, Lagos, Londres, o Nairobi sólo difiere de Buenos Aires en el aspecto técnico. Pero lo demás, las restricciones, las exigencias y las imposiciones siguen siendo las mismas en cualquier parte del mundo. Eso lo saben algunos que ya tuvieron la experiencia de grabar en el exterior, y ahora también lo sabe Luis Alberto Spinetta. "Sólo el amor puede sostener" fue grabado en los Estados Unidos, y ese es todo el crédito que se le puede dar a este álbum. Técnicamente irreprochable, este disco es una colección de los clichés tipicos de los arregladores y compositores de jazz puestos a hacer-música-para-la radio FM. Nadie puede creer que sea la música de Spinetta, que esos sobrecargados arreglos de violines, los coros lánguidos, los solos justitos y lavados representen la creación de un artista que se negó a grabar antes que admitir condiciones con las que estaba en desacuerdo. En Estados Unidos, un disco como este está condenado al fracaso, porque se editan diez por semana que incluso están mejor hechos. En la Argentina representa una pieza prescindible, si se la compara a la altura del resto de la obra de Spinetta. ¿Para quién fue grabado entonces?. Esa es una pregunta dificil de responder. Tal vez los productores estadounidenses tengan la respuesta. Con este primer y único long-play, que pasó inadvertido en el mercado estadounidense, Spinetta terminó su contrato con la CBS. Aquí, mientras tanto, todavía se espera su música."

                                                                                                    Revista Pelo - Reseña del álbum (1980) 

 

 

Spinetta en los estudios de la CBS Columbia de Nueva York

 

Temas:

01- Who's To Blame
02- Only Love Can Sustain
03- Love Once, Love Twice, Then Love Again
04- Omens Of Love
05- Interlude (Jade I)
06- Interlude (Jade II)
07. Something Beautiful
08- Children Of The Bells
09- George's Surprise
10- Light My Eyes
11- Interlude (Jade III)

Músicos De La Costa Oeste:

Guitarra: Dennis Budimir, Tim May, Marlo Henderson, Spencer Bean
Teclados: Tom Pierson
Bajo: Neal Steubenhaus, Chuck Domanico, Abe Laboriel
Batería: James Gadson, Terry Bozzio
Percusión: Paulinho Da Costa, Luis Conte, Alex Acuña

Músicos De La Costa Este:

Guitarra eléctrica: Jeff Mironov
Guitarra acústica: Jay Berliner
Fender, Rhodes y Piano acústico: Pat Rebillot
Fluegelhorn: Marvin Stamm
Bajo fender: Francisco Centeno
Batería: Ronnie Zito
Percusión: Ruebens Bassini

 

Músicos Solistas:

 

Gustavo Bazterrica: guitarra acústica en "Something Beautiful"

Ren Woods: vocal y Ray Pizzi: saxo tenor en "Who's To Blame"
Jeff Mironov: guitarra eléctrica y Marvin Stamm: fluegelhorn en "Love Once, Love Twice.."
Jay Berliner: guitarra acústica y Eddie Daniels: saxo tenor en "Children Of The Bells"
Michael Boddicker: sintetizadores
Debbie McDuffy, Hilda Harris, Vivian Cherry e Yvonne Lewis: coros 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Rayuela - Rayuela (FLAC - 1977) Remaster. 2003

 

 

 Una de las gratas sorpresas, de las muchas recibidas en la nave, fue la revalorización que despertó la publicación de este disco de Rayuela, en formato Mp3, allá por el 2017. Y creo que este único legado grabado por el grupo es merecedor de esos elogios. Un excelente representante del rock progresivo, que quedó un tanto relegado en la memoria de nuestra historia musical, posiblemente por lo efímero de su trayectoria. Desde aquí reivindico el recuerdo de esta agrupación compartiendo nuevamente su único álbum, ahora en formato de audio de alta calidad. 

 

Banda formada por Marcelo Morano y Willy Campins a fines de 1976. Luego de varios meses de preparativos y ensayos en un sotano que compartian con el grupo de Gustavo Santaolalla "Soluna", debuto en el Teatro Del Carmen en abril del año siguiente.
Despues de mantenerse en actividad durante todo ese año, sus integrantes ingresaron a mediados de 1977, a registrar su primer (y unico) album, que se edito a los pocos meses y recibio excelentes criticas por su rock progresivo bien interpretado. La versatilidad de los músicos les permitió infundir aires sinfónicos en el resultado final, toque que le dá sofisticación a su estilo. Estas incursiones en su mayoría son proporcionadas por las entradas del teclado y sus elegantes texturas, y el uso medido e inteligente del saxo y la flauta en la mayoría de las líneas melódicas principales. La gran ventaja de este disco se centra en la creación de ambientes muy emotivos a través de líneas melódicas agradables y con arreglos de buen gusto, con algunos temas realmente cautivantes de evidente belleza.
Paralelamente a la aparicion del material ingresaron a Rayuela Osvaldo Boch en remplazo de Berinstein y el ex Soluna Oski Amante en percusion. Con esa formacion continuaron actuando sin mucho eco popular hasta que a mediados de 1979 se separaron. 

 

¿Que influencias tiene Rayuela?

A.Goldstein: Influencias hay siempre, a partir de que escuchas música te queda y la transformas con tus propias cosas. En el grupo hay diversas vertientes; la mía está más cerca de la música inglesa, pero también me gusta Jean Luc Ponty, o sea que tampoco es muy definido.
W. Campins: A veces las experiencias pasadas tienen mucho que ver con tus influencias. En mi caso, estuve en un grupo con Andrés, Girasol, que pasó por cuarteto hasta que terminó en un trío. Fue una experiencia que nos permitió aprender como trabajar en grupo. Para tocar en grupo hay que saber; es necesario tocar, ensayar con otros músicos durante bastante tiempo. Eso es fundamentalmente por un problema rítmico. Esa fue la primera vez que tocábamos en un grupo; posteriormente estuve tocando como profesional y hace dos años decidimos formar Rayuela.
G. Nojechowicz: La meta que nos propusimos no era el éxito por el éxito mismo, sino tener un órgano donde poder volcar las expectativas musicales. El aspecto creativo del grupo se basa en la cretividad de cada uno de nosotros.
A. Goldstein: El proponerse metas es un problema grave. Pienso que la música de Rayuela esta en vías de definición, y espero que no esté muy definida nunca, en el sentido en que va a crecer en la medida que nos vayamos enriqueciendo como músicos.
E.Berinstein: Los Alas tenían un objetivo clarísimo, pero a ese nivel no tenemos una meta definida grupalmente, mas allá de que la propuesta de Alas es superválida.
W.Campins: En lo personal, tenía una meta fundamentalmente tímbrica. Buscaba formar un grupo que saliera del bajo y guitarra, por eso incluimos un saxo y teclados. Eso me llevó a una apertura de carácter compositivo. Nos conocimos porque en ese entonces tocamos juntos, yo estaba en el grupo Airán junto con mi hermana Mónica, compartimos algunos conciertos con un solista al que Andrés le hacía los arreglos de la banda que lo acompañaba Sergio Polizzi y Cecilia Tenconi, actualmente en Bubu.

¿Que grado de definición alcanzaron en su primer álbum?

G. Nojechowicz: Tiene un panorama quizás heterogéneo, pero, a pesar de la diversidad de estilos, no veo que alguien pueda aburrirse con un álbum de este tipo. En cuanto a la definición, pienso que el primer álbum comienza a mostrarla.
A. Goldstein: Pienso que no podemos decir que a lo largo del álbum haya un tipo de temas identificables como Rayuela, pero sí se encuentra un sonido peculiar del grupo.

¿Que importancia le atribuyen a las letras?

E. Berinstein: Pienso que en cuanto a la música logramos un concenso, pero en las letras es otra cuestión. En principio, con los letristas que estuvimos trabajando no vamos a seguir, pero no por disconformidad sino que por razones que nada tienen que ver con lo literario. Estamos conformes con las letras del álbum, pero queremos otra cosa. Nosotros cinco tenemos muchas cosas para decir, pero queremos llegar a expresarlas de la forma mas poética."

Reportaje a Rayuela - Revista Pelo (Número 96-1978)

 

 

 

Integrantes:

Eduardo Berinstein: Saxo tenor, flauta y percusión
Willie Campins: Bajo y voz
Andrés Goldstein: Guitarra y voz
Marcelo Morano: Teclados
Guillermo Nojechowicz: Batería, voz y percusión

Temas:

01- La casa del hombre
02- Los últimos grillos
03- Aéreo
04- Vientos de calma
05- Acaso tu crees
06- Sexo y dinero
07- Vendré con el viento  

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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The Killers – Good Bye + Bonus (Uruguay - 1970/1972)

 

 

Los Killers tenían dos ventajas valiosas dentro la escena del rock uruguayo de fines de los 60. En primer lugar, pudieron permitirse adquirir costosos equipos de alta calidad. En segundo lugar, poseían una vasta colección de discos con ediciones extranjeras recientes; una forma ideal para encontrar covers exitosos para sus shows. Su primer single, lanzado a través del sello Clave, incluyó una versión del tema principal de la ópera rock Jesus Christ Superstar. Su segundo single fue un cover de del grupo estadounidense Bloodrock, algo absolutamente inusual en ese momento. Su único álbum, Good Bye (1972), representa un giro en su estilo de tocar covers, ya que solo incluía dos. Las canciones originales, compuestas con letras en inglés, están muy bien aregladas y ejecutadas. "After nothing" y "Sing Along", con solos a cargo del muy buen guitarrista Roberto Levy, son dos de los temas destacados del disco. Lamentablemente, como tantos otros grupos de la época, el golpe militar de 1973 puso fin a su carrera en Uruguay. Emigraron a España, donde continuaron trabajando durante varios años.

 
"Dentro del movimiento de rock en Uruguay a finales de los años sesenta, The Killers" (o "Los Killers" como los llamaban sus seguidores) fue posiblemente la banda más profesional en la escena de la música rock del país. El grupo comenzó en 1967 impulsado por el energía juvenil de los hermanos Berro: Romancho (batería) y Marcelo (guitarra), hijos de Socorrito Villegas, famoso maestro de canto y coro de Montevideo. En poco tiempo lograron trazar objetivos claros que en gran medida lograron, siendo la más importante el ganarse la vida tocando música. Fueron sin duda la mejor banda de covers que todos los fines de semana atraían a un gran público a las discotecas donde tocaban. La mayoría de las veces el público dejaba de bailar y se acercaba a escenario para disfrutar de su actuación como si fueran los ídolos de una agrupación extranjera.Tras sus primeros intentos de formar una banda junto a Eddie Gijida (bajo) y Orlando Galo (guitarra), la exigencia de los hermanos Berro, en cuanto a la calidad del sonido y seriedad en compromisos formales y actuaciones, les llevó a buscar nuevos músicos. Completando su formación más sólida con Julio Martínez (bajo) y Roberto Levy (guitarra) (con una breve participación de Toni Henderson en el bajo, personaje muy importante del movimiento rockero de aquellos años), incluyendo también en los coros a sus hermanas Inés y Virginia (esta última desarrollaba al mismo tiempo una interesante carrera en solitario). Esto transformó al grupo inicial de diversión adolescente en una auténtica máquina profesional de hits bailables, convirtiéndose en el principal animador de las noches de los sábados en los años anteriores a la dictadura. La gran habilidad desarrollada para recrear éxitos extranjeros, los llevó incluso a grabar su versión del tema principal de la película Jesucristo Superstar, antes de que la banda sonora original fuera lanzada en Uruguay; hecho que confundió a la audiencia que no podía darse cuenta si esta versión era el original o un cover. Posteriormente, su versión de "Woodstock" se incluye en un recopilatorio destinado a celebrar los primeros diez años del programa de televisión "Discodromo", etapa en la que actuaron casi todos los domingos como artistas principales.
En un panorama musical en el que las bandas poco a poco dejaban de tocar covers para componer su propio material, e inmersos en un panorama dominado por el hard-rock y la psicodelia, The Killers no podía ser la excepción y escriben un puñado de temas con el objetivo de grabar lo que sería su único LP. En 1972, eran la única banda que cantaba en inglés, lo que no era muy bien considerado por el resto de la comunidad rockera, en un momento en que el país atravesaba un período de profunda transformación social, que eventualmente llevaría al advenimiento de la dictadura militar en julio de 1973. Las posibilidades de trabajar en discotecas y dar conciertos eran cada vez más difíciles, por lo que los músicos intentaban encontrar nuevas posibilidades laborales en el extranjero, principalmente en España. De todos modos, The Killers siguieron con su estrategia angloparlante y en diciembre de 1972 se edita "Good Bye", una extraordinaria colección de canciones cuyo título hace referencia a su próximo exilio en Europa. El disco es presentado en directo (que era a la vez la despedida de la banda a su país) en el mítico Teatro Solís, un par de meses antes. La represión sufrida por la sociedad en su conjunto llevó a The Killers, junto a muchos otros compañeros, a abandonar su país rumbo a Europa en busca de una mejor calidad de vida, siempre con el objetivo de ganarse la vida como músicos profesionales. Así, la carrera de The Killers en su país de origen llega a su fin, pero comienzan un nuevo ciclo en España. El grupo siguió funcionando durante varios años con algunos cambios, pero siempre liderado por Romancho y familia, intentando desarrollar una carrera profesional en el panorama musical español. En 1997, The Killers regresaron a Montevideo para participar en el espectáculo de celebración de los 25 años de existencia del Discodromo, que se llevó a cabo en el Teatro Solís." 

 

Angel Atienza (Perro Andalúz)

 

 

Integrantes:

Marcelo Berro: Voz, guitarra
Romancho Berro: Batería, coros
Roberto Levy: Guitarra, teclados, coros
Julio Martínez: Bajo, coros
Virginia Berro Villegas: Coros
Inés Berro Villegas: Coros

Temas:

01- Good Bye
02- Forever
03- Born To Wonder (Rare Earth)
04- Wondering How
05- After Nothing
06- Sing A Long
07- Reflections
08- Love The One You're With (Stephen Stills)
09- I'll Get Used To It
10- Looking For A Change

Bonus Tracks:

11- Superstar (Single Lado A - 1970) (Andrew Lloyd Webber/Tim Rice)
12- White Room (Single Lado B - 1970) (Jack Bruce/Pete Brown)
13- Woodstock (Tema del Compilado 10° Aniversario de Discodromo/1971) (Joni Mitchell)
14- Love The One You're With (Single Lado A -1972) (Stephen Stills)
15- Breach Of Lease (Single Lado B -1972) (Bloodrock)

Formato: Mp3 - 320 Kbps

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Los Abuelos De La Nada - Idem (FLAC-1982)

 

 

Con el regreso de Miguel Abuelo a Argentina en 1981 y con nuevos integrantes, Los Abuelos De La Nada se forman nuevamente. Ya en 1982, con la producción de Charly García, logran grabar y editar su primer LP. Rapidamente varias de sus canciones se convierten en éxito. "No te enamores nunca de aquel Marinero Bengalí", "Sin gamulán" y "Tristeza de la ciudad" sonaban en todas las radios del país. Los días 22 y 23 de octubre se presentan en el teatro Coliseo, en noviembre en el festival BaRock, y el 25 de diciembre Charly García se presenta en Ferro y "Los Abuelos" son una de sus bandas soporte. 

 

Cuando Miguel volvió fue para armar un grupo. En sus propias palabras, "Cachorro vino acá y me escribió a Europa, diciéndome que podíamos hacer una `gorda'. Fue Cachorro el cerebro de la compaginación de los nuevos Abuelos, el encargado de probar músicos y bucear el ambiente." Para Abuelo, "...tenía que ser algo cosmopolita, como la Argentina, donde tenemos muchas influencias diversas trabajando simultáneamente."

Según la biografía de Miguel Abuelo de Juan José Carmona: "López le presenta a un estudiante de la Universidad Católica que tocaba el clarinete y lideraba un grupo de teatro llamado 'Ring Club'. Miguel es atrapado por las ideas de Daniel Melingo y automáticamente ambos se ponen a trabajar en la musicalización de alguno de sus poemas, como 'La mujer barbuda'." Al poco tiempo Pipo Lernoud le presentó a un tecladista que tocaba en Raíces y componía: Andrés Calamaro. Luego se agregaron el guitarrista Gustavo Bazterrica (ex-Máquina de hacer pájaros) y el baterista Polo Corbella (ex Bubu). Mientras preparan el material de la banda, Miguel se presenta con Dany y Cachorro en el teatro Picadero haciendo sus canciones viejas y algunas nuevas. Para fin de año, ya los Abuelos se habían puesto en acción. "Los Abuelos es una plataforma de trabajo sujeta por los integrantes que la componen", había dicho Miguel. Porque la idea siempre fue estimular la creatividad de los miembros, sumando sus aportes. Y eso fue lo que llamó la atención desde los comienzos del grupo, en sus actuaciones en pequeños pubs como el Bar Latino. Toda la banda participaba en la construcción de un sonido nuevo. Graban en los Estudios del Jardín, con el desinteresado apoyo del técnico Mario Breuer, un demo con cuatro temas: "Marinero bengalí", "Con el cachete caído", un instrumental, "Matraca" y "Guindilla ardiente". Según el libro "Historia del rock en la Argentina", de Marcelo Fernández Bitar, "...era habitual escuchar por Radio Del Plata 'Con el cachete caído', 'Guindilla ardiente' y 'Mundos inmundos'." Los días 29 y 30 de diciembre, los Abuelos se presentan como "Los Gabanes" en el loquísimo espectáculo Juicio Oral y Público al Dr. Moreau, organizado por Daniel Melingo y Víctor Kesselman. Era una especie de comedia musical delirante en el que también participaron Miguel Zabaleta, Hilda Lizarazu, Horacio Fontova, Rubén Vázquez, Diana Nylon, Las Bay Biscuits, etc.

El año 1982 se abre con un evento histórico: el Festival Pan Caliente, producido por la revista del mismo nombre, dirigida por Jorge Pistocchi, gran amigo de Miguel, para reunir fondos. En la cancha de Excursionistas en el bajo Belgrano se presentan por primera vez ante un público masivo dos grupos fundamentales: Patricio Rey y Los Redonditos de Ricota y Los Abuelos de la Nada. Los Abuelos asombraron con su vitalidad y su sonido trabajado. Pero el público no entendió de entrada la propuesta funky, latina y bailable, con Miguel moviendo las caderas y haciendo morisquetas. Todavía bajo la bota de la dictadura, la gente no recibió bien la desfachatez de los Abuelos, que según Miguel venían "... a abrir un campo musical de alegría. Porque los jóvenes heredan la vida gris y miedosa, la sensación permanente de ser culpables de algo." En febrero, en el festival de La Falda la audiencia también se burló de Miguel y le tiró toda clase de proyectiles a la banda. Dijo la revista Pelo: "Los Abuelos volvieron a la vida. Con otras caras, con otra música, pero con el viejo espíritu. Mostraron en sus primeras actuaciones una música volcada hacia lo latino, con preminencia de ritmos fuertes y entradores. Lo mejor de los nuevos Abuelos es una composición grupal cantada a cuatro voces: 'El marinero bengalí'." La banda ya había llamado la atención de Charly García, que decide producirles el primer disco, "Los Abuelos de la Nada". "No te enamores nunca de aquel marinero bengalí" fue el tema que abrió el fuego para la llegada de los Abuelos a un público masivo. Y el comienzo de la popularidad adolescente vino servida en la melodía pegadiza de un tema de Calamaro, "Sin gamulán". Otro tema que pega es el reggae de Gringui Herrera , "Tristezas de la ciudad". Presentan el disco en el Coliseo con Charly García como músico invitado. Durante noviembre se realiza el festival B.A.Rock, en el que los Abuelos vuelven a mostrar sus cualidades. Y rematan el año como teloneros de García en su recital de diciembre en Ferrocarril Oeste, donde además Calamaro, Cachorro, Bazterrica y Melingo forman parte de la banda de Charly.

 

 

 

Integrantes:

 

Miguel Abuelo: Voz, coros, percusión
Gustavo Bazterrica: Guitarra, voz, coros
Andrés Calamaro: Teclados, voz, coros
Cachorro López - Bajo, cuica
Daniel Melingo: Clarinete, saxofón
Polo Corbella: Batería, coros

 

Temas:

 
01- No Te Enamores Nunca De Aquel Marinero Bengalí
02- Sin Gamulán
03- En La Cama O En El Suelo   
04- Como Debo Andar
05- Ir A Más
06- Tristeza De La Ciudad
07- Creo Que Es Un Sueño Más
08- Levantando Temperatura
09- Guindilla Ardiente
10- Te Vas Rica
11- Se Me Olvidó Que Te Olvidé 

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Blue's Men - Prohibido Prohibir (1968)

 

 

Esta es sin duda la joya mas preciada del garage argentino. Blue's Men fue una efímera agrupación de fines de los 60, que llegó a grabar este único y maravilloso legado sonoro, editado originalmente en 1968 por el sello Odeón. Cantado enteramente en inglés, el álbum cuenta con la poderosa voz de Miguel Witis, a menudo comparado con Eric Burdon, Van Morrison y Tom Jones, e incluía versiones de, entre otros temas, ‘If I Were A Carpenter’ de Tim Hardin y ‘Hush’ de Billy Joe Royal, mas algunas composiciones propias como "Adentro y  Afuera (Prohibido Prohibir)" y "Reflejo de Sol En Día Domingo". 

En 2003 el sello holandés Mystic reedito el disco en vinilo de 10 pulgadas, el cual incluía 9 temas de los 14 pertenecientes a la edición original.

 

"Imaginen a The Doors, con una pátina de The Animals, pero sonando en Buenos Aires, más precisamente en sus suburbios, en 1968. Eso es Blue’s Men, con un añadido: psicodelia casera, con un sonido único e hipnotizante. Durante años, Prohibido prohibir, el único álbum que grabaron, fue un tesoro para entendidos en memorabilia rockera: siempre fue un disco difícil de conseguir, casi imposible, un rasgo que contribuyó a esculpir su estatus de obra clásica maldita. Ahora que finalmente lo tenemos en nuestras manos, Prohibido prohibir actualiza su condición de obra maestra y más: a medida que avanza, es apenas comprensible que casi ninguno de sus integrantes haya seguido vinculado al mundo de la música y que su cantante, el impresionante Miguel Witis (actualmente fallecido) –para muchos, el «Eric Burdon argentino»: alcanza con escucharlo gritar para entender su sobrenombre– no haya sido una estrella local en su momento, con decenas de discos sobre su espalda. Mención especial para la versión de Hush, primer single de unos jóvenes Deep Purple que seguramente jamás se enteraron de esta relectura sucia y poderosa en manos de un quinteto argentino perdido en el tiempo".

www.zonadeobras.com

 

Ficha Personal:

 
Miguel Witis: Este extraordinario cantante cuya voz adquiere, mientras canta, un brillo y tonalidades incomparables nació hace 21 años en Buenos Aires.
Desde muy chico comenzó a modelar su voz y estudiar música; toca piano y viola. Es estudiante de medicina. Anteriormente habla actuado en tres conjuntos. Es tanatico admirador de Ray Charles. Entre su tipo de música preferida ocupa un lugar preponderante el "negro spritual".

Oscar "Quique" Alvarado: También de 21 años, se dedicó desde muy joven a estudiar música; tal es así que en este momento está considerado como uno de los pianistas mas de onda. Toca además guitarra y bajo. También el se desempeñó en varios conjuntos antes de encontrar su verdadero camino junto a los Blue's Men. Admira a nuestro gran pianista Enrique Villegas. Le encanta la música barroca y en especial Bach. Su hobby es la electrónica.

Eduardo Levi: De 18 años, toca la guitarra; aunque es muy joven todavía, actuó anteriormante en cuatro conjuntos. Divide su actividad entre la guitarra, sus estudios de Ciencias Económicas y su hobby: viajar. También admira a Ray Charles y su música preferida es el "hot jazz".

Miguel Rosales: 20 años; cuando toca la batería se entusiasma tanto que a su alrededor parece que se hiciera el vacío. Adquirió experiencia en los cuatro conjuntos en que actuó anteriormante. Todo su tiempo lo ocupan: primeramente le batería y su hobby, que es el dibujo y la publicidad. Le encanta el ritmo "afro".

Cesar Paredes: Aunque no lo representa, tiene 18 años; toca admirablemente el bajo. También actuó en dos conjuntos antes de identificarse plenamente con los "Blue's". Es un fanático del jazz, y en los ratos libres se dedica a las chicas, su hobby predilecto (sic).

Extraido de la contratapa del álbum

 

 

 

Integrantes:

 

Miguel Witis: Voz

Eduardo Levi: Guitarra 

Oscar "Quique" Alvarado: Piano, órgano

Miguel Rosales: Batería

Cesar Paredes: Bajo

 

Temas:

 

01- Adentro Y Afuera (Prohibido Prohibir)
02- Blueberry Hill
03- Georgia En Mi Mente (Georgia On My Mind)
04- No Hay Tiempo Para Llanto
05- Silencio (Hush)
06- Moños Preciosos
07- La Balada De Bonnie Y Clyde (The Ballad Of Bonnie And Clyde)
08- Hermosa Nena
09- Miel En La Viña (Honey On The Vine)
10- Jovencita
11- El Dia En Que El Mundo Perdió La Cabeza
12- Si Yo Fuera Carpintero
13- Tu Comprendes
14- Reflejo De Sol En Dia Domingo 

Formato: Mp3 - 320 Kbps

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Astor Piazzolla - Olympia 77 (FLAC - 1977)

 

 

Olympia 77 es el único registro de la actuación de Piazzolla al frente de un conjunto de músicos provenientes del jazz y del rock. La formación incluía a Tommy Gubitsch en guitarra, Luis Ferreyra en flauta y saxo alto, Ricardo Sanz en bajo, Gustavo Beytelmann en piano eléctrico, Osvaldo Caló en órgano, Daniel Piazzolla en sintetizador y percusión, y Luis Ceravolo en batería.  

 

"Grabado en vivo a partir de una serie de actuaciones en el Olympia de París durante abril de 1977, Olympia 77 muestra a un Piazzolla eléctrico y acaso más sofisticado, fresco de las experiencias por ejemplo de Libertango, el disco que había registrado en Italia en 1974, trabajo en el que asumía incluso otras formas de grabación, en las que a la manera de los grupos de rock el trabajo de estudio resultaba determinante para el sonido final. La música de este Piazzolla era el producto de una época de cambios y búsquedas, sobre todo tímbricas y formales del compositor. Epoca que, si bien no dejaría mucho para sus estilos sucesivos, marcó un momento de vitalidad especial en un artista interesado en sonar nuevo sin salir de su tradición, y sin embargo rodeado de músicos ligados más bien al jazz y al rock (que por entonces, con el término “progresivo”, planteaba caminos dignos de ser explorados). “... un grupo que lograría valor casi de leyenda para la escena argentina y que mucho tuvo que ver con el fugaz romance entre Piazzolla y el mundo del rock...”, escribe Fischerman en las notas que acompañan la edición.

La característica más saliente de este Piazzolla respecto de otros Piazzolla, más allá de enchufes, perillas, tradiciones y patrimonios generacionales, podría estar en el empleo del tiempo. Son más de aquellos “tres minutos con la realidad” los que esta música necesita para construir su identidad. Sobre amplios espacios de tiempo, los temas pasan por los solistas para enriquecer diálogos, contrapuntos, contrastes. Hay juego y dinámica, como siempre en Piazzolla. Y hay también transcursos amplios sostenidos con gestos que saben a improvisación. Los entonces flamantes “Libertango”, “Meditango” y “Violetango” de la serie grabada en Italia, y “Zita”, de la Suite troileana, y “Adiós Nonino” respiran de otra forma y caracterizan este período de Piazzolla."

 

Santiago Giordano (Página /12)

"En 1975, conmovido por la muerte de Aníbal Troilo, el más grande entre sus pichones le tributaba un homenaje seminal: la “Suite Troiliana”, una obra de cuatro movimientos que, viene muy al caso, fue ejecutada por su Conjunto Electrónico. Al año, con la misma formación, Astor Piazzolla presentó 500 motivaciones en el Teatro Gran Rex, con importante asistencia rockera y, un semestre después, repitió en el Teatro Olympia de París. Era la época del jazz rock o, dicho en argentino, del tango-rock con marco de jazz. “Piazzolla estaba muy interesado en eso”, asevera Pipo Lernoud a Página/12. No es teoría ni relectura de fuentes ajenas. El creador de El Expreso Imaginario trabó relación in situ con aquel Piazzolla electrizado con y por la época, y lo entrevistó dos veces. Una en el ’75, por encargo de una revista colombiana, y otra para un especial de El Expreso centrado en el vínculo entre tango y rock. Y ambas (publicadas en el debut y en el número 5 de El Expreso respectivamente) dieron testimonio de un Piazzolla navegando por las aguas musicales complejas, enmarañadas y vitales de la época. “La verdad que me sorprendió, porque creíamos que era un chinchudo que se peleaba con todo el mundo y que consideraba al rock como una cosa menor, pero salió diciendo que respetaba mucho a los músicos de rock, que le gustaban Charly y Spinetta, y que era un momento interesante para esa música”, evoca uno de los seres fundacionales del periodismo de rock en Argentina."

Cristian Vitale (elortiba.org) 

Astor y El Conjunto Electrónico en Paris, frente al teatro Olympia

Integrantes:

Astor Piazzolla: Bandoneón, composición, arreglos

Tommy Gubitsch: Guitarra eléctrica

Ricardo Sanz: Contrabajo

Gustavo Beytelman: Piano

Osvaldo Caló: Organo

Daniel Piazzolla: Sintetizador

Luis Ceravolo: Batería

Luis Ferreira: Flauta, saxo alto

 

Temas:

 

01- Libertango
02- Meditango
03- Zita
04- Adiós Nonino
05- Violentango 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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